CRÍTICA | VALLEY OF LOVE, de Guillaume Nicloux

Paisajes espirituales

VALLEY OF LOVE, de Guillaume Nicloux
Premio César a la mejor fotografía. Sección oficial a concurso del Festival de Cannes

Francia, 2015. Dirección y guión: Guillaume Nicloux Fotografía: Christophe Offenstein Reparto: Gérard Depardieu, Isabelle Huppert, Dan Warner, Dionne Houle Género: Drama Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en Francia: 17/06/2015

¿De qué va?: Tras perder a su hijo seis meses atrás, y por expreso deseo del difunto, Gérard e Isabelle se reúnen en El valle de la muerte, un paraje rural de Estados Unidos. En un ambiente de calor sofocante y elementos sobrenaturales, ambos intentarán desentrañar el misterio que rodea a su hijo.

Guillaume Nicloux, uno de los directores más importantes del actual cine francés, ofrece en Valley of Love una historia de pérdida y reencuentro, de interiores y exteriores desolados. El viaje de Isabelle y Gérard por el desértico Valle de la muerte seis meses después del suicidio de su hijo sirve para desplegar un mundo de paisajes y sensaciones cinematográficas extremas. Nicloux enrarece la atmósfera de su obra con espectros, experiencias sobrenaturales y pequeños signos que parecen avisar de un universo paralelo, a la vez que el espectador puede sentir en primera persona el vértigo, el calor sofocante y el vacío inexpugnable que sacude a sus personajes. Una película que podría definirse como un "duelo", en el doble sentido de la palabra: es la historia de un desafío, el enfrentamiento de dos personas con sus fantasmas; y al mismo tiempo es un relato de luto y aflicción que, al final del metraje, se resuelve de la forma más inesperada. Dos intérpretes superlativos, una cuidadísima dirección de fotografía y un guión muy medido obran el milagro: Valley of Love es una experiencia bizarra, entre terrenal y mística, que se ve con curiosidad y se recuerda con ternura. Una visita al abismo que deja huella.

Para amantes de las películas "con misterio".

Lo mejor: Huppert y Dépardieu, un espectáculo cinematográfico constante.

Lo peor: Al alejarse de los estándares habituales, muchos la tacharán de extravagante.

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Reseña de VALLEY OF LOVE en el Festival de Sitges 2015

CRÍTICA | FATIMA, de Philippe Faucon

Dignidad e integración

FATIMA, de Philippe Faucon

Festival de Cannes 2015: Quincena de Realizadores. Premios César 2016: Mejor película, guión adaptado y actriz revelación

Francia, 2015. Dirección y guión: Philippe Faucon Fotografía: Laurent Fenart Música: Robert Marcel Lepage Reparto: Soria Zeroual, Zita Hanrot, Mehdi Senoussi, Franck Andrieux, Yolanda Mpele, Edith Saulnier, Kenza Noah Aïche, Chawki Amari, Corinne Duchesne, Emir El Guerfi, Zakaria Ali-Mehidi, Isabelle Candelier, Franck Andrieux Género: Drama social Duración: 75 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 13/05/2016

¿De qué va?: Fatima, una musulmana de origen árabe que reside en Francia, intenta hacer todo lo que puede por sus dos hijas: Souad, una joven de 18 años que acaba de empezar su primer año de Medicina, y Nesrine, una adolescente rebelde de 15 años. Fatima no sabe hablar ni escribir en francés, un hecho que la sitúa en una posición desfavorable a la hora de encontrar un trabajo. 

Los últimos atentados yihadistas de París y Bruselas han puesto sobre la mesa cuestiones como el radicalismo religioso y los cambios sociales que ha sufrido Europa, en cuyo tejido social se han sumado en las últimas décadas inmigrantes de procedencias muy variadas para participar del supuesto bienestar de Occidente. La inmigración no es un problema, pero sí son focos de conflicto el desarraigo que sufren los recién llegados y el creciente racismo al que tienen que hacer frente. La falta de integración es, en definitiva, uno de los grandes males de la modernidad, y la sociedad europea, en todo su conjunto, deberá acometer esta cuestión si quiere construir un continente y un mundo en el que se imponga el diálogo, la convivencia y el entendimiento entre unos y otros. Parte de ese cambio implica renovar nuestra visión del mundo, y el cine y la literatura, por su capacidad para alterar el imaginario colectivo y para transmitir valores, juegan un papel muy importante. Fatima, la historia de una inmigrante árabe y sus dos hijas, participa de esa renovación al ser un retrato de la inmigración 'desde dentro', y la urgencia de su mensaje queda simbólicamente representada con el premio César que la acredita como la mejor película francesa del año.

Fatima nos acerca la vida de una mujer árabe de 44 años en un entorno hostil. La protagonista encarna el prototipo de mujer coraje de fuertes convicciones religiosas, y sus hijas representan el cambio social de la generación de inmigrantes que ya ha tenido ocasión de crecer en suelo francés: una estudia para ser médica, con la carga económica y el ascenso social que ello implica para la familia, mientras que la pequeña desprecia a su madre porque ésta no domina la lengua francesa e intenta ganarse la vida mediante trabajos no remunerados. En casa de Fatima, en definitiva, se debate una lucha crucial entre los prejuicios de propios y ajenos, entre las adversidades y las ansias de progreso, entre la impotencia que se siente al no sentirse integrado y el menosprecio de vecinos y compañeros de colegio que sí tuvieron ocasión de nacer y crecer en un entorno más favorable. Todo ello le sirve a Philippe Faucon para hablar de la realidad de aquellas personas silenciadas que forman parte de nuestro día a día. Una película que funciona como espejo en el que, queramos o no, nos reflejamos y nos reconocemos.

De los fotogramas de Fatima emanan temas tan interesantes como la inevitable diferencia de clases, el machismo de la cultura árabe y la superficialidad de una sociedad que ha basado sus avances en términos de capital y no de formación. Un conjunto la mar de complejo que en pantalla se resuelve de forma sencilla, con diálogos cargados de verdad, interpretaciones naturales y escenas que respiran autenticidad y dignididad. De esas películas que, con letra pequeña y palabras muy grandes, remueven los cimientos y las emociones de la audiencia. Ilustrativa, pero nunca aleccionadora. Dura, pero ante todo conciliadora. Un film que generará un debate tan inevitable como necesario. Esperemos que el modelo de cine social comprometido que propone Fatima se convierta en una tónica del cine europeo de nuestro tiempo. No por casualidad, la escena más emotiva de Fatima coincide con el momento en el que la protagonista lee en voz alta la carta que ha escrito a su hija acercándole su posición y, sobre todo, confesándole sus sentimientos. Es entonces cuando, como ciudadanos y espectadores, nos damos cuenta del ninguneo que las personas como Fatima sufren en la vida real y en el cine. Una revelación que avergüenza y emociona.

 

Para ponerse en la piel del otro.

Lo mejor: Fatima, un personaje generoso tratado desde un punto de vista modélico.

Lo peor: Se la descreditará con argumentos más ideológicos que estrictamente cinematográficos.

 

CRÍTICA | NUESTRA HERMANA PEQUEÑA, de Hirokazu Kore-eda

Familia

NUESTRA HERMANA PEQUEÑA (UMIMACHI DIARY), de Hirokazu Kore-eda

Festival de Cannes 2015: Sección oficial a concurso. Festival de San Sebastián 2015: Premio del público

Dirección: Hirokazu Kore-eda Guión: Hirokazu Kore-eda, a partir del manga de Akimi Yoshida Fotografía: Mikiya Takimoto Música: Yôko Kanno Reparto: Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Suzu Hirose, Kaho, Ryô Kase, Ryôhei Suzuki, Rirî Furankî, Shin'ichi Tsutsumi, Jun Fubuki, Kentarô Sakaguchi Género: Drama Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 23/03/2016
¿De qué va?: Sachi, Yoshino y Chika viven en la antigua casa de su abuela. Al enterarse de la existencia de una cuarta hermana, todavía adolescente, las jóvenes no dudan en abrir las puertas de la casa a su hermanastra. La convivencia entre ellas será reveladora.

CRÍTICA | CEMETERY OF SPLENDOUR, de Apichatpong Weerasethakul

De hombres, de dioses y de espíritus

CEMETERY OF SPLENDOUR (RAK TI KHON KAEN), de Apichatpong Weerasethakul

Festival de Cannes 2015: Sección Un Certain Regard. Festival de Sitges 2015: Sección oficial

Tailandia, 2014. Dirección y guión: Apichatpong Weerasethakul Fotografía: Diego García Reparto: Jenjira Pongpas, Banlop Lomnoi, Jarinpattra Rueangram, Petcharat Chaiburi, Tawatchai Buawat, Sakda Kaewbuadee, Sujittraporn Wongsrikeaw, Bhattaratorn Senkraigul, Pongsadhorn Lertsukon, Apinya Unphanlam, Sasipim Piwansenee Género: Drama fantástico Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 08/04/2016
¿De qué va?: Una mujer con una discapacidad física se presenta voluntaria para trabajar en un centro médico. En el hospital, distintos hombres están aquejados de una rara enfermedad del sueño.

Cemetery of Splendour es el nuevo remanso de paz firmado por el tailandés Apichatpong Weerasethakul. El film es un viaje entre la tradición y la modernidad, entre el sueño y la vigilia, entre la razón y la magia. En el lugar donde décadas atrás se asentaba un colegio, ahora se despliega un complejo hospitalario improvisado. Los enfermos se pasan gran parte del día durmiendo, mientras que en los alrededores se realizan todo tipo de celebraciones, a cada cual más curiosa, relacionadas con la salud y la conexión con el mundo espiritual. Weerasethakul sume al espectador en una atmósfera narcótica mientras los fotogramas van dibujando todo tipo de realidades y de intuiciones. La película carece de un argumento al uso, pero se vive y se siente en primera persona. Por ello, es fundamental que el espectador se deje llevar por el universo y el tempo que propone el director: de lo contrario, el film puede antojarse tortuoso. Resulte sublime o insufrible, hay que reconocerle al cineasta asiático una capacidad única por filmar historias mínimas con un pulso maestro, dejando que la verdad de los espacios y de los personajes que los ocupan llenen la pantalla. Cemetery of Splendour es un film de cuerpos y de espíritus, totalmente diferente a cualquier expresión artística del pasado o de nuestro tiempo. Cine especial para públicos especiales.

Para interesados en el yoga cinematográfico.

Lo mejor: Es de esas películas que no se olvidan, para bien o para mal.

Lo peor: Que se despache como un film lento, pretencioso y sin contenido.

CRÍTICA | PAULINA (LA PATOTA), de Santiago Mitre

(In)justicias

PAULINA (LA PATOTA), de Santiago Mitre

Festival de Cannes: Mejor película y Premio FIPRESCI de la sección Semana de la Crítica. Festival de San Sebastián: Premio Jurado de la Juventud, Premio Otra Mirada y Mejor película de la sección Horizontes Latinos. Premio Fénix: mejor actriz

Argentina, 2015. Dirección: Santiago Mitre Guión: Santiago Mitre y Mariano Llinás Fotografía: Gustavo Biazzi Música: Nicolás Varchausky Reparto: Dolores Fonzi, Oscar Martínez, Esteban Lamothe, Cristian Salguero, Verónica Llinás, Laura López Moyano Género: Drama social. Thriller Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/11/2015
¿De qué va?: Paulina está a punto de terminar su tesis doctoral. A pesar de contar con un brillante futuro como abogada, decide trasladarse a la periferia y acepta un trabajo como profesora en un proyecto humanitario. Una noche, Paulina es violada por un joven de la zona. A partir de ese momento, su vida dará un vuelco inesperado.

CRÍTICA | EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, de Ciro Guerra

Cine chamánico

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, de Ciro Guerra

Festival de Lima y Mar de Plata: Mejor película. Festival de Cannes: Quincena de Realizadores. Festival de San Sebastián: Horizontes latinos. Nominación al Óscar y al Independent Spirit Award a la mejor película de habla no inglesa

Colombia, 2015. Dirección: Ciro Guerra Guión: Ciro Guerra y Jacques Toulemonde Fotografía: David Gallego Música: Nascuy Linares Reparto: Brionne Davis, Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Nicolás Cancino, Yauenkü Migue, Luigi Sciamanna Género: Aventuras Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 19/02/2016
¿De qué va?: Karamakate, un chamán indígena, fue testigo de la destrucción de su pueblo y ahora se esconde en las profundidades de la selva amazónica. Evan, un etnobotánico occidental, recurre a su ayuda para encontrar la yakruna, una planta de propiedades mágicas. Ambos se embarcan en una travesía fluvial que les permitirá reencontrarse contigo mismos. En paralelo, conoceremos las aventuras del último explorador que décadas atrás inició el mismo viaje en busca de la yakruna.

CRÍTICA | AMY (LA CHICA DETRÁS DEL NOMBRE), de Asif Kapadia

Go back to black

AMY (LA CHICA DETRÁS DEL NOMBRE), de Asif Kapadia

EFA y National Board of Review al mejor documental

EE. UU., 2015. Dirección y guión: Asif Kapadia Música: Antonio Pinto y Amy Winehouse Reparto: Amy Winehouse, Mitchell Winehouse, Blake Fielder, Salaam Remi, Nick Shymanksy, Mos Def, Tony Bennett, Mark Ronson, Janis Winehouse (documental) Género: Drama biográfico. Documental Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 17/07/2015
¿De qué va?: El director de Sienna retrata la vida de la malograda cantante británica Amy Winehouse. Un repaso a los sucesos que marcaron el devenir de un mito de la música contemporánea, de la traumática separación de sus padres a su salto a la escena mundial con el tema Rehab.

CRÍTICA | IRRATIONAL MAN, de Woody Allen

Buscar el sentido (y encontrarlo)

IRRATIONAL MAN, de Woody Allen

Festival de Cannes 2015: Sección oficial fuera de concurso. Festival de San Sebastián 2015: Sección Perlas de otros festivales

EE. UU., 2015. Dirección y guión: Woody Allen Fotografía: Darius Khondji Música: Ramsey Lewis Reparto: Joaquin Phoenix, Emma Stone, Jamie Blackley, Parker Posey, Ethan Phillips, Julie Ann Dawson, Mark Burzenski, Gary Wilmes, Geoff Schuppert, David Pittu, Steven Howitt, Kaitlyn Bouchard, Ana Marie Proulx, Kate McGonigle, Tamara Hickey Género: Tragicomedia. Suspense Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 25/09/2015

¿De qué va?: Abe Lucas, un profesor de filosofía en crisis, se traslada a una pequeña universidad para impartir un curso de verano. Su presencia alterará el devenir de Rita, una docente inmersa en un matrimonio infeliz, y Jill, una estudiante brillante que no quiere comprometerse con su novio. Abe, pese a todo, sigue sumido en una depresión que se disipará una mañana de forma fortuita al escuchar una conversación ajena en una cafetería.

CRÍTICA | CAROL, de Todd Haynes

Clásico moderno

CAROL, de Todd Haynes 

Festival de Cannes 2015: Palma de oro a la mejor actriz (Mara)

6 nominaciones a los Independent Spirit Awards y 5 a los Globos de oro, incluyendo mejor película

EE. UU., 2015. Dirección: Todd Haynes Guión: Phyllis Nagy, a partir de la novela de Patricia Highsmith Música: Carter Burwell Fotografía: Edward Lachman Reparto: Cate Blanchett, Rooney Mara, Sarah Paulson, Kyle Chandler, Jake Lacy, Cory Michael Smith, Carrie Brownstein, John Magard, Kevin Crowley, Gielreath, Ryan Wesley Gilreath, Trent Rowland, Jim Dougherty, Douglas Scott Sorenson, Nik Pajic Género: Melodrama Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/02/2016
¿De qué va?: Nueva York, años 50, víspera de Navidad. Therese trabaja como dependienta en unos grandes almacenes. Allí coincide con Carol, una mujer sofisticada por la que siente una inmediata atracción. A pesar de sus diferencias, ambas pasan por un momento complicado en sus vidas. Su conexión, día a día más fuerte, cambiará el destino de ambas para siempre.

El cine contemporáneo está empeñado en sacudir al espectador con grandes golpes de efecto y de cámara. Los cineastas de nuestro tiempo han olvidado que, en pantalla, menos siempre es más. ¿Dónde quedó el poder de una mirada, el saber hacer de una buena dirección artística o la fuerza evocadora de un guión sin sobresaltos, en el que no sobre ni falte ni una sola línea de texto? Carol, por fortuna, reivindica esa tipología de cine de formas clásicas y alma inmortal. En su historia de amor no hay espacio para el histrionismo o para el culebrón fácil. Tampoco necesita de planos enfáticos o de subrayados narrativos para hacer vívido aquello que se antoja volátil, utópico, imposible: la relación de dependencias y querencias entre dos mujeres contrariadas por sus sentimientos y por las presiones de su entorno. Ni la más sofisticada artillería de efectos especiales puede superar la belleza de esa Cate Blanchett peinándose con la mano, de Rooney Mara observando llorosa el devenir de un tren de juguete o de esa trabajada reproducción del alma y la estética de los años 50. Carol puede parecer una película parsimoniosa, excesivamente contenida o un tanto distante, pero esa apreciación dista de ser justa. La culpa, si acaso, la tiene la mirada de un espectador contemporáneo demasiado acostumbrado a las florituras y a un séptimo arte que ha olvidado que es y debe ser eso: arte. Carol es cine en estado puro, intachable en todos sus apartados artísticos y técnicos. Una obra tan grácil como recia, con momentos de una belleza extraordinaria, sabia, delicada y conmovedora. Una breve caricia puede erizar la piel de todo el cuerpo, una sola gota de perfume puede ser suficiente para impregnar de olor toda una habitación... Carol, con la aparente facilidad de aquello que sólo puede ser tremendamente difícil, consigue materializar esa magia en imágenes. Blanchett y Mara tienen la entidad de las actrices del Old Hollywood y Haynes captura la esencia del melodrama de antaño allá donde otros directores sólo saben facturar mímesis con más caligrafía que contenido. Cuesta hacer ciertas aseveraciones con un único visionado, pero Carol deja el poso y ostenta el misterio de las grandes obras maestras del cine de ahora y siempre.

Para cinéfilos que dicen muy a menudo aquello de que 'el cine de ahora no es cine'.

Lo mejor: El precioso final, entre la ensoñación y la realidad.

Lo peor: No todos los espectadores accederán a su torbellino de sentimientos
(entre ellos, los académicos con derecho a voto en los Óscar).

CRÍTICA | MOUNTAINS MAY DEPART, de Jia Zhang-Ke

Sombras chinescas en tres actos

MOUNTAINS MAY DEPART, de Jia Zhang-Ke

Festival de Cannes 2015: Sección oficial a concurso
Festival de San Sebastián 2015: Sección Perlas y Premio del público al mejor film europeo

China, 2015. Dirección y guión: Jia Zhang-Ke Reparto: Tao Zhao, Zhang Yi, Liang Jingdong, Dong Zijian, Sylvia Chang Género: Thriller. Drama social Duración: 130 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Fenyang, finales de los 90. La joven Jia se debate entre el amor de dos jóvenes, sus amigos de infancia. Uno trabaja en una mina y no tiene demasiada suerte. Otro ostenta un importante cargo en la misma empresa y su objetivo es aprovechar la bonanza económica para expandir su proyecto. El tiempo pasa, Jia escoge a uno de sus pretendientes y el país evoluciona hacia un modelo capitalista que, en el año 2025, desvelará todas sus contradicciones.

CRÍTICA | MACBETH, de Justin Kurzel

Borrachera de poder

MACBETH, de Justin Kurzel

Festival de Cannes y Sitges 2015: Sección oficial a concurso

EE. UU., 2015. Dirección: Justin Kurzel Guión: Todd Louiso, Jacob Koskoff y Michael Lesslie, a partir de la obra homónima de William Shakespeare Música: Jed Kurzel Fotografía: Adam Arkapaw Reparto: Michael Fassbender, Marion Cotillard, David Thewlis, Elizabeth Debicki, Jack Reynor, Sean Harris, Paddy Considine, Julian Seager, David Hayman, James Michael Rankin, Barrie Martin, Ross Anderson Género: Drama medieval. Thriller Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 25/12/2015
¿De qué va?: Convertido en héroe de guerra, el valeroso Macbeth regresa a sus tierras ante el júbilo de toda la corte. Sus ansias de poder le llevarán a tramar un crimen y a intentar hacerse con la corona del reino. Su esposa, una pérfida estratega, le ayudará a urdir un asesinato que puede llevarle directamente al trono, pero también a la perdición.

CRÍTICA | DHEEPAN, de Jacques Audiard

Palma sin oro

DHEEPAN, de Jacques Audiard

Festival de Cannes 2015: Palma de oro. Festival de Valladolid: Film inaugural

Francia, 2015. Dirección: Jacques Audiard Guión: Jacques Audiard, Thomas Bidegain y Noé Debré Música: Nicolas Jaar Fotografía: Éponine Momenceau Reparto: Jesuthasan Antonythasan, Kalieaswari Srinivasan, Claudine Vinasithamby, Vincent Rottiers, Faouzi Bensaïdi, Marc Zinga, Franck Falise Género: Drama. Thriller Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 06/11/2015
¿De qué va?: Un hombre, una mujer y una niña que no se conocen embarcan de Sri Lanka a Francia para huir de las atrocidades de la guerra. La llegada a Europa no será fácil: los trabajos a los que tienen acceso son precarios y no hablan francés. Poco a poco la falsa familia se irá asentando en su nuevo lugar de residencia, pero se darán cuenta de que la frontera entre el primer y el tercer mundo es muy volátil.

Jacques Audiard es un gran director, incluso el autor más destacable del último cine francés. Dheepan es una de sus películas menos logradas, lo que no quita que estemos ante una ficción fiel al sello de su firmante y con numerosos atractivos. Podríamos intentar explicar por qué Dheepan no alcanza la intensidad y la profundidad de obras como Un profeta, pero hay un hecho decisivo que marcará para siempre cualquier análisis de la película. Caprichos del cine y de los jurados, Dheepan se alzó con la Palma de oro cannois siendo una de las obras más mediocres de la sección oficial. Y, para completar la paradoja, es evidente que de todos los citados en La Croisette tan sólo Jacques Audiard, por el cómputo global de su fantástica filmografía, merecía un reconocimiento como el máximo galardón del 'festival de festivales'. Así que hagamos un ejercicio de contención crítica: intentemos obviar el equipaje que trae consigue Dheepan y realicemos la difícil tarea de valorar el film sin pensar en las anteriores obras de Audiard ni en el inexplicable cariño que le profesan los hermanos Coen. El film, a pesar de los pesares, lo merece. 

Con estas bases, lo más urgente es afirmar que Dheepan es una película comprometida y reconocible, pero profundamente arbitraria. A lo largo del recorrido vital de Dheepan, un inmigrante de Sri Lanka en el París de nuestros días, se van sucediendo distintos episodios que podrían ser perfectamente escenas inconexas de distintas cintas. Sin red, pero sobre todo sin ningún equilibrio narrativo, Audiard pasa del drama bélico a la tragedia social, toma el atajo del thriller criminal que tanto domina y desemboca en uno de los finales más condescendientes y falsarios del cine reciente. Hay una línea muy fina que separa el aturdimiento (positivo, ya que como espectador te obliga a permanecer con los ojos y la mente abierta) de la confusión (indeseable, porque pone de manifiesto el torpe funcionamiento de la trama), y Dheepan la cruza en constantes ocasiones, sin remordimientos e incluso con descaro. Todo ello no quita que el film tenga escenas de gran potencia visual y consiga ser un curioso muestrario de distintos géneros y temas en poco menos de 120 minutos. Ahora bien: ¿qué quiere decirnos Dheepan exactamente? O mejor: ¿puede evocarnos una mínima pregunta de interés con un guión y una estructura tan caótica? Lo peor de todo no es la duda, sino la indiferencia que me producen estas cuestiones. Y cuando una película te deja frío, más si cabe tratándose de una historia que apela a los sentimientos y a la conciencia del público de Occidente, es que algo ocurre. No seré yo quien diga que Dheepan es una mala película, pero sí es una tremenda decepción.

Para conocer los caprichos de los palmarés cinematográficos.

Lo mejor: El último tramo, un thriller cien por cien 'Audiard'.

Lo peor: Su caos.

CRÍTICA | LA LEY DEL MERCADO, de Stéphane Brizé

El desamparo del desempleo

LA LEY DEL MERCADO (LA LOI DU MARCHÉ), de Stéphane Brizé

Festival de Cannes 2015: Palma de oro al mejor actor. Nominación al EFA al mejor actor

Francia, 2015. Dirección: Stéphane Brizé Guión: Stéphane Brizé y Olivier Gorce Fotografía: Eric Dumont Reparto: Vincent Lindon, Yves Ory, Karine De Mirbeck, Matthieu Schaller, Xavier Mathieu, Noël Mairot, Catherine Saint- Bonnet, Roland Thomin Género: Drama social Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 29/01/2016
¿De qué va?: Thierry tiene 50 años y una familia a la que cuidar. Su único objetivo es encontrar un empleo que alivie su economía. Tras cuatro meses en el paro, un curso de formación e infinidad de entrevistas de trabajo, el hombre empieza a trabajar como empleado de la seguridad de un supermercado, pero las condiciones laborales le harán replantearse las prioridades y los límites a los que está dispuesto a llegar por cobrar a final de mes.

El cineasta Stéphane Brizé y el actor Vincent Lindon vuelven a colaborar en La ley del mercado, una personal exploración de la Francia del paro y de la crisis económica. El film se construye a modo de escenas independientes, momentos a priori inconexos en la vida de un hombre de cincuenta años que busca trabajo entre la desesperación y la frustración. Brizé toma distancia de su historia, aunque ello no le aleja del epicentro de su problemática social: la película invita a la reflexión y al mismo tiempo permite al espectador experimentar la soledad absoluta, el dolor contenido, el desamparo del desempleo. 

La tesis del film podría remitir a la recurrida frase de 'el trabajo dignifica a las personas', pero el segundo tramo de la película desmonta esa afirmación al ofrecernos una descripción descarnada de las nuevas dinámicas laborales en un contexto de recortes y capitalismo. Por ello, el magnífico plano final puede interpretarse como una huida al abismo, un intento por recuperar la dignidad perdida o una metáfora de la insignificancia del trabajador en tiempos de canibalismo laboral. Sea como sea, queda claro que la ley del título es implacable, atañe y afecta a todos, y se ceba muy especialmente con la clase obrera. 

Por todo lo dicho, el estilo aparentemente frío del film es, aunque pueda parecer lo contrario, su principal acierto: si el personaje no puede tomar las riendas de su destino por imperativos del sistema, tampoco puede hacerse con el control de la narración, por lo que su apuesta formal se sitúa en las antípodas de la cámara en mano y la subjetividad de cierto cine análogo. De ahí que la interpretación de Lindon resulte especialmente brillante, ya que desaparece del plano aun siendo el eje de cada fotograma. Pocas veces fondo y forma habían estado tan equilibrados en un cine social que suele tender a la parcialidad y a la reivindicación fútil. Una gran película y, sobre todo, una radiografía precisa de nuestros tiempos. 

Para cinéfilos y ciudadanos comprometidos.

Lo mejor: Lindon logra posiblemente la mejor interpretación de su carrera. 

Lo peor: Su vinculación social la hará centro de críticas injustificadas.

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Crítica de MADEMOISELLE CHAMBON, de Stéphane Brizé

CRÍTICA | EL HIJO DE SAÚL (SAUL FIA), de László Nemes

Ver el horror. Vivir el horror.

EL HIJO DE SAÚL (SAUL FIA, SON OF SAUL), de László Nemes

Festival de Cannes 2015: Gran premio del jurado y FIPRESCI
Festival de San Sebastián 2015: Sección Perlas. Representante húngara a los Óscar 2016

Hungría, 2015. Dirección: László Nemes Guión: László Nemes y Clara Royer Fotografía: Mátyás Erdély Reparto: Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Sándor Zsótér, Todd Charmont, Björn Freiberg, Uwe Lauer, Attila Fritz, Kamil Dobrowolski, Christian Harting Género: Drama Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/12/2015
¿De qué va?: Campo de concentración de Auschwitz, 1944.  Un prisionero judío trabaja en un grupo llamado Sonderkommando. Su misión es ayudar al exterminio de sus semejantes en las cámaras de gas y retirar las cenizas de los fallecidos. Un día descubre el cuerpo de un niño entre el amasijo habitual de cadáveres. A partir de ese momento, el hombre expresa su deseo de dar al niño un funeral según los principios de su religión.

Seamos sinceros: hemos conocido los horrores de la Segunda Guerra Mundial de la mano del cine. No por casualidad, se trata del episodio histórico que más veces se ha llevado a la gran pantalla. Con cada nuevo visionado, activamos nuestra memoria cinéfila y esperamos ver una variación más de esa historia que ya hemos oído, que ya nos emocionó y que Hollywood nos vuelve a contar siempre que puede. En nuestro imaginario figuran espacios tan terroríficos como los campos de concentración, pero hay ocasiones en los que una película consigue sacudir nuestros cimientos, sacarnos de nuestra zona de confort y abofetearnos con una propuesta totalmente nueva. El hijo de Saúl, por su lenguaje, su concepción visual y su capacidad de generar tensión, es una de esas maravillas. Conocemos el texto y el contexto, pero en el film de László Nemes pasamos por los túneles del terror sin ningún tipo de asideros. Una experiencia inédita que ningún cinéfilo debería perderse.

El húngaro Lazlo Nemes rueda el Holocausto como si se tratara de un viaje claustrofóbico entre la vida y la muerte. No se trata de ver el horror, sino de sentirlo en nuestras carnes. El hijo de Saúl sacude el alma y consigue que el espectador salga de la proyección sin aliento. Un film extremo que por momentos evoca la cámara nerviosa de los Dardene, mientras que en otros parece reproducir la coreografía del miedo de Masacre: ven y mira. Es una obra que no se ve: se sobrevive, en el mejor sentido de la palabra. Además, el film concluye con un final inesperado, una de esas resoluciones que dan un nuevo sentido a todo el metraje y que abre una obra tan física a lecturas muy profundas. Porque El hijo de Saúl, más allá de su narrativa en primera persona y su rotunda concepción fotográfica, es una historia de lucha y de esperanza. De cómo, incluso estando en mitad del mismísimo infierno, el instinto humano no da su brazo a torcer e intenta encontrar sosiego y dar sentido a la vida. Una de las películas del año. Sin exagerar. 

Para estar al día de los films que hacen avanzar el lenguaje cinematográfico.

Lo mejor: Su mezcla de realismo e innovación.

Lo peor: Algunos la acusarán de tremendista y efectista.

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CRÍTICA | MUSTANG, de Deniz Gamze Ergüven

Libertad coartada

MUSTANG, de Deniz Gamze Ergüven

Festival de Cannes: Quincena de Realizadores. Festival de Valladolid: Espiga de Plata. Festival de Sevilla: Premio del público. Festival de Sarajevo: Mejor película. Representante francesa a los Óscar 2016. 2 nominaciones a los Premios del Cine Europeo: mejor película y premio Discovery

Francia, 2015. Dirección: Deniz Gamze Ergüven Guión: Deniz Gamze Ergüven y Alice Winocour Fotografía: David Chizallet y Ersin Gok Música: Warren Ellis Reparto: Erol Afsin, Ilayda Akdogan, Doga Zeynep Doguslu, Elit Iscan, Ayberk Pekcan, Günes Sensoy, Tugba Sunguroglu Género: Drama social Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/03/2016
¿De qué va?: En un pueblo turco bañado por el Mar Negro, cinco hermanas huérfanas son acusadas de conductas lividinosas con unos compañeros de colegio. Coincidiendo con el fin del curso escolar, las niñas son encerradas en una casa, con la única expectativa de convertirse en un futuro cercano en esposas de unos hombres que no conocen.

Mustang, ópera prima de Deniz Gamze Ergüven, se ha convertido en uno de los fenómenos festivaleros de la temporada. La película cuenta la historia de cinco hermanas huérfanas que son encerradas por su tío y su abuela en apenas cuatro paredes. Con esta premisa, el film construye un relato claustrofóbico de pulsiones juveniles que quedan coartadas por la intransigencia social y religiosa del país. Ergüven se muestra especialmente solvente a la hora de describir el universo adolescente de las protagonistas, pero pierde parte de su frescura y espontaneidad cuando se ve en la obligación de ampliar su discurso al resto de personajes: los adultos quedan descritos como bloques sin matices, dictatoriales y casi demonizados, una cuestión que sirve para dar relieve a la huida de las chicas, pero que en paralelo resta potencia a esa epopeya femenina al no encuadrar su hazaña en un contexto de mayor calado. Por ello, da la sensación de que Mustang se acontenta con ser un relato de miras cortas y objetivos más modestos: quiere y consigue que el espectador sienta en sus carnes la opresión de unos seres virginales, dejando de lado cualquier amago de polémica, sin meter el dedo en ninguna llaga y llegando al mayor número de espectadores posibles (también, visto lo visto, conquistando los estándares que demandan los certámenes y las carteleras de hoy en día). Con todo, aun ciñéndonos al microcosmos de juegos entre pícaros e inocentes de las protagonistas, uno no puede dejar de pensar que Mustang, en sus escenas aparentemente improvisadas, en cada una de las miradas cómplices de sus cabezas de cartel, esconde un poco de trampa. A pesar de lo escrito y leído en distintos foros, Mustang no deja de ser una película-moda pasajera.

Para los que soñaban con una Sofia Coppola social.

Lo mejor: Todas las chicas protagonistas.

Lo peor: Se queda en el cuento cuando podría ser un arma arrojadiza.

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CRÍTICA | THE ASSASSIN, de Hou Hsiao-Hsien

Matar al director

THE ASSASSIN, de Hou Hsiao-Hsien

Festival de Cannes: Mejor director. Festival de San Sebastián: Perlas de otros festivales
Festival de Sitges: Sesión especial. Representante taiwanesa a los Óscar 2016

Taiwán, 2015. Dirección: Hou Hsiao-Hsien Guión: Hou Hsiao-Hsien, Chu Tien-Wen y A. Cheng Fotografía: Mark Lee Música: Giong Lim Reparto: Shu Qi, Chang Chen, Satoshi Tsumabuki, Ethan Ruan, Nikki Hsieh, Ni Dahong, Zhang Shijun, Michael Chang, Jiang Wen, Zuo Xiaoqing, Xu Fan, Tadanobu Asano, Zhou Yunin Género: Drama. Artes marciales. Thriller Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/11/2015

¿De qué va?: China, siglo IX. Una experimentada sicaria recibe el encargo de matar a un hombre. A pesar de su habilidad y su instinto asesino, la mujer es incapaz de llevar a cabo su misión.

Antes que nada, vale la pena dejar claro un detalle: Hou Hsiao-Hsien es un director que me merece un gran respeto. Hasta el mejor de los maestros puede sufrir un traspié, así que The Assassin, con toda su belleza y confusión, con toda su fuerza visual y su casi inexistente guión, no desacredita la filmografía del cineasta taiwanés. Con todo, sobre The Assassin sólo se puede hablar de forma directa, sin rodeos ni eufemismos. Y, sintiéndolo mucho, a pesar de haber puesto la mejor de las intenciones durante su visionado, el film me parece una de las fantochadas más grandes jamás realizadas. Una película inasible, confusa, vacía, esteticista. Un poema visual con mucha forma y muy poco contenido. No la entiendo, no la sigo, no me atrapa, no me interesa. No sé si estamos ante el film más austero de la temporada o ante la obra más compleja del año. Que cada uno decida. Sea como sea, The Assassin pone de manifiesto los riesgos que supone revestir la nada más absoluta de tonalidades y atmósferas vistosas. Entiendo el cine como un mecanismo para contar historias, insinuarlas y evocarlas. The Assassin es tan inexpugnable que niega cualquier diálogo con el espectador. Sólo queda el impacto visual de su contorno. Parece cine, incluso un cine imponente, pero no lo es. Una sonora, clamorosa y gigantesca decepción.

Para cinéfilos pacientes.

Lo mejor: La belleza de sus imágenes está fuera de toda duda.

Lo peor: El inexplicable premio que recibió en Cannes.

CRÍTICA | LA JUVENTUD (YOUTH, LA GIOVINEZZA), de Paolo Sorrentino

Ocaso en el balneario

LA JUVENTUD (YOUTH, LA GIOVINEZZA), de Paolo Sorrentino

Festival de Cannes: Sección oficial a concurso. Festival de Sitges: Sesión especial

Italia, 2015. Dirección y guión: Paolo Sorrentino Fotografía: Luca Bigazzi Música: David Lang Reparto: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Emilia Jones, Mark Kozelek, Rebecca Calder, Anabel Kutay, Ian Keir Attard Género: Drama Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: Pendiente
¿De qué va?: En un hotel de los Alpes se dan cita distintos personajes muy peculiares. Algunos están de vacaciones, otros simplemente esperan disfrutar de sus últimos días de vida entre algodones. Entre un director de orquestra y un director de cine ya ancianos se establece una amistad inquebrantable. Sus deseos, sus obsesiones y sus pasados aflorarán cuando uno de ellos reciba el encargo de dirigir un concierto para la reina Isabel.

La juventud propone una idea curiosa: la posibilidad de mantener cuerpo y alma en estado de levitación. El cine de Sorrentino se sustenta sobre un reto similar. Sus películas desean ser livianas a la par que robustas. Lo suficientemente frágiles como para dejarse mecer en el aire, y a la vez con el grado justo de solidez que facilite su ascensión. Films que quieren ser etéreos y que aspiran a ser eternos. Ahí es nada. La juventud no vuela, pero, como diría el filósofo, 'sin embargo, se mueve'.

A Paolo Sorrentino le gusta filmar el vacío partiendo del exceso. En La grande bellezza la operación funcionaba, pero en La juventud casi todo resulta peripatético, tan frío y funcional como un anuncio de Ikea. No hay nada que emocione porque no hay personajes: sólo frases de guión pomposas. La grande bellezza escarbaba en la grandeza de lo insignificante: fondo y forma estaban en consonancia con la nada más desoladora que presidía la historia. La juventud, en cambio, se intuye crepuscular, artística y refinada. Más íntima, menos conceptual. La vanalidad no parece tener cabida en el resort del film, y por desgracia es su intruso más indeseado.

A fuerza de homenajear a Fellini, Sorrentino ha facturado un 8 y medio sin autenticidad y con muchos postizos. Y a pesar de coleccionar muchas sandeces, sus arrebatos de comedia intelectual y el destello triste de los ojos de Michael Caine sí convencen. Porque, a pesar de todo, en las alas más ocultas del hotel alpino que preside la película se percibe cierta verdad y humanidad. Tal vez porque lo que cuenta Sorrentino es reconocible. Sus formas, en cambio, resultan poco convincentes. He aquí la duda: ¿La juventud es una mala copia del cine de su autor o Sorrentino en estado puro?

No puede descartarse la posibilidad de que algunos espectadores vean en La juventud una metáfora perfecta sobre el legado, la memoria y la futilidad de la existencia. Quien escribe, prefiere un cine franco y terrenal, sin abstracciones ni sermoneos. No puedo empatizar con La juventud, aun reconociéndole cierto estilo, la innegable personalidad de su director. En el cine y en la vida se agradece tocar suelo firme, y en la literalidad el cine de Sorrentino se revela torpe y esperpéntico. Increíble, no por su excelencia, sino por su falta de credibilidad. Una pequeña decepción.

 Para admiradores de La gran belleza.

Lo mejor: La sabiduría de Michael Caine.

Lo peor: La aparición - gag de Jane Fonda.