PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | ¡QUIERO SER FAMOSA! (IEDEREEN BEROEMD!), de Dominique Deruddere (Bélgica)

¡QUIERO SER FAMOSA! (IEDEREEN BEROEMD!)

Bélgica, 2000. Dirección: Dominique Deruddere Guion: Dominique Deruddere Música: Raymond van het Groenewoud Fotografía: Willy Stasen Reparto: Josse De Pauw, Eva van der Gucht, Werner De Smedt, Thekla Reuten, Gert Portael Género: Comedia. Parodia Duración: 95 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: La mayor pasión de Marva, de 17 años, es imitar a cantantes famosos. Casi todos los fines de semana participa en concursos de salto a la fama, con el apoyo de sus padres, pero sin el más mínimo éxito. Su padre, Jean, quiere ayudarla componiéndole incluso el repertorio, aunque, como no tiene ni idea de música, se queda en melodías chirriantes. Un día despiden a Jean de su fábrica, y este, como venganza desesperada, decide secuestrar a la cantante más famosa y sexy del país, lo cual puede ayudar a que Marva salte a la fama. (FILMAFFINITY)

Los caminos del Óscar son inescrutables. Bélgica nunca ha conseguido la nominación con los filmes de los hermanos Dardenne, todos ellos premiados en Cannes y reconocidos por la crítica internacional. En cambio, en el seno de la Academia gustó, por razones difíciles de adivinar, la leve crítica social, con admiración y parodia incluida al mundo de la fama y del show business, de Quiero ser famosa. En pantalla, un padre que acaba de perder su trabajo, con la bondad y la moral propia de los (anti)héroes de Full Monty, rapta a la ídolo de masas joven del pop flamenco (nos referimos a la lengua, no al género cañí) para que su hija, una adolescente regordeta, allane su vía hacia el éxito. La película no termina de llevar el disparate a sus últimas consecuencias, le falta socarronería, carece de mordiente... y aún así su visionado es una experiencia agradable. La clase pobre, con triquiñuelas que el guion elude o justifica pertinentemente, consigue hacerse un hueco en los corazones de la audiencia. Todos los personajes, tallados de un costumbrismo casi patético, merecen el aprecio del respetable. Y con estas señas, lo que queda es una película susceptible de nuevas versiones o remakes, una demostración de la fascinación que despiertan las estrellas, no siempre tan inalcanzables, del mundo del cine y de la canción (de eso Hollywood, la eterna fábrica de sueños, sabe mucho). Para los millenials, una rareza arqueológica de cómo era ser fan en tiempos de Superpops, karaokes y radiocasetes, sin redes sociales ni talent shows a gogó.

ÓSCAR 2021 | CANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2021 (I): EUROPA

HOPE - Noruega

La representante Noruega a los Óscar 2021 es Hope, un drama basado en la experiencia vital de la directora María Sødahl, quien dirige este drama sobre una mujer de casi mediana edad que recibe el diagnóstico de cáncer cerebral terminal justo el día antes de Navidad. La película retrata ese periplo de la protagonista en busca de opciones médicas y una oportunidad de ganar la batalla a la enfermedad. Al mismo tiempo, ella mira en retrospectiva la singular relación que ha mantenido durante años con su pareja e intentan dejar atrás el pasado y aprovechar el tiempo que puedan tener. Andrea Bræin Hovig es la gran protagonista de este intenso drama y su interpretación es posiblemente lo mejor de esta película. Interesante crónica vital que sabe plasmar en fotogramas la incertidumbre y desasosiego de su protagonista de una manera muy ágil y entretenida.

COLLECTIVE - Rumanía

Pasamos ahora a Rumanía, un país que, injustamente, no ha conseguido nunca la nominación al Óscar. Este año concurre con Collective de Alexander Nanau, premio EFA al mejor documental. Cuenta como, tras el incendio de una sala de fiestas de Bucarest, se destapó una polémica nacional en torno a los desinfectantes hospitalarios y a la corrupción política. Película sobre la militancia periodística y las cloacas del sistema. Se ve desde el asombro y se recuerda con terror días después de su visionado. Esperemos que la Academia no ignore esta Collective, tal y como hizo injustamente con filmes rumanos como 4 meses, 3 semanas, 2 días, Más allá de las colinas u otra crónica de la inoperancia sanitaria: La muerte del señor Lazarescu. La película está disponible en HBO. 

BLIZZARD OF SOULS - Letonia

Este 2021, Letonia puede aspirar por primera vez en su historia al Óscar con la bélica Blizzard of Souls. A partir del periplo de un joven soldado de 17 años, la película cuenta cómo fueron llamados a filas miles de chicos letones sin ningún tipo de experiencia. Fueron al frente a morir, dicho claro y rápido. La historia nos la sabemos, así que la novedad es la gran factura técnica de la película. En este aspecto, Blizzard of Souls puede considerarse una de las producciones europeas más vistosas de los últimos años, algo que sin duda gustará en el sector conservador de la Academia. Lástima que la cinta no tenga ningún calado emocional y dure media hora más de lo que debería. En otros tiempos, sería una nominada segura. Ahora… las cosas no están tan claras.

MUJERES DE LA VIDA - Bélgica

Mujeres de la vida (en francés, Filles de joie) es la extraña elección de Bélgica en estos Óscar 2021. Atípica o, mejor dicho, poco interesante. Según el esquema de filme social, con personajes superados por las circunstancias y escenas extremas, el largo nos cuenta el devenir de unas jóvenes francesas de Roubaix que, para ganarse la vida, cruzan la frontera y se prostituyen en un antro belga. Recuerda, por tono, a Divines, Papicha o Los miserables y etcétera, pero para mal. La actriz debutante Noémie Lvovsky hace un empeño notable. Y siempre apetece ver en pantalla a la todoterreno Sara Forestier. Eso sí: ni la una ni la otra consiguen que esta historia de prostitución, posesión y supervivencia vaya más allá de la mera anécdota. Una cinta sin una idea clara detrás de su trastienda. Carece de ideología, pero también de argumento.

THE FATHER - Bulgaria

Este año, Bulgaria mandará su trigésimo primera película al Óscar al mejor filme internacional. País centroeuropeo que, por cierto, nunca, jamás ha alcanzado la nominación. Las perspectivas de 2021, lamentándolo mucho, no son muy halagüeñas. La apuesta búlgara se llama The Father, pero no tiene nada que ver con la cinta que protagoniza Anthony Hopkins y Olivia Colman. Este padre búlgaro quiere contactar con su esposa muerta mientras su hijo intenta hacerle entrar en razón. Una tragicomedia rural demasiado surrealista, con unas aristas culturales muy locales, para nosotros difíciles de descifrar, que, eso sí, convence gracias a su escena final, un momento precioso de confesión, reconciliación y humanidad. Curiosa y bizarra. Premio a la mejor película del Festival de Karlovy Vary.

 

BEGINNING - Georgia

Georgia consiguió la candidatura en su primera participación, allá por el año 1996 con la comedia A Chef in Love. Ahora, con Beginning (Dasatsquisi), podría volver al quinteto. La película arrasó en San Sebastián y causó una enorme polémica. La debutante Dea Kulumbegashvili cuenta la extraña emancipación de una mujer Testiga de Jehová que quiere cambiar de vida. Fondo y forma se alían para que podamos sentir la opresión, la cerrazón social y personal, la tensión, los yugos familiares, la amenaza y la escandalosa falta de respeto de policías y dirigentes hacia los más desfavorecidos. Una película que se ve, se sufre y no se olvida, para bien o para mal. Una ópera prima impecable, densa, compleja, con ecos del cine de Carlos Reygadas y con un plano final abierto al debate. Obra maestra, o casi. Diga lo que diga Hollywood, es una de las joyas del año.

OTRA RONDA - Dinamarca

Dinamarca juega con un caballo ganador: Otra ronda, lo nuevo de Thomas Vinterberg. De momento ya presume de 4 premios EFA, 2 reconocimiento en San Sebastián, sello Cannes y primer galardón del London Film Festival. En la ficción, Mad Mikkelsen encabeza una cuadrilla de profesores que quieren demostrar los beneficios de mantener unos índices estables de alcohol en sangre. Obviamente, el experimento saldrá mal y el espectador será testigo de esas peripatéticas y tragicómicas consecuencias. Un retrato, otro más por parte del audiovisual escandinavo, del aburrimiento vital, la depresión, las adicciones y la insatisfacción de la clase media. Filme de tesis, eficaz y eficiente, con un desarrollo un poco evidente y una escena final pletórica. Una buena película, sin superlativos.

APPLES - Grecia

De Grecia siempre nos llegan apuestas incómodas, muy difíciles de catalogar. Ya sabéis: la sombra de Canino es muy alargada. Pero, por suerte, Apples (Mila), la baza helena de este 2021, es un drama de ciencia ficción muy estimulante. En el filme, una pandemia afecta al mundo. Algunas personas pierden la memoria y tienen que reinsertarse socialmente con la ayuda de un equipo médico bastante inquietante. Apples fue una de las sensaciones de Venecia, Toronto y Tribeca. Es difícil de explicar, pero entretiene, divierte, intriga y no pasa desapercibida. Una de esas películas que motivan interesantes debates después de su visionado. Un fresco a lo Lanthimos sobre la manipulación, la fragilidad de los humanos, el amor y la identidad. Apples merece la nominación… pero no lo tendrá fácil.

ENTRE NOSOTRAS (DEUX) - Francia

Finalmente Francia no ha elegido Verano del 85 de François Ozon, sino otra película LGTB: Entre nosotras (Deux), dirigida por el francoitaliano Filippo Meneghetti. Deux es un acercamiento singular a todos esos ancianos que no han podido vivir y amar libremente por imperativos familiares y sociales. Eso es precisamente lo que les sucede a las dos protagonistas, vecinas, mujeres mayores, amantes, pero cuya relación es clandestina. Es secreta… hasta que un suceso inesperado pone contra las cuerdas a todos. Deux podría definirse como un Amour gay con toques de thriller, sustentado en el trabajo de sus actrices: Barbara Sukowa, Martine Chevalier y Lea Drucker. Es la favorita a los próximos César, pero tendrá francamente difícil superar el corte del Óscar. 

CHARTER - Suecia

Charter está escrita y dirigida por Amanda Kernell y es la representante de Suecia en los Óscar 2021 a mejor película internacional. Estamos ante la odisea de una madre que no tiene la custodia de sus hijos que y hará hasta lo imposible por tenerlos de regreso con ella. Un drama familiar que nos hace partícipe de la huida de una madre y sus 2 hijos. Por el camino se van evidenciando  los errores que la han llevado a su situación, y también podemos intuir la relación un tanto tóxica que mantenía con su pareja. Charter aborda temas interesantes, de actualidad y de una manera ágil y entretenida con una destacable interpretación de la actriz principal, pero tal vez le falta contextualizar un poco la trama y  profundizar un poco más en la vida y decisiones de la protagonista. Pese a lo dicho, la película permite reflexiones interesantes aunque no profundice demasiado en ninguna de las cuestiones que plantea.

EL PROFESOR DE PERSA - Bielorusia

La película que ya sabemos que no estará nominada es la bielorusa El profesor de persa. Además, uno de los pocos estrenos que ha llegado a los cines en España este 2021. La cinta debía competir por ese país, Bielorusia, pero la Academia la ha descalificado porque gran parte del capital y de los profesiones implicados en la película son rusos y alemanes. Pese a esto, aconsejamos no dejar pasar El profesor de persa. Es una bonita historia sobre un judío que sobrevive en un campo de concentración haciéndose pasar por profesor de persa, una lengua que no conoce y que va improvisando día a día para ganarse la confianza de un oficial nazi. Un drama del holocausto, uno más, con música notable, buena fotografía, técnica convincente y buen trabajo del actor Nahuel Pérez Biscayart. En otro contexto habría sido una nominada casi segura.

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EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES

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CRÍTICA | EL HIJO, de Jean-Pierre y Luc Dardenne

EL HIJO (LE FILS)

Bélgica, 2002. Dirección y guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne Fotografía: Alain Marcoen Reparto: Olivier Gourmet,  Morgan Marinne,  Isabella Soupart,  Rémy Renaud, Nassim Hassaïni,  Kevin Leroy,  Félicien Pitsaer,  Annette Closset,  Fabian Marnette Género: Drama Duración: 103 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/12/2002. 

¿De qué va?: Olivier enseña técnicas de carpintería a adolescentes conflictivos y con riesgo de exclusión social. La llegada a sus clases de Francis, un chico recién salido de un reformatorio, cambiará la vida del profesor: ambos, al principio sin saberlo, comparten un terrible secreto.

CRÍTICA | EL HIJO DE BIGFOOT, de Ben Stassen y Jeremy Degruson

EL HIJO DE BIGFOOT

Bélgica, 2017. Dirección: Ben Stassen y Jeremy Degruson Guión: Bob Barlen y Cal Brunker Música: Puggy Duración: 92 min. Género: Animación. Fantasía. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 02/03/2018

¿De qué va?: Adam es un niño de 13 años que intentará por todos los medios descubrir el misterio que esconde la desaparición de su padre, dicha búsqueda lo llevará a enfrentar una realidad inesperada.

CRÍTICA | ALMA MATER (INSYRIATED), de Philippe Van Leeuw

ALMA MATER

Bélgica, 2017. Dirección y guión: Philippe Van Leeuw  Música: Jean-Luc Fafchamps Reparto: Hiam Abbass,  Diamand Bou Abboud,  Juliette Navis,  Mohsen Abbas, Moustapha Al Kar,  Alissar Kaghadou, Ninar Halabi Jihad Sleik Género: Drama Duración: 87 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 13/04/2018

¿De qué va?: Oum Yazan, es una madre de tres hijos atrapada dentro de su casa en una ciudad sitiada, decide convertir su apartamento en un lugar seguro para su familia y vecinos, tratando así de protegerse de la guerra.

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL S. XXI (V) | BÉLGICA

Como parte de los podcasts especiales de Cine del S. XXI, En Cinoscar & Rarities estamos realizando una lista con 150 películas poco conocidas del siglo, todas ellas de visionado obligado, de temáticas y autores muy diferentes. Agrupamos los films en 30 listas de 5 nombres según su nacionalidad. Las 30 películas más votadas en el grupo de facebook Cine del S. XXI competirán en la 6ª edición del Cinoscar Summer Festival 2018.

Nº 21 EL HIJO (LE FILS) (Bélgica, 2002)

¿De qué va?: Olivier enseña técnicas de carpintería a adolescentes conflictivos y con riesgo de exclusión social. La llegada a sus clases de Francis, un chico recién salido de un reformatorio, cambiará la vida del profesor: ambos, al principio sin saberlo, comparten un terrible secreto.

¿Quién la dirige?: Los Hermanos Dardenne, maestros del cine social, la cámara en mano y un estilo propio que les ha valido dos Palmas de oro en Cannes con Rosetta y El niño. El hijo, curiosamente, fue rodada entre las dos citadas y es una de las piezas menos reivindicadas pero igualmente brillante de toda la filmografía dardenniana.

¿Cuál es su palmarés?: Palma al mejor actor. Nominación al César a la mejor interpretación masculina novel. 3 candidaturas a los premios EFA.

¿Por qué hay que verla?: Ostenta el mejor trabajo de Olivier Gourmet, actor clave de toda la carrera de los directores belgas. Es una película seca y emocionante, sin concesiones, directa al corazón y a la boca del estómago: una bomba de relojería cinematográfica.

CRÍTICA | ROSETTA, de Jean-Pierre y Luc Dardenne

ROSETTA

Cannes: Palma de oro y mejor actriz. 2 nominaciones a los EFA y 1 al César

Bélgica, 1999. Dirección y guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne Reparto: Émilie Dequenne, Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet, Anne Yernaux, Bernard Marbaix, Frédéric Bodson Fecha de estreno en España: 03/12/1999 Tráiler: Link

Crítica José:  Los hermanos Dardenne escriben y dirigen esta cinta que ganó la Palma de Oro y el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes. Película de denuncia social, de narración documentalista, de desesperanza, de tozuda búsqueda de la salvación y de ayudas públicas no visibles a los ojos de las personas en situación de exclusión social. Narra la historia de Rosetta, una chica de 17-18 años que vive en una caravana alquilada en compañía de su madre alcohólica. Con la obsesión de evitar caer en el mismo hoyo que la madre, hecho de alcohol y abusos, la joven busca un trabajo remunerado que le permita vivir dignamente y evitar la marginación. La película sigue el devenir de la chica con el propósito de ofrecer una descripción realista, directa y descarnada de la marginación, la destrucción familiar y la exclusión social. Expone una realidad sangrante, que no queda atendida por las políticas sociales de las instituciones públicas. El guion es sencillo y breve, y la narración visual predomina ampliamente sobre la verbal. Nota: 6 / 10

Crítica Mayra: Rosetta es el título de esta película y también es el nombre de la joven protagonista de esta historia, cuyo único apoyo familiar es su madre, una mujer de vida algo disoluta. Cámara al hombro, los hermanos Dardenne nos llevan a conocer la desdichada vida de Rosetta. Todo inicia con el despido laboral de la joven, donde surgen instantes de mucha tensión. Desde ese momento en adelante, el espectador acompaña a Rosetta en su desesperada búsqueda de empleo, no sólo como un sustento económico, sino también como un símbolo de algo a que aferrarse para sentir que tiene una vida normal, y hallar así cierto alivio de la agobiante realidad que la asfixia. En Rosetta los directores belgas nos ofrecen, como de costumbre, una historia donde su personaje protagonista pasará situaciones muy adversas que se verán retratadas en complejas y agobiantes escenas, todas ellas interpretadas con mucho atino, de tal modo que el espectador se ve invadido por la tensión y el dolor que se plasma en cada fotograma. La cinta es un retrato punzante de una época que, a pesar de tener más de 15 años, no ha perdido vigencia. Crítica social interesante desarrollada de manera precisa y con una Émilie Dequenne brillante en su interpretación. Nota: 8 / 10

Crítica Ronnie: Rosetta es la primera de las dos Palmas de Oro que tienen en su haber los hermanos Dardenne, pero la película va más allá del citado triunfo en la riviera francesa. Empezamos con la bien lograda dirección, filmada con una cámara al hombro que invade la privacidad de Rosetta y, por consiguiente, el sentimiento de culpabilidad y malestar que nos provoca como espectadores, único y visceral. Mención honorífica para Émilie Dequenne (a quien probablemente nombraría la mejor interpretación femenina de este Festival), ganadora del premio a la mejor actriz también en Cannes: es una rotunda maravilla su trabajo tan real y descarnado, una joya (lo que pueda decir de ella simplemente se queda corto: es extraordinaria). Una cinta áspera que podría resultar incómoda a algunos, pero sin duda es un cine asfixiante que mantiene un ritmo frenético para terminar justo sin el final feliz que esperarías en cualquier cinta. Rosetta mira de frente y sin tapujos la realidad de su actualidad, no esconde nada, no pretende ser lo que no es, es un relato brutal y sincero que sacude las entrañas. Me llamo Rosetta. No me caeré al hoyo. He encontrado un trabajo. He encontrado un amigo. Buenas noches. Nota: 9 / 10

Crítica Xavier: Entre el Neorrealismo y el movimiento Dogma, los hermanos belgas más importantes del panorama cinematográfico sorprendieron a todos con Rosetta, la lucha sin descanso, finalmente también sin éxito, de una joven que ansía tener un trabajo normal para, a la postre, tener una vida normal. La heroína más tenaz de finales de los 90 apenas habla y se mueve a la velocidad del viento. La película es ella. Y ella es lo que hace, cómo lo hace y por qué lo hace. Nada más... y nada menos. Un ejercicio de cine mayúsculo, pura energía que todavía hoy se antoja una radiografía precisa (y por certera, triste) de nuestra maltrecha Europa. Rosetta empieza su periplo dando portazos, incapaz de aceptar que sus superiores no han renovado su contrato laboral; y termina absolutamente hastiada, dando su brazo y todo su cuerpo a torcer. Pero cuando uno está tan marcado por los condicionantes sociales, familiares y económicos que le circundan, es el propio mundo el que te impide poner fin a tanto calvario. Es entonces cuando la vida se convierte en purgatorio; y éste, en infierno. No podía existir una mejor descripción fílmica del círculo vicioso que encierra la miseria. La gran interpretación de Émilie Dequenne y la cinta más lograda de sus firmantes. Una obra maestra nerviosa y fúnebre. Nota: 9 / 10

Encuentra todo el CINE DE 1999 en nuestro PODCAST:

CRÍTICA | LA CHICA DESCONOCIDA, de Jean-Pierre y Luc Dardenne

De culpas y compromisos

LA CHICA DESCONOCIDA (LA FILLE INCONNUE), de J.P. y L. Dardenne

Festival de Cannes 2016: Sección oficial. Premios César: nominación a mejor film extranjero

Bélgica, 2016. Dirección y guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne Fotografía: Alain Marcoen Reparto: Adèle Haenel, Jérémie Renier, Olivier Gourmet, Thomas Doret, Fabrizio Rongione, Christelle Cornil Género: Drama social. Thriller Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 03/03/2017
¿De qué va?: Jenny trabaja en una pequeña consulta de medicina general. Una tarde escucha el timbre, pero decide no abrir la puerta. Al día siguiente se entera que ha aparecido una joven muerta cerca de su clínica.

Comprometerse. Eso es lo que llevan haciendo los hermanos Dardenne desde principios de los 90. Ese es el dilema al que se enfrentan sus personajes, víctimas o verdugos, o ambas cosas a la vez, ante un orden social plagado de injusticias. Y ello es precisamente lo que mueve a Jenny, la doctora de La chica desconocida, a investigar la muerte de una joven que se negó a atender en su consulta. Su periplo sabe a ajuste de cuentas con los más desfavorecidos, pero también a lavado de conciencia egoista. ¿Hasta qué punto Jenny cometió un error? ¿En qué medida puede o debe enmendarlo? El nuevo estreno de los realizadores belgas habla sobre el compromiso, sus límites y sus matices, y lo hace con una tragedia que a medida que avanza el metraje muta en un thriller de pacientes que, por avatares del destino, se convierten en portadores de un misterio insondable. La chica desconocida, en esencia, es eso: la crónica de cómo una joven doctora se da de bruces con el compromiso social inherente a su profesión, y cómo ese hallazgo, cual viaje a la boca del lobo, le llevará a tomar unas decisiones que la marcarán en el ámbito profesional y personal. Lástima que por el camino los Dardenne abran demasiadas subtramas que, por su austeridad formal, no saben culminar en un final verdaderamente revelador. Como si los ganadores de dos Palmas de oro olvidaran que, entre tantas pesquisas detectivescas, La chica desconocida no deja de ser un drama social. Por suerte, lo que no dejan de lado es su vocación de retratistas del "aquí" y del "ahora": de ahí que este nuevo estreno, estando un peldaño por debajo de los grandes títulos de su filmografía, siga mereciendo los adjetivos de "necesario" y "cine de calidad". Película comprometida, en definitiva. Y el compromiso, desde el próximo viernes, se traslada a las salas españolas dispuesto a levantar conciencias. Cine que, a pesar de sus imperfecciones, trasciende y transforma.

Para dardennianos militantes.

Lo mejor: Pone en tensión y hace reflexionar.

Lo peor: El thriller se alambica innecesariamente en su segundo tramo.

CRÍTICA | DESPUÉS DE NOSOTROS, de Joachim Lafosse

Lo que fuimos y lo que somos

DESPUÉS DE NOSOTROS (L'ÉCONOMIE DU COUPLE, AFTER LOVE),
de Joachim Lafosse

Festival de Cannes: Quincena de Realizadores. Festival de San Sebastián: Sección Perlas

Bélgica, 2016. Dirección: Joachim Lafosse Guión: Fanny Burdino, Joachim Lafosse, Mazarine Pingeot y Thomas van Zuylen Fotografía: Jean-François Hensgens Reparto: Bérénice Bejo, Marthe Keller, Catherine Salée, Cédric Kahn, Tibo Vandenborre, Philippe Jeusette, Annick Johnson, Jade Soentjens, Pascal Rogard, Margaux Soentjens, Ariane Rousseau, Francesco Italiano Género: Drama Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 14/10/2016

¿De qué va?: María y Boris deciden separarse tras 15 años de matrimonio. Ella compró la casa de la pareja, pero él la reformó durante años. La discusión por decidir quién debe quedarse con el domicilio les destruirá por completo.

El director belga Joachim Lafosse sofistica su discurso crítico en Después de nosotros, la crónica de un matrimonio ya roto obligado a vivir bajo el mismo techo. La pareja inicia una sucesión de reproches que termina por erosionar a todos los implicados. Mientras, las hijas pequeñas y los amigos de ambos asisten con intranquilidad a la guerra que se está librando, a sabiendas que cualquier cosa que hagan o digan supondrá posicionarse a favor de un miembro, y por lo tanto perjudicar a un ser que hasta hace nada se consideraba querido. Lafosse captura ese doloroso dilema situando la cámara a pocos centímetros de los rostros de sus actores, encerrándolos entre cuatro paredes que echan chispas. Con intensidad pero sin tremendismos. Sin buenos ni malos.

Lafosse nos obliga a ser testigos de cada disputa cotidiana, hasta el punto de violentar a la platea y hacerle sentir en sus carnes los sentimientos encontrados de sus protagonistas. Y aunque la atmósfera es por momentos irrespirable, Lafosse nunca abandona su vertiente humanista y nos permite ser testigos de los vestigios de lo que un día fue una relación entre iguales. El resultado es una cinta claustrofóbica e impúdica. De esas películas que te destrozan por dentro, en el mejor sentido de la palabra. 

María y Boris, excelentemente interpretados por Bérénice Bejo y Cédric Kahn, llegan a un acuerdo al final del metraje. Por el camino todos han tenido que dar su brazo a torcer en muchos aspectos. Se abren a un futuro incierto, porque sus vidas están condenadas a confluir para siempre. Y nosotros tenemos que desasirnos de todo lo visto, o bien llevarlo a cuestas para, con suerte, entender que el confrontamiento, aunque inevitable, no nos lleva a ninguna parte. El cine convertido en reflejo incómodo de lo que somos, de lo que fuimos y de lo pudimos ser. Un bofetón en toda regla que ya es una de las experiencias cinematográficas más extremas del año.

Para espectador valientes.

Lo mejor: Bejo y Khan parecen una pareja real.

Lo peor: La vehemencia de los personajes puede crispar a más de un uno.

CRÍTICA | CORAZONES ENFRENTADOS (LEFT LUGGAGE), de Jeroen Krabbé

Equipajes

CORAZONES ENFRENTADOS (LEFT LUGGAGE), de Jeroen Krabbé

4 premios en el Festival de Berlín 1998

Bélgica, 1998. Dirección: Jeroen Krabbé Guión: Edwin de Vries, a partir de la novela de Carl Friedman Fotografía: Walter Vanden Ende Música: Hennie Vrienten Reparto: Isabella Rossellini, Maximilian Schell, Jeroen Krabbé, Laura Fraser, Marianne Sägebrecht, Topol Duración: 95 min. Género: Drama. Histórico Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 11/06/1999

¿De qué va?: Chaja empieza a trabajar de niñera para una familia judía ortodoxa. Aunque al principio acepta el trabajo desconfiada y a regañadientes, pronto siente una atracción especial por el hijo pequeño de sus jefes. El niño se siente a gusto con su cuidadora y pronto empieza a hablar. Con todo, Chaja deberá hacer frente a los prejuicios del padre, al miedo de la madre y a la intolerancia del portero del piso donde trabaja.

Pocas películas llevan las heridas de la Segunda Guerra Mundial a espacios tan íntimos, dolorosos y hermosos como Corazones enfrentados. El film nos traslada a la Europa de los años 70, en cuya variedad social coinciden tanto las víctimas de la barbarie nazi como una generación que por edad no vivió el horror. En ese contexto, una joven idealista, afín a idearios liberales y feministas, se da de bruces con la realidad cuando recibe la misión de cuidar los pequeños de una familia judía ortodoxa, un mundo que le resulta ajeno y que al principio no logra entender. Corazones enfrentados, en su comparación de vidas y destinos, ofrece una historia de autodescubrimiento, de reconciliación, de respeto y de comprensión. También es una demostración de los peligros que derivan de cualquier educación basada en el silencio y en la represión. El film evita el drama lacrimógeno, tampoco incide en su contexto histórico y rehuye cualquier tremendismo: tal vez por eso la película termina por tocar la fibra sensible, por impactar a niveles emocionales e intelectivos. Varias escenas se quedan grabadas a fuego en la memoria del espectador por su mezcla de ternuda y frialdad. No figura en la lista de los dramas más recordados de los últimos años, tampoco es una película que veamos en los tops cinéfilos habituales, pero Corazones enfrentados es una película especial, con mucha alma, con temple y convicción. En lo personal, su visionado ha sido todo un descubrimiento. A reivindicar. Carne de remake.

Para ponerse en la piel del otro (nos hace falta).

Lo mejor: Es un cuento liviano y doloroso, todo a la vez.

Lo peor: El título con el que se estrenó en España.

CRÍTICA | DOS DÍAS, UNA NOCHE, de Jean-Pierre y Luc Dardenne

La dignidad de una lucha

DOS DÍAS, UNA NOCHE (DEUX JOURS, UNE NUIT), de Jean-Pierre y Luc Dardenne

Bélgica, 2014. Dirección y guion: Jean-Pierre y Luc Dardenne Fotografía: Alain Marcoen Reparto: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Simon Caudry, Alain Eloy, Fabienne Sciascia, Pili Groyne, Olivier Gourmet, Catherine Salée Género: Drama social Duración: 95 min. Tráiler: Link Estreno en España: 24/10/2014

¿De qué va?: Sandra trabaja en una fábrica. Tras estar de baja por unos problemas de salud, se convierte en la más débil de la empresa ante los recortes. Los dieciséis compañeros de Sandra deben votar si quieren cobrar la prima extraordinaria o mantener en la plantilla a Sandra. Tras pedir una segunda oportunidad al responsable de personal, Sandra dispone de un fin de semana para convencer a sus compañeros para que voten a su favor. Dos días y una noche llenos de tensión que resultarán reveladores.

El cine de los hermanos Dardenne no ha hecho más que ganar vigencia debido a la Europa de la crisis. Dos días, una noche sigue confirmando a los cineastas belgas como los grandes abanderados del cine de temática social. No es una película más dentro de una filmografía marcada por la marginalidad, personajes al límite y vidas al borde del abismo: Dos días, una noche es una hija de su tiempo, y tal vez por este motivo estamos ante la obra más comprometida de los Dardenne. Menos sórdida, pero más real. Más impactante y fría, y paradójicamente más humana y reconocible. Es, sin lugar a dudas, la gran obra dardeniana sobre la clase trabajadora, la gran reivindicación del proletariado y la mejor descripción de los estragos del capitalismo. Los Dardenne no sólo se interesan por los aspectos más duros de la realidad: también nos brindan un precioso mensaje en tiempos difíciles. A veces se suele decir que una película es 'necesaria', casi siempre con demasiada gratuidad, pero en el caso de Dos días, una noche el atrevimiento está plenamente justificado, porque estamos ante una obra irreprochable en términos cinematográficos y absolutamente reveladora sobre la Europa del desencanto. Un film que desnuda una injusticia, que se posiciona, pero que nunca resulta partidista o sensacionalista. Con ideas, pero sin ideologías. Dura, pero sin discursos lastimeros. Con vocación de clase, pero no complaciente. Cine en estado puro que sacude el alma y alimenta la mente.

Dos días, una noche es un canto a la resistencia. Uno no lucha por tener dignidad: es el propio acto de lucha, la voluntad misma de luchar, lo que nos dignifica. Por eso Sandra (una grandiosa Marion Cotillard) sale victoriosa, aunque al final del camino no encuentre lo que esperaba. Por eso el personaje entiende que el sentido de su odisea no está tanto en la consecución de un objetivo (conservar su trabajo), sino en el aprendizaje que lleva implícita esa odisea (el personaje relativiza su drama y pone a prueba sus fuerzas durante su tour de force; de alguna manera, la protagonista abre los ojos, se enfrenta a las tragedias que colindan a la suya y aprovecha la situación límite a la que le exponen injustamente sus jefes para reforzar su condición de madre, esposa y mujer). Y también por eso Dos días, una noche va más allá de los límites y de las constantes del cine de los Dardenne para establecer interesantes relaciones con obras de distinta tipología, diferentes nacionalidades y épocas dispares: en las bases de la historia está el De Sica de El ladrón de bicicletas, la tenacidad del personaje y la condición de road movie emocional del relato conecta con ¿Dónde está la casa de mi amigo?, y la obsesión de Sandra por lograr los 9 votos - apoyos que aseguren su puesto de trabajo recuerda a otras historias de mecánica feroz como Doce hombres sin piedad (el poder de la manipulación y la capacidad para relativizar lo que se ve como absoluto está, aunque subterráneamente, en el film de los Dardenne) o Dogville (imposible no recordar el cruel sistema que establecen las gentes del pueblo de Von Trier para la recién llegada Grace: la mujer debe ganarse el afecto de sus vecinos en un par de semanas y cada uno de ellos decidirá su futuro con una votación popular, un sistema muy parecido al que hace frente la heroína dardeniana). Y como todos los títulos citados, Dos días, una noche es un mazazo en toda regla. Pero el golpe que brinda al espectador no aniquila, no nos deja sin asideros, no pretende colapsar nuestros sentidos: el film equilibra didacticismo y verismo, nos anima a seguir en pie de guerra. Una de esas películas que a lo mejor no consiguen mejorar el mundo, pero sí lo enriquecen.

Para cinéfilos y ciudadanos militantes que necesiten una palmadita en la espalda.

Lo mejor: Marion Cotillard: nunca vemos a 'una estrella del cine', sino a una chica normal que podría ser nuestra madre, nuestra hija, nuestra amiga o nuestra vecina. 

Lo peor: Que se le resten méritos por formar parte de una filmografía tan sólida como la de los Dardenne (que se diga, vaya, que es más de lo mismo).