Mostrando entradas con la etiqueta Naturaleza. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Naturaleza. Mostrar todas las entradas

lunes, 21 de marzo de 2022

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | HIMALAYA (CARAVAN), de Eric Valli (Nepal)


HIMALAYA, L'ENFANCE D'UN CHEF (CARAVAN)

Nepal, 1999. Dirección: Eric Valli Guion: Eric Valli, Nathalie Azoulai, Olivier Dazat, Louis Gardel y Jean-Claude Guillebaud Música: Bruno Coulais Fotografía: Eric Guichard y Jean-Paul Meurisse Reparto: Thilen Lhondup, Gurgon Kyap, Lhakpa Tsamchoe, Karma Wangel, Karma Tensing Género: Drama. Aventuras Duración: 105 min. Tráiler: Link 
¿De qué va?: Himalaya narra la historia de una milenaria tradición: la caravana anual de yaks, en la que se transporta sal desde un remoto pueblo de las montañas hasta la llanura. El jefe de la tribu es quien encabeza la marcha, pero ante su inesperada muerte es preciso escoger un sucesor. En ese momento surgen las rivalidades entre los miembros de la tribu. El nuevo sucesor y el hombre "sabio" de la tribu iniciarán la expedición por separado, siguiendo rutas diferentes y enfrentándose a situaciones extremas... (FILMAFFINITY)


El escenario de plataformas lo ha cambiado todo. Vivimos en un mundo globalizado en el que hasta los lugares más recónditos del planeta parecen estar a golpe de click. Con todo, no hace tanto que el escaparate del Óscar a la mejor película internacional era una de las pocas posibilidades de darse a conocer en todo el mundo. También, como espectadores, de viajar a rincones exóticos, imposibles de visitar en la vida real. Todo esto puede sonar a sermón de cinéfilo entrado en años, pero tiene sentido para presentar Himalaya, cine de aventuras con resonancias clásicas. Adentrarse en las comunidades que ocupan las montañas agrestes de Nepal, sus férreas leyes y sus odiseas a pie en busca de provisiones es el principal cometido de Eric Valli, un cineasta que hace valer su trayectoria como fotógrafo y documentalista: no por casualidad fue reconocido con tres World Press Awards por trabajos anteriores y obtuvo gracias a Himalaya el César a la mejor dirección de fotografía. Dicho esto, podría parecer que el título que nos ocupa es un ejercicio de no ficción descriptiva, pero no es del todo cierto: Himalaya también funciona como narración de un jefe anciano que se resiste a aceptar la muerte de su heredero y que emprende una travesía larga, la última de su vida, en busca de sucesor. El peso de la tradición, la sombra de la muerte, la naturaleza mayestática y los dilemas de unos seres con dobleces confieren vida a Himalaya y la convierten en una propuesta única. Por momentos, asombra por su vertiente paisajista. En otros, parece un cuento en el que la belleza no nace del entorno sino de la humanidad oculta de sus personajes. Y es precisamente en esa dualidad donde Himalaya sigue siendo una apuesta tan atractiva dos décadas después de su concepción. Película con una capacidad de asombro primigenia, con unos valores internos que deberían tocar la fibra del urbanita moderno, bendecida por un sense of wonder que no está al alcance de ninguna captura de Google Imágenes. ¿Qué es el cine sino eso: un viaje?


lunes, 28 de octubre de 2019

CINE ESPAÑOL 2019 | LO QUE ARDE, DIECISIETE e INTEMPERIE



LO QUE ARDE (O QUE ARDE)
Festival de Cannes: Premio del jurado (Un Certain Regard). Festival de San Sebastián: Perlas
España, 2019. Dirección:  Oliver Laxe Guion: Santiago Fillol, Oliver Laxe
Escucha nuestra reseña en el siguiente PODCAST
¿De qué va?: Amador sale de prisión tras cumplir condena por haber provocado un incendio. Al regresar a la casa de su madre, el hombre se reencontrará con las gentes de su aldea. Ficha completa
Reparto: Amador Arias, Benedicta Sánchez, Elena Mar Fernández, Inazio Abrao Fotografía: Mauro Herce Género: Drama Duración: 89 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 11/10/2019.

Lo que arde se articula a partir del paisaje: así lo demuestra el arranque del filme, con las imágenes de un buldócer arrasando un bosque en plena noche. La magnificencia de la naturaleza domina y de alguna manera devora a los personajes, incluyendo a Amador, un pirómano que regresa a casa con una serenidad trémula, como si en sus adentros siguieran vivas las ascuas del pasado. Laxe narra en voz baja, sirviéndose de expresiones mínimas y recursos inusuales en el cine español: casi ningún realizador de nuestro país se atrevería a usar música clásica, el tema Suzanne de Leonard Cohen o un elaborado entramado sonoro para reproducir la fuerza bella, primigenia, a la postre virulenta, de la orografía gallega. También consigue con un guion mínimo pero exacto, con planos de tempos y semánticas precisas, reproducir el carácter tosco, esquivo y desconfiado de unos seres que viven conectados a sus raíces a la par que alienados. Hombres parásitos, a imagen y semejanza de esos eucaliptos que no dejan crecer ninguna hierba a su alrededor. El resultado son ochenta y cinco minutos que debaten sobre nuestro posicionamiento vital, social e incluso político en un orden natural superior, regido por el poder creador y destructor de los elementos, fuego incluido. Al final importa poco si Amador es el responsable del incendio que cierra la película, tampoco interesa bucear en las profundidades de su mente, probablemente carcomida por el dolor de culpas propias y ajenas. Para Laxe, la presencia humana en la superficie terrestre es poco más que un accidente. Un árbol ínfimo en el horizonte. Un misterio insondable. Y ahí es donde Lo que arde prende llama y quema como el cine de Erice, como el Tasio de Armendáriz, como ese novísimo cine gallego, crepuscular y atemporal, entre la ficción y el documental (Trote, A esmorga, Trinta lumes), que encuentra aquí su "lumbre cumbre".



DIECISIETE
Festival de San Sebastián: Sección oficial fuera de concurso
España, 2019. Dirección y guion: Daniel Sánchez Arévalo
¿De qué va?: Héctor todavía no ha cumplido la mayoría de edad. Contradiciendo las normas del centro de menores en el que está interno, el chico decide emprender un viaje con su hermano para buscar a Oveja, la perra con la que realizó terapia de reinserción. Ficha completa
Reparto: Biel Montoro, Nacho Sánchez, Lola Cordón, Iñigo Aranburu, Itsaso Arana, Kandido Uranga, Carolina Clemente, Jorge Cabrera, Chani Martín, Mamen Duch Música: Julio de la Rosa Fotografía: Sergi Vilanova Género: Comedia dramática Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 18/10/2019.

En España no solemos hablar de feel-good movies. Nuestra cinematografía entiende de comedias populares, por norma general chuscas, y de títulos más sofisticados que, aunque en algún momento pueden tener el consenso de crítica y público, difícilmente alcanzan dimensiones de acontecimiento cinematográfico. Daniel Sánchez Arévalo, a la contra de ese principio, siempre ha cultivado un humor dramático, social, juvenil y amable. Ha dirigido películas reconfortantes, de éxito modesto pero de culto indiscutible como Azuloscurocasinegro Primos. Incluso ha establecido un estilo propio, asociado a un plantel de actores muy concreto y a temáticas siempre pertinentes como la familia, la amistad y el paso a la edad adulta. El director cántabro, vaya, merece considerarse un feel-good director, sin que ese apelativo reste méritos a su trayectoria. Ese título se demuestra una vez más en Diecisiete, su nuevo lanzamiento. Primero, por haber llamado la atención de Netflix, un sello que actúa según los gustos de la masa, sean abonados en activo o suscriptores potenciales. Y en segundo lugar, tras un impás dedicado a la publicidad y a la literatura, por seguir con sus obsesiones y tonos habituales. En pantalla, dos hermanos inician un viaje de (auto)conocimiento, con diálogos vivaces e interpretaciones más que convincentes. Sánchez Arévalo siente cariño y contagia esa empatía por sus criaturas. En él no se intuyen ni cinismos ni eufemismos. Diecisiete avanza y se consolida como un relato transparente, humano. Solo le resta su carácter verbal, algo repetitivo, y la necesidad, inherente a toda road movie pero innecesaria, de sumar demasiadas peripecias (la tumba profanada, la vaca del primo): la película alcanza cuotas más satisfactorias cuanto más se constriñe a sus personajes y a sus circunstancias. El resultado es una obra tonificante, nada desdeñable en el conjunto del cine español de 2019. Lástima que las restricciones de la plataforma reina le hayan impedido ser el éxito de taquilla que merecía.



INTEMPERIE
Festival de Valladolid: Inauguración a concurso
España, 2019. Dirección: Benito Zambrano Guión: Benito Zambrano,
Daniel Remón y Pablo Remón, a partir de la novela de Jesús Carrasco
¿De qué va?: La Guerra Civil ha terminado. En el cuerno de Andalucía, un niño huye de su capataz. En su fuga, sus pasos se cruzan con los de un pastor que le ofrece protección. Mientras, las autoridades del pueblo siguen avanzando por las llanuras. Ficha completa
Reparto: Luis Tosar, Luis Callejo, Jaime López, Vicente Romero, Manolo Caro, Kandido Uranga, Mona Martínez, Miguel Flor De Lima, Yoima Valdés, María Alfonsa Rosso, Adriano Carvalho, Juanan Lumbreras, Carlos Cabra Música: Mikel Salas Fotografía: Pau Esteve Birba Género: Drama. Thriller Duración: 103 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 22/11/2019.

Nos separan ocho años de La voz dormida, última película, también adaptación literaria, de Benito Zambrano. Tras Solas Habana Blues, la crítica especializada citaba a Zambrano como uno de los cineastas españoles más importantes del nuevo siglo, aunque sus ritmos de trabajo, imaginamos que por imperativos de la industria, han resultado menos constantes de lo esperado. Accidente colateral de todo ello, un estreno como Intemperie, inauguración de la Seminci vallisoletana, tiene visos de acontecimiento, aunque las expectativas pronto se desvanecen con los primeros compases del filme. Si la novela de Jesús Carrasco era tosca e introspectiva, con alma de western, la lectura de Zambrano adocena el material original en un producto de multisalas, capaz de disimular sus estrecheces presupuestarias, correctamente orquestrada e interpretada, pero carente de emoción, de dobleces morales, de complejidad psicológica, de ingenio escénico, de garra. Del brío, en definitiva, que presumíamos en ese Zambrano novel de hace ahora dos décadas. Parte del problema reside en la  fidelidad caligráfica, algunos dirían académica, respecto a la novela original; y, paradójicamente, en el único cambio que introduce el guion por voluntad propia, harto desatinado: da mayor espacio a los personajes adultos, aunque ello no implica la añadidura de capas y temas a la historia. A lo mejor es problema del lector-espectador que escribe, tampoco se trata de sancionar las versiones y las visiones de otros autores, pero en mi cabeza Intemperie era una película casi muda, de planos cortos, frentes perladas, pieles sucias, cueros curtidos y paisajes yermos y grandiosos. Con escenas al ras, pero también con interiores claustrofóbicos. Con la relación de un niño que huye y de un hombre que ya no necesita huir de nada, y de la amistad y del aprendizaje que surge de esa unión. Ese filme, en resumen, que intuyo en el metraje de Zambrano, pero que nunca llega a eclosionar. Una pena.


Sigue la actualidad del CINE ESPAÑOL en
EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES.
Disponible en Ivoox, Itunes y Spotify

miércoles, 3 de enero de 2018

CRÍTICA | UNA VIDA A LO GRANDE, de Alexander Payne


Cuestión de géneros y tamaños
UNA VIDA A LO GRANDE (DOWNSIZING)
Nominada al SAG y Globo de oro a la mejor actriz secundaria. Venecia: sección oficial
EE. UU., 2017. Dirección: Alexander Payne Guión: Alexander Payne y Jim Taylor Fotografía: Phedon Papamichael Música: Rolfe Kent Reparto: Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Kristen Wiig, Jason Sudeikis, Udo Kier, Neil Patrick Harris, Laura Dern, Margo Martindale, Kerri Kenney, Maribeth Monroe, Niecy Nash, Donna Lynne Champlin, Joaquim de Almeida, Rolf Lassgård, Ingjerd Egeberg, Søren Pilmark, Jayne Houdyshell, James Van Der Beek, Patrick Gallagher, Kevin Kunkel, Kristen Thomson, Brendan Beiser, Don Lake, Mary Kay Place, Juan Carlos Velis, Veena Sood, Jeff Clarke, Pepe Serna Género: Tragicomedia social. Ciencia ficción Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 22/12/2017
¿De qué va?: Unos científicos noruegos descubren un mecanismo que permite empequeñecer a la población. Años después, el hallazgo se expande por todo el mundo y la sociedad recurre a esa técnica para evitar los males asociados a la superpoblación. Paul, un hombre de vida gris, acepta iniciar el proceso junto a su esposa. Al despertar del tratamiento, descubre que su mujer le ha dejado sólo. Obligado a vivir en un mundo que no conoce con apenas 15 centímetros, el día a día de Paul sufre un cambio radical.

viernes, 25 de agosto de 2017

CRÍTICA | CAMPO DE SUEÑOS (FIELD OF DREAMS), de Phil Alden Robinson


Así en el cielo como en Iowa
CAMPO DE SUEÑOS (FIELD OF DREAMS), de Phil Alden Robinson
3 nominaciones al Óscar: mejor película, guión adaptado y banda sonora original. Nominada al PGA y DGA
EE. UU., 1989. Dirección y guión: Phil Alden Robinson Reparto: Kevin Costner, Amy Madigan, James Earl Jones, Ray Liotta, Timothy Busfield, Burt Lancaster, Gaby Hoffmann, Dwier Brown, Frank Whaley Género: Drama sobrenatural Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 09/02/1990
¿De qué va?: Una tarde, un granjero oye unos sonidos extraños en sus tierras de cultivo. Una voz le insta a construir un campo de béisbol en su propiedad. El hombre decide hacer caso al mensaje a pesar de las reticencias de su esposa. Una noche, un hombre venido del pasado aparece en el campo de juego.


El cine estadounidense es proclime a discursos triunfalistas. Ya sea retratando la vida de la Norteamérica profunda o yéndose a la conquista de mundos exteriores, la cinematografía por antonomasia despliega su arsenal de efectos especiales y mensajes subliminales para demostrar su poderío, una influencia de la que ningún espectador, con independencia de su nacionalidad o ideario, queda inmune. Lo que es más inusual es que el cine norteamericano una espiritualidad y derivas fantásticas en un drama familiar tan difícil de prever como de discurso profundamente yanki. Campo de sueños arranca con una sucesión de fotografías que ilustran la vida de Ray, y cuando éste recibe un mensaje de naturaleza divina el protagonista deja de ser un padre de familia entregado a la explotación de sus tierras para asumir la tarea de salvador de toda su comunidad. En otras palabras, el individuo se convierte en una metáfora de su país, con la iconografía deportiva y los valores asociados al "being american" (la fe, el esfuerzo colectivo y la defensa de la libertad y de la unidad familiar). El conjunto puede sonar indigesto para espectadores que no rindan culto a la bandera barriestrellada, pero el director Phil Anden Robinson se las ingenia para llamar nuestra atención a base de migrar del drama intimista al relato fantástico, de lo plausible a lo increíble, en poco más de hora y media de medidos despropósitos. Campo de sueños convence porque, a pesar de la aparatosidad de su trastienda, esconde cierto halo naïf que conecta, aunque sea mínimamente, con el cine familiar de Spielberg o las obras más logradas de Shyamalan. Una cinta particular a la que vale la pena acercarse con reservas pero con curiosidad, y cuyo desenlace, lacrimación aparte, parece demostrar que los mismísimos Estados Unidos, al igual que el Cristianismo, se sustentan sobre un profundo sentimiento de culpa y unas tormentosas relaciones paternofiliales.


Para creyentes, crédulos y curiosos de todo tipo.
Lo mejor: Su fusión de géneros.
Lo peor: Es más sensiblera que sensible.


Descubre todos los estrenos de 1990 en
EL PODCAST DE C&R: Especial CINE DEL 1990 
 

miércoles, 2 de agosto de 2017

CRÍTICA | OKJA, de Bong Joon-Ho


Cerdada con corazón
OKJA
Festival de Cannes 2017: Sección oficial
Corea del sur, 2017. Dirección y guión: Bong Joon-ho Fotografía: Darius Khondji Música: Jaeil Jung Reparto: Ahn Seo Hyun, Tilda Swinton, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Devon Bostick, Lily Collins, Giancarlo Esposito, Steven Yeun, Byun Hee-bong, Shirley Henderson, Daniel Henshall, Je Moon, Choi Woo-sik Género: Drama fantástico Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 28/06/2017 (lanzamiento Netflix)
¿De qué va?: Mirando Corporation revela a la prensa la existencia de un ejemplar único de supercerdo. Los especímenes más destacados son mandados a 26 granjas ecológicas de todo el mundo. 10 años después, Okja, la cría destinada a las montañas de Corea del sur, debe viajar hasta Nueva York, pero su cuidadora hará todo lo posible para que sus propietarios no la conviertan en carne para el consumo humano.

jueves, 8 de diciembre de 2016

CRÍTICA | VOYAGE OF TIME: LIFE'S JOURNEY, de Terrence Malick


Nuevo versículo del Evangelio según Malick
VOYAGE OF TIME: LIFE'S JOURNEY, de Terrence Malick
Festival de Venecia: Sección oficial a concurso. Festival de Sitges: Sesión especial
EE. UU., 2016. Dirección y guión: Terrence Malick Música: Ennio Morricone Fotografía: Paul Atkins Reparto: Cate Blanchett (documental) Género: Documental científico Duración: 90 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Tras El árbol de la vida, Malick habla sobre los inicios de la vida y el universo en una película que tendrá dos versiones: una, en formato IMAX y con Brad Pitt como narrador; la segunda, en formato convencional y con la voz de Cate Blanchett.

martes, 6 de diciembre de 2016

CRÍTICA | VAIANA (MOANA), de John Musker y Ron Clements


Disney en popa a toda vela
VAIANA (MOANA), de John Musker y Ron Clements
Nominación al Satellite y Critics Choice a la mejor película de animación
EE. UU., 2016. Dirección: John Musker y Ron Clements Guión: Jared Bush, Ron Clements, John Musker, Pamela Ribon y Taika Waititi Música: Opetaia Foa'i, Mark Mancina, Lin-Manuel Miranda Fotografía: Rob Dressel y Adolph Lusinsky Género: Aventuras. Comedia familiar Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 02/12/2016
¿De qué va?: Vaiana habita una isla del Pacífico. Una maldición ancestral afecta a su pueblo y parece condenar a todo el océano. Con el fin de revertir la situación, Vaiana emprende una aventura en alta mar con la ayuda de un dios desprovisto de sus poderes.

jueves, 24 de noviembre de 2016

CRÍTICA | OUT OF NATURE (MOT NATUREN), de Ole Giæver


Hacia rutas salvajes
OUT OF NATURE (MOT NATUREN), de Ole Giæver 
Nominada al Nordic Council a la mejor película nórdica del 2015. Candidata a 2 premios Amanda
Noruega, 2014. Dirección y guión: Ole Giæver Música: Ola Fløttum Fotografía: Øystein Mamen Reparto: Ole Giæver, Trond Peter Stamsø Munch, Marte Magnusdotter Solem, Rebekka Nystabakk, Sivert Giæver Solem Género: Comedia dramática Duración: 75 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Martin, un hombre casado, con un hijo pequeño y trabajo estable, decide hacer una excursión por su cuenta por la montaña durante el fin de semana. Solo y en plena naturaleza aflorarán sus sentimientos, sus fantasías y sus dudas.

martes, 22 de noviembre de 2016

CRÍTICA | KAILI BLUES (LU BIAN YE CAN), de Bi Gan


La China inhóspita
KAILI BLUES (LU BIAN YE CAN)
Festival de Locarno: Mejor director novel. Sección a concurso Món Filmat 2016
China, 2015. Dirección y guión: Bi Gan Fotografía: Wang Tianxing Música: Lim Giong Reparto: Chen Yongzhong, Guo Yue, Liu Linyan, Luo Feiyang, Xie Lixun, Yang Zhuohua, Yu Shixue, Zhao Daqing Género: Drama onírico Duración: 110 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Chen trabaja en una pequeña clínica en la provincia de Guizhou, una zona tranquila. Al iniciar la búsqueda de su sobrino, Chen visitará un pequeño pueblo con unos habitantes muy particulares. En ese viaje, el tiempo se alterará, hasta el punto de que Chen no podrá discernir si su devenir es real, un producto de su imaginación o sólo un recuerdo del pasado.

sábado, 12 de noviembre de 2016

CRÍTICA | CAPTAIN FANTASTIC, de Matt Ross


 Una prole entrañable
CAPTAIN FANTASTIC, de Matt Ross
Festival de Cannes: Mejor director (Un Certain Regard). Festival de Karlovy Vary: Premio del público
EE. UU., 2016. Dirección y guión: Matt Ross Música: Alex Somers y VV. AA. Fotografía: Stéphane Fontaine Reparto: Viggo Mortensen, George MacKay, Missi Pyle, Kathryn Hahn, Frank Langella, Hannah Horton, Nicholas Hamilton, Steve Zahn, Ann Dowd, Trin Miller, Samantha Isler, Annalise Basso, Shree Crooks, Erin Moriarty, Charlie Shotwell Género: Comedia dramática Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 23/09/2016
¿De qué va?: Tras vivir diez años en los bosques de una zona remota del norte estadounidense, Ben y sus hijos, criados lejos de la civilización, recorren medio país para asistir al funeral de su madre.

sábado, 6 de agosto de 2016

CRÍTICA | LA CAZA, de Carlos Saura


LA CAZA, de Carlos Saura
Oso de Plata del Festival de Berlín. Premio CEC a la mejor película
España, 1966. Dirección: Carlos Saura Guión: Carlos Saura y Angelino Fons Fotografía: Luis Cuadrado Música: Luis de Pablo Reparto: Ismael Merlo, Alfredo Mayo, José María Prada, Emilio Gutiérrez Caba, Violeta García, Fernando Sánchez Polack, Violeta García, María Sánchez Aroca Género: Drama Duración: 90 min. Tráiler: Link Elección de Alberto Tovar
¿De qué va?: Tres hombres van de caza a un coto que fue escenario de la reciente Guerra Civil. Aunque la jornada se avecina tranquila, pronto saldrán a la superficie viejas rencillas.


CRÍTICA RONNIE VALENCIA: Tercer largometraje en la carrera de Saura, que se convirtió con el paso del tiempo en un clásico del cine español y que recibió el Oso de Plata a la mejor dirección del Festival de Berlín de 1966. Destaca por sobre todas sus cualidades las interpretaciones de Alfredo Mayo, Ismael Merlo, José María Prada y Emilio Gutiérrez Caba, quienes se juntan para cazar conejos entre cuerpos sudorosos y rostros mal encarados, en un sitio en el que alguna vez hubo combates durante la Guerra Civil. La caza es considerada una metáfora de la Guerra Civil debido a la dura crítica que hace a la sociedad adicta al franquismo, raíces tan profundas que generan una tensión que se desarrolla a medida que el largometraje avanza entre la convivencia, saliendo a la luz esas rencillas y tensiones que culminan en un trágico desenlace que resulta impactante. Saura juega con elementos técnicos como enfoques abiertos, narraciones con voz en off o planos detalle muy específicos, que son particularmente novedosos para la época en la que se filmó esta película, dotándola de un aspecto parecido al cine experimental pero que no altera su estructura convencional. Más allá de todo, el mayor mérito del realizador es haber completado una producción de tal magnitud como lo es La caza, aquellos años en la madre patria. ★★★★


CRÍTICA MAYRA MEZA: Más allá del contexto político o histórico que se pueda entender en el argumento de La caza, estamos ante una obra que puede ser vista desde diferentes perspectivas y que puede convertirse en una grata experiencia para cualquier espectador. Con fotografía en blanco y negro asistimos al caluroso reencuentro de viejos amigos, una cita en la que se dan cuenta que ya no son lo que eran. La historia en cierta forma respira tensión y violencia, en primera instancia hacia los animales y luego hacia las personas, la irracionalidad a la que llegan estos personajes (que podría ocurrir a cualquiera) aflora en cada dialogo y escena de este film que, no sé explicar muy bien el por qué pero me ha gustado. La historia es interesante y muy bien desarrollada y además me resultó muy curioso cómo por momentos los personajes hablan mirando a la cámara como dirigiéndose al espectador, y también esos momentos donde quedan al descubierto sus pensamientos usando voz en off. A simple vista podría parecer que esta película no guarda trascendencia, pero esos personajes que deciden ir a cazar conejos en un lugar que fue escenario de la Guerra Civil, sin darse cuenta están librando una ‘guerra’ interior que terminará exteriorizándose entre ellos, y dando pie a una confrontación con un final muy destacable. Una película que realmente merece la pena ser visionada. ★★★½

viernes, 8 de julio de 2016

CRÍTICA | JULIE, de Alba González de Molina


Saber de lo que se huye e ignorar lo que se busca
JULIE, de Alba González de Molina
Biznaga de Plata a la mejor actriz secundaria del Festival de Málaga. Sección a concurso Món Filmat
España, 2016. Dirección y guión: Alba González de Molina Fotografía: Álvaro Sanz Música: Belén Álvarez Doreste Reparto: Marine Discazeaux, Silvia Maya, Rikar Gil, Juan Martín Gravina, Emilio Línder, Mario Miñano, Javier Tolosa, Daniel Martín, Irene Ferradas Género: Drama Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: Por determinar
¿De qué va?: Julie, una francesa afincada en Madrid, decide marcharse y dejar atrás su vida pasada. Su destino se cruzará con los habitantes de un pueblo perdido en medio de la naturaleza. Aunque su estancia no será fácil, y a pesar de que la chica no deja que los demás conozcan sus intimidades, Julie pronto echa raíces.


Rodada con 120.000 euros en una ecoaldea real del Bierzo, actores sin apenas experiencia en el medio cinematográfico y un equipo reducido de jóvenes debutantes, Julie, la ópera prima de la canaria Alba González de Molina, está destinada a ser una de las propuestas más curiosas de la temporada. La película narra el exilio voluntario de Julie, una chica francesa que llega por accidente a una comunidad rural regida por unas normas singulares. La directora filma los silencios, las dudas y el dolor de su personaje, hasta el punto de sumir al espectador en una tupida red de interrogantes que estallan en una resolución que se intuye dolorosa pero inevitable. Por parte de De Molina puede intuirse un posicionamiento esquivo, pero en verdad su artífice filma "desde dentro" y "con distancia" porque respeta a su protagonista, y con ella a todos los habitantes de una comuna de principios idealistas que se cuestionan y reformulan en todo momento. Con todo, y aún alabando los riesgos de su equipo, uno sale de la proyección de Julie con la sensación de no conocer a los personajes, o al menos intuyendo que los traumas que perseguían a Julie no justificaban del todo su huida. La película quiere ser tan introspectiva que olvida trazar a sus criaturas con algún atisbo de humanidad, un hecho que beneficia al personaje de Victoria (Silvia Maya), el mejor escrito y sin duda el mejor interpretado de toda la función. Además, es de ley señalar que De Molina pasa de puntillas por temas tan interesantes como la conexión con la naturaleza, los métodos de enseñanza alternativos, la libertad sexual, la maternidad o la eterna pugna entre sociedad e individuo, como si la directora, en un ejercicio de identificación casi juvenil, se centrara únicamente en la subjetividad ensimismada de su heroína. En resumen, estamos ante una película que abre nuevos frente expresivos en nuestro cine, aunque de ella se echa en falta una mirada más madura capaz de abarcar toda la complejidad de la propuesta. Con sus aciertos y sus carencias, de entre todos los misterios que atesora Julie se impone una certeza: Alba González de Molina tiene un gran futuro por delante.


Para amantes de las películas con personajes escapistas en plena naturaleza (Hacia rutas salvajes, Wild, Gerry y similares).
Lo mejor: Silvia Maya, justamente premiada en Málaga. A pesar de los medios con los que ha sido concebida, es muy sólida a nivel técnico.
Lo peor: Sin resultar trivial, le falta abordar con más convicción todos los subtemas que presenta.

viernes, 24 de junio de 2016

CRÍTICA | HACIA RUTAS SALVAJES (INTO THE WILD), de Sean Penn


HACIA RUTAS SALVAJES (INTO THE WILD), de Sean Penn
7 nominaciones a los Critics Choice Awards, 4 a los SAG y 2 a los Óscar. Globo de oro a la mejor canción
EE. UU., 2007. Dirección: Sean Penn Guión: Sean Penn, a partir de la novela de Jon Krakauer Fotografía: Eric Gautier Música: Michael Brook, Kaki King y Eddie Veder Reparto: Emile Hirsch, Marcia Gay Harden, William Hurt, Jena Malone, Brian Dierker, Vince Vaughn, Kristen Stewart, Catherine Keener, Hal Holbrook, Thure Lindhardt, Signe Egholm Olsen, Zach Galifianakis, Haley Ramm, R.D. Call Género: Drama Duración: 140 min. Tráiler: Link Elección de Keven Uribe
¿De qué va?: Al terminar sus estudios universitarios, Christopher McCandless inicia un viaje con destino a Alaska sin dinero y sin apenas posesiones. Con el nombre de Alexander Supertramp, el joven inicia un exilio voluntario en plena naturaleza para encontrar un sentido a su vida.


CRÍTICA XAVIER: Vi Hacia rutas salvajes en el momento de su estreno y no acabé de empatizar con su protagonista. De hecho, los Óscar la ningunearon casi por completo y en este mismo blog la película sólo fue nominada en dos categorías de los Cinoscar Awards 2008 (ganó mejor banda sonora adaptada). Pero con el paso de los años descubrí que esa película que apenas había generado ruido en el momento de su lanzamiento se estaba convirtiendo en un referente para muchos espectadores de mi generación. Tanta gente me había comentado lo mucho que significaba para ellos el film que llevaba bastante tiempo deseando volverlo a ver. El Cinoscar Summer Festival ha sido la excusa perfecta para revisionarla. Y al terminar la proyección me he descubierto con los ojos llenos de lágrimas. Me he encontrado con una película fotografiada y montada con pulso maestro, muy bien interpretada y capaz de evocar paisajes físicos y estados de ánimo. He descubierto una película bella pero muy dura y un protagonista al que no hay que juzgar: basta con ver, sentir y vivir a su lado y en compañía de los simbólicos personajes que se esconden en cada apeadero. Serán cosas de la edad, pero ahora entiendo más y me emociona enormemente esta historia que es a la vez una huida y un (re)encuentro. Pero en el cine y en la vida la clave no está en "entender", sino en "respetar". La película reverencia a la naturaleza y al ser humano, y nos invita como espectadores a sumarnos a ese respeto. Un mensaje enternecedor para una historia que se lleva a cuestas, cual mochila vital. Espero verla por tercera vez en un futuro y pensar que es una obra maestra del séptimo arte. ★★

CRÍTICA ALBERTO: El paso a la dirección del admirable Sean Penn resultó y resulta una propuesta muy interesante de analizar. Sin mediar en demasiadas novedades y anclándose muchas veces a ciertos convencionalismos del conocido género “cine indie nortemericano”, vertebra un absoluto canto a la libertad que rezuma frescura por los cuatro costados. Las razones de su éxito residen en el talento y en la honestidad a la que se enfrenta Sean Penn a un vehículo ya muy asentado. El film se construye poco a poco a través de retazos de numerosas películas, pero su luminosidad, su ritmo y su ferocidad son de bella singularidad. La portentosa dirección de Sean Penn no abandona en ningún momento la historia que navega en altibajos, pero que al final encuentra el atajo más fructífero. La solidez de su factura y ciertos arrojos interpretativos, como el del admirable Hal Holbrook, inundan de verdad una historia que, a pesar de sus imperfecciones, conmueve y logra traspasar el umbral de la pantalla. ★★★½


CRÍTICA ISIDRO: Cada día era un regalo, libre de sol a sol. La montaña fue su salvación y entre las fieras se crió. Y en los árboles escucha voces de tiempos remotos, ha elegido caminar hacia lo salvaje. Hace justo una semana tuve el placer de poder escuchar estas letras en directo y en acústico desde la garganta de Eva Amaral. Hacia lo salvaje fue, de hecho, la canción que abrió el concierto, y no puedo evitar relacionarla con la película que nos ocupa, Hacia rutas salvajes (y no solo por la gracia de que se llaman casi igual). Es más, no me extrañaría que Eva se hubiera inspirado en la película para componer la cancioncilla. Porque eso es justo lo que busca Alexander Supertramp en la película, romper con todo atisbo de caduca civilización occidental para vivir en plena naturaleza, “el hombre y la tierra”, hasta las últimas consecuencias. No podemos negarlo, Sean Penn sabe cómo representar esa ansia de libertad anárquica del personaje, y consigue que participemos de sus emociones gracias a una filmación de la naturaleza muy estimulante. Y los diferentes encuentros de Alex no sólo hacen enriquecer al personaje, sino toda la película, que gana en ritmo. Por ponerle alguna pega, quizá le sobra cierto lirismo excesivamente literario, pues las imágenes ya son lo suficientemente elocuentes y la musiquilla le da el tono justo. Pero vamos, peliculón. ★★★★


CRÍTICA RONNIE: Suena bastante interesante la idea de poder dejar todo detrás: problemas, tribulaciones, sufrimientos, angustias, preocupaciones, penas, etc. La película es una metáfora sobre la búsqueda de la felicidad y la armonía espiritual, y para conseguir ese objetivo nuestro protagonista debe emprender un viaje hacia lo más profundo de la naturaleza. El mensaje central de esta obra es el propio reflejo de la juventud en nuestra andar cotidiano, la juventud que viene acompañada de grandes oportunidades para poder hacer las cosas y que nos permite luchar por lo que queremos hasta conseguirlo. "Juventud, divino tesoro". que deberíamos de aprovechar antes de preguntarnos: ¿qué he hecho en la vida? Esta historia basada en el libro homónimo de John Krakauer sorprende por su profunda trascendencia llena de mensajes filosóficos; resulta muy disfrutable si sirve para analizar nuestra propia existencia. En apartados técnicos debo destacar los increíbles paisajes capturados por el lente de Eric Gautier: las espectaculares vistas del salvaje entorno de América se convierten en un coprotagonista de relevancia en el relato, convirtiéndose a su vez en el juez que enseña al protagonista el sitio del hombre dentro de la creación. ★★★½

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★★ 

martes, 15 de marzo de 2016

CRÍTICA | CEMETERY OF SPLENDOUR, de Apichatpong Weerasethakul


De hombres, de dioses y de espíritus
CEMETERY OF SPLENDOUR (RAK TI KHON KAEN), de Apichatpong Weerasethakul
Festival de Cannes 2015: Sección Un Certain Regard. Festival de Sitges 2015: Sección oficial
Tailandia, 2014. Dirección y guión: Apichatpong Weerasethakul Fotografía: Diego García Reparto: Jenjira Pongpas, Banlop Lomnoi, Jarinpattra Rueangram, Petcharat Chaiburi, Tawatchai Buawat, Sakda Kaewbuadee, Sujittraporn Wongsrikeaw, Bhattaratorn Senkraigul, Pongsadhorn Lertsukon, Apinya Unphanlam, Sasipim Piwansenee Género: Drama fantástico Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 08/04/2016
¿De qué va?: Una mujer con una discapacidad física se presenta voluntaria para trabajar en un centro médico. En el hospital, distintos hombres están aquejados de una rara enfermedad del sueño.


Cemetery of Splendour es el nuevo remanso de paz firmado por el tailandés Apichatpong Weerasethakul. El film es un viaje entre la tradición y la modernidad, entre el sueño y la vigilia, entre la razón y la magia. En el lugar donde décadas atrás se asentaba un colegio, ahora se despliega un complejo hospitalario improvisado. Los enfermos se pasan gran parte del día durmiendo, mientras que en los alrededores se realizan todo tipo de celebraciones, a cada cual más curiosa, relacionadas con la salud y la conexión con el mundo espiritual. Weerasethakul sume al espectador en una atmósfera narcótica mientras los fotogramas van dibujando todo tipo de realidades y de intuiciones. La película carece de un argumento al uso, pero se vive y se siente en primera persona. Por ello, es fundamental que el espectador se deje llevar por el universo y el tempo que propone el director: de lo contrario, el film puede antojarse tortuoso. Resulte sublime o insufrible, hay que reconocerle al cineasta asiático una capacidad única por filmar historias mínimas con un pulso maestro, dejando que la verdad de los espacios y de los personajes que los ocupan llenen la pantalla. Cemetery of Splendour es un film de cuerpos y de espíritus, totalmente diferente a cualquier expresión artística del pasado o de nuestro tiempo. Cine especial para públicos especiales.


Para interesados en el yoga cinematográfico.
Lo mejor: Es de esas películas que no se olvidan, para bien o para mal.
Lo peor: Que se despache como un film lento, pretencioso y sin contenido.

martes, 8 de marzo de 2016

CRÍTICA | RACING EXTINCTION, de Louie Psihoyos


Naturcidio
RACING EXTINCTION, de Louie Psihoyos
Nominación al Óscar a la mejor canción
EE. UU., 2015. Dirección: Louie Psihoyos Guión: Mark Monroe Fotografía: John Behrens, Shawn Heinrichs, Sean Kirby y Petr Stepanek Música: J. Ralph Reparto: Documental Género: Naturaleza. Documental Duración: 85 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Un equipo de activistas viaja por el mundo para denunciar la caza de especies protegidas. Entre parada y parada, nos hablan de las extinciones inminentes, de las catástrofes medioambientales que se avecinan y de la repercusión que todo ello tendrá en nuestras vidas. La película relaciona las emisiones de CO2 o nuestros hábitos alimentarios con el mercado negro que trafica con ciertos animales o la destrucción de los polos glaciares.

lunes, 15 de febrero de 2016

CRÍTICA | EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, de Ciro Guerra


Cine chamánico
EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, de Ciro Guerra
Festival de Lima y Mar de Plata: Mejor película. Festival de Cannes: Quincena de Realizadores. Festival de San Sebastián: Horizontes latinos. Nominación al Óscar y al Independent Spirit Award a la mejor película de habla no inglesa
Colombia, 2015. Dirección: Ciro Guerra Guión: Ciro Guerra y Jacques Toulemonde Fotografía: David Gallego Música: Nascuy Linares Reparto: Brionne Davis, Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Nicolás Cancino, Yauenkü Migue, Luigi Sciamanna Género: Aventuras Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 19/02/2016
¿De qué va?: Karamakate, un chamán indígena, fue testigo de la destrucción de su pueblo y ahora se esconde en las profundidades de la selva amazónica. Evan, un etnobotánico occidental, recurre a su ayuda para encontrar la yakruna, una planta de propiedades mágicas. Ambos se embarcan en una travesía fluvial que les permitirá reencontrarse contigo mismos. En paralelo, conoceremos las aventuras del último explorador que décadas atrás inició el mismo viaje en busca de la yakruna.

lunes, 19 de octubre de 2015

CRÍTICA SERIES | JORDSKOTT (Temporada 1)


En lo profundo del bosque
JORDSKOTT, de Anders Engström y Henrik Björn
Suecia, 2015. 1 temporada de 10 episodios. Emitida por el canal SVT1 (en España, todavía inédita) Género: Thriller fantástico. Policiaco. Duración: 58 min. por episodio Tráiler en inglés: Link Primer episodio íntegro (versión original subtitulada en inglés): Link Cabecera de la serie: Link  Banda sonora: Link Página web oficial: Link Reparto: Moa Gammel, Göran Ragnerstam, Richard Forsgren, Peter Andersson, Lia Boysen, Ann Petrén, Hans Mosesson, Ville Virtanen, Johannes Brost, Vanja Blomkvist, Yohio, Henrik Knutsson, Nour El-Refai, Gustav Lindh, Johan Paulsen, Zandra Andersson, Alba August, Iwa Boman, Anders Berh, Andrea Edwards, Anna Wallander


El dato: La serie se rodó el verano de 2014 en Sala y Ragunda, dos pequeñas localidades de Suecia. Su estreno en el principal canal de la televisión sueca tuvo lugar el lunes 16 de febrero de 2015, con notable éxito de audiencia. La SVT lanzó la serie coincidiendo con el episodio final de Blå ögon, su serie insignia de la temporada. El canal británico ITV Encore ha sido el primero en retransmitir la serie fuera de Suecia: su emisión empezó el miércoles 10 de junio de 2015 en versión original subtitulada en inglés. La SVT no ha confirmado la renovación de la serie para una segunda temporada, pero su equipo de productores y guionistas han desvelado que están tanteando nuevas tramas de cara a una segunda tanda de capítulos. Moa Gammel, la actriz protagonista, es una habitual de la televisión sueca, aunque en España no hemos tenido ocasión de ver sus anteriores trabajos. La actriz Nour El-Refai, que en la serie interpreta a una agente de policía, fue junto a Anders Jansson la presentadora de las 6 galas del Melodifestivalen 2014, la preselección sueca para el Festival de Eurovisión y el principal show musical del país. Además, Yohio, que en la serie interpreta a Linus, es un cantante sueco que participó en dicho certamen dos años consecutivos. La canción de la cabecera de la serie es I Will Meet You There, de Ofelia.


EL THRILLER NÓRDICO, MÁS SOBRENATURAL QUE NUNCA (Reseña sin spoilers)

Jordskott, el último fenómeno de la televisión escandinava, amplía la nómina de noirs que los suecos han facturado en los últimos años. El espectador en seguida se remitirá a títulos como El puente (Bron/Broen), pero la serie no tarda en desvelar unas constantes que van más allá del policiaco nórdico más reciente. La atmósfera gótica, mitológica y cercana al terror de Jordskott, con defensa velada a la preservación de la naturaleza, convierte la serie en un cruce de gran solvencia entre la acción detectivesca y el fantastique más recargado. Todo, cómo no, con una factura cinematográfica, unas interpretaciones muy medidas y unos guiones de precisión casi matemática. Jordskott es lo más extraño que ha producido la pequeña pantalla del norte de Europa, peor hay que rendirse ante la evidencia: el canal SVT lo ha vuelto a bordar.


Jordskott es una serie que puede llevar a engaño: su premisa se antoja familiar, pero su desarrollo se aleja de los cánones habituales. La sombra de Forbrydelsen planea en el fantástico episodio piloto de la serie. Eva, una agente de policía marcada por la desaparición hace siete años de su hija pequeña, regresa a su pueblo natal sin ser consciente de los secretos que se despliegan a su alrededor. La desaparición de otros niños en extrañas circunstancias y el fallecimiento de su padre, el principal director de una empresa maderera, se convertirán en la punta de un iceberg en el que pronto hacen acto de presencia asesinos misteriosos, crímenes insospechados, mitos antiquísimos, agentes de policía con poderes extrasensoriales y extrañas criaturas que deambulan en un bosque cercano. Poco más puede contarse para no destripar ningún apunte de la serie (el riesgo de spoiler tratándose de un producto como Jordskott es enorme).


Jordskott no es una continuación de Twin Peaks o Expediente X, aunque sin duda toma de ambas su vinculación a las tramas sobrenaturales. Tampoco es la enésima copia del thriller sueco que vive de las rentas de Forbrydelsen. Jordskott es una serie diferente. No gustará a todos, pero hay que valorar su riesgo y su arrebatadora personalidad. A veces bordea el ridículo, pero siempre sale airosa de sus delirios. Hacía mucho tiempo que una serie no me dejaba tantas veces con la boca abierta. Sin ser un fanático del terror y el fantástico, reconozco que la serie consigue que creamos en lo imposible. Una serie digna de ser descubierta, aunque sea para seguir profesando cierta envidia (sana) hacia la televisión sueca. Y quien avisa no es traidor: el mundo seriéfilo no tardará en hablar de ella a todas horas, las webs no tardarán en llenarse de spoilers y los norteamericanos no tardarán en idear un remake descafeinado. Esperamos con mucha expectación su segunda temporada.

Si te gusta esta reseña, vótala en Filmaffinity


jueves, 8 de octubre de 2015

CRÍTICA | UN DIA PERFECTE PER VOLAR (UN DÍA PERFECTO PARA VOLAR), de Marc Recha


Hacer volar la imaginación
UN DIA PERFECTE PER VOLAR (UN DÍA PERFECTO PARA VOLAR), de Marc Recha
Festival de San Sebastián: Sección oficial a concurso
España, 2015. Dirección y guión: Marc Recha Música: Pau Recha Fotografía: Hélène Louvart Reparto: Sergi López, Roc Recha, Marc Recha Género: Drama Duración: 70 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 23/10/2015
¿De qué va?: Hace viento y un niño se dispone a hacer volar su cometa. Se sube a lo alto de una montaña, pero el hilo se lía entre los arbustos. Mientras, su padre le cuenta la historia de un gigante que habita en el bosque. Así, entre la naturaleza y los mundos de la fantasía, discurre una tarde mágica.

El cine de Marc Recha siempre ha tenido en la familia uno de sus temas recurrentes: ahí está la historia de reencuentro y luto de Pau i el seu germà, la camaradería de las criaturas que poblaban el universo fronterizo de Les mans buides o el viaje fraternal que emprenden los personajes de Dies d'agost. En Un dia perfecte per volar, Recha llega a la cumbre de su cine sensible y minimalista con la historia de un padre que entretiene a su hijo con la historia de un gigante imaginario. Dos únicos personajes y el paisaje empordanés llenan los 70 minutos de esta preciosa alegoría sobre la infancia, la paternidad y la imaginación. Una película en la que se cuentan historias: el niño escucha fascinado las fabulaciones del mayor, y los espectadores, igual de embobados, evocamos en nuestra cabeza las estampas del cuento. Con la familia, de nuevo, como protagonista silencioso de la trama. Una obra cargada de amor y sensibilidad, de regusto amargo y espíritu vitalista. Puede parecer una película menor, pero pocos films son tan sinceros y sencillos (que no simples) como la crónica de este día de excursiones y cometas. Una belleza.


Si te gusta esta reseña, vótala en Filmaffinity


Para despertar el niño que llevamos dentro.
Lo mejor: La mirada curiosa de Roc Recha
Lo peor: Que su final se interprete como una pequeña trampa de guión.


lunes, 17 de agosto de 2015

CRÍTICA | OREJAS LARGAS (LA COLINA DE WATERSHIP), de Martin Rosen


OREJAS LARGAS (LA COLINA DE WATERSHIP, WATERSHIP DOWN), de Martin Rosen
Largometraje nº 07: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección fuera de concurso
Elección de Elisaul Guevara
Reino Unido, 1978. Dirección: Martin Rosen Guión: Martin Rosen, a partir de la novela homónima de Richard Adams Duración: 95 min. Género: Animación Tráiler: Link Reparto: Animación
¿De qué va?: Hace muchos años, cuando se creó el mundo, los conejos fueron dotados con rapidez y espíritu de lucha. Ahora, un grupo de conejos emprende un viaje en busca de un nuevo hogar por las colinas inglesas. Tras abandonar su amenazada madriguera, los conejos conocerán nuevas especies, recorrerán paisajes que desconocían y serán conscientes de la maldad tanto del ser humano como del reino animal. Con todo, el grupo resto unido y sigue peleando por alcanzar sus sueños.
Palmarés: Saturn Award a la mejor película de animación.



RESEÑA ISIDRO: Orejas largas comienza con una fábula alegre sobre el origen de los conejos dibujada con una animación muy expresiva para luego saltar a un relato de supervivencia crudo y sin paliativos con una animación mucho más sobria. Orejas largas, pese a su título en España, es una película adulta: nada de enternecer a los conejos con ojillos saltones y colitas de algodón, te dibujan conejos tal cual, eso sí, con sutiles diferencias para reconocer a los distintos personajes, a su vez bien identificables por sus personalidades, muy bien trabajadas. Pero lo más chulo de la película es el entorno en el que se desarrolla: la campiña inglesa, lugar tranquilo por antonomasia, con sus bosquecillos, sus campos sembrados y sus cortijuelos, aquí es convertida en un paraje cruel como solo sabe ser la naturaleza, donde casi todo supone una amenaza, desde los perros y los gatos hasta el avance urbanista del hombre, pasando incluso por los conejos de otras madrigueras. Porque eso es otra cosa chula que tiene la película: cada madriguera es un mundo, organizada en un sistema social distinto, así que la película se convierte ya no solo en una lucha por la supervivencia sino también en una lucha contra las tiranías. Sí, ahí donde los vemos, estos conejos tienen más chicha de la que parece, tanta que con uno solo te sale 'arroz pa’ treinta' mínimo.

------------------------------


RESEÑA XAVIER: Probablemente nunca hubiera visionado Orejas largas de no haber sido seleccionada en el festival. Por varios motivos: la animación no es un género que especialmente me motive, el film es bastante difícil de encontrar (en España está inédito en las vías 'habituales', por no decir 'legales') y la carrera de Martin Rosen no ha contado con la continuidad y la relevancia de otros compañeros europeos. Con todo, Orejas largas debe celebrarse como una extraña perla de formas tradicionales: toma los principios del cuento de toda la vida (animales parlanchines, historia de valores, etc.) y los traslada a un territorio propio del gótico, antes incluso de que Burton o Henson entre otros abrieran las puertas de la animación a públicos adultos (todavía a día de hoy sorprenden algunos recursos narrativos bastante impropios del cine infantil, como la imagen de un conejo expulsando sangre tras caer en un cepo o el dibujo de los conejos malvados que aparecen en el último tramo del relato). Un film, por todo ello, difícil de ubicar, fuera de cualquier cánon y avanzado a su tiempo. No es la mejor película para ver con los pequeños de la casa, por mucho que el film pueda resultar una introducción interesante a las jerarquías y maldades del ser humano (seguro que algún niño de la época quedó traumatizado). Animación triste, para mi gusto algo pesada, pero con pequeños destellos de genialidad. Para cinéfilos abiertos a todo tipo de experiencias.

------------------------------


RESEÑA DANIEL: La tranquilidad del bosque se ve perturbada de un momento a otro por lo inesperado, por lo siniestro. La invasión se hace presente y el exilio se hace necesario. Orejas largas es un film atípico, que roza la maestría dentro de su género, un tipo de animación pensada para reflexionar pero a través de imágenes diferentes, quizá algo grotescas para muchos paladares, pero que imposibilita la indiferencia. Es un alegato hermoso y terrible a la vez a la ecología; un canto a la naturaleza, una declaración perpetua de entrega a la vida misma, un prodigioso relato de la amistad acompañado de suma tensión e intriga. Martin Rosen, el director de esa película realizada en los 70, deja de lado los convencionalismos y desgarra nuestra sensibilidad por medio de la crueldad a la que son sometidos los protagonistas; una sensación ahogante de pesadumbre invade de pronto el ambiente. Y me siento como esos seres de orejas largas, me vuelvo uno de ellos, sufro como ellos y comprendo la metáfora. Un film tétricamente hermoso. Precioso descubrimiento.