jueves, 8 de diciembre de 2016

CRÍTICA | VOYAGE OF TIME: LIFE'S JOURNEY, de Terrence Malick


Nuevo versículo del Evangelio según Malick
VOYAGE OF TIME: LIFE'S JOURNEY, de Terrence Malick
Festival de Venecia: Sección oficial a concurso. Festival de Sitges: Sesión especial
EE. UU., 2016. Dirección y guión: Terrence Malick Música: Ennio Morricone Fotografía: Paul Atkins Reparto: Cate Blanchett (documental) Género: Documental científico Duración: 90 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Tras El árbol de la vida, Malick habla sobre los inicios de la vida y el universo en una película que tendrá dos versiones: una, en formato IMAX y con Brad Pitt como narrador; la segunda, en formato convencional y con la voz de Cate Blanchett.


Entre Días del cielo y La delgada línea roja pasaron veinte años, pero, desde que Terrence Malick enseñara al mundo El árbol de la vida, el director estadounidense ha intensificado su actividad con el objetivo de "trascender". De autor de culto, ermitaño donde los haya, a apellido hiperactivo de la modernidad. Lo que no podíamos esperar es que, en ese nuevo periplo, Malick deseara insistir en la génesis del cosmos y la especie humana, el "más allá" y el "más acá", que realizó en los 45 minutos más discutidos de su Palma de oro. Voyage of Time: Life's Journey es un documental que surge de la voluntad por ampliar, "repetición mediante", lo expuesto en ese largometraje. Un dispositivo cargado de pedantería (unido, ahora, con autoindulgencia) y un despliegue visual que corroborará para muchos el arte de su maestro. A medio camino entre la ciencia y la religión, la palpable y lo inasible, Malick concatena noventa minutos que funcionan a dos ritmos: por un parte, en pantalla desfilan estados primigenios de vida, las obras de "el ente creador" (amebas, aguas en movimiento, cuerpos microscópicos en convulsión, flora y fauna variada, el surgimiento de nuestros ancestros); y por otra, la voz narradora de Cate Blanchett, acompaña de una partitura de Ennio Morricone y cantos gregorianos, se manifiesta como una expresión de "el ente creado", en constante debate interno por atisbar un sentido a su entorno y a su propia existencia (el audio en off se dirige a la "madre", la "vida" y a otros interlocutores mayestáticos y silentes). El resultado que se obtiene al ensamblar esas imágenes y sonidos es una película con momentos hipnóticos y al mismo tiempo incapaz de ensombrecer lo evidente: el film ya lo habíamos visto mucho antes, mediante recursos calcados, con la misma ambigüedad discursiva. La pregunta que resta, por lo tanto, al final de la proyección es si Voyage of Time: Life's Journey, en paralelo a sus posibles virtudes o defectos, aporta nuevos frentes tanto al cine contemporáneo como a la propia cinematografía de Malick. Nosotros lo ponemos en duda, aunque ello no merma el interés de un película que, para bien o para mal, no deja indiferente nadie.


Para los que aman a Malick sobre todas las cosas.
Lo mejor: Su fuerza visual.
Lo peor: La sensación de dejà vu.


Escucha de la reseña de VOYAGE OF TIME: LIFE'S JOURNEY en 
EL PODCAST DE C&R: ESPECIAL FESTIVAL DE SITGES 2016 

martes, 6 de diciembre de 2016

CRÍTICA | VAIANA (MOANA), de John Musker y Ron Clements


Disney en popa a toda vela
VAIANA (MOANA), de John Musker y Ron Clements
Nominación al Satellite y Critics Choice a la mejor película de animación
EE. UU., 2016. Dirección: John Musker y Ron Clements Guión: Jared Bush, Ron Clements, John Musker, Pamela Ribon y Taika Waititi Música: Opetaia Foa'i, Mark Mancina, Lin-Manuel Miranda Fotografía: Rob Dressel y Adolph Lusinsky Género: Aventuras. Comedia familiar Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 02/12/2016
¿De qué va?: Vaiana habita una isla del Pacífico. Una maldición ancestral afecta a su pueblo y parece condenar a todo el océano. Con el fin de revertir la situación, Vaiana emprende una aventura en alta mar con la ayuda de un dios desprovisto de sus poderes.


Disney sigue trabajando a destajo para que las nuevas generaciones puedan presumir de nuevas heroínas de la factoría. Vaiana tiene los rasgos étnicos de Pocahontas y Tiana, ostenta la fiereza de Merida y recupera la sensibilidad musical de esa tradición animada que La sirenita actualizó con atino a finales de los 80 y que sigue todavía en pie. La operación comercial se intuye muy medida, demasiado. Tan calculada al milímetro que parece escrita siguiendo los dictámenes de una progresía de manual. Por dictamen de la corrección de nuestros tiempos, por aquello de que "hay que llegar a todos sin enfadar a nadie", nuestra Vaiana exploradora presume de algunos kilitos de más, es espiritual pero no religiosa, no necesita de ningún príncipe para autoafirmarse y contribuye a su comunidad con el aplomo que no muestran nuestros dirigentes en la vida real. Todo tan loable como estéril. Porque, aun reconociendo que Vaiana equilibra los aciertos del pasado y del presente de Disney, y a pesar de que sus escenas marinas están dotadas de unas texturas preciosas, en el film nunca asoma la emoción de las películas de antaño. Tampoco consigue crear una banda sonora memorable, capaz de codearse con los temas clásicos de la casa. Eso, o quien escribe esto ha dejado de ser un niño y quiere ver en la inocentona Vaiana más relaciones de las que previeron sus responsables. ¿Acaso la épica de los cartoons no ha contribuido desde tiempos casi inmemoriables a asentar ideas y a construir ideologías? Sea como sea, suspicacias aparte, Vaiana es una obra entretenida, con gags que gustarán por igual a pequeños y a talluditos. A nadie le amarga un dulce con playas paradisiacas y aventuras al más puro estilo "parque acuático", más si cabe en una Navidad con tempeturas mínimas. "Pelillos a la mar", y a pasar por caja. 


Para espectadores que reivindican una animación conciliadora pero sin personalidad.
Lo mejor: El ¿rechoncho? ¿hercúleo? ¿todo a la vez? acompañante de Vaiana.
Lo peor: Difícilmente dejará la huella de sus antecesoras.

domingo, 4 de diciembre de 2016

CRÍTICA | DESAFÍO TOTAL, de Paul Verhoeven


Orígenes de la distopía
DESAFÍO TOTAL (TOTAL RECALL), de Paul Verhoeven
Óscar a los mejores efectos especiales
EE. UU., 1990. Dirección: Paul Verhoeven Guión: Dan O'Bannon, Gary Goldman y Ronald Shusett, a partir del relato de Philip K. Dick Fotografía: Jost Vacano Música: Jerry Goldsmith Reparto: Arnold Schwarzenegger, Sharon Stone, Michael Ironside, Rachel Ticotin, Ronny Cox, Marshall Bell, Mel Johnson Jr., Ray Baker, Michael Champion, Roy Brocksmith, Lycia Naff, Debbie Lee Carrington, Dean Norris, Alexia Robinson, Erika Carlsson Género: Ciencia ficción. Thriller futurista Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 03/08/1990
¿De qué va?: En el año 2084, un hombre recurre a una empresa de vacaciones virtuales para poder cumplir su sueño: ir a Marte. Durante su viaje será consciente de su antigua identidad, algo que pondrá patas arriba a todas las autoridades interplanetarias.


La sucesión de estrenos ha alcanzado tal velocidad que uno corre el riesgo de perder la noción del tiempo. La distopía, tan de moda en la actualidad, no nació con los títulos de cuño reciente, ni tan siquiera con las piruetas de Matrix o el delirio cyberpunk de los 90. Al subgénero le antecede una vasta tradición literaria, sin olvidar la gran influencia que ejerció Blade Runner en las producciones fantásticas posteriores. Desafío total, filmada por un Verhoeven post-Robocop y pre-Instinto Básico, sigue con fidelidad, incluso con delectación, esa doble vertiente, y seguramente por ello nos encontramos ante una película que, anacronismos técnicos aparte, resulta muy moderna tanto por sus formas como por su mensaje. El director holandés orquestra un cóctel de acción, ciencia ficción y lecturas filosóficas la mar de eficaz, con un Schwarzenegger en plena forma y una Stone que pedía a gritos el título de femme fatale de la década. La atractiva idea de convertirse en otra persona, los dilemas morales que acompañan a los avances tecnológicos o la posibilidad de manejar a nuestro antojo el cerebro de un desconocido surgen como temas interesantes en una historia que no da tregua. Verhoeven pierde las riendas en su segunda mitad (la subtrama de la facción "radical" de Marte que sigue los designios de una critura con forma de feto deforme sobrepasa los límites de lo plausible, incluso situándonos en un contexto fabulístico), aunque ello no merma los logros de una película que, pudiendo haber sido un simple entretenimiento, ofrece a su audiencia un ramillete nada desdeñable de reflexiones. Desafío total defiende la tesis de que nada ni nadie puede usurparnos nuestros recuerdos, y por lo tanto nuestra esencia, en una sociedad cada día más dependiente de la tecnología. Un Paul Verhoeven en estado de gracia, sin arrugas a pesar de contar con más de veinticinco años a sus espaldas, un remake y numerosos imitadores, unos más arribistas que otros. Un ejemplo de que el cine de autor y la artillería pesada de Hollywood también pueden ser compatibles.


Para fieles de la ciencia ficción, de la más sibarita a la más pasada de rosca.
Lo mejor: Su primera hora es impecable.
Lo peor: Alguna escena "what the fuck", si bien eso ha ayudado a convertirla en título de culto.



Más información de DESAFÍO TOTAL en
EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES: Especial CINE DE LOS 90

martes, 29 de noviembre de 2016

CRÍTICA | MIG ÅGER INGEN (NOBODY OWN ME), de Kjell-Åke Andersson


MIG ÅGER INGEN (NOBODY OWN ME), de Kjell-Åke Andersson
Premio Guldbagge 2013 al mejor actor protagonista
Suecia, 2013. Dirección: Kjell-Åke Andersson Guión: Pia Grandvall, a partir de la novela de Åsa Linderborg Fotografía: Jonas Alarik Reparto: Mikael Persbrandt, Sandra Andreis, Ida Engvoll, Tanja Lorentzon Género: Drama Duración: 105 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Suecia, años 70. Incapaz de superar la ruptura con su mujer, un padre de familia se hace cargo de su hija pequeña a la vez que hace frente a su adicción al alcohol. Con el paso de los años, su salud y su posición tanto familiar como laboral lo llevarán a un pozo sin salida.


Mig äger ingen (Nobody Owns Me) es una de las películas suecas más comentadas de la pasada temporada, gracias sobre todo a la interpretación del popular Mikael Persbrandt, que ganó el premio Guldbagge por su trabajo en el film. A partir de la novela homónima de Åsa Linderborg, el director Kjell-Åke Andersson nos muestra la lucha de un hombre por superar su adicción al alcohol y por defender unos ideales comunistas que chocan con la sociedad sueca de los años 70. La película convence cuando el relato se reduce a un ámbito íntimo y casero, pero no logra reflejar de forma creíble el conflicto social y político que basa todo el drama. Andersson, además, cae en el subrayado fácil durante su tramo final: la atención del relato recae en el personaje de la hija, y el conjunto acaba mutando en un episodio nada novedoso de rebeldía adolescente. Con todo, Mig äger ingen (Nobody Owns Me) pone sobre la mesa las dificultades de la clase proletaria e insta a tener una visión crítica y solidaria con los más necesitados, un mensaje que sigue de plena actualidad. Deprimente y sensible en las dosis justas, aunque el cómputo final sea más bien discreto. Queda, como no podía ser de otra manera, la gran contribución de Mikael Persbrandt, un actor que ofrece un recital de fuerza y derrota que la película desaprovecha. 


Para abonados a la fórmula 'films con padres coraje'.
Lo mejor: Persbrandt y la imagen de ese barco infantil que nunca llega a zarpar.
Lo peor: El final cae en la manipulación sentimental.


lunes, 28 de noviembre de 2016

ENCUESTA | LAS MEJORES PELÍCULAS DEL AÑO 1991

Cinoscar & Rarities, dentro del especial CINE DE LOS 90, ha encuestado a sus oyentes y lectores por sus 5 películas favoritas del año 1991. En el siguiente post agrupamos el top final y los 39 tops recibidos.


1. EL SILENCIO DE LOS CORDEROS, de Jonathan Demme 33 votos
2. LA BELLA Y LA BESTIA, de Gary Trousdale y Kirk Wise 20 votos
3. TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL, de James Cameron 15 votos
4. THELMA & LOUISE, de Ridley Scott 13 votos
5. J.F.K.: CASO ABIERTO, de Oliver Stone 11 votos
5. TOMATES VERDES FRITOS, de Jon Avnet 11 votos
7. EL CABO DEL MIEDO, de Martin Scorsese 10 votos
8. LA LINTERNA ROJA, de Zhang Yimou 9 votos
9. BARTON FINK, de Joel Coen 6 votos
9. EL PRÍNCIPE DE LAS MAREAS, de Barbra Streisand 6 votos
9. LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA, de Krzysztof Kieslowski 6 votos
9. MI IDAHO PRIVADO, de Gus Van Sant 6 votos
13. NOCHE EN LA TIERRA, de Jim Jarmusch 5 votos
14. AMANTES, de Vicente Aranda 4 votos
14. DELICATESSEN, de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet 4 votos
14. LOS AMANTES DEL PONT-NEUF, de Leos Carax 4 votos
17. EUROPA, de Lars von Trier 3 votos
17. TACONES LEJANOS, de Pedro Almodóvar 3 votos



1. @tendedero
- Amantes, de Vicente Aranda
- Como agua para chocolate, de Alfonso Arau
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale y Kirk Wise
- Tacones lejanos, de Pedro Almodóvar

2. @lunes14
- Barton Fink, de Joel Coen 
- Europa, de Lars von Trier
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- La linterna roja, de Zhang Yimou

3. Alberto Tovar - Demasiado Cine
- El paso suspendido de la cigüeña, de Theo Angelopoulos
- La bella mentirosa, de Jacques Rivette
- Los amantes del Pont-Neuf, de Leos Carax 
- Mi Idaho Privado, de Gus Van Sant
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

4. Andrés Ricaurte
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Mediterráneo, de Gabriele Salvatores
- Mi Idaho privado, de Gus Van Sant
- Thelma & Louise, de Ridley Scott
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

5. Angus Fly – Canon Movies
- Corazones en tinieblas, de Fax Bahr, George Hickenlooper y Eleanor Coppola 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La linterna roja, de Zhang Yimou
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet 
- Un verano en Louisiana, de Robert Mulligan

6. Antonio Fernández
- Alas de mariposa, de Juanma Bajo Ulloa
- Amantes, de Vicente Aranda
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

7. Carlos Esteban
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese 
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

8. Carlos Iñiguez
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese 
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone 
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

9. Chema Hernández
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Los amantes del Pont-Neuf, de Leos Carax
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

10. Daniel Bermeo – Cine Puro
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- Hijos de la Naturaleza, de Friðrik Þór Friðriksson
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch

11. Enrique – Enrique Méndez Fotografía 
- Delicatessen, de Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro
- El rey pescador, de Terry Gilliam 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- Mi Idaho privado, de Gus Van Sant 
- The Commitments, de Alan Parker

12. Giancarlo Verástegui - No es un blog habitual
- Barton Fink, de Joel Coen 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La linterna roja, de Zhang Yimou 
- Naked lunch, de David Cronenberg
- Thelma & Louise, de Ridley Scott 

13. Guillermo Navarro – Film Dreams
- Europa, de Lars von Trier 
- Jacquot de Nantes, de Agnès Varda 
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- La linterna roja, de Zhang Yimou

14. Hemos Visto
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Mi Idaho privado, de Gus Van Sant
- Thelma & Louise, de Ridley Scott 
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet 

15. Isidro Molina – Ratos de Cine
- Barton Fink, de Joel Coen
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Sombras y niebla, de Woody Allen
- The Commitments, de Alan Parker

16. Javi
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron 
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

17. Jesús Onieva
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Tacones lejanos, de Pedro Almodóvar 
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

18. Jose A Diaz
- Delicatessen, de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Mi Idaho Privado, de Gus Van Sant
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

19. José Lecter
- Delicatessen, de Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski

20. José Luis Ayala – Revista Alegato
- Barton Fink, de Joel Coen 
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- La linterna roja, de Zhang Yimou
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch

21. Jose Manuel Olguin
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Le llaman Bodhi, de Kathryn Bigelow
- Tacones lejanos, de Pedro Almodóvar
- Terminator 2: El juicio final, de James Cameron 
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

22. Julio Lacava – El Octavo Espectador
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

23. Kasko – El butacón de Kasko
- Amantes, de Vicente Aranda
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron 
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

24. Marcelo Morales
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale y Kirk Wise
- La linterna roja, de Zhang Yimou
- Terminator 2: El juicio final, de James Cameron

25. Marckwire21 - BloodStab
- Barton Fink, de Joel Coen
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

26. Mariano Silva
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Mi chica, de Howard Zieff
- Thelma & Louise, de Ridley Scott
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

27. Mayra Meza - Cine Amateur
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- La linterna roja, de Zhang Yimou 
- Los amantes del Pont-Neuf, de Leos Carax 
- Un día de verano, de Edward Yang

28. Norberto Pinar - The DVA Blog
- Barton Fink, de Joel Coen
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Terminator 2: El juicio final, de James Cameron
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

29. Óscar Vela (Mastí) – La taverna del Mastí
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron
- The Doors, de Oliver Stone
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

30. Pedro M. Bernadas
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch
- Vania en la calle 42, de Louis Malle

31. Rafa Martínez - The Córdoba Secret’s
- El niño que gritó puta, de Juan José Campanella
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Mi chica, de Howard Zieff
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

32. Rafael Mejía
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- La linterna roja, de Zhang Yimou 

33. Raven-Heart
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Mi Idaho privado, de Gus Van Sant
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

34. Ricard
- Delicatessen, de Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- El último Boy Scout, de Tony Scott
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

35. Ricardo Várez 
- Amantes, de Vicente Aranda 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale y Kirk Wise
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron
- Thelma & Louise, de Ridley Scott 
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

36. Ronnie Valencia – Dualidad Alterna
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Naked lunch, de David Cronenberg
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron 
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

37. Sergio Nahuel – Oscarzine
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone 
- La linterna roja, de Zhang Yimou
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

38. Xavier Llobet
- Alas de mariposa, de Juanma Bajo Ulloa
- Corazones en tinieblas, de Fax Bahr, George Hickenlooper, Eleanor Coppola
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- The Commitments, de Alan Parker

39. Xavier Vidal - Cinoscar & Rarities
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Europa, de Lars von Trier
- Grand Canyon (El alma de la ciudad), de Lawrence Kasdan
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- Los amantes del Pont-Neuf, de Leos Carax


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domingo, 27 de noviembre de 2016

CRÍTICA | CALLBACK, de Carles Torras


La cara cruel de Nueva York
CALLBACK, de Carles Torras
Festival de Málaga: Mejor película, guión y actor. Festival de Bruselas: Premio del jurado
España, 2016. Dirección: Carles Torras Guión: Carles Torras y Martin Bacigalupo Fotografía: Juan Sebastián Vásquez Reparto: Martin Bacigalupo, Lilli Stein, Larry Fessenden, Timothy Gibbs, Rigoberto Garcia, Kathryn Kuhn, Paulina Simkin, Dave Bobb, Butch McCain Género: Thriller psicológico Duración: 80 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 20/01/2017
¿De qué va?: Larry es un inmigrante latino en Nueva York. Ferviente religioso y de vida anodina, intenta labrarse un lugar como actor asistiendo a distintos castings radiofónicos. La llegada a su piso de Alexandra, una joven que ha conocido por internet, pondrá patas arriba su débil estabilidad.


Carles Torras, un director que siempre ha transitado los márgenes cinematográficos, viaja hasta el Nueva York marginal en Callback, a todas luces su mejor obra hasta la fecha. Contada con el pulso de un thriller psicopático, sin juicios ni subrayados, Callback sigue los pasos de Larry, un tipo anodino que trabaja en una empresa de traslados. En sus ratos libres, el hombre asiste a los oficios de una iglesia evangélica de barrio y se presenta a castings para poner voz a anuncios publicitarios. Con todo, no puede decirse que el film sea, al menos en un primer término, ni una crítica al sensacionalismo religioso ni a las duras condiciones de los actores que quieren labrarse un futuro en el País de las Oportunidades, aunque ambos temas subyacen en todo el metraje. Torras, sirviéndose de la presencia portentosa de Martin Bacigalupo, retrata las arbitrariedades de un desequilibrado apátrida, y lo hace con humor lacónico y un estilo cortante. Estamos ante una intriga psicológica de bajo presupuesto al más puro estilo American Psycho, pero a la vez una historia con cierto candor, porque el personaje queda retratado como una víctima del sistema, un ser frustrado que canaliza toda su rabia por la vía del crimen. Torras, con un guión en constante progreso, describe a la perfección el paso de la "normalidad aparente" a la "locura ensalzada" de su antihéroe, todo hasta llegar a un final que muestra la deriva definitiva del protagonista conduciendo, literal y metafóricamente, en dirección a la boca del lobo. Callback, como resultado, es una película desasosegante, que ofrece más preguntas que respuestas, no apta para espectadores de gusto acomodado. En el abismo y la excentricidad de Callback se esconde un retrato punzante de nuestros tiempos: ojalá el público español le dé la oportunidad que se merece.


Para amantes de los thrillers urbanos en la línea de Taxi Driver y Nightcrawler.
Lo mejor: Martin Bacigalupo, un descubrimiento.
Lo peor: Que, por avatares de la distribución, llegue tan tarde a las salas españolas.

jueves, 24 de noviembre de 2016

CRÍTICA | OUT OF NATURE (MOT NATUREN), de Ole Giæver


Hacia rutas salvajes
OUT OF NATURE (MOT NATUREN), de Ole Giæver 
Nominada al Nordic Council a la mejor película nórdica del 2015. Candidata a 2 premios Amanda
Noruega, 2014. Dirección y guión: Ole Giæver Música: Ola Fløttum Fotografía: Øystein Mamen Reparto: Ole Giæver, Trond Peter Stamsø Munch, Marte Magnusdotter Solem, Rebekka Nystabakk, Sivert Giæver Solem Género: Comedia dramática Duración: 75 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Martin, un hombre casado, con un hijo pequeño y trabajo estable, decide hacer una excursión por su cuenta por la montaña durante el fin de semana. Solo y en plena naturaleza aflorarán sus sentimientos, sus fantasías y sus dudas.


Ole Giæver dirige, escribe y protagoniza una de las películas más curiosas del último cine escandinavo. Sustentada casi por entero en un único personaje, el film cuenta un reencuentro con la naturaleza y una huida de la civilización, y lo hace de forma austera, sin grandes alardes técnicos y sumiendo al espectador en un estado de "relajación tensa". Mot naturen, en su viaje de ida y vuelta, deja a la superficie parte de los grandes males que afectan al ser humano del S. XXI como la soledad o la insatisfacción, temas y sentimientos reconocibles que terminan por ganarse la simpatía de la audiencia. 

La película llena su travesía agreste con un narrador omnisciente que nos hace partícipes de los pensamientos del personaje, una estrategia que distiende y enturbia la trama según el momento hasta convertir el metraje en un relato íntimo de subidas y bajadas emocionales. Una apuesta arriesgada que Giæver sabe culminar con éxito gracias a la sutil utilización de temas musicales, a la belleza no subrayada de ciertos planos o a la atmósfera onírica de su segundo tramo. 


Al final del trayecto que propone Giæver queda cierto regusto amargo. El corredor no encuentra el silencio y el final de Mot naturen es triste, pero simbólicamente apuesta por la resolución más favorable. Tal vez la única posible. El peso de "la insoportable levedad del ser", con toda su gravedad y su patetismo, se impone a cualquier voluntad personal. Y en ese maremágnum de dudas y de frustraciones, Mot naturen reivindica el cine como espejo de males colectivos y como una posibilidad para evadirse, perderse, reencontrarse y con un poco de suerte reconciliarse con uno mismo. Una pequeña esperanza (o tal vez no) para una película-experiencia con mucho encanto.


Para espectadores que se encuentran en una encrucijada vital y necesitan un cambio de aires.
Lo mejor: Ole Giæver, un "artista total" a seguir.
Lo peor: Que se tome como una película "pequeña".

martes, 22 de noviembre de 2016

CRÍTICA | KAILI BLUES (LU BIAN YE CAN), de Bi Gan


La China inhóspita
KAILI BLUES (LU BIAN YE CAN)
Festival de Locarno: Mejor director novel. Sección a concurso Món Filmat 2016
China, 2015. Dirección y guión: Bi Gan Fotografía: Wang Tianxing Música: Lim Giong Reparto: Chen Yongzhong, Guo Yue, Liu Linyan, Luo Feiyang, Xie Lixun, Yang Zhuohua, Yu Shixue, Zhao Daqing Género: Drama onírico Duración: 110 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Chen trabaja en una pequeña clínica en la provincia de Guizhou, una zona tranquila. Al iniciar la búsqueda de su sobrino, Chen visitará un pequeño pueblo con unos habitantes muy particulares. En ese viaje, el tiempo se alterará, hasta el punto de que Chen no podrá discernir si su devenir es real, un producto de su imaginación o sólo un recuerdo del pasado.


Hay veces en las que visionas una película que te rompe todos los esquemas y piensas: "obras como ésta son las que justifican que uno vaya al cine tantas veces a la semana e intente ver todo lo que cae en sus manos". Ese es el caso de Kaili Blues, uno de esos "objetos cinematográficos no identificados" que pueden despertar la euforia (también el enfado) de más de un cinéfilo. Bi Gan tiene menos de 30 años y un corto en su currículum, pero con su ópera prima nadie duda que puede convertirse en uno de los bastiones del cine chino más inmediato. Kaili Blues es una película de colores y sensaciones. No hay que entenderla porque su historia es, para qué negarlo, bastante ininteligible. El director nos sumerge en una zona perdida de China en la que parece no pasar el tiempo, a la vez que la historia funde pasado, presente y futuro en una trama que, de nuevo, se intuye, pero nunca se llega a conocer en toda su dimensión. La aportación de Bi Gan queda en parte eclipsada por un prodigioso plano secuencia de 40 minutos en el que los personajes van moviéndose en moto, coche, barco y a pie, a la vez que el operador de cámara filma ese devenir con un juego de fotografía inaudito. Bi Gan sume al espectador en un estado de hipnosis, a la vez que necesita de audiencias que estén dispuestas a transitar zonas oníricas. Por momentos, Kaili Blues recuerda la serenidad de Weerasethakul mezclada con la itinerancia crítica del Jia Zhang Ke de títulos como Naturaleza muerta. Es una pena que la película, dentro de su confusión, no cuente con un guión más sólido que dé cierta hondura a su atmósfera, pero a su favor cuenta con la habilidad de crear fotogramas que se quedan grabados a fuego en la memoria. Cine abstracto y físico, de semántica voluble y de una belleza desoladora. Habrá que seguir la pista a Bi Gan: Kaili Blues, con sus virtudes e imperfecciones, es la obra de un autor superdotado.


Para conocer el lado oculta de la China de nuestros días.
Lo mejor: Dejarse llevar por sus imágenes, sin pensar qué se está viendo o qué sucederá en el próximo fotograma.
Lo peor: Su total ausencia de asideros.

domingo, 20 de noviembre de 2016

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 2X08 - LA LLEGADA (ARRIVAL) y ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS


Programa nº 31 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Seguimos atentos a los estrenos del año y a la inminente temporada de premios norteamericana analizando LA LLEGADA (ARRIVAL) y ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS, dos de los lanzamientos más esperados. Incluye reseña sin spoilers de los films y monográfico de los actores AMY ADAMS y EDDIE REDMAYNE. ¡Gracias por darle al play!


Guía del programa:
Presentación - AMY ADAMS: Filmografía y biografía - LA LLEGADA: Datos, tráiler y reseña - EDDIE REDMAYNE: Filmografía y biografía - ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS: Datos, tráiler y reseña - Despedida y canción: That's How You Know, de "Encantada: La historia de Giselle"

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Contacta con nosotros: cinoscararities@gmail.com

jueves, 17 de noviembre de 2016

CRÍTICA | BELLE ÉPOQUE, de Fernando Trueba


Una broma, no siempre con gracia, llamada España
BELLE ÉPOQUE, de Fernando Trueba
Óscar y Bafta a la mejor película de habla no inglesa. 9 premios Goya, incluyendo mejor película
España, 1992. Dirección: Fernando Trueba Guión: Rafael Azcona Música: Antoine Duhamel Fotografía: José Luis Alcaine Reparto: Fernando Fernán Gómez, Jorge Sanz, Penélope Cruz, Ariadna Gil, Maribel Verdú, Miriam Díaz Aroca, Mary Carmen Ramírez, Gabino Diego, Michel Galabru, Agustín González, Chus Lampreave, Jesús Bonilla, María Galiana, Joan Potau, Manuel Huete Género: Comedia Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/12/1992
¿De qué va?: A principios de los años 30, un joven desertor vaga por los campos del país en busca de refugio. Manolo, un hombre de principios bastante particulares, decide acogerle en su casa de campo. Cuando las cuatro hijas del hombre llegan a la villa, Fernando se enamora rápidamente de todas.


Belle Époque, el segundo Oscar para España en la categoría de película de habla no inglesa, se convirtió en la cinta española más taquillera de su curso, con un apoyo de crítica, público y festivales pocas veces conseguido por un título patrio. El gran mérito de Trueba fue construir junto a Azcona un guión luminoso, deudor de la screwball comedy norteamericana, el cuento de iniciación sexual que ya fue El año de las luces y un humor muy medido que sume al espectador en un oasis imposible, un espacio utópico, un paréntesis entre las guerras que fueron y las que estaban por venir. Los aciertos se completan con una cantera de actores espléndida, con espacio para los intérpretes clásicos de nuestro cine y aquellos que a principios de los 90 empezaban a reivindicar su espacio. El conjunto, con formas de zarzuela, sainete, prosa unamuniana, tics afrancesados y parodia inteligente, es un punto álgido de un autor y una cinematografía que ha hecho de lo liviano un campo de minas para mirar de frente a nuestros fantasmas, con nostalgia pero sin condescendencia. Por suerte, todas las mozas que pretenden a Fernando, el soldado desertor que interpreta Jorge Sanz con cara de bobalicón, cuentan con escenas de euforia colectiva y lucimiento personal, detalle que engrasa la maquinaria cómica durante todo el metraje. Ver Belle Époque a día de hoy sigue siendo una experiencia, como si todavía fuera posible escabullirse de la gravedad imperante a base de besos a la orilla de un lago, fiestas de carnaval y líos de faldas. La comedia social y coral de nuestras raíces ibéricas, en definitiva, pasada por filtros intelectuales y libertarios, con defensa de la ambigüedad sexual incluida. La "joie de vivre" de una "belle époque" que no aparece en los libros de historia, pero que resistió y sigue persistiendo en nuestro imaginario.


Para los que sortean tiempos difíciles echando mano de inocencia.
Lo mejor: La efectividad de todo su reparto.
Lo peor: La trama eclesiástica merecía más peso.


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