CRÍTICA | EL AMOR ESTÁ EN EL AGUA, de Masaaki Yuasa

EL AMOR ESTÁ EN EL AGUA (KIMI TO, NAMI  NI NORETARA)

Japón, 2019. Dirección: Masaaki Yuasa Guion: Reiko Yoshida Fotografía: Animación Reparto: Animación Música: Michiru Ohshima Género: Drama. Fantasía Tráiler: Link Duración: 94 min. Fecha de estreno en España: 14/02/2020.

¿De qué va?: Hinako, es una joven estudiante que se muda a un nuevo pueblo allí conocerá a Minato un joven aspirante a bombero que le ayudará a encontrar su propio camino.

CRÍTICA | LOS NIÑOS DEL MAR, de Ayumu Watanabe

LOS NIÑOS DEL MAR (KAIJÛ NO KODOMO)

Japón, 2019. Dirección: Ayumu Watanabe Guion: Daisuke Igarashi Fotografía: Animación Reparto: Animación Música: Joe Hisaishi Género: Aventura. Fantasía Tráiler: Link Duración: 111 min. Fecha de estreno en España: 24/01/2020.

¿De qué va?: Ruka es una niña que fortuitamente durante las vacaciones de verano conoce a Umi y Sora, dos niños muy singulares que la llevaran a vivir una aventura con misterios tan profundos como el mismo mar.  

CRÍTICA | THE WONDERLAND, de Keiichi Hara

THE WONDERLAND

Japón, 2019. Dirección: Keiichi Hara Guion: Miho Maruo a partir del libro de Sachiko Kashiwaba Fotografía: Animación Reparto: Animación Música: Harumi Fuuki Género: Animación. Fantasía Tráiler: Link Duración: 115 min. Fecha de estreno en España: 25/12/2019.

¿De qué va?: Cuando Akane va en busca de su regalo de cumpleaños fortuitamente conoce al misterioso alquimista Hippocrates y a su estudiante Pipo, quienes aseguran estar en una misión para salvar el mundo y la ayuda de Akane es imprescindible para ello.

FESTIVAL DE SITGES 2019 (X) | NETFLIX: ¿DÓNDE ESTÁ MI CUERPO?, EN LA HIERBA ALTA, EL CAMINO y FRACTURA

¿DÓNDE ESTÁ MI CUERPO?

Francia, 2019. Dirección: Jérémy Clapin

Sección: Oficial a concurso

Antes de figurar en todas las ternas a la mejor película de animación del año, ¿Dónde está mi cuerpo? se presentó en la sección oficial competitiva de Sitges. La nota era prometedora desde el inicio, ya que lo más habitual es que el festival catalán redirija las cintas animadas a los escaparates que suele dedicar a todo tipo de cartoon. No cuesta imaginar qué virtudes vieron los miembros del comité seleccionador de Sitges para llevar el trabajo de Clapin a la primera trinchera del certamen: un uso extraordinario de los colores y la atmósfera, un ambiente cercano a la distopía y una trama que funciona como cuento y crítica de la soledad de nuestros cuerpos, con o sin alma, enteros o cercenados. El vagar sin rumbo de una mano amputada es el hilo conductor de una de las propuestas más personales que haya defendido Netflix en su corta pero intensa historia. Que los movimientos de esa masa de dedos sin dueño tengan atisbos de humanidad, aun cuando no hay ningún rostro que exprese euforia o pesadumbre, es un logro del que Clapin puede presumir en su Francia natal o en el mismísimo Hollywood. Porque, en este caso, de Sitges al cielo: esperemos que ¿Dónde está mi cuerpo? encuentre la solución al enigma en el patio de butacas del Dolby Theatre. 

EN LA HIERBA ALTA (IN THE TALL GRASS)

EE. UU., 2019. Dirección y guion: Vincenzo Natali

Inauguración fuera de concurso

Hace dos décadas, Vincenzo Natali presentó en Sitges Cube, a la postre uno de los filmes de género fantástico más relevantes de los 90. Tras trabajar en la realización de distintas series norteamericanas, el todopoderoso Netflix le ha abierto las puertas para regresar al largo con En la hierba alta, enésima traslación a la gran pantalla del universo del escritor Stephen King. Este estreno y Cube establecen una accidental relación: el patrón consiste en encerrar a unos personajes en un espacio amenazante que se va transformando cada pocos segundos, ahora con una claustrofobia al aire libre muy original. Por ello, de la cinta sorprende y convence el uso de los espacios, los juegos de cámara, los bucles temporales (especialmente relevantes en su primer tercio) y la apuesta por un terror contenido, sin escenas que expliciten por la vía de la sangre o de la histeria el estado anímico de los personajes. En el otro lado de la balanza, la descripción de los pocos individuos que están atrapados en un campo de Kansas y los apuntes místicos (¡esa roca!) son tan unidimensionales que, a medida que avanza, el espectador construye una coraza que le inmuniza con respecto a todo lo que sucede en pantalla, como una capa alta y frondosa de hierba. Normal que, con todo lo dicho, los asistentes del festival se sintieran decepcionados, más si cabe después de haber visionado en Sitges inauguraciones tan imponentes como las de La bruja, La forma del agua o Suspiria. En la hierba alta, eso sí, permitió a la dirección del certamen traer a la ciudad al actor Patrick Wilson y, cómo no, exportar la marca Netflix. Quedamos a la espera de que la plataforma reina financie un verdadero filme de terror, sin miedo a rebasar los márgenes de lo políticamente correcto.

EL CAMINO: UNA PELÍCULA DE BREAKING BAD

EE. UU., 2019. Dirección y guion: Vince Gilligan

Sesión especial

Para los asistentes de Sitges, El camino funcionó como película de clausura, no se sabe si de forma premeditada o espontánea por parte de la organización del festival. Pese a llevar veinticuatro horas disponible en la plataforma Netflix, el público abarrotó el Auditori para aplaudir a Aaron Paul y visionar uno de los eventos culturales del otoño. Disfrutada en pantalla grande o pequeña, El camino pone de manifiesto el talento de Vince Gilligan a la hora de expandir el universo de Breaking Bad sin traicionar a sus protagonistas. El filme se vive precisamente como una coda amable, un guiño a los fans y la posibilidad de pasar dos horas más con un personaje que, a la sombra de Walter White, tiene ganado el afecto de una amplia mayoría. La narración se escinde en dos, con un montaje paralelo nada televisivo que puede confundir a todos aquellos que no recuerden con exactitud los sucesos del último episodio de la serie. El final, además, tiene cuerpo de despedida definitiva, aunque la propia existencia del filme permite discutir hasta qué punto se deben estirar tramas que estaban más que cerradas. En resumen, una película satélite que no engrandece las virtudes de Breaking Bad, aunque contribuya a mitificarla y probablemente la acerque a una generación que, por edad, no siguió los capítulos originales en sus emisiones semanales. Ojalá el periplo de Pikman y los suyos termine aquí, en una huida que, al no resolverse, tiene visos de eternidad.

FRACTURA (FRACTURED)

EE. UU., 2019. Dirección: Brad Anderson

Sección: Oficial fuera de concurso

Brad Anderson es uno de los reyes del thriller psicológico. Session 9, El maquinista y Transsiberian contribuyeron al cine paranoico que contextualizó el audiovisual posterior al 11-S. Entre las series que ha dirigido se encuentran títulos importantes como Fringe, The Killing o The Sinner, de tonos y temas similares. Y ahora, con la irrupción de Netflix, el director regresa al largometraje con Fractura, una película que continúa y amplia su universo. Sam Worthington interpreta a un padre de familia que acude a un hospital con su hija, que acaba de sufrir una aparatosa caída en los alrededores de una gasolinera. La mente le jugará una mala pasada y el personaje empezará a poner en tela de juicio sus acciones y la de todos los trabajadores del centro de salud. Entre giros, sorpresas y un presunto secuestro, Anderson fuerza los resortes de un pater familias superado por las circunstancias, metáfora del hombre blanco norteamericano que pierde el control de su vida y deja de tener el beneplácito de los suyos. Algunos considerarán que el guion fuerza en exceso las alucinaciones y los equívocos del protagonista, pero en verdad es un formalismo del propio subgénero: si acaso puede cuestionarse que Anderson, tras dos décadas de experiencia entre bambalinas, facture un misterio bastante conservador en el plano formal. Eso sí: se agradece que todavía lleguen a salas y plataformas cintas de suspense en el sentido más hitchcockiano del término. Fractura no rompe moldes, y aún así es un entretenimiento más que digno.

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CRÍTICA | EL TIEMPO CONTIGO (WEATHERING WITH YOU), de Makoto Shinkai

EL TIEMPO CONTIGO (WEATHERING WITH YOU)

Precandidata al Óscar 2020 a la Mejor película internacional

Japón, 2019. Dirección y guión: Makoto Shinkai Fotografía: Animación Reparto: Animación Música: Radwimps  Género: Animación. Drama. Fantasía Tráiler: Link Duración: 112 min. Fecha de estreno en España: 29/11/2019

¿De qué va?: Un adolescente huye de su casa para ir a vivir a Tokio. En dicho lugar conocerá a Hina, una chica con el extraño poder de controlar  el clima. Juntos Hodaka y Hina vivirán una aventura llena de peligros pero también de momentos muy emocionantes. 

Especial TAKESHI KITANO: Críticas de SONATINE y HANA-BI: FLORES DE FUEGO

SONATINE 

Festival de Cannes: Un certain regard

Japón, 1993. Dirección y guion: Takeshi Kitano

¿De qué va?: La banda de gángsters que lidera Murakawa se traslada de Tokio a Okinawa para participar en una guerra de bandos. El conflicto se intensifica y los cabezas de los clanes deben refugiarse en una casa perdida en mitad de la nada. Ficha completa

Reparto: Takeshi Kitano, Aya Kokumai, Tetsu Watanabe, Susumu Terajima, Masanobu Katsumura, Tonbo Zushi, Ken'ichi Yajima, Eiji Minakata Música: Joe Hisaishi Fotografía: Katsumi Yanagishima Género: Drama Duración: 94 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 25/09/1998.

El León de oro de Hana-bi: Flores de fuego motivó el estreno en España de Sonatine, una película que hasta ese entonces se había distribuido únicamente en formato doméstico. Casualidad o no, dos historias que empiezan con arrebatos violentos y terminan en la calma tensa de una playa, con una candidez cortante, todo contradicciones, que el japonés llevaría a su máxima expresión en El verano de Kikujiro. En la ficción, Kitano encarna un gángster que acepta apoyar a un clan amigo ante la amenaza de una guerra entre yakuzas. El espectador se espera una hipérbole de sangre y balas, pero la historia se encierra en un locus amoenus fugaz. Vemos el Kitano más inocente, aunque en su mirada se percibe la picardía de un tipo malo. Se relaciona con dos de sus ayudantes: se ríe "con ellos", pero sobre todo "de ellos". Se deja manipular, a conciencia, con resignación, como el samurai que posterga su hara kiri; sirviéndose de la inteligencia, puede que locura transitoria, del que sabe que sus días están contados. Sonatine es un relato brutal y bonito, el título que internacionalizó la filmografía de su artífice. El fotograma de su cara con una pistola en la sien es una de las imágenes más poderosas de la contemporaneidad. En su momento, muchos la vimos con una euforia adolescente, con el recuerdo muy vívido del thriller norteamericano y la huella de Tarantino. Ahora, volvemos a ella con otro temple, con el convencimiento de que Sonatine, rescatada de las catacumbas de los videoclubes, ya es un clásico moderno. O, si se quiere, eso tan rimbombante llamado "obra maestra".

HANA-BI: FLORES DE FUEGO

Festival de Venecia: León de oro

Japón, 1997. Dirección y guion: Takeshi Kitano  

¿De qué va?: La enfermedad de su esposa y la discapacidad de su mejor amigo hacen que Nishi, un hombre introvertido, se plantee abandonar la policía. Antes de retirarse, deberá saldar varias cuentas pendientes. Ficha completa

Reparto: Takeshi Kitano, Kayoko Kishimoto, Tetsu Watanabe, Ren Osugi, Susumu Terajima, Yasuei Yakushiji, Tarô Itsumi, Makoto Ashikawa, Yuko Daike, Yasuei Yakushiji, Tsumami Edamame, Tokio Seki Música: Joe Hisaishi Fotografía: Hideo Yamamoto Género: Drama Duración: 103 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/09/1998.

Tras sufrir un accidente de tráfico, Takeshi Kitano perdió parte de la movilidad de su rostro. Durante su convalecencia, se aficionó a la pintura y reformuló una carrera que, hasta ese entonces, estaba vinculada al thriller de yakuzas. El cambio empezó con esta Hana-Bi: Flores de fuego, ampliación íntima y perturbadora, con ligeros toques de comedia entre absurda y apesadumbrada, de una fórmula que ha quedado grabada para siempre en el imaginario cinéfilo. Kitano, con su rictus severo, su bondad infinita y sus ramalazos de violencia expresionista, cuenta las tribulaciones de un hombre que es incapaz de gestionar la culpabilidad, la pérdida y las dobleces de un trabajo que le obliga a mantener contactos con policías y mafiosos. La narración avanza bajo un espesor enrarecido y culmina con un ocaso a orillas del mar. Hay contención. Ninguna voluntad de enjuiciar las decisiones de su personaje. Un juego de tiempos verdaderamente prodigioso: sigue resultando notable la yuxtaposición de flashbacks, presentes, sensaciones y cuadros del propio Kitano, como si la narración no pudiera distinguir lo real de lo imaginado. Y, por encima de todo, la cara, el cuerpo, la presencia en su amplio sentido de un Kitano que, sin apartar su mano diestra de la pistola, nos mostró por primera vez su corazón. Un ejercicio de desnudez artística que mereció una ola de cálidas reseñas en todo el mundo.

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CRÍTICAS | DILILI EN PARÍS, PACHAMAMA, LINO y LIZ AND THE BLUE BIRD

PELÍCULAS DE ANIMACIÓN

DILILI EN PARÍS

Francia, 2018. Dirección y guion: Michel Ocelot

¿De qué va?: Dilili, una joven que llega de Nueva Caledonia a Francia, cuenta con la ayuda de su amigo repartidor para investigar una serie de misteriosos secuestros de chicas jóvenes en el París de la Belle Époque. En el curso de su investigación se encontrará con múltiples personajes extraordinarios que le irán dando pistas. (FILMAFFINITY). Ficha completa

Música: Gabriel Yared Género: Animación. Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/05/2019.

Dilili en París nos traslada al París de la Belle époque donde una pequeña niña mestiza junto a su joven amigo francés, Orel, se embarca en una peligrosa travesía para descubrir la verdad entorno a la desaparición de varias niñas en la ciudad parisina. La animación de colores tan vivaces como la personalidad de la pequeña protagonista es muy vistosa y llamativa, destacables fotogramas acompañados de agradables notas musicales para dar relieve a un guion interesante que recurre a temas socio políticos e incluso feministas muy de actualidad, también es didáctico por su esencia artística e histórica salvando las distancias recuerda un poco a Ruben Brandt, coleccionista, otro estreno reciente del cine de animación que hace remembranza a célebres pintores y sus emblemáticas obras. Dilili en París transita por temas más adultos que infantiles pero los desarrolla con sencillez y un toque de fantasía que en conjunto hacen de esta una petite obra de arte que puede gustar a grandes y pequeños.

PACHAMAMA

Francia, 2018. Dirección: Juan Antin Guion: Juan Antin, Nathalie Hertzberg, Patricia Valeix y Olivier de Bannes

¿De qué va?: Un chico y su amiga sortearan peligrosaos obstaculos para recuperar un obeto sagrado que ha sido robado de su aldea. Ficha completa

Música: Pierre Hamon Género: Animación. Aventura Duración: 71 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 14/06/2019 (Netflix).

Pachamama es una producción francesa cuyo argumento se desarrolla en sudamérica. La cinta estrenada hace poco en Netflix está dirigida por el argentino Juan Antin, quien realiza en su segunda película un interesante trabajo antropológico que, parte de la cosmovisión indígena para narrar una historia ambientada en Perú (antes de la colonización española), donde un chico y su amiga emprenderán un peligroso viaje por defender sus raíces y tradiciones de un malvado Inca, pero en el camino inesperadamente se encontraran con un peligro aún mayor. Pachamama luce muy pulcra en sus imágenes, tiñe de colores vivos sus fotogramas y muestra la flora y fauna propia del país andino: un cóndor, una llama e incluso un armadillo acompañan a los protagonistas de esta entretenida travesía que estuvo entre las nominadas a Mejor film de animación en los Premios César 2018. Pachamama aborda su historia con un aire de fábula e incluso con cierto misticismo, resulta entretenida incluso recurriendo a tópicos y personajes que representan arquetipos del género.

LINO

Brasil, 2017. Dirección y guion: Rafael Ribas

¿De qué va?: Lino trabaja como animador en fiestas infantiles, pero no puede soportar la forma en los niños se burlan de él porque trabaja en el traje de un gato. Decidido a cambiar su vida, él visita un mago, pero la magia no funciona de la manera correcta, y se despierta como un gato grande. (FILMAFFINITY). Ficha completa

Música: Paulo Lebrão Género: Animación. Comedia Duración: 94 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 07/06/2019.

La ópera prima de Rafael Ribas, inicia con  un prólogo que advierte la mala fortuna de Lino, el gafado protagonista de esta aventura quien junto a singulares personajes intentará, en primer lugar: huir de su mala suerte y luego tras diversas situaciones también tendrá que escapar de la policía quien lo acusa de un robo, dicha persecución da lugar a una aventura con más de un momento de acción muy entretenido y, a ratos incluso gracioso, aunque si de algo carece esta Lino es precisamente de momentos cómicos, tiene energía pero le falta desparpajo y una mayor dosis de comicidad, un detalle relevante teniendo en cuenta el público al que está dirigida. Lino es una propuesta claramente familiar, de aspecto técnico y visual apenas correcto y un argumento que parece calcar ciertos detalles del cine de animación hollywoodense. Una película pasable y sin más cometido que entretener, puede gustar sobre todo a los más pequeños. La animación iberoamericana tiene mucho camino por recorrer, tanto en el aspecto técnico como argumental.

LIZ AND THE BLUE BIRD (RIZU TO AOI  TORI)

Japón, 2018. Dirección: Naoko Yamada Guion: Reiko Yoshida

¿De qué va?: El ensayo de una pieza musical sirve como preámbulo para narrar una historia sobre la amistad, el crecimiento personal y la dificultad para expresar los sentimientos. Ficha completa

Música: Kensuke Ushio Género: Animación. Drama Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: Por definir.

Liz and the Blue Bird es el nuevo trabajo de la directora Naoko Yamada, responsable de Una voz silenciosa, aquella interesante películas sobre bullying, discapacidad y suicidio que estuvo entre las preseleccionadas a los Oscar 2018 en la categoría de mejor película de animación. En esta nueva propuesta la directora reincide en hablar sobre la dificultad de la comunicación y la empatía en nuestra sociedad sobre todo en la complicada adolescencia. El escenario de Liz and the Blue Bird es un instituto para chicas donde la extrovertida y popular Nozomi y la solitaria e introvertida Mizore, cursan su último año de instituto, el contraste entre los personajes es evidente desde el inicio y la amistad de ambas es representada por el cuento de Liz y el pájaro azul, una historia que cobra vida dentro del metraje y sirve como metáfora para señalar las emociones y la relación de las protagonistas. La pieza musical que deben interpretar ambas en su club de música y que pertenece al cuento antes citado, es el hilo conductor de la trama. Liz and the Blue Bird es una historia sencilla contada con tempo lento y dando relevancia a las acciones antes que a los diálogos, visualmente es muy pulcra, pivota entre los colores fríos del instituto y los fondos de acuarela coloridos y detallistas que marcan las escenas del cuento, su montaje acopla con precisión las imágenes y la música dando lugar a momentos conmovedores y nostálgicos que, sin embargo, nunca son exageradamente dramáticos. También, debido a la personalidad de Mizore (ciertos detalles apuntan al síndrome de Asperger), hay momentos curiosos que dan lugar a situaciones ligeramente cómicas. En conjunto, una oda a la amistad y, al valor del arte como herramienta de comunicación y comprensión humana. Muy recomendable para quienes disfrutaron de películas como El himno del corazón.

CRÍTICAS | QUIERO COMERME TU PÁNCREAS, OKKO, EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS y MODEST HEROES

Películas de Anime

QUIERO COMERME TU PÁNCREAS

Japón, 2018. Dirección y guion: Shin'ichirô Ushijima a partir de la novela de Yoru Sumino

¿De qué va?: Cuando Sakura es diagnosticada con una enfermedad terminal, ella decide no contar a nadie su situación. Pero fortuitamente uno de sus compañeros de instituto se entera de su secreto y desde entonces inician una particular relación. Ficha completa

Música: Hiroko Sebu Género: Animación. Drama. Romance Duración: 108 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/04/2019.

Shin'ichirô Ushijima debuta en la dirección de largometraje con este drama sobre dos adolescentes que de manera fortuita entrelazan sus caminos y dan lugar a una historia sobre la vida, la amistad y también la muerte. Quizás lo más destacable que tiene Quiero comerme tu páncreas es que, pese a usar la enfermedad apenas como hilo conductor para desarrollar la trama, la idea de hablar sobre la muerte en una edad cuando la transitoriedad de la existencia no es un tema de gran preocupación, resulta interesante. También es curiosa la unión de dos personajes tan opuestos para así hablar sobre las relaciones humanas y qué es lo que nos convierte en lo que llegamos a ser. Todo esto desarrollado de manera simpática y agradable aunque también se atisban detalles que a los más exigentes pueden molestar un poco, por ejemplo: el excesivo dramatismo de ciertas escenas, las reacciones exageradas de alguno de los personajes y momentos un tanto repetitivos, además todo ello contribuye a dilatar innecesariamente el metraje. Sin embargo y, a pesar de sus imperfecciones Quiero comerme tu páncreas es una película entretenida pero sobre todo interesante. En sus momentos más álgidos muestra un estilo poético que recuerda al cine de Makoto Shinkai, donde la tragedia lo inunda todo y las relaciones interpersonales trascienden tiempo y espacio creando un relato capaz de conmover al espectador. Recomendable para quienes disfrutaron con películas como Your Name, El himno del corazón o incluso A Silent Voice. 

OKKO, EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS

Japón, 2018. Dirección: Kitarô Kôsaka Guion: Reiko Yoshida a partir de la novela de Hiroko Reijo

¿De qué va?: Okko es una adolescente que debe ir a vivir al campo en una posada tradicional japonesa que dirige su abuela. Mientras se prepara con cierta renuencia para ser la nueva encargada del lugar, conocerá a varios fantasmas amistosos. Ficha completa

Música: Keiichi Suzuki Género: Animación. Drama. Fantasía Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/05/2019.

Antes de empezar su carrera como cineasta, Kitarô Kôsaka trabajó en el departamento de animación del Studio Ghibli junto al director Hayao Miyazaki en la animación de películas como Castillo en el cielo, Princesa Mononoke, Ponyo en el acantilado o incluso la nominada al Óscar El viento se levanta. Es probable que por todo ello la influencia de Miyazaki, se atisbe ligeramente en Okko, el hostal y sus fantasmas, adaptación cinematográfica de una novela infantil escrita por Hiroko Reijo. En Okko, el hostal y sus fantasmas, Kôsaka narra la historia de una adolescente que debe ir a vivir con su abuela en la posada que esta dirige, allí Okko, empezará a tener experiencias sobrenaturales al poder ver y hablar con varios fantasmas de niños que viven en dicho lugar. Todo esto es el preámbulo para desarrollar una historia sobre la amistad, el dolor de la pérdida, el crecimiento personal y las raíces culturales. No es una obra de gran calado pero tiene un desarrollo entretenido y agradable logrando equilibrar el drama y la comedia, además, cuenta con un diseño de personajes y animación bastante correcto. En definitiva, Okko, el hostal y sus fantasmas es disfrutable y, a pesar de estar dirigida principalmente al público infantil puede gustar también a los adultos.

MODEST HEROES - PONOC SHORT FILMS THEATRE. VOLUME 1

Japón, 2018. Dirección: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita 

Guion: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita

¿De qué va?: Película compuesta por tres cortometrajes dirigidos por antiguos trabajadores del Studio Ghibli, que ahora forman parte del Studio Ponoc. Ficha completa

Música: Yasutaka Nakata, Takatsugu Muramatsu y Masanori Shimada Género: Animación. Drama. Fantasía. Aventura Duración: 45 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/09/2019 (Netflix).

Kanini & Kanino, el primero de los tres cortos que componen este largometraje fue realizado por Hiromasa Yonebayashi, quien en esta ocasión narra la aventura de una especie de familia acuática que deberá sortear ciertos peligros. Kanini & Kanino recuerda un poco a Arrietty y el mundo de los diminutos, guarda similitudes al tener singulares personajes diminutos, aunque en esta ocasión su  hábitat reside bajo el agua, lugar donde se desarrolla  la  acción de esta historia de supervivencia, entretenida y muy vistosa aunque bastante sencilla y carente de toda la emotividad y calado emocional que suele estar presente en el cine de Yonebayashi. El segundo cortometraje es Life Ain't Gonna Lose, la historia de un niño que padece una alergia en particular que le causa muchos problemas y le impide llevar una vida normal.  Yoshiyuki Momose dirige este drama familiar que muestra de manera interesante los avatares de una madre y su pequeño conviviendo con la enfermedad. Los minutos finales de Life Ain't Gonna Lose están muy bien resueltos. El tercer y último corto es Invisible, singular relato que pese a su sencillez logra captar la atención del espectador con ese aire de extrañeza que desprende el metraje y al mismo tiempo haciéndonos participe de una aventura poco usual. Quizás resulte demasiado abstracto, aún así, Akihiko Yamashita logra un trabajo visualmente correcto y muy entretenido. En líneas generales, Modest Heroes es un trabajo interesante, tal vez destaca más en su apartado técnico que en su guion, pero sin duda merece la pena el visionado.

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EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES: CARTELERA 2019

CRÍTICA | UN ASUNTO DE FAMILIA (SHOPLIFTERS, MANBIKI KAZOKU), de Hirokazu Koreeda

Koreeda, de la familia

UN ASUNTO DE FAMILIA (SHOPLIFTERS, MANBIKI KAZOKU)

Festival de Cannes: Palma de oro. Festival de San Sebastián: Premio Donostia

Japón, 2018. Dirección y guión: Hirokazu Koreeda Reparto: Kirin Kiki, Sôsuke Ikematsu, Lily Franky, Moemi Katayama, Sakura Ando, Mayu Matsuoka Género: Drama social Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 21/12/2018
¿De qué va?: Osamu y Shota se encuentran una niña en un balcón. Hace frío y deciden llevarse a la pequeña a su casa. Aunque viven en una vivienda estrecha y en una situación cercana a la pobreza, con el paso de los días pasará a ser una más de la familia. Con una diferencia: ninguno de ellos son familiares directos.

CRÍTICA | MARY Y LA FLOR DE LA BRUJA, de Hiromasa Yonebayashi

MARY Y LA FLOR DE LA BRUJA

Japón, 2017. Dirección: Hiromasa Yonebayashi Guión: Riko Sakaguchi a partir de la historia de Mary Stewart Música: Takatsugu Muramatsu Género: Animación. Fantástico Duración: 103 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 07/09/2018.

¿De qué va?: Mary es una niña que pasa las vacaciones con su tía abuela Charlotte en el campo, donde no pasa casi nada. Un día sigue a un misterioso gato hasta el bosque y descubre un viejo palo de escoba y una extraña flor que sólo florece cada siete años en ese mismo bosque. A partir de entonces Mary vivirá una gran aventura.

CRÍTICA | EL OCASO DEL SAMURÁI, de Yôji Yamada

EL OCASO DEL SAMURÁI (TASOGARE SEIBEI)

Japón, 2002. Dirección: Yôji Yamada Guión: Yôji Yamada y Yoshitaka Asama, a partir de la novela de Shuuhei Fujisawa Música: Isao Tomita Fotografía: Mutsuo Naganuma Reparto: Hiroyuki Sanada,  Rie Miyazawa,  Nenji Kobayashi,  Min Tanaka,  Ren Osugi, Mitsuro Fukikoshi,  Miki Itô, Kii Mizuno, Reiko Kusamura, Erina Hashiguchi, Hiroshi Kanbe Género: Drama. Duración: 129 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 20/05/2005.

¿De qué va?: En el Japón de mediados del S. XIX, bajo los códigos samurais, un guerrero viudo, con una madre senil y dos hijas a su cargo, se reencuentra con su antigua amante, una mujer que en los últimos años vivió bajo la influencia de un marido violento. Decidido a cambiar su vida, el hombre se debatirá entre la tradición y sus sentimientos.

CRÍTICA | THE NIGHT IS SHORT, WALK ON GIRL, de Masaaki Yuasa

THE NIGHT IS SHORT, WALK ON GIRL

Japón, 2017. Dirección: Masaaki Yuasa Guión: Makoto Ueda (Novela: Tomohiko Morimi) Música: Michiru Ôshima Duración: 93 min. Género: Animación. Fantasía. Comedia. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 10/05/2018.

¿De qué va?: La historia de está ambientada en Tokio, donde un joven se enamora de una chica y tratará de conquistarla atrayendo su atención de todas las formas posibles, lo cual dará lugar a disparatadas y cómicas situaciones. 

CRÍTICA | LA ESPADA DEL INMORTAL, de Takashi Miike

LA ESPADA DEL INMORTAL (BLADE OF THE IMMORTAL)

Festival de Cannes: Sección oficial fuera de concurso. Festival de Sitges: Sección oficial a concurso

Japón, 2017. Dirección: Takashi Miike Guión: Tetsuya Oishi, a partir del manga de Hiroaki Samura Reparto: Kimura Takuya, Hana Sugisaki, Sôta Fukushi, Erika Toda, Chiaki Kuriyama, Kazuki Kitamura, Min Tanaka, Tsutomu Yamazaki, Ebizo Ichikawa, Hayato Ichihara, Shinnosuke Mitsushima Género: Acción Duración: 140 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España (Netflix): 29/12/2017

¿De qué va?: Manji ve cómo su hermana pequeña es asesinada frente a él, iniciándo entonces su venganza. Una misteriosa mujer aparecerá ante Manji, otorgándole eterna juventud e inmortalidad.

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 3X10 - ESPECIAL CINE DEL 2002 + STUDIO GHIBLI

Programa nº 77 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 3º audio dedicado al Cine del S. XXI. 1. Hablamos del cine estrenado en España durante el año 2002. 2. Desvelamos las cintas ganadoras de la encuesta Las mejores películas del 2002. 3. Analizamos EL VIAJE DE CHIHIRO y repasamos los mejores títulos del STUDIO GHIBLI. ¡Gracias por darle al play!

Guía del programa: 

1' Presentación - 2' Estrenos 02 - 8' Bandas sonoras 02 - 14' Taquilla 02 - 18' TV y series 02: The Wire (Bajo escucha) - 22' Premios y festivales 02 - 27' Obituario 02 - 31' Cine español 02 - 44' Encuesta: Las mejores películas de 2002 - 53' Especial STUDIO GHIBLI - 58' Curiosidades de EL VIAJE DE CHIHIRO - 65' Las mejores películas del Studio Ghibli - 82' Despedida y canción: If I Didn't Have You, de Randy Newman

CRÍTICA | EL TERCER ASESINATO, de Hirokazu Koreeda

Culpable inocente

EL TERCER ASESINATO

Festival de Venecia: Sección oficial a concurso. Festival de San Sebastián: Perlas

Japón, 2017. Dirección y guión: Hirokazu Koreeda Música: Ludovico Einaudi Fotografía: Mikiya Takimoto Reparto: Masaharu Fukuyama, Koji Yakusho, Suzu Hirose, Yuki Saito, Kotaro Yoshida, Shinnosuke Mitsushima, Izumi Matsuoka, Mikako Ichikawa, Isao Hashizume Género: Thriller, drama Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno: 27/10/2017
¿De qué va?: Un abogado debe defender a un hombre de los cargos de asesinato del que se le acusan. El detenido se declara culpable y ya cumplió condena tres décadas atrás por otro delito. A medida que desentraña el caso e interroga a los distintos testimonios, el abogado empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente.

CRÍTICA | PERFECT BLUE, de Satoshi Kon

PERFECT BLUE

Festival de Sitges: Mejor película de animación

Japón, 1997. Dirección: Satoshi Kon Guión: Sadayuki Murai, a partir de la novela de Yoshikazu Takeuchi Fecha de estreno en España: 30/10/1998 Tráiler: Link

Crítica José: Cinta animada que nos traslada a Japón, en un concierto en donde se presenta un grupo llamado “Cham”, de donde Mimarín ha presentado su último concierto con el grupo. Y ahora ha decidido dejar a un lado la fama, pero al parecer alguien conoce algo sobre ella, al recibir un mensaje por fax donde dice “Traidora”. Ahora que ha dejado a un lado su grupo de música, ella decide emprender en la actuación, pero ahí tampoco marcha también su vida, teniendo detrás de ella alguien que la está atacando con mensajes que puedan afectar su bienestar. El manejo de suspenso que se genera es acertado, creando en el espectador una sensación de intriga. La idea que se plantea de adentrarnos a la vida de Mimarín, es interesante en como el director hace cada detalle, y de llevarlo a animación se llega a acomplejar un poco. Un thriller psicológico animado eficaz, que por momentos juega con la mente del espectador, al crear imágenes tan extrañas e inimaginables. Claro sabemos, que los japoneses tienden a tener ideas locas y en Perfect Blue, vemos una de ellas. Un tema importante que posiblemente no sea muy ideal a trabajar es el “síndrome de personalidad múltiple”, el cual es poseído por Mimarín, al momento no sabes que sucede en realidad en la película, por momentos tu cabeza está tranquila, pero por otros momentos tu cabeza está al borde de explotar de no saber qué ha sucedido durante cierto tiempo de la cinta. Un guión que brota de una genialidad, que por momentos te llegas a sentir cansado de percibirlo, pero vale la pena ver la cinta, si es la intriga lo tuyo. Nota: 8 / 10

Crítica Mayra: Perfect Blue es un film de animación que narra la curiosa historia de una adolescente quien decide abandonar el grupo musical que le ha concedido una moderada fama, para así seguir su propio camino e intentar convertirse en actriz. La cinta es un surrealista y onírico viaje por la vida de esta popular joven que no tendrá fácil alejarse de su imagen de idol. Perfect Blue es un  thriller psicológico muy interesante e intenso el cual nos muestra el lado menos amable de la popularidad y de manera interesante sitúa el internet como un protagonista más de la trama; en una época en la que su auge, importancia y peligros apenas iniciaban. Sin duda estamos ante un guión muy bien entramado que logra captar la atención y sumergir al espectador en la intriga a lo largo de sus ochenta minutos de metraje,  tiempo en el que su oscuro relato de mentes retorcidas no da tregua en ningún momento, consiguiendo plasmar en fotogramas a través de un correcto montaje el terror interno del personaje protagonista. Perfect Blue es una obra que incluso ahora, dos décadas después, resulta curiosa, compleja y muy entretenida. Destacable y recomendable. Nota: 7 / 10

Crítica Ronnie: Perfect Blue es una de las cintas de animación más fascinantes de la década de los noventa. Un juego de realidades que nos sumerge en la mente de Mima Kirigoe, una cantante de j-pop con moderado éxito que, junto a otras dos chicas, forma el grupo vocal Cham. Mima, con expectativas de nuevas experiencias, deja la música para desarrollar su carrera como actriz de televisión, ante el asombro de sus fans. Poco a poco ella se va desprendiendo de esa imagen de estrella pop generada por sus intervenciones musicales y comienza a ser acosada y amenazada por un antiguo fan que no le perdona la “traición”. Debido a esto, Mima desarrolla un profundo sentimiento de culpa y, cuando empieza a confundir la realidad con sus recuerdos, sufre lapsos temporales que la llevan a cuestionarse su propia identidad. Lo fascinante de esta cinta es la forma en la que está contada al detalle, cómo Satoshi Kon logra que, junto a su personaje principal, los espectadores nos perdamos en esos lapsos que tiene Mina, conozcamos los cabos que quedan sueltos y los juntemos para entender lo que ella entiende. Una guión agobiante que te atrapa en su inmensidad y hace que hagas propios los miedos y obsesiones de Mina, con intensidad y crudeza. Perfect Blue es un viaje intimista, una figura con la que se crea un vínculo emocional propio. Nota: 10 / 10

Crítica Xavier: La trayectoria de Satoshi Kon dista de ser habitual. Quien escribe cree que los largometrajes de Kon fueron únicamente un preludio de su obra maestra: la serie Paranoia Agent. Perfect Blue, el título que puso al japonés en el mapa internacional, concentra todos los temas capitales de su artífice. Listamos algunos: la incapacidad por discernir la realidad de la ficción, las consecuencias de la popularidad, la influencia del audiovisual entre los adolescentes y los peligros de las nuevas tecnologías. Y de todo ese acervo, destaca la habilidad narrativa de Kon a la hora de desplegar una trama que, intuyéndose ordenada, va sumiendo al espectador en un lento y eficaz estado de confusión. Perfect Blue, como resultado, es un portentoso ejercicio noir, avanzado a su tiempo, adulto a pesar de sus formas, desafiante incluso cuando se comporta como un capricho aniñado. Retorcido, como cualquier anime que se precie. Lúcido y tarado, en consonancia con la personalidad de Kon. Un ejercicio cinematográfico que vio la luz en los 90, pero que se entiende y se disfruta en mayor medida con ojos de 2017. Lástima que Kon, fallecido de forma prematura, no esté presente para ver el éxito de sus criaturas y, sobre todo, para parir obras tan imponentes como esta Perfect Blue. Nota: 7 / 10

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CRÍTICA | NAGASAKI: RECUERDOS DE MI HIJO, de Yôji Yamada

Fantasmas familiares
NAGASAKI: RECUERDOS DE MI HIJO

11 nominaciones a los premios de la Academia de cine japonés. Representante japonesa a los Óscar 2016

Japón, 2015. Dirección: Yôji Yamada Guión: Yôji Yamada y Emiko Hiramatsu Fotografía: Masashi Chikamori Música: Ryuichi Sakamoto Reparto: Sayuri Yoshinaga, Kazunari Ninomiya, Haru Kuroki, Tadanobu Asano, Isao Hashizume, Yuriko Hiro'oka, Miyu Honda, Ken'ichi Katô, Nenji Kobayashi, Christopher McCombs, Wade Reed, Kazunaga Tsuji Género: Drama familiar Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 26/05/2017

¿De qué va?: Nagasaki, 1945. Tres años después de la bomba atómica que asoló a la población, el fantasma de Koji, muerto en la masacre, visita a su madre Nobuko, que vive sola en la casa familiar.

CRÍTICA | DESPUÉS DE LA TORMENTA, de Hirokazu Kore-eda

 

Radiografía familiar

DESPUÉS DE LA TORMENTA, de Hirokazu Kore-eda

Festival de Cannes: Un Certain Regard. Festival de San Sebastián: Perlas de otros festivales

Japón, 2016. Dirección y guión: Hirokazu Kore-eda Música: Hanaregumi Fotografía: Yutaka Yamazaki Reparto: Hiroshi Abe, Lily Franky, Isao Hashizume, Sôsuke Ikematsu, Kirin Kiki, Satomi Kobayashi, Yôko Maki, Taiyô Yoshizawa Género: Drama Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 11/11/2016
¿De qué va?: Ryota acaba de divorciarse de Kyoko y debe pagar la pensión alimentaria de su hijo Shingo. Aunque su sueño es escribir, trabaja como detective privado. Las desilusiones cesarán cuando, durante una reunión familiar, una tormenta reúna a Ryota, su ex esposa y su hijo en el piso de la abuela.

CRÍTICA | ONE PIECE GOLD, de Hiroaki Miyamoto

Piratas manga

ONE PIECE GOLD, de Hiroaki Miyamoto

Festival de Sitges: Sesión especial

Japón, 2016. Dirección: Hiroaki Miyamoto Guión: Tsutomu Kuroiwa, a partir del manga de Eiichiro Oda Música: Yuuki Hayashi Género: Comedia de acción. Animación Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/11/2016

¿De qué va?: Luffy y los tripulantes de su nave atisban en el horizonte un navío de grandes dimensiones bañado en oro. El barco, comandado por el despótico Gildo Tesoro, es un gran resort con casinos, campos de golf, salas lujosas, luces de neón, centros recreativos y una gran ciudad en sus distintas plantas. Cuando la banda descubre los secretos de Gildo Tesoro y de su particular país flotante, Luffy y los suyos planearán una huida desesperada.

Cuando uno va al Festival de Sitges hace muchas locuras. Una de ellas, ver una película de una serie de animación de la que no se tiene ni la más mínima idea. Ese es lo que me sucedió con One Piece Gold, cinta que recupera los personajes del manga de Eiichiro Oda en una historia de grande formato para devoción de sus fieles. Ni qué decir que la banda de piratas, todos a su manera dotados de superpoderes, me resultaban absolutamente desconocidos, por lo que visioné el film desde la precaución, con la inocencia que da saberse desconocedor-descubridor de todo. No sé si desde esa perspectiva puedo trazar una opinión más o menos sólida de los méritos de One Piece Gold, pero a lo mejor puede ser interesante, más si cabe en una blogosfera tan dada al fanatismo de carpeta, ofrecer una visión "externa" del largometraje de Hiroaki Miyamoto. Desde, insisto, esta visión particular, One Piece Gold me resultó una película rítmica, de una riqueza visual y una comicidad bastante acertada. La historia reúne a los personajes televisivos en un buque dorado presidido por un villano de tomo y lomo, una caricatura del empresario capitalista que ha diseñado su particular burbuja para vivir a cuerpo de rey y a costa del sufrimiento de sus asalariados. La premisa recuerda ligeramente a la Metrópolis de Rintaro, hito de la animación nipona gracias a su estética cyberpunk y a su crítica social apesadumbrada, casi apocalíptica. One Piece Gold no llega a esos niveles de oscuridad, pero sabe ser intrascendente a la par que interesante. La trama, a la postre, cuenta cómo esos piratas se dejan obnubilar por tanta riqueza para después resultar víctimas del "malo malísimo", hasta el punto de protagonizar una huida desesperada según las fórmulas visuales y narrativas del manga (digresiones mil, expresiones exageradas de sus cartoons, giros de trama a tutiplén, etc.). En resumen, un festín para habituales de la animación japonesa y una curiosidad nada desdeñable para los que quieran ver propuestas alejadas de lo convencional. Probablemente esta One Piece Gold pasará de puntillas por las salas y terminará su recorrido comercial en la parrilla de algún canal temático, pero quien escribe se lo pasó en grande. Al final mi apuesta festivalera no fue tan loca. Gracias, Sitges. 

Para "cosplayers", "mangafílicos" y cinéfilos sin prejuicios.

Lo mejor: Desde su presentación musical, la película tienen un empaque visual que no necesita de tridimensionalidades extra.

Lo peor: Gran parte del público y de la crítica lo tratarán como un producto de minorías, muy excéntrico.

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EL PODCAST DE C&R - FESTIVAL DE SITGES 2016

CRÍTICA | YOUR NAME (TU NOMBRE, KIMI NO NA WA), de Makoto Shinkai

Tan lejos, tan cerca

YOUR NAME (TU NOMBRE, KIMI NO NA WA), de Makoto Shinkai

Festival de San Sebastián: Sección oficial fuera de concurso. Festival de Sitges: Sección Anima't

Japón, 2016. Dirección y guión: Makoto Shinkai Música: Radwimps Género: Drama romántico. Ciencia ficción Duración: 105 min. Tráiler: Link

¿De qué va?: Taki y Mitsuha, dos adolescentes de vidas muy diferentes, descubren que tienen la capacidad de intercambiarse los cuerpos. Esa situación hará que entre ambos surja una relación de amistad muy especial. Cuando el pueblo de Taki está a punto de ser destruido por un terremoto, la pareja recurre a sus poderes para revertir la catástrofe.

Una de dos. O quien escribe esto es de un simpleza preocupante o la animación de ojos rasgados tiende a complicar todas sus tramas hasta límites exasperantes. Reproduzco este problema en Your Name (Kimi no na wa), un cuento adolescente que cuenta la relación de dos estudiantes que viven en lugares y tiempos distintos... hasta que el guión quiere unirlos por la vía del fantástico... y termina por implicarlos en una sucesión de tonterías y canciones sólo aptas para adictos al cosplay. Será que nos separan muchos kilómetros, que nuestra cultura es diferente, que los mecanismos expresivos del manga nos son ajenos o "vaya usted a saber el qué", pero Your Name encandila para acto seguido desperdiciar todo su potencial en "psedoromanticismos" de postal. Una lástima, porque Makoto Shinkai tenía aquí una oportunidad de oro para sumar su nombre a la lista de maestros del género. El resultado discurre por debajo de las últimas animaciones niponas, algunas de estreno reciente como El cuento de la princesa Kaguya, El recuerdo de Marnie y El niño y la bestia. Eso sí: el público de San Sebastián y de Sitges ha cerrado las proyecciones de Your Name con sonoros aplausos. Y aquí se amplía mi duda: ¿los vítores son una expresión de los fans de turno o una muestra de cachondeo festivalero? La cinta, para más inri, lleva cinco semanas consecutivas en el número uno de taquilla de su país. A estos japoneses no hay quien los entienda (con cariño, eso sí).

Para forofos del manga.

Lo mejor: Su desbordante imaginación.

Lo peor: Que termine reducido a romance para colegialas.