martes, 29 de julio de 2014

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: NOMINADOS I

Cinoscar Summer Festival, 2ª edición: Nominados

Los nominados a la MEJOR BANDA SONORA ADAPTADA son:


1. CARRETERA PERDIDA: Con un soundtrack mixto, y finalmente nominado tanto aquí como en la categoría de 'banda sonora original', el film de Lynch utiliza la música para redondear las atmósferas oníricas por las que transitan los personajes. Pocas veces un soundtrack resulta tan variado y a la vez tan coherente: tanto el tema inicial de David Bowie como los tracks de Rammstein, Marilyn Manson o Nine Inch Nails contribuyen a que el film resulte una estimulante pesadilla.
2. CASINO: Resumir la música de Casino es casi imposible: en su momento, el soundtrack se editó con una edición de dos cds, en los que quedan condensados los ritmos pop, jazz, blues y clásicos que ambientan la película. Un repertorio de lujo, con temas míticos y voces imprescindibles. Scorsese siempre consigue unos soundtracks voluptuosos y logra insertar cada pieza en la escena correcta, de forma que las melodías y letras refuercen las imágenes. Tanto en cantidad como en calidad, estamos sin duda ante una de las aportaciones más destacables del festival.
3. PENA DE MUERTE: Robbins reunió a las principales figuras del country norteamericano para Pena de muerte. Ritmos acústicos, con guitarras desnudas y voces rasgadas que dotan de emoción, misticismo y raíces a una película que en su hilo musical remite directamente al corazón de la Norteamérica profunda. Una banda sonora muy vendida en la época gracias a las aportaciones de Eddie Vedder y Bruce Springsteen entre otros. Uno de los méritos de la banda sonora es que funciona como recopilación independiente y como colección de las músicas de la película. Una apuesta muy personal que hará las delicias de los amantes del cine y de la música.
4. LAS VIDAS DE GRACE: A diferencia de otras apuestas del cine indie norteamericano, Las vidas de Grace rehuye de la clásica concatenación de canciones y mezcla piezas originales con otras adaptadas, casi todas instrumentales. El soundtrack tuvo cierto recorrido en la pasada temporada de premios gracias a la canción que uno de los jóvenes internos canta a la protagonista en uno de los momentos más emotivos del film. Una baza minimalista, pero también un ejemplo de que a la hora de musicalizar una obra 'menos' puede ser 'más'.
5. STOCKHOLM: Desde la escena inicial en la discoteca, pasando por la pieza clásica que ambienta el grandioso reencuentro en el ascensor, las notas a piano que acompañan el paseo por un Madrid a punto de amanecer e incluso el silencio que preside el a priori sosegado pero más violento segundo tramo del film, Stockholm se reivindica como una banda sonora atípica. Una banda sonora que podría resultar 'poco premiable' por su naturaleza ecléctica, pero realmente interesante: os animamos a escuchar todos los cortes musicales del film en youtube.
6. TOM À LA FERME: Dolan cuida mucho los soundtracks de sus películas: con sus músicas, el joven canadiense define a los personajes, estiliza sus travellings y consigue su tan famoso universo queer. En Tom à la ferme, Dolan cambia su rutina de trabajo para dotar de sobriedad a su original thriller: el silencio es el gran protagonista, el soundtrack corre a cargo de Gabriel Yared (El paciente inglés), y las canciones, aunque disminuyen en número, aumentan en fuerza dramática. Les moulins de mon coeur sonando en el plano aéreo de la autopista o el regreso a la ciudad de la última escena con el Going To A Town de Rufus Wainwright justifican por sí solos la nominación.

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Los nominados a la MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL son:


1. Nino Rota, por OCHO Y MEDIO: La música de Rota, tan célebre como el film, cincela el aire circense, sainetesco y tragicómico que respiran las imágenes. Rota y Fellini formaron un tándem sin par, por lo que estamos ante un trabajo único e intransferible, muy personal y sobre todo irrepetible. La gran prueba de la calidad de sus melodías es que, al escuchar el soundtrack, uno puede evocar de forma muy nítida las escenas más exuberantes de la película. Un clásico digno de premio.
2. Benny Andersson, por CANCIONES DEL SEGUNDO PISO: Podría parecer la banda sonora menos destacable del sexteto de nominados, pero Andersson logra un ejercicio muy meritorio: lograr que la banda sonora, aun pasando relativamente desapercibida, dote de tristeza y negrura al surrealista muestrario de historias que teje el film. Las composiciones de Andersson tienen el toque melancólico de, por ejemplo, los soundtracks de Angelopoulos. Un apocalipsis musicalizado de forma delicada, notable y sensible.
3. Angelo Badalamenti, por CARRETERA PERDIDA: Badalamenti es un genio de tal calibre que bien podría componer el hilo musical de los pasadizos del infierno e hipnotizar al mismísimo diablo. En Carretera perdida, sus composiciones dibujan el trance y el viaje del protagonista, e incluso se permite auténticas epopeyas oscuras cuando la trama avanza y la confusión se apodera de los fotogramas. Música oscura, etérea, que se cuela en nuestros adentros cual gusano urgando en las profundidades de un cerebro.
4. Gottfried Huppertz, por METRÓPOLIS: El film de Lang juega en otra liga. Tanto por época como por la naturaleza muda del film, las distintas suites de Huppertz siguen principios y estructuras muy diferentes a las del resto de nominadas. Si el film es una mezcla de ciencia ficción, cine social, romance y cine negro es gracias a una banda sonora con momentos álgidos, otros reposados, ritmos exóticos y grandes ejercicios orquestales. El reto de Huppertz era superlativo... y todavía sigue sorprendiéndonos.
5. Alberto Iglesias, por TIERRA: No queda claro si el cine de Almodóvar y Medem le debe mucho a Iglesias o si Iglesias le debe mucho a Almodóvar o Medem. Sea como sea, la música del compositor donostiarra se ensambla a las mil maravillas con las imágenes terrestres y celestiales de Medem, en especial esta Tierra llena de lírica y cochinillas en sus entrañas. Una banda sonora cálida y humana, pero también desconcertante e incluso terrorífica cuando la acción lo requiere. Una música con denominación de origen y cuerpo, como los mejores vinos.
6. Joe Hisaishi, por EL VERANO DE KIKUJIRO: ¿Os cuento un secreto? De pequeño vi la película, y aunque a duras penas recordaba su trama sí podía tararear a la perfección la bonita melodía de Hisaishi. Ahora, tras revisitar el film de Kitano, es interesante percatarse que el trabajo de Hisaishi va más allá de la construcción de una única tonadilla: si bien las famosas notas se repiten en casi todos los tracks, los instrumentos matizan cada escena del film para subrayar la dureza, la inocencia, la tristeza o la alegría que respira la película. Hisaishi logra algo mágico: su soundtrack es pura belleza.

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Los nominados a la MEJOR FOTOGRAFÍA son:



1. Gianni di Venanzo, por OCHO Y MEDIO: La memoria nos remite a escenas de una estudiadísima dirección de fotografía como la ensoñación final, el baile en la playa o la escena de los niños pisando uvas. En verdad, Di Venanzo logra un pequeño milagro: que el constante fluir de la imaginación del protagonista y las acciones del presente queden ensamblados formando un todo absolutamente delicioso.
2. I. Borbás, J. Klevenas y R. Komarek, por CANCIONES DEL SEGUNDO PISO: Fotografía a seis manos para una película con planos pictóricos. En algunas secuencias, la cámara resta estática y los cuerpos se mueven poco a poco, creando ilusiones ópticas propias de la pintura. En otras, la fotografía es la encargada de aportar profundidad con ligeros travellings. La posición de la cámara también contribuye a la desazón y al ridículo imperante en el film. Un trabajo exquisito deudor del mejor Bergman y Tarkovsky.
3. Peter Deming, por CARRETERA PERDIDA: Un gran juego de contrastes: las pesadillas del protagonista están fotografiadas con una fuerza impresionante. Tanto en sus primeros planos como en escenas como la persecución en carretera por Mulholland Drive, la versatilidad de Deming consigue superar con nota un trabajo de fotografía muy difícil. De hecho, es difícil separar música, fotografía y montaje en el film de Lynch: todo suma y todo contribuye a que el film sea una experiencia alucinante.
4. Jerzy Woljcik, por FARAÓN: La larga entrada del séquito del faraón en las profundidades de la pirámide es seguramente uno de los planos más bellos y complejos de todo el festival. Una película que en su primer tramo filma la inmensidad del desierto, y que luego se transforma en un film de interiores con grandes juegos de luces. La disposición de los planos y sus contrastes oscuros y ocres son el alma de la película.
5. Pierre-William Glenn, por LA NOCHE AMERICANA: Truffaut opta por una dirección de fotografía totalmente coreografiada con el fin de ser fiel a la estudiadísima planificación que basa su ejercicio de 'cine dentro del cine'. Mérito, pues, doble: el film sabe retratar la inmensidad de un plató y el vasto dispositivo humano y técnico que acompaña a un equipo de rodaje. Por momentos, da la sensación de que Truffaut, director en la realidad y en la ficción, distribuye a sus personajes con la delicadeza y la precisión de un maestro. De una planificación apabullante.
6. Raoul Coutard, por Z: La película de Costa-Gavras no da tregua, pero su fotografía se distancia de los ejercicios clásicos de Hollywood. La tensión a veces surge de mantener la cámara fija en espera, como la escena del asesinato, y en otras escenas el frenestismo se consigue ensamblando persecuciones a pie de guerra, a escasos centímetros del escenario y de los rostros de sus protagonistas, como haría el mejor de los documentalistas. Realmente brillante.

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Los nominados al MEJOR MONTAJE son:



1. Leo Cattozzo, por 8 Y MEDIO: Cuando el protagonista de 8 y medio empieza a navegar en sus recuerdos, el montaje de Cattozzo llega a cotas casi perfectas: ensamblar realidad y sueño, vida y cine, es muy difícil (lo mismo decíamos antes de la fotografía del film). En manos inexpertas, la película resultaría descompensada y deshilvanada, pero el montaje de este clásico consigue dar consistencia a toda la película.
2. Roy Andersson, por CANCIONES DEL SEGUNDO PISO: Montar un film del calibre de Canciones del segundo piso debió ser una tarea ardua, como intentar acabar un puzzle de infinitas piezas. Por eso, no es raro que el mismo director se encargue del montaje: al fin y al cabo, la disposición de los episodios es el elemento que da relieve cromático y emocional a toda la película. Y como cualquier rompecabezas abstracto, da la sensación de que el film debió admitir otras ordenaciones, mil y una versiones, cada una con su encanto y su semántica: la que Andersson ha establecido como definitiva nos encanta y merece reconocimiento.
3. Mary Sweeney, por CARRETERA PERDIDA: Cuando se tiene entre manos una película como Carretera perdida, la tarea de 'montar' el film es un proceso de creación más, al menos de forma más acentuada a la de otras propuestas, ya que la disposición de las escenas lleva el film a uno u otro significado. Y respecto al montaje, bien puede decirse que el film está montado en dos partes muy distintas, reverso y anverso del mismo objeto, como sucede con el pelo de Arquette. Una labor considerable que merece con creces nuestra nominación.
4. Thelma Schoonmaker, por CASINO: Cómo montar un film de metraje tan dilatado sin que el ritmo decaiga ni un momento, de forma que los diálogos se sucedan a la velocidad del rayo; que los actores, en lugar de caminar, parezca que estén bailando y deslizándose por el vals lujoso de Scorsese; y de que toda la carcasa visual del film no resulte en ningún momento opulenta o molesta. Ese es el misterio, y ese es el motivo que justifica la mención a Schoonmaker. Que no compitiese en los Óscar de su año en este apartado es, directamente, escandaloso.
5. Hal C. Kern, por REBECA: Junto al de 'mejor película', éste fue el único Óscar que Rebeca se llevó a casa. Un premio justo, porque el montaje es una de las cuestiones más complejas de cualquier película de misterio. Y para intrigas, las de Rebeca: lo que vemos, lo que vemos sin verlo (la Rebeca del título), lo que se nos dice sin que se nos diga explícitamente (esa escena en la que Judith Anderson casi invita a la protagonista a tirarse por la ventana) o lo que se muestra muy poco a poco (Manderley: del recuerdo inicial al paulatino descubrimiento de sus estancias, hasta llegar el incendio final) son méritos, en gran parte, de su montaje.
6. Françoise Bonnot, por Z: Con tantos personajes, tantos saltos de escenario y tantas acciones cruzadas, es evidente que Z precisaba desde sus inicios de un montaje que supiese dar fuerza, veracidad y ritmo a la historia. El resultado final figura sin duda entre los referentes casi insuperables que se enseñan en las mejores escuelas de cine. El film de Costa-Gavras merece todos los elogios del mundo, pero muy especialmente su montaje: puro prodigio.

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Los nominados al MEJOR VESTUARIO son:


1. Piero Gherardi, por OCHO Y MEDIO: Si Mastroiani es un dandi mítico y sus mujeres una quintaesencia de la voluptuosa fémina italiana es gracias a una dirección de vestuario que sabe sacar partido de todos sus intérpretes. El vestuario también ayuda a que el film resulte real e irreal a partes iguales. Un trabajo meritorio... excelente si contamos todos los complementos (las gafas de él, las joyas de ellas) que, pese al blanco y negro, brillan en pantalla con luz propia.
2. Norma Koch, por ¿QUÉ FUE DE BABY JANE?: El film de Aldrich es un baile de máscaras y un juego de disfraces. El vestuario, en consonancia con esa idea, cuenta muchos detalles de los personajes: los impolutos vestidos de las niñas hermanas, la ropa oscura y rota de la parte central y los trajes inocentes que evocan al personaje de Bette Davis un pasado que nunca volverá... El film ganó el Óscar en esta categoría, un galardón muy merecido que ahora puede repetir en nuestro festival.
3. John Dunn y Rita Ryack, por CASINO: Si Sharon Stone nunca ha estado tan guapa como en el film de Scorsese es gracias a los preciosos, carísimos y pesadísimos trajes que luce durante casi tres horas de metraje (algunos vestidos superaban los 20 kilos). Vestir a protagonistas y figurantes con la etiqueta que demanda cualquier casino y producción de época es una tarea digna de premio. Los mafiosos, eso sí, son fieles a su indumentaria negra: hay cosas que nunca cambian en el cine del gran Scorsese.
4. M. Czekalska, A. Majeswski, B. Ptak y L. Rzeszewska, por FARAÓN: Recrear el universo del Antiguo Egipto y ganarse el respeto de espectadores e historiadores es un trabajo dificilísimo: nunca había estado tan justificado una dirección de vestuario a seis manos, porque los detalles de todos los trajes, joyas, abalorios y demás atrezo que vemos en el film esconden un gran trabajo de investigación, creación y coordinación. Un trabajo encomiable, más todavía si tenemos en cuenta que su presupuesto poco tuvo que ver con los péplums del Hollywood dorado.
5. Patricia Norris, por EL HOMBRE ELEFANTE: Coordinar el vestuario de un film de época y conseguir matices a partir de los diferentes ropajes (la película va de los rudimentarios retales de circo al refinado vestuario de la burguesía del siglo XIX) tuvo su recompensa en forma de nominación al Óscar. Patricia Norris, una institución a lo que cine y vestuario se refiere, consigue aquí uno de sus mejores logros.
6. Aleka Corwin, por NOCHE DE ESTRENO: La diva teatral que protagoniza el film merece una ropa acorde con su personalidad, y el film consigue una total armonía entre las ropas que los actores llevan en escena y la vestimenta de tonos oscuros que llevan los personajes entre bambalinas. Un curioso ejemplo de la moda setentera.

lunes, 28 de julio de 2014

CRÍTICA CSF: LOS PARAGUAS DE CHERBURGO, de Jacques Demy

LOS PARAGUAS DE CHERBURGO (LES PARAPLUIES DE CHERBOURG), de Jacques Demy
Largometraje nº 40. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección fuera de concurso
Francia, 1964. Dirección y guion: Jacques Demy Duración: 85 min. Género: Romance musical Fotografía: Jean Rabier Música: Reparto: Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo, Anne Vernon, Ellen Farner, Jean Champion, Marc Michel, Mireille Perrey
Elección de Raúl Rueda
¿De qué va?: Geneviève ayuda a su madre en la tienda de paraguas familiar. La joven está enamorada de Guy, un joven mecánico que es llamado al frente de Argelia. Geneviève se queda embarazada y la distancia con Guy se hace insoportable. Acuciadas por las deudas, madre e hija visitan una joyería para empeñar unas posesiones antiguas. Allí, Geneviève conoce a un joven diamantista que termina prendado por la muchacha. Geneviève deberá tomar partido en su encrucijada vital: o espera a Guy a riesgo de tener un futuro incierto, o se casa con el acaudalado pretendiente que le asegurará una vida desahogada.


Reseña Xavier: El cine de Demy es colorista, cantarín y danzante. Los paraguas de Cherburgo, fiel al envoltorio visual del Demy más reconocible, sigue la estructura de una tragedia clásica y del musical atípico para contar el eterno romance imposible de una Julieta que trabaja en una tienda de paraguas y un Romeo mecánico llamado al frente. Como en los dramas de raíz latina, los personajes son víctimas de sus pasiones y nunca pueden ver colmados sus deseos: Los paraguas de Cherburgo, por ello, embelesa, y a medida que avanza el metraje se va recrudeciendo, desencantándose, como esa gloriosa Deneuve embarazada y aletargada acatando un futuro que no esperaba. Una película emocionante y mágica que celebra el esquema del amor - desamor de toda la vida, pero de forma singularísima, espléndida en lo cinematográfico y absolutamente veraz en su vertiente humana. Joya indiscutible del cine francés.



Reseña Mayra: En sus primeros minutos Los paraguas de Cherburgo puede resultar una cinta romántica compuesta por el cliché de siempre: esos amores tan grandes como empalagosos que juran ser eternos, creen poder vencerlo todo... y ese discurso ya mil veces visto. Pero conforme avanza el film avanza y su trama se desarrolla, nos damos cuenta que este tópico se diluye rápidamente, logrando que esa mirada inocente de los jóvenes enamorados se contraste con obstáculos que los hace despertar a una realidad que provoca un giro interesante en la historia. El film nos deja ver el paso de algunos años en la vida de los protagonistas, cómo nada de lo que añoraban se ha cumplido y cómo muchas veces, por grande que sea, el amor no es suficiente. Una cinta bien dirigida e interpretada, un musical que destila miel pero al mismo tiempo rehusa a quedarse en el simple tópico y logra ir más allá de la convencionalidad.



Palmarés: Palma de oro en el Festival de Cannes 1963. Mejor película del año 1965 para el Sindicato de Críticos de Francia. Nominación al Óscar y al Globo de oro a la mejor película de habla no inglesa. 4 nominaciones al Óscar 1965: mejor guion original, mejor canción, mejor música original y mejor adaptación musical. Candidata al Grammy a la mejor banda sonora de cine y televisión.


SEMANARIO 67: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG: ESPECIAL CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2014


Del 21 al 27 de julio de 2014

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2014: NOMINACIONES


Largos 36: TIERRA, de Julio Medem
Largos 37: WAKING LIFE, de Richard Linklater
Largos 38: ESPLENDOR EN LA HIERBA, de Elia Kazan
Largos 39: LAS VIDAS DE GRACE (SHORT TERM 12), de Destin D. Cretton

Cortos 14: HASTA LOS HUESOS, de René Castillo
Cortos amateurs 13: LLEGÓ LA HORA, de Fabio Moreno
Especial CSF: Recta final

domingo, 27 de julio de 2014

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2ª EDICIÓN: NOMINACIONES

Os presentamos las NOMINACIONES de la 2ª EDICIÓN del CINOSCAR SUMMER FESTIVAL. Todos los concursantes recibirán en breve su papeleta de votación. El periodo de votación termina el MIÉRCOLES 06 DE AGOSTO a las 23:59h. (Hora española). ¡Felicidades a los nominados!





MEJOR VESTUARIO
1. Piero Gherardi, por 8 Y MEDIO
2. Norma Koch, por ¿QUÉ FUE DE BABY JANE?
3. John Dunn y Rita Ryack, por CASINO
4. M. Czekalska, A. Majeswski, B. Ptak y L. Rzeszewska, por FARAÓN
5. Patricia Norris, por EL HOMBRE ELEFANTE
6. Aleka Corwin, por NOCHE DE ESTRENO



MEJOR MONTAJE
1. Leo Cattozzo, por 8 Y MEDIO
2. Roy Andersson, por CANCIONES DEL SEGUNDO PISO
3. Mary Sweeney, por CARRETERA PERDIDA
4. Thelma Schoonmaker, por CASINO
5. Hal C. Kern, por REBECA
6. Françoise Bonnot, por Z



MEJOR FOTOGRAFÍA
1. Gianni Di Venanzo, por 8 Y MEDIO
2. I. Borbás, J. Klevenas y R. Komarek, por CANCIONES DEL SEGUNDO PISO
3. Peter Deming, por CARRETERA PERDIDA
4. Jerzy Woljcik, por FARAÓN
5. Pierre-William Glenn, por LA NOCHE AMERICANA
6. Raoul Coutard, por Z



MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL
1. Nino Rota, por 8 Y MEDIO
2. Benny Andersson, por CANCIONES DEL SEGUNDO PISO
3. Angelo Badalamenti, por CARRETERA PERDIDA
4. Gottfried Huppertz, por METRÓPOLIS
5. Alberto Iglesias, por TIERRA
6. Joe Hisaishi, por EL VERANO DE KIKUJIRO



MEJOR BANDA SONORA ADAPTADA
1. CARRETERA PERDIDA
2. CASINO
3. PENA DE MUERTE
4. LAS VIDAS DE GRACE (SHORT TERM 12)
5. STOCKHOLM
6. TOM À LA FERME


MEJOR REPARTO
1. 8 Y MEDIO
2. CANCIONES DEL SEGUNDO PISO
3. CASINO
4. CASTA INVENCIBLE
5. LOS OLVIDADOS
6. PLATOON



MEJOR GUION ADAPTADO
1. Nicholas Pileggi y Martin Scorsese, por CASINO
2. Emilio Carballido, por MACARIO
3. Cristian Mungiu, por MÁS ALLÁ DE LAS COLINAS
4. Tim Robbins, por PENA DE MUERTE
5. Robert E. Sherwood y Joan Harrisson, por REBECA
6. Constantin Costa-Gavras, por Z


MEJOR GUION ORIGINAL
1. F. Fellini, E. Flaiano, T. Pinelli y B. Rondi, por 8 Y MEDIO
2. Roy Andersson, por CANCIONES DEL SEGUNDO PISO
3. Barry Giford y David Lynch, por CARRETERA PERDIDA
4. David Trueba, por MADRID, 1987
5. Luis Alcoriza y Luis Buñuel, por LOS OLVIDADOS
6. Takeshi Kitano, por EL VERANO DE KIKUJIRO


MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
1. JUDITH ANDERSON, por Rebeca
2. BARBARA BRYL, por Faraón
3. CLAUDIA CARDINALE, por 8 y medio
4. VALENTINE CORTESE, por La noche americana
5. FAY DUNAWAY, por Los tres días del Cóndor
6. LISE ROY, por Tom à la ferme


MEJOR ACTOR SECUNDARIO
1. TOM BERENGUER, por Platoon
2. ROBERT BLAKE, por Carretera perdida
3. WILLEM DAFOE, por Platoon
4. PETER FONDA, por Casta invencible
5. PAT HINGLE, por Esplendor en la hierba
6. PETE LORRE, por M, el vampiro de Düsseldorf


MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
1. JOAN CRAWFORD, por ¿Qué fue de Baby Jane?
2. BETTE DAVIS, por ¿Qué fue de Baby Jane?
3. JOAN FONTAINE, por Rebeca
4. KATI OUTINEN, por La chica de la fábrica de cerillas
5. GENA ROWLANDS, por Noche de estreno
6. SHARON STONE, por Casino


MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
1. TAKESHI KITANO, por El verano de Kikujiro
2. IGNACIO LÓPEZ TARSO, por Macario
3. ROBERT DE NIRO, por Casino
4. SEAN PENN, por Pena de muerte
5. JOE PESCI, por Casino
6. JOSÉ SACRISTÁN, por Madrid, 1987


MEJOR DIRECTOR
1. LUIS BUÑUEL, por Los olvidados
2. FEDERICO FELLINI, por 8 y medio
3. ALFRED HITCHCOCK, por Rebeca
4. TAKESHI KITANO, por El verano de Kikujiro
5. DAVID LYNCH, por Carretera perdida
6. MARTIN SCORSESE, por Casino


MEJOR CORTOMETRAJE
1. LA ANCIANA Y LAS PALOMAS
2. LA CASA ES NEGRA
3. DESTINO: EL ENCUENTRO DE DOS GRANDES GENIOS
4. ALLANAMIENTO DE MORADA
5. LA RIVIÈRE DU HIBOU
6. EL ANIMADOR




MEJOR PELÍCULA
1. CASINO
2. LA CHICA DE LA FÁBRICA DE CERILLAS
3. LOS OLVIDADOS
4. REBECA
5. EL VERANO DE KIKUJIRO
6. Z

LISTA: LAS MÁS NOMINADAS
 CASINO: 10 nominaciones
8 Y MEDIO: 8 nominaciones
CARRETERA PERDIDA: 7 nominaciones  
REBECA: 6 nominaciones 
CANCIONES DEL SEGUNDO PISO: 5 nominaciones
EL VERANO DE KIKUJIRO: 5 nominaciones
LOS OLVIDADOS: 4 nominaciones
Z: 4 nominaciones

sábado, 26 de julio de 2014

CORTOS CSF: LLEGÓ LA HORA, de Fabio Moreno

1. ¡Hola Fabio! Muchas gracias por presentar Llegó la hora en el Cinoscar Summer Festival. Antes de empezar a conocer los detalles de tu cortometraje, queremos conocerte a ti. En pocas palabras, ¿puedes contar a nuestros lectores cuál es tu vinculación con el mundo del cine? 
Siempre fui aficionado al cine, y lo que más me llamaba la atención era el proceso de creación, la captación de la imagen en movimiento, cómo los diferentes matices podían dar diferentes sentidos y significados a la misma imagen. En 2012 terminé mis estudios de realización y desde entonces no he parado de buscar, participar y realizar todos los proyectos que han sido posibles. Tocando diferentes estilos y disciplinas con la suerte de que cada uno de ellos me aporta un nuevo conocimiento y experiencia que me ayuda a ser mejor y más profesional en lo que es mi pasión. 

2. Coméntanos un poco sobre tus gustos en cuanto a cine ¿Cuáles son esos directores que te inspiran? ¿Qué directores influyen en ti a la hora de hacer cine? 
Para mi, Kubrick. Tiene algo especial, su cuidado de los detalles y el uso que hace de la música me parece impecable. Me gusta mucho también el estilo de Hijos de los hombres de Alfonso Cuarón. Larguísimos planos secuencia, cámara al hombro que le dan una realidad casi documental, y la forma de mostrar la realidad del mundo en que se desarrolla la historia, constante y progresiva, que deja con ganas de más. Y Los falsificadores de Stefan Ruzowizky y su cuidado del detalle en la composición, complementando el significado de la acción con conceptos incorporados en la escena. 

3. El inicio del cortometraje cita a un filósofo romano, Lucio Anneo Séneca. Háblanos un poco: ¿de dónde nació la idea para el guion de Llegó la hora
Ya tenía desde hace tiempo ganas de rodar algo en blanco y negro con estética oscura, intentando emular el estilo cómic de Sin City. Dándole vueltas a la idea de la oscuridad pensé en la muerte y recordé la frase que al principio del corto se cita. A partir de ese punto se fue formando la idea de la muerte como una entidad que tiene un cometido y una razón de ser, es implacable e invencible. ¿Y si una persona fuera capaz de destruir tal poder? La historia, tristemente, nos enseña que el poder de unos solo cae para dar poder a otros. 


4. Sin duda una parte primordial y a veces la más difícil de conseguir para lograr la realización de un cortometraje es la parte económica. ¿Cómo estuvo el asunto del presupuesto para Llegó la hora? 
Afortunadamente mis amigos siempre están dispuestos a echar una mano. Todo el rodaje fue posible gracias a gente que prestó su ayuda de forma desinteresada para poder llevar a cabo el proyecto. Todo el equipo de iluminación fue fabricado a partir de diferentes bombillas y focos que fueron modificados para la ocasión. No tengo una cifra fiable sobre el presupuesto… dos cenas en casa con 10 amigos. 

5. Llegó la hora es una cortometraje breve y ha sido grabado en blanco y negro. ¿A qué se debe dicha elección por un matiz oscuro? 
Ya hacía tiempo que quería usar este estilo, en Llegó la hora no es solo una decisión estética. La historia habla sobre la vida y la muerte, luchar o rendirse, sobre el poder. El blanco y negro “bien contrastado” me parecía la mejor forma de traducir esos aspectos de la historia a la imagen. 

6. Cuéntanos un poco sobre el proceso de elección de los actores para este corto. ¿Cómo fue el proceso de rodaje de Llegó la hora? ¿Alguna anécdota interesante que nos quieras compartir? 
Como ya comenté antes, gracias a estar rodeado de amigos siempre dispuestos y con talento, esta fue una tarea que di por finalizada antes incluso de que ellos mismos supieran de la existencia del proyecto. El rodaje duró dos días, terminándose con 5 horas de antelación, ya que en el primer día pudimos grabar los planos “de noche” planificados para dos días. Todo fue muy tranquilo, con la tranquilidad y confianza que da estar entre amigos. El protagonista no paraba de apuntar con el arma de fogueo a todos los demás miembros del equipo. Pusimos un ventilador a un foco, para que no se sobrecalentara, y aun así casi sale ardiendo en mitad de una toma (se quemó soltando chispas).


7. El final de Llegó la hora, al igual que su historia en sí, resulta tal vez algo ‘críptica’. ¿Qué es lo que pretendías expresar con este cortometraje? 
Esto es algo que me dice todo el mundo. Ciertamente siempre intento no explicar las cosas, ya que creo que una buena historia tiene que formarse en la cabeza del espectador a partir de lo que ve. Esto es lo más difícil de todo, y llevarlo a cabo requiere un nivel de conocimientos y experiencia que no tengo. Llegó la hora es un paso más en mi aprendizaje para alcanzar ese nivel. La historia cuenta cómo un hombre que espera la muerte está preparado no solo para su llegada, sino que tiene un plan para evitarla. Tras matar a la muerte con la ayuda de su compañera, se convierte en la nueva muerte continuando con su trabajo. Como comenté antes, creo que el corto puede tener varias lecturas. El asunto de la muerte es un juego de poder. La muerte es aquello que siempre llegará, es el poder supremo al que todos rendiremos cuentas (si alguien fuese capaz de derrocar ese poder, ¿qué pasaría a continuación? como dije antes la historia ya tiene la respuesta). También puede verse desde un punto de vista menos filosófico: un gángster sabe que van a venir a por él, van a requerirle un pago, pero tiene un plan para matar a su acreedor y tomar su puerto. Lo que me gusta de la trama del corto es que se puede aplicar a cuantas historias quieras.

8. ¿Has realizado otros cortometrajes aparte de Llegó la hora?
Llegó la hora es mi segundo cortometraje como director y guionista. El primero, Silencio, aún está en proceso de edición y espero poder estrenarlo en breve. También he participado en otros proyectos desempeñando diferentes tareas (cámara, director de fotografía, foquista, etc.).


9. Coméntanos. ¿Qué es lo que más te gusta de hacer cine? 
El propio proceso en sí, la preparación de la iluminación del set, el ver el resultado en cámara y sentirse orgulloso de los resultados, sobre todo, cuando lo ves terminado 6 meses después y ves los errores que antes no veías.

10. Gracias por responder a nuestras preguntas, Fabio. Finalmente, te damos la posibilidad de dirigir unas palabras a nuestros lectores y animarles a que voten por tu trabajo. ¿Cómo es Llegó la hora? ¿Qué nos vamos a encontrar en el corto? ¿Por qué debemos verlo? ¡Mucha suerte!
Llegó la hora es un corto sobre la vida, algunos la verán de una manera y otros de otra, otros puede que no le encuentren sentido, pero en el final, lo único que importa, es todo lo anterior. Ha sido un placer responder a tus preguntas y te doy la enhorabuena por ellas, han sido muy interesante y he pasado un rato agradable respondiéndolas, muchas gracias. Un cordial saludo.

viernes, 25 de julio de 2014

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: RECTA FINAL

El pasado 30 de mayo iniciábamos en Cinoscar & Rarities la segunda edición del Cinoscar Summer Festival, y casi dos meses después podemos confirmar que el certamen llega a su recta final con la sensación de que se han cumplido todas las expectativas. Atrás quedan más de 80 posts con todos los semanarios, largometrajes, cortometrajes, trabajos amateur y noticias del festival. Adjuntamos a modo de resumen y homenaje un repaso a la espléndida sección oficial del festival: ¡gracias a todos por hacer realidad el CSF2!


A lo largo de estos días, habréis visto que en cada post hemos ido anunciando las categorías en las que concurren cada película. Pues bien: los administradores ya tenemos 6 nominados en todos los apartados, y esos nombres los conoceréis este domingo en el POST DE NOMINACIONES. Hay, con todo, un secreto que ya os podemos desvelar: como únicamente hemos tenido 6 seleccionadas en la categoría de MEJOR BANDA SONORA ADAPTADA, éstas pasan a ser nominadas directas, sin necesidad de realizar una segunda criba. Así que las nominadas a la mejor banda sonora adaptada son: CARRETERA PERDIDA, CASINO, LAS VIDAS DE GRACE (SHORT TERM 12), PENA DE MUERTE, TOM À LA FERME y STOCKHOLM.


Los nominados del resto de categorías se decidirá entre todos los seleccionados durante estos dos meses. Los más observadores también os habréis percatado de un dato: de los 39 largos propuestos, 14 han sido seleccionados por la administración del festival en la categoría reina de MEJOR PELÍCULA. A continuación, en orden totalmente aleatorio, adjuntamos los nombres de esas 14 afortunadas: El verano de Kikujiro, La chica de la fábrica de cerillas, Metrópolis, Carretera perdida, Rebeca, M, el vampiro de Düsseldorf, Canciones del segundo piso, Casino, Z, Umberto D, Platoon, Los olvidados, 8 y medio y Más allá de las colinas.


Las categorías de Fotografía (26 candidatas) y Actor protagonista (20 candidatas) son los apartados más concurridos. Y otro dato: ¿queréis saber cuáles son las películas con mayor número de candidaturas; y por lo tanto, la favoritas iniciales de cara a las nominaciones del domingo? A continuación os dejamos la lista. Mañana tendréis en el blog el último Corto amateur a concurso, el domingo se harán públicas las esperadas nominaciones, y el lunes iniciaremos la interesante selección de OBRAS FUERA DE CONCURSO. ¡Os esperamos!

12 candidaturas: CARRETERA PERDIDA
11 candidaturas: CASINO
10 candidaturas: REBECA
10 candidaturas: 8 Y MEDIO
8 candidaturas: CANCIONES DEL SEGUNDO PISO
8 candidaturas: PLATOON

jueves, 24 de julio de 2014

CRÍTICA CSF: LAS VIDAS DE GRACE (SHORT TERM 12), de Destin Cretton

LAS VIDAS DE GRACE (SHORT TERM 12), de Destin Cretton
Largometraje nº 39. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección oficial a concurso
EE. UU., 2013. Dirección y guion: Destin Cretton Duración: 90 min. Género: Drama social Fotografía: Brett Pawlak Música: Joel P. West Reparto: Brie Larson, John Gallagher Jr., Kaitlyn Dever, Rami Malek, Alex Calloway, Melora Walters, Silvia Curiel, Harold Cannon
Elección y presentación de Pitty Arzalluz: "Cine independiente USA. Estamos ante una pelicula menor en apariencia, pero que demuestra una madurez ingeniosa para provocar lo que tradicionalmente se dice que debe provocar el cine: una plena satisfacción pero también una mínima reflexión del espectador".

¿De qué va?: Grace es una joven que trabaja en Short Term 12, un centro de acogida de jóvenes con problema de exclusión social y familias conflictivas. La entrada de un nuevo ayudante en el equipo de supervisores, la salida de un chaval y la entrada de una niña con un terrible pasado de abusos sexuales alterará el equilibrio de Grace, hasta el punto de destapar el lado más oscuro de su infancia y adolescencia. A su lado, cuenta con el Mason, su novio y compañero de trabajo, un hombre positivo con el que quiere conseguir la estabilidad que hasta ahora no ha podido tener.
Palmarés: Mejor film independiente del 2013 según la National Board of Review. Premio del público del Festival de Valladolid y Atenas, Just Film Award a la mejor película del Festival de Tallinn, Virtuoso Award del Festival de Santa Bárbara y cuádruple reconocimiento en el Festival de Locarno. Independent Spirit Award al mejor montaje, Chlotrudis y Gotham Award a la mejor actriz y nominación al Satellite Award a la mejor canción para el tema So You Know What It's Like.


Reseña Xavier: Short Term 12 es un ejemplo del mejor cine indie estadounidense. Un cine capaz de hurgar en la herida con más valentía, mayor libertad y menos recursos que las grandes propuestas que llenan la cartelera. Un cine en el que uno se encuentra frente a frente con la realidad, sin edulcorantes ni clichés. Tal vez por eso cuesta entrar en el microcosmos que dibuja Short Term 12, pero también cuesta salir: el film es una radiografía del malestar, la crónica de cómo un pasado de maltratos puede pesar como una losa y asfixiarte hasta el punto de aniquilarte como persona, la historia de almas lastimadas que al unirse logran sanar el dolor propio y ajeno. En sus mejores momentos, Short Term 12 parece un documental sin trampa ni cartón, sin filtros y sin guion de por medio. En otros, los actores se encargan de regalar soberbias interpretaciones. Y en conjunto, la película convence pese a la ambigüedad de su tesis: ¿hasta qué punto la odisea del personaje es fructífera tanto para ella misma como para los chavales que supervisa en el centro de acogida? ¿hasta qué punto el relato social conecta con el relato personal? ¿hasta qué punto puede empatizarse con el condescendiente ayudante del centro o el novio bonachón de la protagonista? A nivel personal, Short Term 12 me plantea varias dudas sobre la veracidad del contexto en el que se desarrolla la trama, pero a la vez es innegable que la acentuada humanidad y vulnerabilidad de sus criaturas hace que como espectador siempre reme a favor de la película. Afortunadamente, Short Term 12 es una experiencia de la que se sale con la mochila más llena, el corazón henchido y la mente abierta. Por méritos propios, uno de los títulos clave del 'oculto cine yanki' de esta década.


Reseña Mayra: Short Term 12, si bien no cuenta nada nuevo, ofrece al espectador la oportunidad de adentrarse en un drama social, en la realidad de personas sin planes de futuro, y que a pesar de todo deben hallar el modo para hacer frente a las desigualdades internas de cada individuo y externas de nuestra sociedad, y llevar sus vidas de la manera más normal posible. Short Term 12 es una conmovedora historia narrada con acierto y en la que nos queda claro que nuestro pasado no tiene que definir nuestro futuro. Con este film habrá quien como la protagonista se sienta identificado con ciertos aspectos de la vida de los chicos que habitan la casa de acogida, y habrá otros como el nuevo empleado al que todo le resultara extraño y nuevo, distante a su realidad, pero sin duda no habrá quien se muestre indiferente ante esta película, que además cuenta con un gran desempeño actoral por parte de su protagonista Brie Larson.


VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

'Short Term 12' es un milagro de película. Preciosamente escrita y perfectamente ejecutada, aquí está todo sobre la vida humana: lo bueno, lo malo, lo confuso y lo edificante. Ian Freer, Empire

Un film sobre heridas físicas y emocionales examinadas con sensibilidad y comprensión.  Sincera, sin música manipuladora. El trabajo de Larson es de una meticulosidad excelente. Peter Debruge, Variety

Larson logra una interpretación rompedora que debería abrirle las puertas de grandes dramas futuros. Describe la crisis paralela de sus personajes, y el espectador logra entender todas las cosas que tienen en común Grace y Mason. John DeFore, The Hollywood Reporter

Celebra la lucha por la vida de sus personajes y se forma de escenas con clímax muy diversos. Nunca simplifica el drama ni pierde su mirada compasiva. Eric Kohn, Indiewire

Nota Filmaffinity: 7'4 - Nota IMDB: 8'1
Nota Metacritics: 8'45 - Nota Rottentomatoes: 9'55


VALORACIÓN DEL FESTIVAL

Short Term 12 es candidata a 5 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actriz protagonista: BRIE LARSON
Mejor actriz secundaria: KAITLYN DEVER
Mejor guion original: DESTIN CRETTON
Mejor banda sonora adaptada: VV. AA.
Mejor reparto


PUNTUACIÓN DEL BLOG


miércoles, 23 de julio de 2014

CRÍTICA CSF: ESPLENDOR EN LA HIERBA, de Elia Kazan

ESPLENDOR EN LA HIERBA (SPLENDOR IN THE GRASS), de Elia Kazan
Largometraje nº 38. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección oficial a concurso
EE. UU., 1961. Dirección: Elia Kazan Guion: William Inge Duración: 120 min. Género: Drama romántico Fotografía: Boris Kaufman Música: David Amram Reparto: Natalie Wood, Warren Beauty, Pat Hingle, Barbara Loden, Zohra Lampert, Sandy Dennis, Audrey Christie, Gary Lockwood
Elección y presentación de Mariano Silva Hernández: "Aunque mis ojos ya no puedan ver ese puro destello, que en mi juventud me deslumbraba. Aunque ya nada pueda devolver la hora del esplendor en la hierba, de la gloria en las flores, no hay que afligirse. Porque la belleza siempre subsiste en el recuerdo. Bienvenido a la pasión y al despertar de la juventud. Bienvenido a los suaves susurros del “qué dirán” que hacen tambalear los más fuertes cimientos. Bienvenido a una de las mejores actuaciones femeninas que ha dado el cine. Pero sobre todo, bienvenido a una historia de AMOR en mayúsculas".


¿De qué va?: Años 20, zona rural de Kansas. Bud y Dean están enamorados, y aunque sus familias parecen aprobar su relación las distintas presiones estudiantiles, sociales y familiares terminan por separar los destinos de los dos jóvenes. Dean termina perdiendo la cordura, y Bud se deja arrastrar hacia el desencanto. Una historia de cómo el azar, el tiempo, el dinero y las clases sociales son capaces de moldear un romance que continúa hasta los años 30, tras el crack del 29 y con los personajes en su edad adulta, a punto de casarse con sus respectivas parejas.
Palmarés: Óscar al mejor guion original del año 1961 para William Inge, y nominación para Natalie Wood en mejor actriz protagonista. Tres nominaciones a los Globos de oro: mejor película dramática, mejor actor y mejor actriz. Candidatura al Bafta a la mejor película extranjera. Nominación del Directors Guild of America a la mejor dirección para Elia Kazan.



Reseña Xavier: Elia Kazan supo retratar en sus películas una generación de jóvenes a la deriva que lucha por conseguir sus sueños. El amor imposible y las influencias familiares, dos de los ingredientes clave de la literatura romántica, son las bases de clásicos como Un tranvía llamado Deseo, Al este del Edén y La ley del silencio, adaptaciones a la gran pantalla de obras teatrales, periodísticas y literarias, y todas ellas consideradas por la Academia de Hollywood en los años de su estreno. Todos esos ingredientes se repiten en Esplendor en la hierba, film que supuso el salto inmediato al estrellato de Warren Beatty y la confirmación del potencial de Natalie Wood, coincidiendo con el éxito de West Side Story. Esplendor en la hierba arranca como un drama juvenil con poca enjundia, pero poco a poco se va recrudeciendo hasta convertirse en una tragedia clásica con una escena final de una belleza y una tristeza impresionante. Los avatares que unen y separan a los personajes resultan pueriles o complejos según la secuencia, la ñoñería sesentera amenaza en varias ocasiones con naufragar la película y el dibujo homogéneo de los personajes secundarios resulta un tanto obvio (la condescendencia de la madre, la rectitud del padre empresario o el patriarca obsesionado con las noticias sobre las subidas de la Bolsa, aunque son retratos de la moral de la época, también resultan a ojos del espectador moderno directrices un tanto obvias del drama que se desata en el segundo tramo de la película). De ahí que el film no termine de convencer: conjuga el romance juvenil con el drama de altos vuelos, la sencillez de ciertos momentos choca con el poder evocador de sus símbolos, y el paso de una película juvenil a un drama adulto no sucede de forma equilibrada (personalmente, resulta difícil de creer la historia adolescente cuando sus actores rondan los 25 años, pero en cambio convencen cuando sus personajes van ganando años y experiencias en la ficción). Título, en resumen, irregular, pero igualmente de gran valor: Inge escribe y describe los conflictos de cualquier historia de amor, y el público agradece que a medida que la trama abraza el desencanto también propone una descripción de la generación que sobrevivió a la Norteamérica de la Gran Depresión. Esplendor en la hierba, defectos aparte, es una gran epopeya romántica todavía vigente.


Reseña Mayra: Interesante drama basado en un poema de William Wordswhorth. Elia Kazan, en el argumento de Esplendor en la hierba, plasma su interpretación de dicho texto literario, el mismo que da vida a una trama en la que las complejidades del amor juvenil, los deseos de juventud y el dilema de anteponer lo que se debe a lo que se quiere son los principales ingredientes. Un film que nos lleva a conocer una historia de amor asfixiante, en primera instancia por parte de los padres hacia los jóvenes enamorados, quienes se hallan sobreprotegidos y manipulados por sus progenitores, lo que da paso a situaciones opresivas para la joven pareja, que no concibe la idea de separarse (uno amara más que el otro, haciéndole incluso más vulnerable en tiempos en los que los miedos y la incertidumbre del porvenir confunden y pueden llevar a colapsar). Pero son precisamente las líneas del poema de Wordswhorth las que definen y dan sentido al guion de Esplendor en la hierba, que resulta interesante y destacable por la interpretación de Wood. El final deja una moraleja interesante sobre el paso del tiempo, la juventud y el valor de los recuerdos, pero su punto más débil tal vez reside en volverse por momentos demasiado sosa (incluso para mi gusto) y melodramática.


VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Una de las obras maestras de Elia Kazan. Un film que examina los dolores del crecer, la sexualidad reprimida y la hipocresía social. Beatty firma un increíble debut y Wood logra su mejor interpretación. Emanuel Levy, EmanuelLevy.com

Film dramático e hiperbólico de contenido polémico para su tiempo: la represión sexual y la neurosis. Aunque forma parte de los umbrales de los 60 cinematográficos, su espíritu es de la década anterior: retrata los problemas de la juventud, como lo hicieron 'Picnic', 'Rebelde sin causa', 'Al este del Edén' y 'Peyton Place' entre otras. Tim Dirk, Filmsite

Un film alambicado que nunca consigue retratar los temas que intenta exponer: los inicios del capitalismo y la sexualidad. Revela la operística sensibilidad de su autor, pero también su incapacidad por trazar un argumento completamente riguroso. Redacción, Time Out

Se me ponen los pelos de punta recordando la despedida final de Natalie Wood y Warren Beatty. Carlos Boyero, El País

Nota Filmaffinity: 7'8 - Nota IMDB: 7'8 - Nota Rottentomatoes: 8'8


VALORACIÓN DEL FESTIVAL

Esplendor en la hierba es candidata a 4 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actriz protagonista: NATALIE WOOD
Mejor actor secundario: PAT HINGLE
Mejor guion original: WILLIAM INGE
Mejor vestuario: ANNA HILL JOHNSTONE


PUNTUACIÓN DEL BLOG


martes, 22 de julio de 2014

CRÍTICA CSF: WAKING LIFE, de Richard Linklater

WAKING LIFE (DESPERTANDO A LA VIDA), de Richard Linklater
Largometraje nº 37. Cinoscar Summer Festival 2014: Sección oficial a concurso
EE. UU., 2001. Dirección y guion: Richard Linklater Duración: 100 min. Género: Animación. Drama experimental Música: Glover Gill Reparto: Ethan Hawke, Julie Delpy, Alex Jones, Glover Gill, David Sosa, Laura Hicks, Trevor Jack Brooks, Thimothy Speed Levitch, Wiley Wiggins
Elección y presentación de Paula Morales: "Richard Linklater nos muestra un apasionante recorrido existencial en el que el protagonista, un joven sin nombre, se encuentra en un profundo sueño del que no puede despertar. Podría decirse que son dos películas en una, ya que primero rodaron las escenas con los actores, y luego, junto a Bob Sabiston y un equipo de 31 artistas, colorearon, con total libertad, cada uno de los fotogramas usando la técnica del rotoscopio. Una película que no sólo te hace pensar, sino que invita replantearte tu propia existencia... porque quizás no haya tanta diferencia entre aquello que soñamos y lo que llamamos realidad".



¿De qué va?: Un mismo personaje mantiene conversaciones con distintos individuos, aparentemente de forma aleatoria. Durante las distintas charlas, se vislumbran aspectos de la condición humana y las cuestiones que más preocupan a un grupo de personas sin nombre, sin nacionalidad y sin apenas presentaciones.
Palmarés: 3 nominaciones a los Independent Spirit Awards: mejor película, director y guion. 2 nominacionesa los Chlotrudis Awards: mejor película y guion original. Mejor película de animación en el Festival de Cine de Ottawa. Mejor película de animación del 2001 para el Círculo de Escritores Cinematográficos de Nueva York. Proyectada en los festivales de Venecia, Sundance, Toronto y Nueva York.


Reseña Xavier: Waking Life se avanzó a las nuevas constantes de la animación, uno de los campos cinematográficos más explotados en los últimos años. Coincidiendo con el cambio de siglo, los Óscar empezaron a reconocer a las películas animadas en una categoría propia, y por su parte Richard Linklater, un autor tan ecléctico como imprevisible, decidió aunar animación y cine 'de carne y hueso', rehusando concepciones antiguas como las vistas en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Spacejam y similares, en Waking Life, título fundacional de títulos posteriores como A Scanner Darkly, del mismo Linklater, o The Congress, vista en el último Festival de Sitges. Linklater también se sumó al boom de la 'animación para adultos', muy en boga hace una década con el descubrimiento en Occidente de las obras de Miyasaki y coetáneos. Y todavía podemos sumar otro factor que realza todavía más la capacidad profética de la obra: Waking Life, en esencia una concatenación de monólogos, diálogos y discusiones surrealistas sobre la deriva del hombre moderno, se adelantó a la desesperanza actual (de alguna manera, la cinta participa del reciente auge del cine apocalíptico, si bien todo ello casi siempre ha sido reflejado en blockbusters con poca enjundia). En la sombra, sin ser una cinta excesivamente popular, Waking Life, con toda esta lista de méritos a sus espaldas, se reivindica como una de las experiencias más singulares y una de las obras más originales que ha parido el cine. Linklater concibe el fotograma como un lienzo en blanco, y cada escena del film es un juego de texturas, una constante explosión visual y dialéctica que puede hastiar o encandilar al espectador. Waking Life es una obra densa, tan compleja que por momentos puede resultar absurda, tan experimental que a veces uno desearía una reducción de su discurso en forma de cortometrajes o conferencia filosóficas de carácter didáctico. A veces no quedan muy claras las relaciones entre su 'fondo' (sesudo, atractivo) y su 'forma' (innovadora, estimulante) ni los efectos que busca Linklater con esa mezcla, pero hay que reconocerle, como sucede con cineastas como Winterbottom, una notable capacidad por poner patas arriba el orden establecido y evitar el acomodamiento del que se suele acusar a infinidad de autores. Personalmente, una película irregular, pero 'al rey lo que es del rey': obras como Waking Life, aun con sus aspectos cuestionables, son las que verdaderamente hacen evolucionar el séptimo arte.


Reseña Mayra: "No hay historia. Solo gente, gestos, momentos, fragmentos de emociones fuertes y fugaces", dice uno de los personajes de Waking Life cuando otro le pregunta sobre la historia que está escribiendo; y es justo así, con esa línea de texto, como creo se podría definir Waking life, aunque diría que sin mucho énfasis en lo de ‘emociones fuertes’. Linklater en esta película nos hace partícipes de una ensoñación tan irreal como filosófica donde el protagonista aparentemente sale de un sueño para entrar en otro. En cada fragmento conocemos personajes que principalmente utilizan el recurso de los diálogos. El film resulta todo un experimento, sin ninguna cronología ni un argumento con estructura convencional, a través del cual el director y guionista pretende enlazar personajes y momentos inconexos, donde predominan los diálogos filosóficos en cada escena. Justamente la originalidad del guion es una de las cosas que no se le pueden desmerecer a este interesante film, aun cuando carece de una historia y estructura sólida.


VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

El espectador es absolutamente libre para circular por sus imágenes en un ejercicio tan saludable para mentes inquietas como para espectadores dispuestos a vivir una singular experiencia sensorial. Para amantes de nuevas sensaciones dispuestos a conjugar la animación con la filosofía. Esteve Riambau, Fotogramas

Un film que no pudo estrenarse en mejor momento: los días posteriores al 11-S. Celebra la inteligencia y la locura. Aunque no sabemos las respuestas, sus preguntas son acertadas. El film es como una ducha fría de ideas clarificadoras. Roger Ebert, RogerEbert.com

Bella y filosófica en todos sus frentes. Algunas escenas consiguen que percibas el mundo de forma muy diferente. Difícil de seguir en ciertos puntos, pero igualmente interesante. Alimenta el sentido común. Redacción PhilFilms

¿Para qué recurrir a las drogas con un film como éste? ¿Cuándo acabas sus largas conversaciones? ¿Dónde empiezan? Ni idea. Y he visto el film dos veces. Sensual y genuína, en contra de las leyes de la gravedad cinematográfica, perfecta tanto en técnica como en temperamento. Peter Bradshaw, The Guardian

Nota Filmaffinity: 7'5 - Nota IMDB: 7'8 
Nota Metacritics: 7'95 - Nota Rottentomatoes: 8'4


VALORACIÓN DEL FESTIVAL

Waking Life es candidata a 1 PREMIO DEL FESTIVAL:

Mejor guion original: RICHARD LINKLATER


PUNTUACIÓN DEL BLOG


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