CRÍTICAS | FESTIVAL DE CANNES 2019 (I)

SORRY WE MISSED YOU

Reino Unido, 2019. Dirección: Ken Loach

Sección oficial a concurso del Festival de Cannes

A estas alturas de la película, no podemos pedir sutilezas en casa de Ken Loach y Paul Laverty. Ser fiel a uno mismo es, de por sí, algo muy complicado en una coyuntura artística tan preocupada por "apelar a todos" y "no molestar a nadie". Sorry We Missed You tiene todas las virtudes y todos los vicios de sus artífices. Hay verdad con aromas de folletín, buenas interpretaciones pese a algunas sobreactuaciones, un resumen certero de la precariedad aun cuando el filme apuesta por un miserabilismo sobredimensionado. Ahora bien: la película evidencia hasta qué punto la furia de Laverty salva a un Loach que, en su última etapa, parece filmar por inercia, echando mano de formalismos. Allá donde Loach aporta más bien poco (colores fríos, los planos-contraplanos de toda la vida, etc.), el texto de Laverty alcanza cuotas de emoción, a veces esperadas y en otros momentos inusitadas. Sea como sea, el naturalismo de uno de los tándems más fructíferos del cine moderno tiene garantizada su continuidad (al menos hasta que la edad y la salud les acompañen). Su talento es incuestionable y el día a día de la calle y de los medios siempre les brindará la inspiración que necesitan. Sorry We Missed You consigue lo que se propone: tocar la fibra del público medio y hace reflexionar sobre las indecencias del contexto capitalista.

LA GOMERA (THE WHISTLERS)

Rumanía, 2019. Dirección y guion: Corneliu Porumboiu

Sección oficial a concurso del Festival de Cannes y Sevilla

La presentación de La Gomera en la sección oficial del festival puso en valor la carrera de Corneliu Porumboiu, nombre importante del cine rumano de nuevo cuño que en el templo cannois había ocupado posiciones secundarias con respecto a Puiu y Mungiu. Crítico con el pasado sociopolítico de sus país, amante de la mezcla de géneros y firmante de historias de textos sencillos y subtextos abigarrados, el director de El tesoro firma un thriller bizarro, tocante con el cine negro clásico, el neo-noir, el western e incluso la parodia de todas esas tipologías. El silbo gomero, toda una rareza lingüística, es el epicentro de una red más extraña que tupida de interrogantes. El aplomo de Porumboiu es innegable y el aporte mafioso del actor-director Agustí Villaronga es una extravagancia divertida. Prima, eso sí, la sensación de que su firmante quiso abarcar mucho y, cumpliendo el dicho, consiguió apretar los gatillos del (contra)género de una manera discreta, algo anodina. Interesante, aunque no ensancha los horizontes de un thriller europeo excesivamente manoseado en los últimos años, tanto en la pequeña como en la gran pantalla. 

DE REPENTE, EL CIELO (IT MUST BE HEAVEN)

Palestina, 2019. Dirección y guion: Elia Suleiman

Mención especial y Premio FIPRESCI del Festival de Cannes

Con rictus de mimo chapliniano, apelando al "autocine" que ya practicó Nanni Moretti en los 90, Elia Suleiman rubrica una comedia a contracorriente sobre el colonianismo, las apropiaciones culturales y las violencias implícitas que se agazapan en tejidos sociales tan diferentes como los de Oriente Medio, Francia y Estados Unidos. La entrada frustrada a un templo religioso, las invasiones de un vecino que cuida el limonero del protagonista y el acecho de las fuerzas policiales sirven para filmar gags visuales y mudos, cual viñeta preñada de sorna y semánticas. Con todo, Suleiman cree significar más de lo que consigue, a veces subraya ideas y en algunos momentos necesita distanciarse de sus planteamientos iniciales para dar vuelo a la obviedad de su discurso (véase el interesante inserto metacinematográfico con Gael García Bernal). Suleiman puede parapetarse en la alegoría, pero cerrar el filme con una dedicatoria a Palestina es un recurso un tanto bajo. Eficaz, eso sí, si se quiere llamar la atención de los festivales internacionales. Una anécdota personal que, en su espíritu militante, encontrará el arropo de una parte importante de la crítica especializada.

Sigue la actualidad cinematográfica en 

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES

Disponible en Ivoox, Spotify y Apple Podcast

CRÍTICA | UN ABRIL ENCANTADO (ENCHANTED APRIL), de Mike Newell

Primavera romana 
UN ABRIL ENCANTADO (ENCHANTED APRIL)

2 Globos de oro: mejor actriz protagonista (comedia) y actriz secundaria. 3 nominaciones al Óscar

Reino Unido, 1992. Dirección: Mike Newell Guion: Peter Barnes, a partir de la novela de Elizabeth von Arnim Fotografía: Rex Maidment Música: Richard Rodney Bennett Reparto: Joan Plowright, Miranda Richardson, Polly Walker, Alfred Molina, Josie Lawrence, Jim Broadbent, Michael Kitchen Género: Tragicomedia Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 23/04/1992

¿De qué va?: Londres, años 20. Hartas de escuchar las quejas de sus maridos y del ajetreo de la gran ciudad, dos mujeres deciden alquilar un castillo perdido en un paraje italiano durante todo un mes. Al viaje se suman dos mujeres más para compartir gastos: una anciana cascarrabias y una joven rica de la alta sociedad británica.

CRÍTICA | LA FAVORITA, de Yorgos Lanthimos

Ojo de pez en la aristocracia 

LA FAVORITA

Reino Unido, 2018. Dirección: Yorgos Lanthimos Guión: Deborah Davis y Tony McNamara Fotografía: Robbie Ryan Reparto: Olivia Colman, Rachel Weisz, Emma Stone, Nicholas Hoult, Joe Alwyn, James Smith, Mark Gatiss, Jenny Rainsford, Tim Ingall, Basil Eidenbenz, Timothy Innes,  Jack Veal, James Melville, Hannah Morley, John Locke Género: Comedia dramática Duración: 119 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 18/01/2019

¿De qué va?: Principios del siglo XVIII. Inglaterra está en guerra contra Francia. Una reina debilitada, Anne (Olivia Colman), ocupa el trono, mientras que su amiga Lady Sarah (Rachel Weisz) gobierna en la práctica el país en su lugar, debido al precario estado de salud y al carácter inestable de la monarca. Cuando una nueva sirvienta, Abigail (Emma Stone), aparece en palacio, su encanto seduce a Sarah. Esta ayuda a Abigail, la cual ve una oportunidad para regresar a sus raíces aristocráticas. Como la política ocupa gran parte del tiempo de Sarah, Abigail empieza a acompañar con más frecuencia a la reina. (FILMAFFINITY)

CRÍTICA | LA BÚSQUEDA DE LA FELICIDAD, de Dominic Savage

Escurridiza felicidad

LA BÚSQUEDA DE LA FELICIDAD (THE ESCAPE)

Reino Unido, 2017. Dirección y guión: Dominic Savage Música: Alexandra Harwood y Anthony John Fotografía: Laurie Rose Reparto: Gemma Arterton, Dominic Cooper, Frances Barber, Marthe Keller, Montserrat Lombard, Jalil Lespert, Laura Donoughue Género: Drama Duración: 101 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 14/12/2018

¿De qué va?: Una joven ama de casa asfixiada por la monotonía de su día a día toma una decisión trascendental en su vida.

CRÍTICA | LEAN ON PETE, de Andrew Haigh

LEAN ON PETE

Reino Unido, 2017. Dirección y guión: Andrew Haigh Música: James Edward Barker Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck Reparto: Charlie Plummer, Travis Fimmel, Steve Buscemi, Chloë Sevigny,  Steve Zahn, Thomas Mann,  Amy Seimetz,  Justin Rain,  Frank Gallegos,  Rachael Perrell Fosket, Dana Millican,  Chris Ihlenfeldt,  Lewis Pullman,  Julia Prud'homme, Bob Olin Género: Drama Duración: 121 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 18/05/2018.

¿De qué va?: Cuando una tragedia surge en la vida Charlie (Charlie Plummer), deberá tomar complejas decisiones y emprender un largo camino para encontrar un nuevo hogar.

CRÍTICA | EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO, de Yorgos Lanthimos

Ojo por ojo

EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO

Festival de Cannes: Mejor guión. 3 nominaciones a los EFA

Reino Unido, 2017. Dirección: Yorgos Lanthimos Guión: Yorgos Lanthimos y Efthymis Filippou Fotografía: Thimios Bakatatakis Reparto: Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp Género: Drama sobrenatural. Thriller surrealista Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/12/2017
¿De qué va?: La plácida vida de un cirujano se verá alterada por la presencia de un chico de dieciséis años. La amistad entre ambos tomará un giro inesperado cuando el adolescente le pide al adulto un "sacrificio" para salvar a sus hijas de una muerte inminente.

CRÍTICA | THE PARTY, de Sally Potter

Perfectos desconocidos

THE PARTY

Berlín: Sección oficial a concurso. BIFA a la mejor actriz secundaria (Patricia Clarkson)

Reino Unido, 2017. Dirección y guión: Sally Potter Fotografía: Aleksei Rodionov Reparto: Patricia Clarkson, Bruno Ganz, Cherry Jones, Emily Mortimer, Cillian Murphy, Kristin Scott Thomas, Timothy Spall Género: Comedia dramática Duración: 70 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 09/02/2018

¿De qué va?: Un matrimonio está a punto de celebrar una fiesta en su casa. Ella acaba de ser nombrada ministra. Su marido no parece estar demasiado entusiasmado con la celebración. Los invitados llegan, unos y otros empiezan a charlar, y de pronto la velada toma unos caminos inesperados que afectarán a todos los presentes.

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL S. XXI (VIII) | REINO UNIDO e IRLANDA

Como parte de los podcasts especiales de Cine del S. XXI, En Cinoscar & Rarities estamos realizando una lista con 150 películas poco conocidas del siglo, todas ellas de visionado obligado, de temáticas y autores muy diferentes. Agrupamos los films en 30 listas de 5 nombres según su nacionalidad. Las 30 películas más votadas en el grupo de facebook Cine del S. XXI competirán en la 6ª edición del Cinoscar Summer Festival 2018.

Nº 36 FELICES DIECISÉIS (Reino Unido, 2002)

¿De qué va?: Liam está a punto de cumplir 16 años y espera que su madre salga de prisión. Mientras, la vida con su hermana, su abuelo y la pareja de su madre se hace insoportable. Quiere irse del barrio... y para ello necesita ganar dinero.

¿Quién la dirige?: Ken Loach, buque insignia del cine social, militante desde tiempos casi inmemoriables hasta la reciente Yo, Daniel Blake. Con Felices dieciséis consiguió premio en Cannes y presencia en las carteleras de medio mundo. En el guión le secunda su compañero habitual Paul Laverty. Es el debut cinematográfico del intérprete escocés Martin Compston, conocido en la actualidad por la serie Line of Duty.

¿Cuál es su palmarés?: Palma al mejor guión. Espiga de oro a la mejor película. British Independent Film Award a la mejor película. Fipresci de los Premios del Cine Europeo, además de otras cuatro candidaturas, incluyendo mejor director y guión.

¿Por qué hay que verla?: De Loach siempre se puede aprender, como espectadores y ciudadanos. Felices dieciséis, con su retrato de una juventud en constante movimiento, gracias a un equilibrio entre la comedia y el drama, se impone como uno de sus últimos estrenos más completos y consensuados por crítica y público.

CRÍTICA | EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ, de Lynne Ramsay

La noche de la bestia

EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ

Festival de Cannes: mejor actor y guión. Festival de San Sebastián: sección Perlas

Reino Unido, 2017. Dirección: Lynne Ramsay Guión: Lynne Ramsay, a partir de la novela de Jonathan Ames Fotografía: Tomas Townend Música: Jonny Greenwood Reparto: Joaquin Phoenix, Alessandro Nivola, John Doman, Judith Roberts, Alex Manette, Ekaterina Samsonov, Kate Easton, Jason Babinsky, Frank Pando, Ryan Martin Brown, Scott Price, Dante Pereira-Olson, Jonathan Wilde, Leigh Dunham, Vinicius Damasceno Género: Thriller. Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 24/11/2017

CRÍTICA | TOM & VIV, de Brian Gilbert

TOM & VIV

2 nominaciones al Óscar y Bafta, y 1 candidatura a los Globos de oro

Reino Unido, 1994. Dirección: Brian Gilbert Guión: Adrian Hodges y Michael Hastings Reparto: Willem Dafoe, Miranda Richardson, Rosemary Harris, Tim Dutton, Nickolas Grace, Geoffrey Bayldon, Clare Holman, Philip Locke, Joanna McCallum, Joseph O'Connor Fecha de estreno en España: 11/11/1994 Tráiler: Link

Crítica José: Thomas S. Elliot, un poeta americano, y Vivianne Haigh-Wood, una aristócrata, coinciden en Londres durante la Primera Guerra Mundial. Tras conocerse en la Universidad de Oxford como estudiantes, se enamoran. En la película se narra las dificultades de Thomas y Vivianne para mantenerse juntos, dado el rechazo de la familia de ella a la procedencia humilde del poeta y la inestabilidad mental que pronto Vivianne empieza a manifestar. La interpretación tanto de Willem Dafoe como Thomas y Miranda Richardson como Vivianne es impresionante, transmitiendo a los personajes todas las luchas a las que tienen que hacer frente. Nota: 6 / 10

Crítica Mayra: En Tom & Viv asistimos al biopic del famoso escritor Thomas S. Elliot. La cinta narra la relación entre Elliot y su primera esposa. Un drama romántico que nos muestra el inicio del idílico romance y posteriormente los entresijos de la conflictiva convivencia matrimonial; a la vez que también relata el devenir de la carrera de Elliot. Si bien es cierto que Tom & Viv cuenta con una solvente puesta en escena y sobre todo las interpretaciones de Richardson y Dafoe resultan correctas, hay que admitir que la historia se percibe poco interesante, aún cuando su desarrollo es elegante y correcto (como suele suceder en la mayoría de films británicos y de época), todo se siente demasiado superficial. En cierto modo resulta paradójico que tratándose de un film sobre la vida de un poeta, el retrato en su conjunto carezca de alma y emocione poco o nada al espectador. Una cinta que, a pesar de todo, no llega aburrir, pero no logra dejar huella ni sobresalir de entre las obras de su tipología. Nota: 5 /10

Crítica Ronnie: Basada en una historia de amor real entre el poeta americano Thomas S. Elliot y Vivianne Haigh-Wood, hija de una familia aristócrata de Londres durante la Primera Guerra Mundial, despúes de conocerse en la Universidad de Oxford cuando eran estudiantes. Ambos deciden contraer matrimonio pero, debido a que S. Elliot carece de fortuna alguna, deciden huir de casa para poder casarse. Principalmente destaca el trabajo actoral realizado por los dos actores principales, Willem Dafoe como Thomas y Miranda Richardson (nominada al Óscar de mejor actriz) como la desequilibrada Vivianne. La composición de ambos personajes vale completamente el visionado. Mención especial para Rosemary Harris como la madre de Vivianne. La burguesía inglesa queda retratada en este capítulo de amor entre dos individuos de distintas clases sociales, pero sobra decir que el paso del tiempo hace ver el relato un tanto desgastado en su composición fílmica. Situación que no sucede con Wilde, cinta del mismo realizador. Nota: 6 / 10

Crítica Xavier: En los Óscar se suele hablar de "cuotas". Ahí está la cuota indie, la cuota industrial, la cuota gay o las cuotas que se quieran. Tom & Viv forma parte de una cuota muy evidente (y muy influyente en casa de la Academia durante los 90): la británica. Y en consonancia con esa cuota, la película es todo aquello que uno puede imaginarse antes de "darle al play": interpretaciones trabajadas (con dejes muy teatrales), una puesta en escena muy medida (también algo postiza), un guión "elegante" (en el fondo, eufemismo de "aburrido") y cuantos lugares comunes puedan imaginarse. Tom & Viv, en definitiva, poco puede sorprendernos. El problema se amplía si tenemos en cuenta que la película, por lógico paso del tiempo, ha quedado un tanto acartronada. Y aquí la tenemos en nuestro festival, tan bellamente desubicada como un jarrón barroco de nuestros abuelos en mitad de un salón modernista. No es que Tom & Viv sea una mala cinta: es que en los 90 ya olía a naftalina. Pero para gustos, colores. Y cuotas, porque a los fervientes defensores de la cuota clásica (¿o era clasiconda?) les entusiasmará. Nota: 5 / 10

Encuentra todo el CINE DE 1994 en nuestro PODCAST:

CRÍTICA | NEGACIÓN (DENIAL), de Mick Jackson

Volver a la evidencia
NEGACIÓN (DENIAL), de Mick Jackson

Nominación al Bafta al mejor film británico

Reino Unido, 2016. Dirección: Mick Jackson Guión: David Hare Música: Howard Shore Fotografía: Haris Zambarloukos Reparto: Rachel Weisz, Tom Wilkinson, Timothy Spall, Andrew Scott, Caren Pistorius, Alex Jennings, Jack Lowden, Will Attenborough, Michael Epp, Jack Gover, Sally Messham, Laura Evelyn, Ziggy Heath Género: Drama judicial Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/04/2017
¿De qué va?: Tras publicar un libro donde denuncia las teorías negacionistas del Holocausto, la historiadora Deborah Lipstadt inicia un contencioso judicial con David Irving, polémico defensor de Hitler. El careo dará paso a una lucha, ya no por defender la integridad académica de uno y de otro, sino por probar la existencia de los campos de exterminio en la Alemania nazi.

No podemos "negar" lo evidente. No es la primera vez que la ficción cinematográfica une las remebranzas del Holocausto nazi con el subgénero "de juicios". Tampoco resulta nuevo saberse ante la adaptación de un libro de éxito y una historia "basada en hechos reales". Ni tan siquiera nos asombra que, por la gravedad de su trama, el conjunto se nos presente como un "film de calidad", destinado a un público entrado en años que, tras la temporada de Óscars, queda huérfano de cine adulto. Todo ello sirve para explicar el espacio que ocupa en la cartelera primaveral esta Negación, protagonizada para más inri por nombres tan contrastados como Rachel Weisz, Tom Wilkinson y Timothy Spall. Y sí: antes de visionarlo, es fácil adivinar que se trata de un film que ya hemos visto. 

Frente a La lista de Schindler o El pianista, cuya popularidad ha convertido parte de sus fotogramas en la memoria "vívida" (que no "vivida") de la Segunda Guerra Mundial para los llamados "millennials", Negación se entretiene siendo un acercamiento al horror desde el presente, confrontando la visión de dos académicos que se acercan a la Historia desde prismas muy diferentes. Por ello, lo más preciso sería comparar la cinta de Mick Jackson con títulos más intelectuales y menos industriales, también de cuño más reciente, como Hannah Arendt, con la que comparte además una protagonista femenina de personalidad muy marcada. El problema, puestos a resolver un veredicto, está en la frialdad y en la escasa empatía que despierta toda la narración. También de una mirada, la nuestra, que en cuestiones belicistas ya está, por desgracia, "curada de espanto".

Con todo, es innegable la elegancia (muy británica) y el ritmo (más entretenido que trepidante) de una propuesta que desde el minuto uno sabe que puede aportar poco a una batalla mil veces fraguada en la gran pantalla. En todo caso, démosle la culpa, ya no a esta loable Negación, sino a un cine que, en tiempos de banalizaciones al estilo El niño con el pijama de rayas o La vida es bella, no puede superar lo logrado en ¿Vencedores o vencidos? Los juicios de Nuremberg (por citar un drama judicial) o Masacre: ven o mira (en recuerdo de una de las expresiones más plásticas del conflicto). ¿Y si, tras El hijo de Saúl, el séptimo arte tuviera poco más que añadir al episodio más veces filmado del siglo pasado? Que cada uno llegue a sus propias conclusiones. 

Para estudiosos y estudiantes de Historia, Derecho, Periodismo y fotocopias fílmicas.

Lo mejor: Los debates posteriores que puede suscitar.

Lo peor: Carece de la inteligencia y sensibilidad de un film de Óscar.

Escucha nuestra reseña de NEGACIÓN (DENIAL) en

EL PODCAST DE C&R: ESTRENOS ABRIL 2017

CRÍTICA | YO, DANIEL BLAKE, de Ken Loach

Una causa, un nombre

YO, DANIEL BLAKE, de Ken Loach
Festival de Cannes: Palma de oro. Festival de San Sebastián: Premio del público

Reino Unido, 2016. Dirección: Ken Loach Guión: Paul Laverty Música: George Fenton Fotografía: Robbie Ryan Reparto: Hayley Squires, Natalie Ann Jamieson, Dave Johns, Micky McGregor, Colin Coombs, Bryn Jones, Mick Laffey, Dylan McKiernan, John Sumner, Briana Shann, Rob Kirtley Género: Drama social Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 28/10/2016

¿De qué va?: Daniel es un carpintero de 59 años que acaba de someterse a una operación de corazón. Cuando se dirige por primera vez a un centro de ayudas sociales, el hombre se sorprende ante el desdén la administración británica. Ese día conoce a Rachel, una madre soltera que no sabe cómo tirar hacia adelante.

Dicen que a los ancianos no se les puede hacer cambiar ni de opinión ni de rutinas. Por nuestra parte, sería injusto pedir que Loach, a sus 80 años, altere ni que sea un ápice su cine militante. Loach es Loach: no hay más. Por eso sorprende que Yo, Daniel Blake, dentro de la filmografía del británico más activo y activista que se recuerde, sea una película tan cálida. Vehemente pero sensible. Repetitiva pero firme. Bien interpretada y con grandes diálogos. Surtida de golpes maestros como la magnífica presentación de Daniel, con la pantalla fundida a negro mientras el hombre, un carpintero en busca de subsidio tras una operación de corazón, intenta explicar a la funcionaria de turno a modo de voz en off por qué merece percibir dicha pensión. En paralelo al ritmo y al humor inteligentísimo que prima durante casi toda la función, el director británico se muestra menos imaginativo a la hora de acometer el final de la historia, una resolución que, por sus efectismos, parece especialmente diseñada para enervar al crítico de turno y meterse a gran parte del público en el bolsillo. Paradójico pero cierto. Asumo que Loach no inventa nada, pero me he descubierto con los ojos enjuagados al encenderse las luces del cine. Una historia de lucha y de amistad, un canto a aquello tan utópico de "la unión hace la fuerza". Al final tendremos que darle un beso en los morros a George Miller: visto lo visto, la Palma de oro de Yo, Daniel Blake está bastante justificada. No porque Loach haya conquistado en su senectud el cenit en su carrera, sino porque sus resortes narrativos siguen estando de rabiosa (y penosa) actualidad. Si Loach decide dar por cerrada su andadura, bien merece disfrutar del "descanso del guerrero". Y creedme: servidor es el primer sorprendido en escribir esto.

Para aquellos que nunca perdieron la confianza en el cine de Loach.

Lo mejor: La fuerza y la simpatía de sus personajes. Hayley Squires, todo un descubrimiento.

Lo peor: Decae un poco, sólo un poco, en su último cuarto de hora.

Todos los datos del FESTIVAL DE CANNES 2016 en

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES

CRÍTICA | FLORENCE FOSTER JENKINS, de Stephen Frears

Acordes y desacuerdos

FLORENCE FOSTER JENKINS, de Stephen Frears

Festival de San Sebastián 2016: Sección Perlas

Reino Unido, 2016. Dirección: Stephen Frears Guión: Nicholas Martin Música: Alexandre Desplat Fotografía: Danny Cohen Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney, Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch, Sid Phoenix Género: Tragicomedia. Biopic Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 23/09/2016

¿De qué va?: Florence, una burguesa neoyorkina amante de la música, decide dar el salto como cantante de ópera a pesar de su delicado estado de salud y de su nada agradable tono de voz. Su joven pianista, su pareja y sus más allegados se compincharán para que el concierto termine de la mejor manera posible.

CRÍTICA | SECRETOS Y MENTIRAS, de Mike Leigh

SECRETOS Y MENTIRAS (SECRETS & LIES), de Mike Leigh

Palma de oro del Festival de Cannes 1996. 3 premios Bafta y 5 nominaciones al Óscar

EE. UU., 1996. Dirección y guión: Mike Leigh Fotografía: Dick Pope Música: Andrew Dickson Reparto: Brenda Blethyn, Timothy Spall, Phyllis Logan, Marianne Jean-Baptiste, Lee Ross, Claire Rushbrook, Elizabeth Berrington, Lee Ross, Michele Austin, Ron Cook, Lesley Manville, Emma Amos, Hannah Davis Género: Drama Duración: 140 min. Tráiler: Link Elección de Antonio Fernández
¿De qué va?: Al fallecer sus padres adoptivos, Hortense siente la necesidad de conocer a su madre biológica. Lo que no sabe es que su deseo tendrá repercusiones inesperadas en su vida y en la de algunas personas de su alrededor.

CRÍTICA ISIDRO: Secretos y mentiras es una de las siete únicas películas que tengo en DVD original en mi filmoteca física (soy más pirata que los pantalones). Hace seis o siete años la vería en oferta por algún centro comercial y "arramplé" con ella. No la había visto, solo sabía que había ganado la Palma de Oro en Cannes, pero aquello me pilló justo en la etapa cinéfila de mi vida en la que quería empezar a culturizarme/posturizarme. La tuve abandonada durante un par de años, y un día me dio el "avenate" y me la puse. Era la tercera película de Leigh que veía tras Happy-go-lucky y Another Year. Y me conquistó. Me declaro fan de su cine porque sabe escribir diálogos verosímiles, pero con algún segmento más teatrero muy bien insertado, y deja que sus actores brillen como pocos: la ternura y espontaneidad que derrochan sus dos protagonistas, Brenda Blethyn y Marianne Jean-Baptiste es arrolladora, cada gesto, cada mirada es una obra de arte. Y acabo profundamente emocionado sabiendo que he visto algo auténtico y maravilloso. Sabéis lo mal que llevo las películas por la noche, me quedo sopa al momento por mucho que me apasione la película, nunca (bueno, depende) culpo a la cinta. Pues bien, la primera vez que la vi me la puse a las 2 de la mañana. Y la vi enterita sin pestañear. Algo muy poderoso tiene que tener Secretos y mentiras para hacerme verla del tirón a esas horas de la vida. Para el festival he vuelto a hacer el mismo experimento. Me volvieron a dar las 5. Magistral. ★★★★½

CRÍTICA ALBERTO: Entroncar dentro de una corriente a uno de los realizadores británicos más internacionales resulta algo impostado. A pesar de que su obra manifiesta ciertos matices comunes al buen ejercicio de cine social labrado dentro de la esfera independiente británica, la singularidad de su discurso y la verdad de sus guiones entroncan un camino único de difícil comparación. En su obra más laureada, marcada por matices sociales, pero también psicológicos de valor humanista, perfila un ejercicio coral que indaga sobre el valor de la verdad, y más dentro de las esferas de construcción sociocultural como es la familia. La habilidad para perfilar personajes y situaciones consigue admirar una película muy sólida, que deja abrumados a todos aquellos que se deleitan por su perfilado lenguaje y su habilidoso retrato social. Mención aparte para el valiente reparto, en especial ella, imponente e impresionante Brenda Blethyn que arrasa y conmueve con la gran gama de matices que explora y explota. Su composición vibra y queda perpetuada en el recuerdo de las mejores interpretaciones de nuestra contemporaneidad cinematográfica. ★★★★½

CRÍTICA RONNIE: Leigh entrega un extraordinario trabajo que aborda las relaciones humanas y esa fastidiosa dificultad de expresar nuestros sentimientos. El excelente reparto tiene unas interpretaciones geniales y muy creíbles por su gran naturalidad, especialmente Brenda Blethyn, la ganadora del premio a la mejor interpretación femenina en Cannes, con su representación de madre soltera. La dirección y el guión, autoría de Mike Leigh, destacan por su importante reflexión sobre la institución familiar y los problemas de la adopción. La narrativa de la historia se fortalece con unos diálogos tan reales que vuelven la situación común, y el contexto lo dejan al alcance del espectador provocando una empatía ante el conflicto; solo por el simple hecho de saber que así es la vida misma, real y emotiva. El film también nos acerca a la constante mediocridad de todos los seres humanos y es un férreo análisis de las relaciones humanas desde el núcleo familiar. ★★★★½

CRÍTICA XAVIER: Secretos y mentiras es la obra maestra de Mike Leigh. El británico consigue la perfección en todos los registros: la dirección de actores, la austeridad escénica, la medida dirección de fotografía y un guión que acoge para sí el caos tragicómico de la realidad. Leigh desvela su faceta humanista al revestir cada uno de sus personajes con imperfecciones, virtudes y contradicciones reconocibles. Pocas veces el drama estalla en la gran pantalla con tanta potencia y elegancia. Y tras la catarsis, Leigh cierra la película ofreciendo la paz que sigue a la tormenta, una "tensa calma" que permite la confesión, la redención, la identificación y el diálogo entre sus criaturas... y, a la postre, que la vida, ese espectáculo mágico y doloroso, pueda seguir adelante. En la narrativa de Leigh no hay ningún juicio, ningún posicionamiento, ningún amago de "buenismo". De ella queda la vida en toda su desnudez, a borbotones, entre apasionante e insoportable. Hay dos escenas que me llevan directamente al llanto: la confesión peripatética del personaje de Brenda Blethyn en el plano fijo de la cafetería y el grito de Timothy Spall confesando el terrible pesar que le produce ver a las tres mujeres que más quiere envueltas en una maraña de reproches, secretos y mentiras. Se mire por donde se mire, la arquitectura del libreto de Leigh es de una excelencia pocas veces alcanzada. Mapa de las miserias humanas que ahora, visto en pleno 2016, tiene entidad de indiscutible clásico moderno. ★★★★★

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★★½

CRÍTICA | FISH TANK, de Andrea Arnold

FISH TANK, de Andrea Arnold

Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes. Bafta al mejor film británico

Reino Unido, 2009. Dirección y guión: Andrea Arnold Fotografía: Robbie Ryan Música: VV. AA. Reparto: Katie Jarvis, Michael Fassbender, Kierston Wareing, Harry Treadaway, Jason Maza, Jack Gordon, Charlotte Collins, Brooke Hobby, Chelsea Chase Género: Drama social Duración: 120 min. Tráiler: Link Elección de Lori Rodríguez
¿De qué va?: Mia, una adolescente de 15 años que ama el baile, en un suburbio inglés con su madre y su hermana pequeña. Su vida cambia cuando conoce a Connor, el novio de su madre. El chico se muestra afable ante Mia, mientras que su madre parece totalmente despreocupada por los deseos y los miedos de su hija.

CRÍTICA RONNIE: Andrea Arnold nos entrega un drama social que recuerda la crítica social inglesa propuesta siempre por Ken Loach. La directora entrega con Fish Tank un film maduro que denota naturalidad y se aleja por lo tanto de artificios incongruentes en una trama que se fortalece gracias al trabajo de su protagonista, Katie Jarvis, una joven debutante que sabe pautar con habilidad la irritabilidad de su personaje, una rebelde adolescente en crisis con ganas de romper las barreras que se interponen en su camino. En un desolado barrio británico, la realizadora nos adentra a la vida diaria de un personaje abstraído en su propio egoísmo y odio por la vida. Destaca la banda sonora de la cinta y su digna intención de análisis y crítica urbana ante la carencia de tiempo y atenciones en esta sociedad tan diluida ante la falta de guía en los hogares. ★★★

CRÍTICA XAVIER: Andrea Arnold forma parte de una estirpe preciadísima de directores que se atreven a retratar las capas más bajas de la sociedad con visión crítica y a la vez con una humanidad inconmesurable. Arnold ni juzga ni encubre a sus personajes. No los ayuda, pero tampoco los hunde en el barro del cine miserabilista. En su mirada hay el reflejo de un sistema corrompido, pero sus escenas irradian cierto candor, un cariño casi maternal hacia unos seres que hacen lo que pueden y que cometen errores en sus vidas porque no pueden ni saber hacerlo mejor. Fish Tank, a todo lo dicho, es también una historia de libertad, de un amor adolescente que canaliza el desamparo vital y material de la protagonista, de rebeldía con respecto a un entorno hostil, de música que convierte en arte lo que en otros contextos sólo sería arrebato, de reivindicación personal y autoaprendizaje. A Fish Tank se la ha comparado con los Dardenne: ahí está la cámara nerviosa y las airadas reacciones de Mia, entroncas con heroínas desdichadas como la Rosetta belga. También, por razones obvias, con el también británico Loach. Pero a mi me gusta ver en Fish Tank una actualización de Los 400 golpes de Truffaut y cierto discurso de la Nouvelle Vague. Declinado, eso sí, en femenino. Sin llegar a la belleza del último plano del clásico francés, la última escena de Fish Tank me deja tan vacío como lleno, triste por abandonar unas raíces y al mismo tiempo liberado por dejar atrás un lastre muy pesado. Al fin y al cabo, tanto Los 400 golpes y Fish Tank son relatos de supervivencia. Una película preciosa y devastadora. ★★★★

CRÍTICA ALBERTO: Atendiendo a numersos referentes dentro de la dinámica social, Andrea Arnold construye su particular odisea sobre la adolescencia explorando ciertos condicionantes. Su paleta constructiva no es excesivamente novedosa: si jugamos a revisar las notas que la dan forma, las referencias y la repetición resolverán muchas de nuestras dudas. No obstante, el mérito de Arnold va más allá y se sintetiza en la capacidad estilística y sensorial de articular un discurso directo. Su expresividad convierte un mensaje ya tratado en una interesante oda a la vida, gracias a sus particulares atribuciones formales. Su refrescante postura y su habilidosa inteligencia para trabar arrojos audiovisuales le dan el valor de la singularidad dentro de las reminiscencias mentadas. Mención especial a su imponente reparto (en especial a su joven protagonista) y al acorde trabajo técnico. ★★★½

CRÍTICA ISIDRO: Mia es una chavala de 15 años a la que le gusta bailar (aunque lo haga como el cul,o por muy bien que le diga que lo hace el Michael Fassbender porque se la quiera tirar). Vive en un apartamento en los suburbios de alguna ciudad de Inglaterra con su madre, que es la versión choni potente de la Mo’nique de Precious, y su hermana pequeña, que dice más tacos que una película de Tarantino. Y la pobre, pues intenta sobrevivir como pilla. Vamos, una especie de Billy Elliot, pero en versión niña merdellona y sin talento. Fish Tank es un ejercicio de realismo cinematográfico sobre las dificultades de crecer y madurar en un entorno suburbano en el seno de una familia algo desestructurada. Hemos visto esto mil veces en el cine, pero el acierto de Andrea Arnold está en que hace que nos creamos lo que cuenta y sintamos empatía por sus caóticos personajes gracias a un estilo seco alejado del melodrama y la falsa compasión. Lo que quiere contar lo cuenta bien y no necesita mucho más. Buena película. ★★★½

CRÍTICA KOSTI: La problemática adolescente siempre ha sido un tema muy recurrido por el cine británico. Si a eso le sumamos que pertenece a un barrio que vive de ayudas y personajes marginales, ya tenemos el cóctel perfecto. Andrea Arnold recuerda en su forma y en su narrativa a un Ken Loach potente o a una discípula aventajada de los hermanos Dardenne. Su drama social no puede ser más acertado, aunque le cueste (y mucho) cerrar su historia. Mia es una joven irreverente, en plena edad del pavo, inconformista con su entorno, con pocas esperanzas pero con un sueño: ganarse la vida bailando. En un lugar como su barrio, eso es un sueño casi imposible. Cuando un hombre entra en la vida de su familia, Mia parece cambiar su perspectiva, aunque la muralla que le cubre no termina de ser derrumbada. Andrea Arnold construye un personaje muy sólido, a pesar de la inconsistencia de Mia. Su casa se vuelve una asfixiante pecera para Mia. Un hogar roto, resquebrajado por las constantes reprimendas y la falta de interés entre sus miembros. Una fisura que parece irreparable, hasta que aparece en escena Connor, que, con su infinita comprensión y una preocupación desinteresada, devuelve a Mia las ganas de vivir, convirtiéndose para ella en el objeto de deseo inalcanzable, el primer amor de adolescencia que se confunde con una tremenda admiración por la figura paterna, cuya falta ha marcado el camino de Mia. Llama mucho la atención el carácter autodestructivo de Mia, que se vale de música con marcadas letras machistas para alcanzar su sueño, pero si algo deja claro es que no todo vale para llegar lejos, dejándonos una escena muy sincera, un final muy digno que Arnold, por inexperiencia o por haber alcanzado una fuerte empatía con Mia, no consigue cerrar a la primera. ★★★★

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★½ 

CRÍTICA | SOÑADORES, de Bernardo Bertolucci

SOÑADORES (THE DREAMERS), de Bernardo Bertolucci

Sección oficial del Festival de Venecia. 2 nominaciones a los EFA y 1 al David di Donatello

Reino Unido, 2004. Dirección: Bernardo Bertolucci Guión: Gilbert Adair Fotografía: Fabio Cianchetti Música: VV. AA. Reparto: Michael Pitt, Louis Garrel, Eva Green, Robin Renucci, Anna Chancellor, Florian Cadiou Género: Drama erótico Duración: 120 min. Tráiler: Link Elección de Maica NH
¿De qué va?: En el París de 1968, dos hermanos invitan a su casa a un joven estudiante norteamericano. Encerrados entre cuatro paredes, los jóvenes irán tejiendo una relación muy estrecha, incluso peligrosa. Afuera, los incidentes de la revolución de mayo están en su apogeo.

CRÍTICA MARIANO SILVA: Recuerdo que hace unos nueve o diez años aproximadamente mi hermana estaba en el salón de casa viendo la televisión. Me acerqué y me dijo algo parecido a “vete de aquí que eres muy pequeño”, aumentando muchísimo mis ganas de saber qué era aquello a lo que no tenía permitido acceder. Esa fue la primera vez que vi algo de Soñadores, pero no fue hasta este año que me acerqué de verdad a verla, tras escuchar numerosos comentarios del tipo “es como una película porno” o “es extrañísima”. Matthew encuentra a Isabelle y a Theo, mellizos, en el París del año 1968. Tras unos primeros días de conocer a los que él cree que serán los mejores amigos de su nueva etapa, las cosas comienzan a tomar un cariz inesperado. Soñadores no se corta y trata abiertamente temas tan polémicos como el poliamor o el incesto, haciendo que te preguntes continuamente: ¿realmente pueden Isabelle y Theo llegar a querer a alguien, salvo a ellos mismos? ¿Matthew es algo más que un juguete con el que entretenerse, o es imposible que pueda entrar en la especial relación que mantienen los hermanos? Ni siquiera hay que llegar al final para apreciar que Isabelle y Theo nunca van a querer a nadie más, y que Matthew está por ahí rondando únicamente por el aire de libertad e independencia que respiran (o más bien, que creen respirar) los dos hermanos. ¿Por qué podemos juzgar plenamente este amor extremo? Con escenas verdaderamente increíbles (la “Venus de Milo”, la carrera por el Louvre, o las dos prendas a pagar al fallar las preguntas cinéfilas), Soñadores nos invita a reflexionar dos horas de cuestiones morales y políticas, además de ser un bonito (si bien un poco extraño) canto a la juventud. Lo mejor: Eva Green, que se come la pantalla cada vez que aparece. Divertida, sensual, sarcástica y frágil. Lo peor: que Bertolucci eliminara las escenas de cama entre Matthew y Theo. El espíritu de la película camina bastante en esa dirección, y sin embargo solo sugiere, y sugiere, y sugiere… ★★★★

CRÍTICA XAVIER VIDAL: He preferido no revisar Soñadores para escribir este texto. Que nadie me malinterprete: amo la película de Bertolucci. La vi en pantalla grande con dos amigos el fin de semana de su estreno. Por aquel entonces estábamos a caballo entre la infancia y la adolescencia, descubriendo el cine por primera vez. De hecho, pensándolo con perspectiva, es bastante curioso que un niño de 12 años quisiera ver el film que nos ocupa en lugar de Underworld o El mexicano, los lanzamientos comerciales de esa semana. También sorprende pensar que nuestros padres nos dejaran ver la película, sobre todo teniendo en cuenta que en su momento nos prohibieron el acceso a Lucía y el sexo y que tuvimos que mover cielo y tierra para que nos dejaran ver títulos como Infiel o Presunto homicida. En ese instante, Soñadores supuso una bocanada de aire fresco. Por primera vez fuimos conscientes de que el cine podía cambiarnos la vida. El film habla del libertinaje, de la tiranía, de las relaciones humanas, de las frustraciones. También de un mayo de 1968 que estudiamos por nuestra cuenta, por puro placer, por sana curiosidad. La libertad del trío de la ficción nos contagió, no tanto por su erotismo (la "calentura" de la edad, con todo, era evidente) como por su alma. Sin olvidar que, coincidiendo con Soñadores, vimos también obras maestras como Dogville, Mystic River, La flor del mal, El pianista o Las manos vacías. Con eso me quedo. Y no penséis que uno se hace viejo y se acoge al dicho tan horroroso de que "cualquier visionado pasado fue mejor": simplemente no soportaría volver a ver Soñadores y que no me gustara, o comprobar que su impacto e intensidad ha mermado con el paso de los años. Dejadme ser "soñador" un poco más. Bertolucci: gracias por todo. ★★★★½

CRÍTICA ALBERTO TOVAR: Hay directores que permanecen imborrables solamente por sus atribuciones pasadas y otros que con cada nueva aportación reafirman y reformulan las claves de su asentada obra. Bertolucci es un maestro entre maestros y en el año 2003 puso todo patas arriba, pues cuando pensábamos que el genio llegaba a su ocaso, nos dejó boquiabiertos con una de sus mejores películas. Un film y una historia que bene del pasado, de las aspiraciones honestas, del deseo de cambio y de las virtudes de la auténtica libertad, pero que congela su crítica y compleja decisión en un presente muy presente, valga la redundancia. Las parcelas de la sexualidad callada sirven de impulso para matizar recorrer las veredas humanísticas que plantea la película, haciendo doctrina filosófica y sociológica. A través de tres voces llenas de frescura, uno parece recorrer todas las etapas de su ardiente juventud y caer en un debate constante sobre lo que pudo haber sido y no fue. Dialéctica que se sistematiza a través de una particular tesis sobre el ser humanoo y su condición sexual, la cual merecería ser revisitada a día de hoy. Toda esta complejidad discursiva venida del mayo del 68alcanza su máxima expresión en una mirada maduray honestay entres extraordinarios actores, en especial una muy inspirada Eva Green. Pieza para amantes del buen cine que tratan la vida de forma adulta. ★★★★½

CRÍTICA | VOCES DISTANTES (DISTANT VOICES, STILL LIFES), de Terence Davies

Voces, canciones y ecos del pasado

VOCES DISTANTES (DISTANT VOICES, STILL LIFES), de Terence Davies

Premio FIPRESCI del Festival de Cannes y Toronto. Premio a la mejor película del Festival de Valladolid y Locarno. 4 nominaciones a los EFA, incluyendo mención a la mejor película europea.

Reino Unido, 1988. Dirección y guión: Terence Davies Música: VV. AA. Fotografía: Patrick Duval Reparto: Freda Dowie, Pete Postlethwaite, Angela Walsh, Dean Williams, Lorraine Ashbourne, Drew Schofield Género: Drama Duración: 85 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Al morir el patriarca, los distintos miembros de una familia obrera de Liverpool empiezan a recordar momentos de su pasado. La película, a modo de recopilación de sensaciones y de recuerdos, reúne un sinfin de conflictos, alegrías y reveses familiares.

Terence Davies nació en Liverpool en el año 1945, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial. Era el hijo pequeño de una prole de diez retoños, vivió el terrible periodo posterior al conflicto y en él influyeron de forma decisiva constantes de la época como el racionamiento de los alimentos, el descubrimiento del cine y los conflictos con sus hermanos mayores. Todo ello está presente en una película como Voces distantes, un título que, sin ser autobiográfico, sí es un film rodado bajo el influjo de unas vivencias muy personales. 

Dividida en dos partes (la primera, marcada por el peso de un padre despótico en el seno de la familia protagonista; la segunda, coincidiendo con la marcha de los hijos de la casa familiar y la asunción de nuevos roles), el film concatena reminiscencias, imágenes y sensaciones pretéritas. Davies conjuga su obra en pasado, y sus fotogramas atesoran las tonalidades sepias de la época. Incluso las caras de sus actores parecen talladas por un artesano de antaño. Además, el director inserta constantes canciones clásicas que los personajes entonan para exorcitar fantasmas y situar al espectador en un contexto histórico muy concreto (un recurso interesante: el film consigue con todo ello ser un documento de su tiempo sin necesidad de apelar a la magnificencia técnica del género histórico). 

Todo ello convierte Voces distantes en una película que sabe equilibrar el drama personal con el colectivo: la familia protagonista no deja de ser el prototipo de otras tantas, y al mismo tiempo cada personaje tiene su espacio en la trama, su personalidad y su evolución. Tal vez el film puede resultar excesivamente contemplativo: su narrativa es muy particular, y el espectador puede mostrarse impávido ante el tono melancólico de la cinta. Efectivamente, el film une voces que parecían disipadas en la lejanía, y su ternura o frialdad dependerá de la paciencia y de la sensibilidad de cada espectador. Quien escribe empatiza sólo en parte, pero lo suficiente como para celebrar la valentía de estas Voces distantes. Para bien o para mal, un film único en su especie. 

Para los que miran al pasado con una mezcla de cariño y contrariedad.

Lo mejor: Dean Williams: su rostro es inolvidable.

Lo peor: Le sobra ceremoniosidad y le falta una pizca de emoción.

CRÍTICA | EX MACHINA, de Alex Garland

Atracciones robóticas

EX MACHINA, de Alex Garland 

5 nominaciones a los Bafta y 2 a los EFA. Premio Óscar a los mejores efectos visuales

Reino Unido, 2015. Dirección y guión: Alex Garland Fotografía: Rob Hardy Música: Geoff Barrow y Ben Salisbury Reparto: Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Oscar Isaac, Sonoya Mizuno, Corey Johnson, Chelsea Li, Tiffany Pisani Género: Ciencia ficción. Thriller. Terror Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/02/2015
¿De qué va?: Caleb, un informático de 26 años, es invitado por su jefe, un programador excéntrico y multimillonario, para formar parte de un experimento de alto secreto. Caleb debe testar a Ava, una robot capaz de hablar y moverse de forma autónoma. Encerrado en una gran mansión que se encuentra en mitad de la nada, Caleb deberá poner a prueba a la androide, pero las habilidades de Ava harán que la prueba tome derroteros inesperados.