miércoles, 23 de julio de 2014

CRÍTICA CSF: ESPLENDOR EN LA HIERBA, de Elia Kazan

ESPLENDOR EN LA HIERBA (SPLENDOR IN THE GRASS), de Elia Kazan
Largometraje nº 38. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección oficial a concurso
EE. UU., 1961. Dirección: Elia Kazan Guion: William Inge Duración: 120 min. Género: Drama romántico Fotografía: Boris Kaufman Música: David Amram Reparto: Natalie Wood, Warren Beauty, Pat Hingle, Barbara Loden, Zohra Lampert, Sandy Dennis, Audrey Christie, Gary Lockwood
Elección y presentación de Mariano Silva Hernández: "Aunque mis ojos ya no puedan ver ese puro destello, que en mi juventud me deslumbraba. Aunque ya nada pueda devolver la hora del esplendor en la hierba, de la gloria en las flores, no hay que afligirse. Porque la belleza siempre subsiste en el recuerdo. Bienvenido a la pasión y al despertar de la juventud. Bienvenido a los suaves susurros del “qué dirán” que hacen tambalear los más fuertes cimientos. Bienvenido a una de las mejores actuaciones femeninas que ha dado el cine. Pero sobre todo, bienvenido a una historia de AMOR en mayúsculas".


¿De qué va?: Años 20, zona rural de Kansas. Bud y Dean están enamorados, y aunque sus familias parecen aprobar su relación las distintas presiones estudiantiles, sociales y familiares terminan por separar los destinos de los dos jóvenes. Dean termina perdiendo la cordura, y Bud se deja arrastrar hacia el desencanto. Una historia de cómo el azar, el tiempo, el dinero y las clases sociales son capaces de moldear un romance que continúa hasta los años 30, tras el crack del 29 y con los personajes en su edad adulta, a punto de casarse con sus respectivas parejas.
Palmarés: Óscar al mejor guion original del año 1961 para William Inge, y nominación para Natalie Wood en mejor actriz protagonista. Tres nominaciones a los Globos de oro: mejor película dramática, mejor actor y mejor actriz. Candidatura al Bafta a la mejor película extranjera. Nominación del Directors Guild of America a la mejor dirección para Elia Kazan.



Reseña Xavier: Elia Kazan supo retratar en sus películas una generación de jóvenes a la deriva que lucha por conseguir sus sueños. El amor imposible y las influencias familiares, dos de los ingredientes clave de la literatura romántica, son las bases de clásicos como Un tranvía llamado Deseo, Al este del Edén y La ley del silencio, adaptaciones a la gran pantalla de obras teatrales, periodísticas y literarias, y todas ellas consideradas por la Academia de Hollywood en los años de su estreno. Todos esos ingredientes se repiten en Esplendor en la hierba, film que supuso el salto inmediato al estrellato de Warren Beatty y la confirmación del potencial de Natalie Wood, coincidiendo con el éxito de West Side Story. Esplendor en la hierba arranca como un drama juvenil con poca enjundia, pero poco a poco se va recrudeciendo hasta convertirse en una tragedia clásica con una escena final de una belleza y una tristeza impresionante. Los avatares que unen y separan a los personajes resultan pueriles o complejos según la secuencia, la ñoñería sesentera amenaza en varias ocasiones con naufragar la película y el dibujo homogéneo de los personajes secundarios resulta un tanto obvio (la condescendencia de la madre, la rectitud del padre empresario o el patriarca obsesionado con las noticias sobre las subidas de la Bolsa, aunque son retratos de la moral de la época, también resultan a ojos del espectador moderno directrices un tanto obvias del drama que se desata en el segundo tramo de la película). De ahí que el film no termine de convencer: conjuga el romance juvenil con el drama de altos vuelos, la sencillez de ciertos momentos choca con el poder evocador de sus símbolos, y el paso de una película juvenil a un drama adulto no sucede de forma equilibrada (personalmente, resulta difícil de creer la historia adolescente cuando sus actores rondan los 25 años, pero en cambio convencen cuando sus personajes van ganando años y experiencias en la ficción). Título, en resumen, irregular, pero igualmente de gran valor: Inge escribe y describe los conflictos de cualquier historia de amor, y el público agradece que a medida que la trama abraza el desencanto también propone una descripción de la generación que sobrevivió a la Norteamérica de la Gran Depresión. Esplendor en la hierba, defectos aparte, es una gran epopeya romántica todavía vigente.


Reseña Mayra: Interesante drama basado en un poema de William Wordswhorth. Elia Kazan, en el argumento de Esplendor en la hierba, plasma su interpretación de dicho texto literario, el mismo que da vida a una trama en la que las complejidades del amor juvenil, los deseos de juventud y el dilema de anteponer lo que se debe a lo que se quiere son los principales ingredientes. Un film que nos lleva a conocer una historia de amor asfixiante, en primera instancia por parte de los padres hacia los jóvenes enamorados, quienes se hallan sobreprotegidos y manipulados por sus progenitores, lo que da paso a situaciones opresivas para la joven pareja, que no concibe la idea de separarse (uno amara más que el otro, haciéndole incluso más vulnerable en tiempos en los que los miedos y la incertidumbre del porvenir confunden y pueden llevar a colapsar). Pero son precisamente las líneas del poema de Wordswhorth las que definen y dan sentido al guion de Esplendor en la hierba, que resulta interesante y destacable por la interpretación de Wood. El final deja una moraleja interesante sobre el paso del tiempo, la juventud y el valor de los recuerdos, pero su punto más débil tal vez reside en volverse por momentos demasiado sosa (incluso para mi gusto) y melodramática.


VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Una de las obras maestras de Elia Kazan. Un film que examina los dolores del crecer, la sexualidad reprimida y la hipocresía social. Beatty firma un increíble debut y Wood logra su mejor interpretación. Emanuel Levy, EmanuelLevy.com

Film dramático e hiperbólico de contenido polémico para su tiempo: la represión sexual y la neurosis. Aunque forma parte de los umbrales de los 60 cinematográficos, su espíritu es de la década anterior: retrata los problemas de la juventud, como lo hicieron 'Picnic', 'Rebelde sin causa', 'Al este del Edén' y 'Peyton Place' entre otras. Tim Dirk, Filmsite

Un film alambicado que nunca consigue retratar los temas que intenta exponer: los inicios del capitalismo y la sexualidad. Revela la operística sensibilidad de su autor, pero también su incapacidad por trazar un argumento completamente riguroso. Redacción, Time Out

Se me ponen los pelos de punta recordando la despedida final de Natalie Wood y Warren Beatty. Carlos Boyero, El País

Nota Filmaffinity: 7'8 - Nota IMDB: 7'8 - Nota Rottentomatoes: 8'8


VALORACIÓN DEL FESTIVAL

Esplendor en la hierba es candidata a 4 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actriz protagonista: NATALIE WOOD
Mejor actor secundario: PAT HINGLE
Mejor guion original: WILLIAM INGE
Mejor vestuario: ANNA HILL JOHNSTONE


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martes, 22 de julio de 2014

CRÍTICA CSF: WAKING LIFE, de Richard Linklater

WAKING LIFE (DESPERTANDO A LA VIDA), de Richard Linklater
Largometraje nº 37. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección oficial a concurso
EE. UU., 2001. Dirección y guion: Richard Linklater Duración: 100 min. Género: Animación. Drama experimental Música: Glover Gill Reparto: Ethan Hawke, Julie Delpy, Alex Jones, Glover Gill, David Sosa, Laura Hicks, Trevor Jack Brooks, Thimothy Speed Levitch, Wiley Wiggins
Elección y presentación de Paula Morales: "Richard Linklater nos muestra un apasionante recorrido existencial en el que el protagonista, un joven sin nombre, se encuentra en un profundo sueño del que no puede despertar. Podría decirse que son dos películas en una, ya que primero rodaron las escenas con los actores, y luego, junto a Bob Sabiston y un equipo de 31 artistas, colorearon, con total libertad, cada uno de los fotogramas usando la técnica del rotoscopio. Una película que no sólo te hace pensar, sino que invita replantearte tu propia existencia... porque quizás no haya tanta diferencia entre aquello que soñamos y lo que llamamos realidad".



¿De qué va?: Un mismo personaje mantiene conversaciones con distintos individuos, aparentemente de forma aleatoria. Durante las distintas charlas, se vislumbran aspectos de la condición humana y las cuestiones que más preocupan a un grupo de personas sin nombre, sin nacionalidad y sin apenas presentaciones.
Palmarés: 3 nominaciones a los Independent Spirit Awards: mejor película, director y guion. 2 nominacionesa los Chlotrudis Awards: mejor película y guion original. Mejor película de animación en el Festival de Cine de Ottawa. Mejor película de animación del 2001 para el Círculo de Escritores Cinematográficos de Nueva York. Proyectada en los festivales de Venecia, Sundance, Toronto y Nueva York.


Reseña Xavier: Waking Life se avanzó a las nuevas constantes de la animación, uno de los campos cinematográficos más explotados en los últimos años. Coincidiendo con el cambio de siglo, los Óscar empezaron a reconocer a las películas animadas en una categoría propia, y por su parte Richard Linklater, un autor tan ecléctico como imprevisible, decidió aunar animación y cine 'de carne y hueso', rehusando concepciones antiguas como las vistas en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Spacejam y similares, en Waking Life, título fundacional de títulos posteriores como A Scanner Darkly, del mismo Linklater, o The Congress, vista en el último Festival de Sitges. Linklater también se sumó al boom de la 'animación para adultos', muy en boga hace una década con el descubrimiento en Occidente de las obras de Miyasaki y coetáneos. Y todavía podemos sumar otro factor que realza todavía más la capacidad profética de la obra: Waking Life, en esencia una concatenación de monólogos, diálogos y discusiones surrealistas sobre la deriva del hombre moderno, se adelantó a la desesperanza actual (de alguna manera, la cinta participa del reciente auge del cine apocalíptico, si bien todo ello casi siempre ha sido reflejado en blockbusters con poca enjundia). En la sombra, sin ser una cinta excesivamente popular, Waking Life, con toda esta lista de méritos a sus espaldas, se reivindica como una de las experiencias más singulares y una de las obras más originales que ha parido el cine. Linklater concibe el fotograma como un lienzo en blanco, y cada escena del film es un juego de texturas, una constante explosión visual y dialéctica que puede hastiar o encandilar al espectador. Waking Life es una obra densa, tan compleja que por momentos puede resultar absurda, tan experimental que a veces uno desearía una reducción de su discurso en forma de cortometrajes o conferencia filosóficas de carácter didáctico. A veces no quedan muy claras las relaciones entre su 'fondo' (sesudo, atractivo) y su 'forma' (innovadora, estimulante) ni los efectos que busca Linklater con esa mezcla, pero hay que reconocerle, como sucede con cineastas como Winterbottom, una notable capacidad por poner patas arriba el orden establecido y evitar el acomodamiento del que se suele acusar a infinidad de autores. Personalmente, una película irregular, pero 'al rey lo que es del rey': obras como Waking Life, aun con sus aspectos cuestionables, son las que verdaderamente hacen evolucionar el séptimo arte.


Reseña Mayra: "No hay historia. Solo gente, gestos, momentos, fragmentos de emociones fuertes y fugaces", dice uno de los personajes de Waking Life cuando otro le pregunta sobre la historia que está escribiendo; y es justo así, con esa línea de texto, como creo se podría definir Waking life, aunque diría que sin mucho énfasis en lo de ‘emociones fuertes’. Linklater en esta película nos hace partícipes de una ensoñación tan irreal como filosófica donde el protagonista aparentemente sale de un sueño para entrar en otro. En cada fragmento conocemos personajes que principalmente utilizan el recurso de los diálogos. El film resulta todo un experimento, sin ninguna cronología ni un argumento con estructura convencional, a través del cual el director y guionista pretende enlazar personajes y momentos inconexos, donde predominan los diálogos filosóficos en cada escena. Justamente la originalidad del guion es una de las cosas que no se le pueden desmerecer a este interesante film, aun cuando carece de una historia y estructura sólida.


VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

El espectador es absolutamente libre para circular por sus imágenes en un ejercicio tan saludable para mentes inquietas como para espectadores dispuestos a vivir una singular experiencia sensorial. Para amantes de nuevas sensaciones dispuestos a conjugar la animación con la filosofía. Esteve Riambau, Fotogramas

Un film que no pudo estrenarse en mejor momento: los días posteriores al 11-S. Celebra la inteligencia y la locura. Aunque no sabemos las respuestas, sus preguntas son acertadas. El film es como una ducha fría de ideas clarificadoras. Roger Ebert, RogerEbert.com

Bella y filosófica en todos sus frentes. Algunas escenas consiguen que percibas el mundo de forma muy diferente. Difícil de seguir en ciertos puntos, pero igualmente interesante. Alimenta el sentido común. Redacción PhilFilms

¿Para qué recurrir a las drogas con un film como éste? ¿Cuándo acabas sus largas conversaciones? ¿Dónde empiezan? Ni idea. Y he visto el film dos veces. Sensual y genuína, en contra de las leyes de la gravedad cinematográfica, perfecta tanto en técnica como en temperamento. Peter Bradshaw, The Guardian

Nota Filmaffinity: 7'5 - Nota IMDB: 7'8 
Nota Metacritics: 7'95 - Nota Rottentomatoes: 8'4


VALORACIÓN DEL FESTIVAL

Waking Life es candidata a 1 PREMIO DEL FESTIVAL:

Mejor guion original: RICHARD LINKLATER


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CRÍTICA CORTOS CSF: HASTA LOS HUESOS, de René Castillo

HASTA LOS HUESOS, de René Castillo (México, 2001)
Cortometraje 14. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección oficial a concurso
Elección de Roonie Kruczynski
Reseña Xavier: La muerte como fiesta. Pero una fiesta melancólica y alcohólica, sin más aliciente que esperar quedarse 'hasta los huesos' y sumarse a la eternidad de esqueletos que reza el título. Castillo, aunque a priori parece transitar caminos y espacios propios de Tim Burton, pronto se desentiende de cualquier legado yanki y dota a su obra de un regusto mexicano, muy triste, más solemne de lo esperado, desesperanzado pero no descorazonador, con ráfagas de humor negrísimo. Tal vez se echa de menos una narración más elaborada, pero igualmente convence. Esperamos tomar ese 'último trago' lo más tarde posible...
Reseña Mayra: Hasta los huesos es el relato de la vida de un hombre que no termina cuando muere y es enterrado, sino que en esta ocasión tendrá un giro muy interesante: cuando nuestro protagonista llega al mundo de los muertos se encuentra con un entorno de celebración nostálgica ante la cual se muestra renuente, intentando evadir su realidad, de la que ya no puede escapar. Agradable e interesante corto.



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lunes, 21 de julio de 2014

CRÍTICA CSF: TIERRA, de Julio Medem

TIERRA, de Julio Medem
Largometraje nº 36. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección oficial a concurso
España, 1996. Dirección y guion: Julio Medem Duración: 115 min. Género: Drama fantástico. Romance. Fotografía: Javier Aguirresarobe Música: Alberto Iglesias Reparto: Carmelo Gómez, Nancho Novo, Silke, Emma Suárez, Karra Elejalde, Txema Blasco, Ricardo Amador
Elección y presentación de Inés Pintor: "Tierra es la tercera película del cineasta español Julio Medem. A través de unos paisajes maravillosos, una fotografía impactante de Javier Aguirresarobe y la actuación de grandes actores como son Carmelo Gómez, Emma Suárez y Silke, Medem nos muestra una historia compleja basada en las dualidades. Ángel llega a un pueblo donde una plaga de cochinillas está haciendo que todo el vino del lugar tenga un fuerte sabor a tierra, allí conoce a dos mujeres que supondrán para él una constante lucha entre su parte humana y su parte celestial. Todo teñido un fuerte color a tierra que crea un universo cálido y misterioso. ".


¿De qué va?: Ángel viaja hasta una comarca vinícola para terminar con la plaga de cochinillas que asola a casi todos los campos de la zona. La cochinilla hace que el vino tenga un intenso sabor a tierra, por lo que la llegada de Ángel es recibida con mucha expectación. Ángel contrata a un grupo de gitanos para que le ayuden a fumigar la tierra, pero un problema económico hará que Ángel pierda la confianza de sus empleados. Mientras, Ángel se queda prendado de dos mujeres: Ángela, una mujer sumisa e inocente, casada con el dictador Patricio y madre de una niña; y Mari, una joven pícara e hipersexual.
Palmarés: Goya a la mejor banda sonora original y a los mejores efectos especiales, más nominación a la mejor actriz revelación (Silke) y al mejor director. Sección oficial del Festival de Cannes 1996. Premio de la crítica del Festival de Sao Paolo. Candidata a la mejor película europea del año en el Festival de Bruselas. Premios Turia a la mejor película española del año y a la mejor actriz (Silke). Premio Ondas a la mejor actriz española del año (Emma Suárez, también por Tu nombre envenena mis sueños). Fotogramas de plata al mejor actor (Gómez) y a la mejor actriz (Suárez), ambos por Tierra, Tu nombre envenena mis sueños y El perro del hortelano.



Reseña Xavier: El cine de Medem se mueve constantemente entre dos planos: la realidad y el sueño, lo real y lo intuído, la lógica y el símbolo. Tierra bien podría tomarse como un ejemplo del personalísimo estilo del cineasta vasco: en un sentido estricto, estamos ante una historia de amor con doble vertiente protagonizada por un hombre de doble personalidad; y en un sentido metafórico, asistimos a una pugna entre el bien y el mal en una tierra de surcos preciosos, cuyo relieve parece dibujar el agujereado cerebro del personaje. La dicotomía 'medemiana' se cumple a rajatabla: la belleza de los fotogramas alcanza cotas nunca vistas en el cine español, a la vez que su historia se abre a infinidad de lecturas, todo lo profundas o terrenales que quiera el espectador. Tierra, vaya, es cine en estado puro, ya que ataca directamente a nuestros sentidos y logra colarse en el subconsciente colectivo. Pese a esto, Tierra dista de ser todo lo equilibrada que debería: parte de la locura de su Ángel exterminador acaba por afectar al relato (intenso en su arranque, subyugante en ciertas escenas, desconcertante en casi todo su conjunto y ligeramente estirado en su segundo tramo). Además, Tierra no acaba de determinar nunca cuál es su mensaje, en caso de tenerlo; no determina sus límites tanto geográficos como interpretativos, y ello resta potencia al conjunto: el mapa terrestre queda tan abierto a tantas rutas que el espectador no puede descartar la posibilidad de que tras tanta pátina de trascendencia no haya más que el capricho de un genio. De ahí que Tierra sea menos punzante que Vacas, menos hipnótica que La ardilla roja, menos emocionante que Los amantes del Círculo Polar y, sobre todo, menos redonda, en temática, forma y estructura, que Lucía y el sexo, personalmente la gran obra maestra de Medem. Una rara avis en toda regla que dividió a la crítica en el año de su estreno: en pleno 2014, su revisionado sirve para destacar la singularidad de la obra de Medem, que por desgracia no ha tenido la continuidad que se esperaba a finales de siglo. Y por cierto: ¿qué ha sido de Silke, actriz muy prometedora a finales de los 90?


Reseña Mayra: En Tierra, nos embarcamos junto a Ángel (Carmelo Gómez) en un viaje que nos lleva a explorar un territorio que es un misterio, un enigma tan grande como su protagonista. Película escrita y dirigida por uno de los directores españoles menos convencionales de los que he podido ver hasta ahora. A través de este film, Medem nos lleva a conocer un lugar con una atmósfera muy interesante y a la vez con personajes muy singulares, en un ambiente poético, con una extrañamente fascinante fotografía, música y diálogos. Tierra es una película poco convencional pero muy llamativa, y aunque no creo que sea el mejor trabajo de su director, es un film recomendable.


VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Un arrebatado canto a la vida y una ardiente historia de pasión amorosa, que Medem transmite de forma contagiosa y directa, envuelta siempre en una tela de humor muy suave, tranquilo pero incesante, que transforma la realidad dura y cruda en una especie de juego próximo a lo surreal, regido por el absurdo. Daniel Monzón, Fotogramas

Una excursión fascinante y metafísica a los enigmas de las emociones humanas y los terrenos vinícolas: atracción y conexión, amor y celos, lo espiritual y lo corpóreo. Redacción Senses of Cinema.

Una película vestida de suntuosidad, una historia de amor cósmico que repiquetea como una lata vacía. Sumamente ambiciosa, pero con partes disparatadas. Derek Elley, Variety

El film sorprendió a casi todos en Cannes por la riqueza, la originalidad y la belleza de sus imágenes, tan cerca de las ideas como de las emociones. Núria Vidal, Fotogramas

 Nota Filmaffinity: 7'0 - Nota IMDB: 7'4 - Nota Rottentomatoes: 8'6


VALORACIÓN DEL FESTIVAL

Tierra es candidata a 5 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actor protagonista: CARMELO GÓMEZ
Mejor guion original: JULIO MEDEM
Mejor fotografía: JAVIER AGUIRRESAROBE
Mejor montaje: IVÁN ALEDO
Mejor banda sonora original: ALBERTO IGLESIAS


PUNTUACIÓN DEL BLOG


SEMANARIO 66: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG: ESPECIAL CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2014


Del 14 al 20 de julio de 2014

 Largos 31: LOS TRES DÍAS DEL CÓNDOR, de Sidney Pollack
Largos 32: EL CEBO, de Ladislao Vadja
Largos 33: CANCIONES DEL 2º PISO, de Roy Andersson
Largos 34: MÁS ALLÁ DE LAS COLINAS, de Cristian Mungiu
Largos 35: EL HOMBRE ELEFANTE, de David Lynch

Cortos amateurs 10:
CERRADO EL HONKY TONK, de José Luis Salgado
Cortos amateurs 11:
INCUBADORA, de Camilo Delgado

Cortos 12: LA CASA ES NEGRA, de Farough Farrokhzad
Cortos 13: RYAN, de Chris Landreth

domingo, 20 de julio de 2014

CORTOS CSF: INCUBADORA, de Camilo Delgado




1. ¡Hola Camilo! Muchas gracias por presentar Incubadora en la segunda edición del Cinoscar Summer Festival. Antes de empezar a conocer los detalles de tu cortometraje, queremos conocerte a ti. En pocas palabras, ¿puedes contar a nuestros lectores cuál es tu vinculación con el mundo del cine? 
Comenzó de muy joven en los años 80, cuando me recorría los videoclubs y me pasaba horas viendo las carátulas de los betamax y qué película escoger, me aprendía los directores y las productoras... 

2. En la sección de cortos hemos tenido muchos trabajos de terror. Tu obra también forma parte de este género. Como autor, ¿cuáles fueron tus referentes a la hora de rodar? 
Por supuesto siempre tengo presente a George A. Romero. 

3. Incubadora demuestra que con tan sólo un actor, un espacio y apenas un objeto (el teléfono móvil) puede contarse una historia interesantísima. ¿Fue difícil filmar con esas limitaciones? 
Mostrar una historia con un solo personaje dio bastantes dolores de cabeza. No es nada fácil, siempre me daba contra un muro cuando estaba escribiendo la historia, pero a base de insistir, salió Incubadora.


4. El trabajo del actor es excelente. Durante casi todo el metraje actúa sin ropa. ¿Puedes contarnos algunos detalles al respecto? Seguro que puedes narrarnos alguna anécdota del rodaje. 
El problema que tenía era que el actor tenía que estar en bañador y el bañador no podía salir en plano, pero el actor no tenía ningún problema en estar desnudo, así que tuvimos más libertad a la hora de rodar.

5. Todos los aspectos técnicos (sonido, fotografía, montaje, etc.) consiguen dar una notable sensación de angustia y claustrofobia. ¿Cuál fue el escollo o cuestión técnica más difícil de abordar antes, durante y después de la filmación? 
El montaje fue el aspecto que más problemas me dio. Se hicieron varias versiones más narrativas, gore, etc., y al final dimos con la versión que podéis ver. 

6. También sorprende la transformación que sufre el protagonista al final de la obra. ¿Cómo lograsteis esas ‘heridas’ tan realistas? 
Gracias a una maquilladora que contraté para el proyecto. Ya tenía en mente cómo iba a ser el maquillaje, solo faltaba plasmarlo en pantalla 


7. Tanto el título, Incubadora, como el giro final de la historia se prestan a distintas interpretaciones. ¿Puedes explicarnos el secreto del título?
El título viene de estar encerrado, desnudo, indefenso.

8. De toda la selección de cortos, Incubadora es el trabajo más onírico y misterioso. La premisa recuerda a Buried (Enterrado) de Rodrigo Cortés, y también pueden rastrearse ecos de la obra de David Lynch, uno de los autores de esta edición. Como espectador, ¿cuáles son tus predilecciones, sobre todo a lo que respecta al cine de terror?
Mis directores favoritos son John Carpenter, George A. Romero, David Cronenberg... Todas sus películas me inspiran a la hora de escribir algo que me gusta.

 
9. Tras Incubadora, ¿tienes algunos proyectos en marcha? ¿Nos puedes contar algunos detalles? 
Por ahora estaré un tiempo sin dirigir. Otro director hará Incubadora 2 con un guion que escribí. 

10. Gracias por responder a nuestras preguntas, Camilo. Finalmente, te damos la posibilidad de dirigir unas palabras a nuestros lectores y animarles a que voten por tu trabajo. ¿Cómo es Incubadora? ¿Qué nos vamos a encontrar en el corto? ¿Por qué debemos verlo? ¡Mucha suerte! 
Lo más importante del cortometraje, a pesar de su maquillaje, la angustia y fobia, es que quiere trasmitir otra idea, solo el espectador tiene que visualizarla y fijarse, encontrará que el terror y el suspense solo es una tapadera para contar algo más serio.

sábado, 19 de julio de 2014

CORTOS CSF: CERRADO EL HONKY TONK, de José Luis Salgado Carril


1. ¡Hola Jose Luis! Muchas gracias por presentar Cerrado el Honky Tonk en el Cinoscar Summer Festival. Antes de empezar a conocer los detalles de tu cortometraje, queremos conocerte a ti. En pocas palabras, ¿puedes contar a nuestros lectores cuál es tu vinculación con el mundo del cine? 
No tengo una vinculación concreta con el mundo del cine. Es cierto y reconozco que nunca he estudiado ningún tipo de arte dramático ni he estado en alguna academia de todo lo relacionado con este mundo. Se puede decir que siempre me ha gustado el cine y simplemente intento realizarlo porque me gusta la interpretación. Mi vínculo, digamos, es la afición por el cine.

2. Tu cortometraje apuesta por un western muy curioso, con alma californiana y acento gallego. ¿Querías homenajear este género? ¿Cuáles han sido tus referentes a lo que western se refiere?
Soy gallego porque ahí nací y crecí, esa realmente es y será mi tierra, pero el espíritu country en mis escenas siempre terminan saliendo...es algo que sale de mí. No tengo un tipo de referentes en concreto: cualquier tipo de western o cualquier tipo de películas que, aunque no sean western, lleven también el espíritu country.

3. Uno de los personajes más curiosos y divertidos es el de la madre que está de viaje por Italia. ¿Puedes contarnos alguna anécdota del rodaje? ¿Fue un rodaje ‘entre amigos’, tal y como se intuye en las imágenes?
Es verdad que ha sido entre amigos...Yo realmente tengo la profesión de electricista y la madre es en la realidad una clienta mía. Una anécdota es que después de haber hecho una gran parte de la escena de la camioneta, al llegar Luis junto a su madre con el paquete atrás, nos habíamos olvidado de cambiar la matrícula del coche por la azul de California que aparece en el resto del corto. Otro dato es que después de haber rodado la escena del río decidí volver allí para cumplimentar un poco la acción y mi compañero tuvo que resignarse a volver, por lo tanto cuando veáis la escena del río con la caña de pescar, esas escenas distan 15 días enlazadas unas tomas con las otras.


4. Uno de los aspectos más curiosos de la obra es el montaje. ¿Puedes contarnos el proceso de edición del film?
El proceso ha sido 'la paciencia'. He intentado con el montaje dar una sensación de rapidez en el corto al alternar las escenas de los varios días en los que se ve este corto. De este modo, creo que se hace un poco más atractivo y a la vez un poco más gracioso al saltar de escena inesperadamente.

5. Uno de los aspectos más interesantes del cortometraje es la banda sonora. ¿Qué efectos o sensaciones perseguíais? ¿Tuvisteis algún referente claro con respecto a la música? ¡Cualquier western que se precie necesita de una banda sonora de nivel!
W. C. Edgar es siempre en cantante de country en mis obras, pues tengo su autorización para poner cualquier canción suya en cualquier vídeo mío. La canción del piano es del hijo de la señora que hace de mamá (Marcos Cerviño), y los arreglos y sonidos de los detalles los realizo yo mismo. Para mi, en todas las películas la banda sonora es algo muy fundamental y marca una gran diferencia en las películas.

6. Trasladar la atmósfera, los paisajes y la mística de unos personajes típicamente norteamericanos a espacios muy diferentes es todo un reto. ¿Cómo lograsteis superar todo ello? ¿Cómo disteis con las localizaciones exactas? ¿Hay algún truco que desconocemos?
No hay trucos... solo existen unas escenas que son realmente de Arizona (la tormenta de arena y las plantas rodantes en la carretera, aunque no se ha ido allí adrede, han sido tomadas durante unas vacaciones y me han servido para hacer la escena del coche. El resto han sido localizaciones cercanas a Santiago de Compostela. La casa de la mamá es también en realidad de ella. El coto de pesca dista solo a 12 kilómetros (hay que adaptarse a lo que tenemos). Solo hay un truco que no recordaba: los relámpagos en la noche son artificiales


7. La estética, los espacios y la música country parecen trascender al propio cortometraje, o al menos esa es la conclusión a la que se puede llegar si revisamos tu videografía. ¿Hasta qué punto es importante para ti todo ello? ¿O se trata de una relación casual?
Este corto es el más country de mis obras, y no es casual. Para mi, con un poco de country por medio y un poco de imaginación ya basta,aunque yo no puedo realizar grandes filmaciones porque encontrar personas que se presten es el aspecto más complicado.

8. Cerrado el Honky Tonk también juega con otros géneros: la comedia, el thriller… ¿Hay alguno por el que sientas especial predilección? ¿Todas esas relaciones estaban programadas desde el primer momento o fueron cuestiones casuales? 
No hay predilección. El humor sale siempre solo sin ensayos...me gusta alternar más de un tipo de género.


9. Por redes sociales y Youtube sabemos que eres un autor muy entusiasta y activo. ¿Tienes algún proyecto de entre manos? ¿Otro western, tal vez?
Tengo casi terminado un largometraje titulado Ángeles de la guarda. Está ambientado realmente en Santiago de Compostela (se puede ver la catedral), aunque el country permanece igualmente...tiene todo el fondo country.

10. Gracias por responder a nuestras preguntas, José Luis. Finalmente, te damos la posibilidad de dirigir unas palabras a nuestros lectores y animarles a que voten por tu trabajo. ¿Cómo es Cerrado el Honky Tonk? ¿Qué nos vamos a encontrar en el corto? ¿Por qué debemos verlo? ¡Mucha suerte!
Cerrado el Honky Tonk es un corto entretenido. En él se encuentran situaciones divertidas con un gran suspense, y debéis verlo porque solo son 30 minutos y creo que os parecerá mucho menos tiempo por estar entretenidos. Destaco por último el montaje del corto. 


viernes, 18 de julio de 2014

CRÍTICA CSF: EL HOMBRE ELEFANTE, de David Lynch

EL HOMBRE ELEFANTE, de David Lynch
Largometraje nº 35. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección oficial a concurso
EE. UU., 1980. Dirección: David Lynch Guion: David Lynch, Eric Bergren y Christopher De Vore Duración: 130 min. Género: Drama Fotografía: Freddie Francis Música: John Morris Reparto: John Hurt, Anthony Hopkins, Anne Bancroft, Freddie Jones, Dexter Fletcher, John Gielgud, Wendy Hiller
Elección y presentación de Jose Zambrano: "Cuando el patetismo y la humanidad llegan a límites insospechados, cuando un film rebasa el umbral de la pantalla y se convierte en parte del espectador, cuando una película te desgarra el alma y escarba en los rincones más profundos del miedo, la injusticia y la inmoralidad; aun así no podrían describir a El hombre Elefante. Dotada de una capacidad emotiva infinita; David Lynch convierte a este monstruo en una historia de superación personal y en una reflexión sobre la belleza del mundo; cinismo contra compasión, desprecio contra ternura. No existe película que se le parezca. Ninguna persona sobre la faz de la tierra puede perderse esta espectacular muestra de arte cinematográfico puro"


¿De qué va?: Londres, finales del S. XIX. Tras pasear por un circo callejero, un doctor descubre un hombre con una deformación física inusitada. El hombre ha sido (mal)tratado largos años como un espectáculo de feria, por lo que el doctor decide liberarlo y llevarlo hasta su casa para investigar sus deformaciones. A medida que los dos hombres empiezan a intimar, ambos aprender cuestiones que no esperaban, y a su vez deberán hacer frente a retos que no preveían: uno tendrá que hacer frente a la incomprensión de la comunidad científica, y el otro lidiará con las dificultades obvias para integrarse en la alta sociedad londinense de la época.
Palmarés: 8 nominaciones al Óscar, incluyendo menciones en mejor película, director, guion y montaje. 4 nominaciones al Globo de oro, incluyendo menciones en mejor película (apartado drama), director, guion y actor protagonista (John Hurt). 3 premios Bafta de 7 nominaciones: mejor película, actor protagonista (Hurt) y diseño de producción. Premio César y Premio del Sindicato de Críticos de Francia a la mejor película. 2 nominaciones al Grammy. Presente en el Top 10 elaborado por la National Board of Review de mejores películas del año 1980: la lista la encabezó Gente corriente de Robert Redford.


Reseña Xavier: Aunque pueda parecer que El hombre elefante se aleja de los juegos visuales y de las narrativas habituales del cine de David Lynch, en realidad, pese a su acentuado academicismo, es una obra que sigue las pesquisas de la obra de su autor. El film arranca con un plano pesadillesco en la que se cuenta el pasado del 'hombre elefante' del título. Posteriormente, el protagonista, un científico de ávida curiosidad, transita unos espacios circenses bastante desagradables, llevando al espectador a escenarios y tiempos de pesadilla. Y lo que sigue, es el despertar, el crecimiento y la final consolidación de un hombre de físico malformado y alma magullada que encuentra una segunda oportunidad en el mundo del raciocinio gracias a su 'apoderado'. Lynch cuenta una historia de libertad cargada de símbolos: el 'hombre elefante' bien podría ser una representación del maltrato a la comunidad afroamericana en los Estados Unidos o una representación del miedo que ha causado desde tiempos inmemoriables determinadas enfermedades físicas y mentales. Lynch habla de la necesidad de empatizar con el otro, y de paso ofrece un ejercicio de cine científico cercano al esquema de El pequeño salvaje de François Truffaut (cine de tesis, si se quiere; de descubrimiento, formulación de teorías y refutación de las mismas). El gran defecto de El hombre elefante, más allá de su impecable resultado técnico e irreprochables buenas intenciones, es la frialdad predominante de su tempo: Lynch quiere ilustrar la humanidad en grado sumo, la bondad en su máxima expresión, pero solo obtenemos un guion correcto, unos personajes poco matizados y una puesta en escena excesivamente teatral. De ahí que los fans de Lynch nos encontremos ante una película más accesible, en parte reconocible, pero también más anodina pese a ampararse en el trono de 'obra necesaria' o 'cinta llena de valores', cuestiones que cuentan con muchos adeptos en determinados discursos cinéfilos (sectores que, dicho sea de paso, ponemos en cuarentena desde este blog). En lo personal, únicamente observo el correctismo de una película 'de Óscar', más pusilánime que crítica: a algunos les llevará a la catarsis, a otros nos deja tremendamente fríos. ¿O es un espejismo de la pragmática y la escasa retórica del lenguaje científico?


Reseña Mayra: El hombre elefante es la segunda película de David Lynch tras la muy surrealista Cabeza borradora, cinta de la que hereda parte del argumento. El hombre elefante es una historia basada en hechos reales: la vida de un hombre que nació con malformaciones físicas, algo que lo llevó a sobrevivir en condiciones precarias y llenas de vejaciones. La cinta, entre otras cuestiones, aborda el tema del rechazo a lo diferente, la falta de escrúpulos y la burla. Lynch para entonces presentaba un film más humano que su anterior obra y con mejores interpretaciones, pero que aún resultando interesante la puesta en escena y las interpretaciones de dicha trama, al mismo tiempo a día de hoy me da la sensación de que es una de las películas menos destacables de su director.


VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Reconstrucción de una historia real, cuya virtud es trascender el concepto de monstruosidad a la categoría de tragedia. Su generosa y profunda reflexión está formulada con el estilo característico de su autor, jugando siempre con el contraste entre un clasicismo aparente y un expresionismo innato. Redacción Fotogramas

El film podría haber optado por desvelar la relación entre Merrick y su 'sponsor' médico como 'El niño salvajo' de Truffaut. También podría haber optado por tratar la imposibilidad de Merrick a la hora de integrarse en la sociedad ordinaria, como 'El enigma de Kaspar Hauser'. Pero prefiere celebrar la nobleza del protagonista. Y me pregunto qué quiere decirnos exactamente sobre la condición humana. Su filosofía tiene claroscuros. Roger Ebert, RogerEbert.com

Un cuento de redención y trascendencia, y un médico noble y fantasmal, en una versión de 'La bella y la bestia'. Richard Corliss, TIME Magazine

Una interpretación de Hurt maravillosa en un film inolvidable. No es una cinta de terror, pero retrata el lado oscuro de la sociedad, el 'circo freak' en el que viven los hombres de cabezas y cuerpos deformados. Pese a su éxito, es memorable. Redacción People Magazine

Nota Filmaffinity: 8'1 - Nota IMDB: 8'3 - Nota Rottentomatoes: 9'1


VALORACIÓN DEL FESTIVAL

El hombre elefante es candidata a 6 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actor protagonista: JOHN HURT
Mejor actor protagonista: ANTHONY HOPKINS
Mejor guion adaptado: DAVID LYNCH, CHRISTOPHER DE VORE y ERIC BERGREN
Mejor banda sonora original: JOHN MORRIS
Mejor fotografía: FREDDIE FRANCIS
Mejor vestuario: PATRICIA NORRIS


PUNTUACIÓN DEL BLOG


jueves, 17 de julio de 2014

CRÍTICA CSF: MÁS ALLÁ DE LAS COLINAS, de Cristian Mungiu

MÁS ALLÁ DE LAS COLINAS (DUPA DEALURI, BEYOND THE HILLS), de Cristian Mungiu
Largometraje nº 34. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección oficial a concurso
Rumanía, 2012. Dirección: Cristian Mungiu Guion: Cristian Mungiu, a partir de los libros de Tatiana Niculescu Duración: 145 min. Género: Drama Fotografía: Oleg Mutu Reparto: Cosmina Stratan, Cristina Flutur, Dana Tapalaga, Catalina Harabagiu, Gina Tandura, Valeriu Andriuta, Ionut Ghinea, Nora Covali
Elección y presentación de Isidro Molina: "Con su primer largometraje tras la soberbia 4 meses, 3 semanas, 2 días, Cristian Mungiu se propone remover conciencias sumergiéndonos de nuevo en la Rumanía profunda. Con su estilo preciso, naturalista, sin falsas concesiones dramáticas, el realizador rumano se consolida como autor y nos presenta un retrato absorbente y demoledor del fundamentalismo ortodoxo donde el espectador, testigo incómodo, asiste al reencuentro de dos amigas sumidas en dilemas de fe y libre albedrío entre los muros de un convento situado más allá de las colinas e, irónicamente, alejado de la mano de dios".

¿De qué va?: Alina se reencuentra con su amiga Voichita. Amigas desde que coincidieran en un orfanato duranto la Rumanía de Ceaucescu, las chicas tienen distintos planes de futuro: Alina quiere que Voichita la acompañe a Alemania, donde ha encontrado un empleo, pero Voichita desea quedarse en el convento ortodoxo que la acoge desde hace unos años. Alina ingresa en el convento convencida de que su amiga dará su brazo a torcer, pero al ver que su decisión es irrevocable inicia un particular descenso a los infiernos. La relación de las dos chicas cambiará notablemente... hasta el punto que la frágil estabilidad de Alina logrará tambalear la inalterable rutina y moral del convento. La situación se agrava con la llegada de la Cuaresma y el recrudecimiento de un invierno que parece no acabar nunca: a partir de ese momento, Voichita y sus compañeras deberán tomar una decisión que terminará en tragedia.
Palmarés: Mejor película del Festival Mar de Plata 2012. Palma de oro al mejor guion para Cristian Mungiu y mejor actriz, ex-aequo para las protagonistas Cristina Flutur y Cosmina Stratan. Premio del público del Festival de Thessaloniki, y proyectada en el Festival de Hamburgo y Hawaii. Nominación al mejor guion del año en los Premios del cine europeo 2013. Presente en el Top 5 de mejores películas de habla no inglesa elaborado por la National Board of Review. Nominación al Satellite Award a la mejor película de habla no inglesa. Representante rumana al Óscar 2013 a la mejor película de habla no inglesa (no fue nominada, pero superó el corte inicial de nueve candidatas).


Reseña Xavier: 'El mal está por todas partes': Más allá de las colinas termina con una frase aparentemente casual, a priori inocente, que viene a resumir la esencia de todo el metraje. Aunque Mungiu nos sume en el sepulcral día a día de un convento, las intenciones del director son describir la realidad extramuros, el empobrecimiento material y moral de un país que no logra desasirse del peso del dictador. El cineasta que relanzó la cinematografía rumana al conseguir la Palma de oro con 4 meses, 3 semanas, 2 días, obra cumbre del último cine europeo, confirma en Más allá de las colinas su condición de autor: la obra que nos ocupa consolida un discurso y afianza una mirada propia, por lo que en ella puede rastrearse tanto la confirmación de una firma como el acomodamiento de un artista convertido en azote y a la vez en insignia cultural de la Rumanía del siglo XXI. La película, descorazonadora, tensísima e irrespirable por momentos, hereda la excelente dirección de actrices, los trabajados tonos oscuros, los encuadres fotográficos cerrados y el vigoroso montaje de su predecesora, aunque en esta ocasión Mungiu dilata en exceso los tiempos del relato e incluye algún que otro subrayado dramático que lleva el film al terreno del tremendismo claustrofóbico tan efectivo como efectista. Con todo, Más allá de las colinas es una película sutil y creíble, de forma que la sobrecarga trágica de la historia queda perfectamente compensada por su inteligencia a la hora de acercarnos a los precipicios éticos por los que transitan sus personajes: aunque el film esboza una relación lésbica, Mungiu subraya la dependencia existente entre las protagonista, por lo que el interés no descansa en descubrir dónde empieza y acaba una posible relación de amistad y/o amor, sino en la necesidad de comprensión y afecto que comparten las jóvenes; y la película, aun situándose en el drama puro y duro, está construida con mimbres de thriller y de terror que enriquecen la historia sin desvirtuarla, evitando en todo momento los clichés del cine de exorcismos o la crítica fácil hacia ciertos estamentos sociales y eclesiásticos, pero al mismo tiempo nutriéndose de esas posibilidades para diferenciar la película de otros ejercicios cinematográficos análogos. Mungiu, en definitiva, logra otro gran título repleto de misterio y de dolor, dos horas y media de metraje que describen el implacable principio de la miseria que solo crea más miseria, y de cómo esa miseria encuentra amparo en las prohibiciones marcadas por la religión y un rival muy fuerte en el poder del amor, ya sea terrenal o divino, célibe o (homo)sexual.


Reseña Mayra: Más allá de las colinas muestra cómo se puede cruzar fácilmente la delgada línea entre la fe y el fanatismo, el amor y la obsesión. Mungiu nos presenta dos personajes con un pasado en común, pero con un presente que las distancia. Voichita dice haber encontrado paz y una nueva vida como religiosa, y Alina ama a Voichita, un amor que ya no puede ser correspondido de la misma manera, una amistad que intenta sostenerse ante las diferencias pero que concluye en un final poco deseado que deja conocer los entresijos del extremismo religioso debido a los dogmas de hombre. Una muy interesante película donde el espectador encontrará muchos temas para reflexionar. Lo más destacable son sin duda las actrices protagonistas, el centro de esta historia, que comparten miradas, sentimientos y pasiones. Con la frase “el mal está en todos lados”, Mungiu pone final a un discurso que deja ver que el 'mal' también es sinónimo de la intolerancia y falta de respeto a un punto de vista contrario, una actitud  presente en los disparatados actos de quienes dicen profesar bondad. Un cinta muy recomendable.



VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

El planteamiento teórico de la película es impecable, aunque lo que falla es la puesta en la escena. Es cierto que la repetición es la figura retórica que guía la vida cotidiana en el monasterio, pero la dilatada insistencia en normas y rituales subraya una tesis que, más aligerada, calaría en los huesos del espectador sin sumergirlo en el tedio. Sergi Sánchez, Fotogramas

Una historia de amor imposible, de locura y de rivalidad terrible. Largos planos-secuencia fijos, marca de fábrica del cine rumano contemporáneo, para visualizar los esporádicos momentos de calma y las constantes recaídas de Alina en un proceso que va de la rebeldía a la locura, pasando por la posibilidad de que el diablo se haya apoderado de su alma. Quim Casas, Dirigido por...

A Mungiu no le interesa tanto la reconstrucción del caso real como adentrarse en la cotidianidad de un universo aislado que funciona con unas reglas propias de la Edad Media. La relación entre ambas mujeres se basa en un constante tira y afloja: la pasión escondida de una choca con la fe manifiesta de la otra. La película se reconduce hacia el terror sin necesidad de convertir a sus protagonistas en unos monstruos: el crimen no es fruto de la maldad, sino de la miseria y la ignorancia. Eulàlia Iglesias, Caimán Cuadernos de Cine

La mirada con la que se aproxima a su conflicto rehuye comportamientos estereotipados y maniqueos, y su exquisita contemplación no prejuzga según un ideario programado y automático, a pesar de que el desarrollo de la trama pone en bandeja ciertas conclusiones. Raúl Alda, Días de cine

Nota Filmaffinity: 6'8 - Nota IMDB: 7'6
Nota Metacritics: 7'45 - Nota Rottentomatoes: 8'55


VALORACIÓN DEL FESTIVAL

Más allá de las colinas es candidata a 7 PREMIOS DEL FESTIVAL:

MEJOR PELÍCULA
Mejor director: CRISTIAN MUNGIU
Mejor actriz protagonista: COSMINA STRATAN
Mejor actriz protagonista: CRISTINA FLUTUR
Mejor guion adaptado: CRISTIAN MUNGIU
Mejor fotografía: OLEG MUTU
Mejor reparto


PUNTUACIÓN DEL BLOG


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