CRÍTICA | HUNGER, de Steve McQueen

HUNGER

Irlanda, 2008. Dirección: Steve McQueen Guión: Steve McQueen y Enda Walsh Música: Leo Abrahams y David Holmes Fotografía: Sean Bobbitt Reparto: Michael Fassbender,  Liam Cunningham,  Liam McMahon,  Lalor Roddy, Stuart Graham,  Brian Milligan,  Helena Bereen,  Rory Mullen,  Laine Megaw Género: Drama Duración: 92 min. Tráiler: Link. 

¿De qué va?: Basada en hechos reales. En 1981, en una cárcel de máxima seguridad de Irlanda del Norte, distintos miembros del IRA inician una huelga de hambre. El líder de la revuelta, encerrado en una habitación durante días, fue sometido a vejaciones físicas y mentales.

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL S. XXI (VIII) | REINO UNIDO e IRLANDA

Como parte de los podcasts especiales de Cine del S. XXI, En Cinoscar & Rarities estamos realizando una lista con 150 películas poco conocidas del siglo, todas ellas de visionado obligado, de temáticas y autores muy diferentes. Agrupamos los films en 30 listas de 5 nombres según su nacionalidad. Las 30 películas más votadas en el grupo de facebook Cine del S. XXI competirán en la 6ª edición del Cinoscar Summer Festival 2018.

Nº 36 FELICES DIECISÉIS (Reino Unido, 2002)

¿De qué va?: Liam está a punto de cumplir 16 años y espera que su madre salga de prisión. Mientras, la vida con su hermana, su abuelo y la pareja de su madre se hace insoportable. Quiere irse del barrio... y para ello necesita ganar dinero.

¿Quién la dirige?: Ken Loach, buque insignia del cine social, militante desde tiempos casi inmemoriables hasta la reciente Yo, Daniel Blake. Con Felices dieciséis consiguió premio en Cannes y presencia en las carteleras de medio mundo. En el guión le secunda su compañero habitual Paul Laverty. Es el debut cinematográfico del intérprete escocés Martin Compston, conocido en la actualidad por la serie Line of Duty.

¿Cuál es su palmarés?: Palma al mejor guión. Espiga de oro a la mejor película. British Independent Film Award a la mejor película. Fipresci de los Premios del Cine Europeo, además de otras cuatro candidaturas, incluyendo mejor director y guión.

¿Por qué hay que verla?: De Loach siempre se puede aprender, como espectadores y ciudadanos. Felices dieciséis, con su retrato de una juventud en constante movimiento, gracias a un equilibrio entre la comedia y el drama, se impone como uno de sus últimos estrenos más completos y consensuados por crítica y público.

CRÍTICA | VIVA, de Paddy Breathnach

 Jesús de La Habana

VIVA, de Paddy Breathnach

Representante irlandesa a los Óscar 2016. Sección oficial de los festivales de Teluride y Sundance

Irlanda, 2015. Dirección: Paddy Breathnach Guión: Mark O'Halloran Fotografía: Cathal Watters Música: Stephen Rennicks Reparto: Héctor Medina, Jorge Perugorría, Luis Alberto García, Renata Maikel Machín Blanco, Luis Manuel Álvarez Género: Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 08/07/2016
¿De qué va?: Jesús es un joven de 18 años en busca de su identidad. Se gana la vida como peluquero y arreglando las pelucas de un cabaret de La Habana. El día que el dueño del club accede a que Jesús pueda salir al escenario travestido, el padre del chico, un boxeador recién salido de prisión, irrumpe en escena.

CRÍTICA | BROOKLYN, de John Crowley

El Nueva York irlandés

BROOKLYN, de John Crowley

6 nominaciones a los Bafta, 5 a los Critics Choice Awards y 3 a los Óscar

Irlanda, 2015. Dirección: John Crowley Guión: Nick Hornby, a partir de la novela de Colm Toibin Fotografía: Yves Bélanger Música: Michael Brook Reparto: Saoirse Ronan, Emory Cohen, Domhnall Gleeson, Julie Walters, Jim Broadbent, Michael Zegen, Mary O'Driscoll, Eileen O'Higgins, Emily Bett Rickards, Paulino Nunes, Eve Macklin, Maeve McGrath, Jenn Murray, Aine Ni Mhuiri, Nora-Jane Noone Género: Drama Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno: 26/02/2016

¿De qué va?: Años 50. Eilis Lacey deja su Irlanda natal y se traslada a Nueva York. La joven empieza a trabajar en unos grandes almacenes. Tiempo después, conoce a un chico italiano con la que hace planes de futuro. Al recibir malas noticias de su casa, Eilis decide regresar a Irlanda, aunque no sabe que ese viaje puede marcar para siempre su futuro.

En El sueño de Ellis, el director James Gray retrataba los bajos fondos del Nueva York de los años 20 a partir de la mirada de una inmigrante polaca. Dispuesta a modo de reverso romántico de esa película, Brooklyn, dirigida por uno de los artífices de la cuestionada segunda temporada de True Detective, cuenta la epopeya emocional de una joven irlandesa en la eterna ciudad de las oportunidades. Si Gray se fijaba en el duro contexto social de la historia, Crowley se sitúa en el terreno de la fábula amable. La protagonista de Brooklyn consigue hacer frente a las adversidades a la vez que atesora cierta inocencia, como si su recorrido fuera el de una heroína romántica cortada por los patrones más clásicos. Un punto de partida (y regreso) que sonaría a melodrama rosa si no fuera por la notable recreación de época y por la sutil interpretación de Saoirse Ronan, aunque su trabajo esté muy por debajo del aplomo que demanda el Óscar. Brooklyn, en definitiva, no cuenta nada nuevo, a duras penas dejará huella en la temporada de premios que nos ocupa, pero está tocada por un encanto 'vintage' bastante loable. Un cuento sin pretensiones ni altisonancias que ha gustado entre las filas de los académicos entrados en años. Nostalgia cinematográfica que se ve a gusto, aunque en el fondo no estemos demasiado lejos de una versión sofisticada de El diario de Noa y otras tontunas 'pseudorománticas'.

Para los que buscaban una película que guste igualmente a abuelas, madres e hijas.

Lo mejor: Julie Walters, a pesar de sus contadas escenas.

Lo peor: En su segundo tramo pierde fuelle.

Escucha nuestro audiocomentario de BROOKLYN en

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES: ESPECIAL PREMIOS ÓSCAR 2016

CRÍTICA | LA HABITACIÓN (ROOM), de Lenny Abrahamson

El mundo en una habitación

LA HABITACIÓN (ROOM), de Lenny Abrahamson

Premio del público del Festival de Toronto. 4 nominaciones a los Satellite Award, 3 a los Globos de oro y 2 a los SAG

Irlanda, 2015. Dirección: Lenny Abrahamson Guión: Emma Donoghue, a partir de su novela homónima Fotografía: Danny Cohen Música: Stephen Rennicks Reparto: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy, Megan Park, Amanda Brugel, Sean Bridgers, Joe Pingue, Chantelle Chung, Randal Edwards, Jack Fulton, Kate Drummond Género: Drama Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/03/2015
¿De qué va?: Jack tiene cinco años y nunca ha salido de los pocos metros cuadrados de su habitación. En el cubículo vive con su madre, hay comida suficiente y cuenta con un tragaluz desde el que puede observar el cielo. Al caer la noche, después de irse a dormir, Nick entra en la habitación. Pero la curiosidad del pequeño y la desesperación de la madre, secuestrada y encerrada contra su voluntad durante siete años, no tardan en estallar. El plan de fuga y el contacto con el mundo exterior es cuestión de tiempo.

El dicho dice que se pilla antes a un mentiroso que a un cojo. De la misma manera, se tarda muy poco en encontrar el clásico telefilm venerado por la temporada de premios entre la numerosa nómina de aspirantes al Óscar. A este blog, de hecho, le ha costado poco más que un par de uvas de Nochevieja. Ironías aparte, toca hablar de La habitación (Room), drama aplaudido en Toronto y Telluride que reúne todos los ingredientes académicos imprescindibles: interpretaciones exageradas, guión estratégicamente manipulador y un solvente uso de fotografía y música. La habitación, la historia de una joven secuestrada que ha pasado siete años encerrada en un cobertizo, cuenta con una de las premisas más potentes de la temporada. Dividida en dos partes muy diferentes, el director Lenny Abrahamson apuesta por un arranque misterioso, con una lírica infantiloide propia del Boyle de Slumdog Millionaire o del Daldry de Tan fuerte, tan cerca, que en seguida atrapa al espectador. Por desgracia, el último tramo de la película se queda en la epidermis emocional, en la lágrima efectiva y en el drama de mediatarde para féminas poco exigentes. La habitación, en contra de los rezos de la crítica norteamericana, dista de ser una exploración psicológica o un conmovedor retrato de la resistencia humana, el amor maternal, el poder de la imaginación o los instintos de supervivencia: la película tiene miedo a hablar alto y claro, da rodeos a pesar de poner la miel en los labios de la audiencia, y a la postre decepciona con su manipuladora y mínima descripción de situaciones y de personajes. Es una pena que la película apenas indague en la figura del secuestrador, en los padres de la protagonista, en los entresijos de los medios de comunicación o en los claroscuros del trauma que precede al encierro. Será suficiente para los que quieran imágenes de postal, pero sin duda La habitación está muy lejos de merecer tantos agasajos. Cuatro paredes de cartón y mucha 'marca blanca'. Cerremos comillas, cambiemos de 'screener' y volvamos al espíritu navideño del momento. Porque para contrarrestar un dicho siempre hay otro dicho: al mal tiempo, buena cara.

Para los que quieran un cursillo exprés de psicología y cine para principiantes.

Lo mejor: Jacob Tremblay.

Lo peor: A los 40 minutos de metraje, la habitación desaparece y la película se desploma.

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: JUEGO DE LÁGRIMAS, de Neil Jordan

JUEGO DE LÁGRIMAS (THE CRYING GAME), de Neil Jordan (Irlanda, 1992)

Cinoscar Summer Festival 2013: Sección oficial a concurso

Elección y presentación de Oscar Pitti: ''Si quieres disfrutar de uno de los giros de guion más demoledores del cine y de una historia apasionante que te agarra las tripas, no dudes en ver Juego de lágrimas. Una dirección firme, un guion excepcional, unas interpretaciones inolvidables... de esas veces en que todo encaja. Espero que la disfrutéis tanto como yo''.

¿De qué va?: Fergus trabaja para la IRA y recibe la misión de secuestrar a un soldado británico. El rehén es trasladado a un bosque apartado. El grupo de Fergus espera una llamada crucial que decidirá la vida del reo. Pese a las discrepancias y sospechas de sus compañeros, Fergus entabla una curiosa amistad con su víctima, una relación que repercutirá de forma decisiva en su futuro.

Palmarés: Oscar al mejor guion original y nominación a mejor película, director, actor protagonista, actor de reparto y montaje. Premio Bafta especial y 6 nominaciones, entre ellas mejor película. Candidatura al Globo de oro al mejor drama del año y al Goya al mejor film europeo del 1992. Su guion fue premiado por la Writers Guild of American y la Writers Guild of Great Britain.

Reseña: Juego de lágrimas es una bonita y contundente historia sobre personajes perdidos cuyo sistema de vida solo produce dolor y sufrimiento tanto para ellos mismos como para las personas que les rodean. El film de Jordan sigue la fábula de la rana y el escorpión que Jil, a principios de los 90 un desconocido Forest Whitaker, cuenta al protagonista de la historia: la imposibilidad de traicionar unas convicciones y de dejar una rutina tan destructiva como ineludible hace que el recorrido de los personajes sea una línea recta en constante descenso a los infiernos. Jordan crea un thriller recio sobre la fidelidad, la difícil redención y el pasado que siempre vuelve. Su mejor baza es un guion que toma los caminos más insospechados, aunque al mismo tiempo, al contener diferentes historias en una, el espectador puede tener la sensación de estar ante un producto ligeramente descompensado. Con todo, Juego de lágrimas es una película cuyas piezas casan a la perfección: crece, en definitiva, días después de su visionado. Contiene tantas temáticas y recrea de forma tan convincente las bases del mejor cine negro que, imperfecciones aparte, tiene los suficientes puntos de interés como para atraer a todo tipo de audiencias. Interesante título para conocer el estilo oscuro que Jordan posteriormente potenciaría en la popular Entrevista con el vampiro y su atracción por el universo transexual que evocaría una década más tarde en la más desquiciada Desayuno en Plutón. Elegante y absorbente.

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Increíblemente buena. Funcionan todas sus líneas temáticas. Toma riesgos gigantescos que supera con creces. Todd McCarthy, Variety.

Posee una narrativa tan insana que tiene garantizado un lugar en la historia del cine. Film 4.

Absorbente thriller sobre política, sexualidad, ética y la pérdida de identidad. Nick Davis.

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA DEL FESTIVAL

Gran comienzo y muy buena la media hora final. En la parte central nos encontramos una historia bien contada, pero poco creíble en algunos aspectos. Destaca la banda sonora y la interpretación en un pequeño papel de Miranda Richardson. Guillermo Navarro

Interesante drama sobre el terrorismo, la amistad, el amor, la homosexualidad. Resulta algo inquietante y anodina la forma de describir la relación entre Jil y Fergus. Lo mejor son los primeros 45 minutos: luego empieza a descender la intensidad. Jose Zambrano

Interesante guion que sabe mantener el ritmo durante su desarrollo. Buenas interpretaciones actorales. Mayra Meza 

Estupenda, uno de los títulos más fascinantes de los 90’s. Grandioso guión y un elenco formidable. Uggo Kollado

PUNTUACIÓN DEL JURADO

Crítica de THE SECRET OF KELLS

La sorpresa de estos Oscar tiene nombre animado, las formas de una cinta pequeña que ha recorrido numerosos festivales durante el año pasado y que ahora salta a la palestra desde la mismísima alfombra roja. Estar nominada y superar a títulos tan fuertes como Lluvia de albóndigas o Ponyo en el acantilado es una carta de presentación insuperable, una victoria de lo austero. La animación de The secret of kells es puntillosa, se desvive por la naturaleza y deslumbra con sus escenarios de formas y colores en movimiento, todo al más puro estilo medieval casi a imagen y semejanza de una ilustración antigua. Emulando el esquema de un pueblo entre murallas y un bosque lleno de secretos, la película, casi mediometraje, cuenta las sencillas andanzas de Brendan, un joven monje que, por órdenes de un ilustre escritor recién llegado al poblado, viaja a las profundidades de unos árboles cercanos para conseguir esencias naturales básicas para la creación de tinta. La fábula no precisa demasiados minutos para dibujar un mundo fascinante a base de lápiz, goma y ceras varias. The secret of kells reivindica la diferencia entre lo sencillo y lo simple, y es desde su sencillez formal donde reside toda la magia del proyecto: un cuento sobre la necesidad de soñar e imaginar, un alegato a favor de la cultura en tiempos de invasión vikinga, una forma pedagógica de enseñar a los más pequeños que los libros son vehículo de cultura que nunca deben olvidarse o perderse. No hay grandes efectos, tampoco tramas muy elaboradas: la película, como las sombras de un caleidoscopio, entra por los ojos y se vive como una experiencia inusual, suerte de cine mudo que nace de intuiciones y buenas intenciones. Muy agradable.

Es sintomático el hecho de que cada una de las cinco películas animadas nominadas al Oscar ostente una gama de texturas distinta y una forma radical de entender el cartoon tradicional. El cine animado, aquí puro, de alma infantil, no conoce límites, y la presencia de The secret of kells entre lo mejor de su género demuestra que las pequeñas compañías nacidas en Europa pueden competir sin ningún problema o complejo contra las grandes Pixar, Dreamworks o Disney. España ya ha abierto su particular frente con Planet 51 y, sin contar la presencia hace unos años de la rara avis Persépolis, podemos decir que The secret of kells, de mantenerse el simbólico número de cinco títulos nominados a la estatuilla, será recordada como la primera obra en conectar los dibujos animados de los dos lados del charco, de Dublín a Los Ángeles. Para descubrir el secreto del título, esperamos que esta producción entre Irlanda, Francia y Bélgica llegue a las salas y entretenga a su audiencia potencial: los más pequeños de la casa. Es la más pequeña de su categoría, pero su nominación casi milagrosa es una proeza sumamente grande, tanto como ese libro de joyas engarzadas que obsesiona a Brendan.

Nota: 6

HUNGER 5'5 / 10

Hunger no se ha estrenado en las salas pese a ganar premios importantes en festivales nacionales (el último, el REC de Tarragona). El cinéfilo ya no se avergüenza cuando confiesa que películas como la que nos ocupa, antónimo de lo que se estila por los multicines españoles, solo pueden verse vía internet o Emule, tótems, a nuestro pesar, de otro tipo de cultura y distribución cinematográfica. Solo por su condición de marginada, Hunger debería atraer nuestra simpatía y las críticas de los diferentes bloggeros certifican el gran recibimiento del film. Esta crítica, pero, nace de un ánimo rupturista y la necesidad de explicar los enormes vaches de un film sobrevalorado. La espera y las expectativas, saciadas ampliamente de forma fraudulenta, no se han cumplido.

Hay muchas cosas que a este analista le irritan de Hunger. El film juega a la confusión: primero filma el día a día de un guardia carcelario, para después centrarse en la rutina de una cárcel (feísta y mohosa, cómo no) y, luego, reducir el discurso a un único protagonista. Los largos silencios que propone el director son exasperantes: no se entiende ni existe justificación a tanta contemplación, momentos que pasan por ver a un hombre fumar un pitillo, a un operario que frega todo (si, TODO) un pasillo o el gratuíto flashback final, confirmación de que Hunger, más que efectiva, es efectista. Y como todo está descompensado, Hunger nos tortura con un diálogo de un cuarto de hora, teatral, intenso pero pesado, imposible de seguir vía subtítulos. Si se logra sobrevivir a tal verborrea, el espectador asiste a otros tantos momentos de violencia extrema y a la degradación final del personaje: se justifica el título ('Hambre' en castellano), pero nada más. Hunger, como resultado, es un film interesante, pero sus formas son sumamente plúmbeas, lánguidas porque sí y falsamente poéticas. Hunger debe verse, siempre y cuando se incluya un debate final porque el film es, por su narrativa y mirada, un relato muy, muy discutible.

A servidor le gustaría saber por qué se aburre con Bergman, Hunger y algunas obras de Van Sant, pero en cambio asiente ante la lentitud de Carlos Reygadas (objetivamente, Hunger es más ligera que Japón, pero, a gusto del blog, menos estimulante). El cine es impredecible, al igual que los gustos del cinéfilo, al igual que los circuitos por lo que se ve/consume películas. Hunger se suma a este debate, aunque por la puerta pequeña. Otra nueva y última cuestión: ¿por qué algunos directores noveles se empeñan en mezclar ficción con realidad y estética documental? La fórmula cansa y Hunger es la reina del hastío...