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lunes, 23 de mayo de 2022

CRÍTICA | APRENDIENDO A CONDUCIR, de Isabel Coixet


APRENDIENDO A CONDUCIR
EE. UU., 2014. Dirección: Isabel Coixet Guion: Sarah Kernochan


Tras firmar trabajos poco satisfactorios como Ayer no termina nunca y sobre todo Mi otro yo, con Aprendiendo a conducir Isabel Coixet regresa al cine personal y sensible que la hizo célebre hace unos años. El film es un proyecto que la actriz Patricia Clarkson presentó a Coixet durante el rodaje de Elegy. Clarkson había leído un relato autobiográfico que se había publicado en The Newyorker, y creía firmemente que esa breve historia debía llevarse a la gran pantalla. La catalana se comprometió a dirigirla y mantuvo su palabra durante casi ocho años, el tiempo que separa Elegy de Aprendiendo a conducir. Una espera larga, pero la mar de provechosa.


En el Nueva York contemporáneo, Wendy, una escritora de éxito, debe hacer frente a la separación de su marido. Ante la disolución de su matrimonio, Wendy se plantea abandonar Manhattan, pero para ello necesita aprender a conducir y ganar en independencia y tiempo para ella. La película, por lo tanto, nos cuenta cómo el camino de Wendy se cruza con el de Darwan, un hindú ya maduro, con un pasado turbulento a sus espaldas, que trabaja como taxista y como profesor de autoescuela. 


Aprendiendo a conducir es una pequeña gran historia sobre la libertad y la emancipación. Un cuento que nos desvela cómo vivir en un mundo ajetreado, bullicioso y convulso, marcado por los prejuicios, la intolerancia y la multiculturalidad. Wendy, el personaje protagonista, es un ejemplo de cómo aceptar los avatares del destino y de cómo debemos sobreponernos a los hechos y a las acciones, ya sean nuestras o de segundas personas, que cambian nuestra existencia por completo. Wendy pierde un marido, pero por el camino gana mucho más: se reencuentra a sí misma, se reafirma como mujer, como artista y como madre, aprende a perdonar, aprende a aprender (porque, por muy madura que sea, acepta que hay cosas que desconoce o que no están bajo su control) y entabla una preciosa amistad con un ser, su profesor de conducción, con el que a priori no guarda nada en común. 


Con el personaje de Darwan, Coixet describe un Nueva York de barrios en los que se dan cita inmigrantes, trabajos precarios y vidas al límite. Pero, afortunadamente, la directora no cae en los clichés de cierto cine ‘good feeling’ ni en los choques obvios de culturas: todo fluye de una forma natural. No es, en otras palabras, la clásica historia de ‘mujer rica conoce hombre pobre’: el film va más allá, y al final resulta más real y humano. Tampoco cae en los tópicos de los films sobre conflictos culturales: obvia la comedia de situación, es concisa, elude cualquier subrayado y hábilmente evita incidir en el pasado de los personajes, o al menos no de una forma impúdica o lacrimógena, como podría esperarse, por ejemplo, de gran parte del cine norteamericano.


Una película serena, tranquila, amable pero no condescendiente, aparentemente liviana pero nada banal. Un film que seguramente muchos considerarán ‘menor’ o ‘pequeño’, pero que en verdad encuentra su magia en la anécdota y en lo rutinario. Estamos ante una de las obras más positivas de la directora: volvemos a tener una protagonista femenina convulsa ‘made in Coixet’, pero en esta ocasión sí hay espacio para la esperanza. Una película para públicos adultos que quieran pasar una hora y media agradable. Y, sobre todo, una película que puede gustar mucho a las mujeres de 40 o 50 años que quieran ver historias plausibles, películas que cuenten parte de sus problemas, de su realidad y de su mundo… algo en el que el cine de nuestros tiempos no suele reparar. Un entretenimiento agridulce y veraz que seguro reconciliará a muchos con el cine de Coixet.



jueves, 7 de octubre de 2021

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | TODO SOBRE MI MADRE (ALL ABOUT MY MOTHER), de Pedro Almodóvar (España)


TODO SOBRE MI MADRE (ALL ABOUT MY MOTHER)

España, 1999. Dirección: Pedro Almodóvar Guion: Pedro Almodóvar Música: Aberto Iglesias Fotografía: Affonso Beato Reparto: Cecilia Roth, Marisa Paredes, Penélope Cruz, Candela Peña, Antonia San Juan, Rosa María Sardà, Fernando Fernán Gómez, Fernando Guillén, Toni Cantó, Eloy Azorín, Carlos Lozano, Cayetana Guillén Cuervo Género: Drama. Melodrama Duración: 100 min. Tráiler: Link 
¿De qué va?: Madrid. Manuela, una madre soltera, ve morir a su hijo el día en que cumple 17 años, por echarse a correr para conseguir el autógrafo de Huma Rojo, su actriz favorita. Destrozada, Manuela viaja entonces a Barcelona en busca del padre del chico. (FILMAFFINITY)


Manuela, el personaje central de Todo sobre mi madre, viaja de Madrid a Barcelona, justamente el trayecto contrario que realizó 17 años atrás. Almodóvar filma esa huida con una transición sin significado aparente pero que acaba siendo crucial para entender el filme: el tren que la acoge atraviesa un túnel que parece un agujero insondable, las cavernas de un útero materno. El personaje hará ese trayecto dos veces más en el epílogo de la película, y de nuevo el cineasta filma esos momentos como visitas a un abismo interior, con travellings muy medidos en los que el rojo, su color distintivo, se alterna con el negro absoluto. El filme tiene muchos hallazgos visuales, sin duda dignos de un análisis pormenorizado, pero la cita de este detalle sirve por sí solo para reivindicar Todo sobre mi madre como la gran película de Almodóvar sobre la mujer en todas sus expresiones, roles, sexualidades y géneros, así como la reverencia definitiva hacia el carácter lúbrico, la capacidad de aguante y el altruismo sin límites de las madres, sin importar si estas son biológicas, adoptivas, abuelas o, por qué no, hombres. También actrices, de oficio o accidentales, porque Todo sobre mi madre entiende el arte interpretativo como estado natural de la mujer que, sabiéndose menostenida, se ha hecho a sí misma a base de fingimientos. Cine moderno, en fondo y forma, que sortea sus capas, saltos en el tiempo y mezcla de géneros con cercanía y credibilidad: el trazo de esta Manuela en duelo, la monja Rosa, la fantasmagórica Lola, la prostituta Agrado, la diva Huma Rojo y la drogadicta Nina exceden por mucho, ya no solo lo plausible en términos narrativos, sino el aperturismo real de un país tan contradictorio como el nuestro. La recreación (Eva al desnudo, Música para camaleones, Un tranvía llamado deseo, Yerma) convertida en creación misma. Probablemente el inusitado éxito que Todo sobre mi madre cosechó en todo el mundo tiene que ver con esa imagen moderna y modernista (Gaudí) que el extranjero quería asociar a la España del desarrollo. Acojámonos a eso, por muy ilusorio que sea, para justificar por qué es un placer y un deber volver periódicamente a esta obra maestra: Todo sobre mi madre es una película del futuro.



martes, 31 de agosto de 2021

CRÍTICA | CHAVALAS, de Carol Rodríguez Colás


CHAVALAS
España, 2021. Dirección: Carol Rodríguez Colás Guion: Marina Rodríguez Colás
Festival de Málaga: Premio del público
 

Los mandos de la dirección cinematográfica en España están bajo el control de noveles millenials. Repercusiones de ello: las óperas primas de nuevo cuño son austeras, con cierto tono confesional, casi autobiográfico. Parte de esta nómina de debuts muestran las tensiones entre las bases tradicionales de nuestra sociedad y el modus vivendi de quienes no conocieron la España de la posguerra, pero sí el país de la crisis económica, la revolución tecnológica, la polarización política y la banalización de casi todo. Chavalas cuenta el regreso de una fotógrafa a su barrio. Colisionan con humor y ternura los sueños que no se cumplieron con los orígenes de los que en algún momento uno se sintió avergonzado. Noventa minutos que se intuyen vividos, vívidos. Carol Rodríguez Colás, una más de la pandilla, se reconcilia con el pasado, presume de raíces y echa mano de un repertorio tragicómico con momentos agradables, entre lo ingenioso y lo previsible. Qué pena que las chavalas cineastas del siglo XXI no puedan explorar su talento con presupuestos más holgados y se queden como las espontáneas heroínas de la película: solas, sentadas en un banco público, detenidas en el tiempo, comiendo pipas, bebiendo alcohol de garrafón y viendo las luces de los edificios cerrándose a medida que avanza la noche. ¿Una película sobre el fracaso con un falso final feliz? 



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miércoles, 11 de diciembre de 2019

CRÍTICA | EL TIEMPO CONTIGO (WEATHERING WITH YOU), de Makoto Shinkai


EL TIEMPO CONTIGO (WEATHERING WITH YOU)
Precandidata al Óscar 2020 a la Mejor película internacional
Japón, 2019. Dirección y guión: Makoto Shinkai Fotografía: Animación Reparto: Animación Música: Radwimps  Género: Animación. Drama. Fantasía Tráiler: Link Duración: 112 min. Fecha de estreno en España: 29/11/2019
¿De qué va?: Un adolescente huye de su casa para ir a vivir a Tokio. En dicho lugar conocerá a Hina, una chica con el extraño poder de controlar  el clima. Juntos Hodaka y Hina vivirán una aventura llena de peligros pero también de momentos muy emocionantes. 

lunes, 2 de diciembre de 2019

CINE ESPAÑOL | LA INOCENCIA, LITUS y LA BANDA


LA INOCENCIA
España, 2019. Dirección: Lucía Alemany Guion: Laia Soler y Lucía Alemany
¿De qué va?: Es verano y Lis ansía con estudiar en una escuela de circo en Barcelona. Quiere salir de su pueblo cueste lo que cueste, aunque disfruta con sus amigas y su novio. La llegada del otoño le planteará nuevos retos. Ficha completa
Reparto: Carmen Arrufat, Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued, Sonia Almarcha Fotografía: Joan Bordera Género: Drama Duración: 92 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 10/01/2020.

En el cine, no solo el español, hemos asistido a muchas películas de aprendizaje, adolescencia y crecimiento. Lo que no es tan habitual es que esas historias se presenten con la franqueza de La inocencia, ópera prima muy madura de Lucía Alemany en la que la directora captura un cosmos que muchos sentimos como propio: pueblos entre dos lenguas, franqueados por mar y montañas, con la rémora del qué dirán y el estallido de libertad que implica la llegada del verano y de las fiestas patronales. Alemany también habla de la pulsión sexual, la ausencia de oportunidades de la España rural, las tiranteces entre familiares, los prejuicios entre vecinos y las situaciones cercanas al maltrato que se viven entre amigos, en las calles o en los pasillos de los institutos. Entre todos esos paisajes y temas, la actriz Carmen Arrufat se mueve en pantalla como una fuerza de otro mundo, tan corpórea y espontánea que por momentos recuerda al mejor cine de Kechiche. A su alrededor, el conjunto de personajes está perfectamente defendido por sus intérpretes y todos cuentan con su particular evolución y psicología. Un canto a la libertad que perfectamente podría proyectarse en los festivales más importantes, incluso en centros educativos. En su contra: la familiaridad de su premisa. A favor: todo lo demás. Esperemos que su estreno tardío en 2020 y su carácter fronterizo (¿entenderán en Madrid y Barcelona las peculiaridades, a todos los niveles, de un lugar como Traiguera?) no empañe la trayectoria de este debut estival, hermana de títulos como A cambio de nada o Estiu 1993.



LITUS
España, 2019. Dirección: Dani de la Orden Guion: Marta Buchaca y Dani de la Orden,
a partir de la obra de Marta Buchaca
¿De qué va?: Un grupo de amigos se reúne unos meses después del suicidio de Litus, su colega. En la reunión, todos descubren que Litus les escribió unas cartas personales antes de fallecer. Ficha completa
Reparto: Álex García, Adrián Lastra, Belén Cuesta, Quim Gutiérrez, Miquel Fernández, Marta Nieto Música: Iván Ferreiro y Dani Trujillo Fotografía: José Luis Bernal Ibañez Género: Comedia dramática Duración: 85 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 13/09/2019.

Dani de la Orden es uno de los directores más activos de los últimos años tanto en la pequeña como en la gran pantalla. Litus, su estreno más reciente, sigue indagando en el tono tragicómico que nos tiene acostumbrados, si bien en este caso apuesta por un retrato generacional más desangelado de lo habitual. Paradójicamente, De la Orden ha encontrado en la obra de Marta Buchaca la posibilidad de dar forma a su obra más personal y presumir de sus ya contrastadas habilidades: dirección de actores, diálogos espontáneos, giros de guion y selección musical. Lo único que lastra a esta Litus, paralelamente a su caligrafía teatral, es la sensación, casi obviedad, de que todo lo visto no es más que una anécdota entre amigos, un encuentro privado en el que sobran los lugares comunes y se echan de menos las emociones de carne y hueso. Un detalle que, además, pone de manifiesto el crecimiento y sobre todo las aristas de un De la Orden que, acostumbrado a las exigencias comerciales de Atresmedia y Netflix, olvida firmar escenas para el recuerdo, momentos con hondura, instantes de un cine que se intuya "íntimo" pero también "grande". ¿No será Dani de la Orden, a sus 30 años, por desgracia, a lo mejor solo por accidente, una imagen fiel de la esfera millenial, espectadora y ahora cineasta, que filtra la vida y el arte desde el "ego"? De la duda probablemente se explique por qué el filme no ha gustado a cierto sector de la crítica y, por contra, recibió aplausos en un escaparate como el Festival de Málaga. A lo mejor que Litus toque o no la fibra sensible dependerá de la edad del espectador, por mucho que el Litus del título se manifieste mediante cartas, un sistema muy "siglo XX". Posdata: qué bien están Lastra y Gutiérrez, y qué poco provecho saca la historia de Cuesta y Nieto.



LA BANDA
España, 2019. Dirección y guion: Roberto Bueso
¿De qué va?: Edu es un joven músico que regresa a su pueblo para asistir a la boda de su hermano. El reencuentro con los compañeros de la infancia y la novia de su mejor amigo le hará dudar de sus prioridades. Ficha completa
Reparto: Gonzalo Fernández, Charlotte Vega, Carlo Blanco, Pepo Llopis, Xavi Giner, Hugo Rubert, Enric Benavent, Inma Sancho Música: Vicente Ortiz Gimeno Fotografía: Víctor Entrecanales Género: Drama Duración: 86 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 21/06/2019.

Solo aquellos que conozcan la idiosincrasia de la Comunidad Valenciana saben hasta qué punto son importantes las agrupaciones musicales en esa región. La vida social se concentra en los bares de esas escuelas, los chavales crecen entre partituras y la convivencia se cohesiona a partir de bandas. Algunos se quedan en sus pueblos natales y pasan ese amor por la música de padres a hijos, y otros viajan al extranjero en busca de fortuna, soñando con convertir esa afición en una profesión. En ese cosmos, local pero muy reconocible, Roberto Bueso sitúa la acción de La banda, más concretamente las encrucijadas vitales de una pandilla de veintitantos que, en su reencuentro, hace obligatorio balance de su trayectoria, sopesando las expectativas de antaño con los objetivos cumplidos. En esa introspección, el guion describe a toda una generación de Peterpanes, la de nuestros hermanos mayores, incluso la nuestra. Bueso habla con conocimiento de causa y con la sensibilidad que requiere la historia, equilibrio de costumbrismo, comedia dramática y emoción sin excesos. Resta, eso sí, la evidencia de su planteamiento, tan fácil de intuir desde el primer minuto como, a la postre, desarrollado según los repetidos formalismos de cierto cine low cost que suple sus carencias con grandes dosis de humanidad. Por ello, La banda parece destinada a ocupar un papel secundario dentro del último cine español, por mucho que demuestre el creciente poder de la producción audiovisual valenciana. Talentos noveles no faltan: solo es cuestión de afinar instrumentos. Ojalá podamos ver al actor Gonzalo Fernández, uno de los descubrimientos más bellos del curso, en más y mejores proyectos. 


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lunes, 7 de octubre de 2019

FESTIVAL DE SITGES 2019 (III) | CINE ESPAÑOL: VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN, EL ASESINO DE LOS CAPRICHOS, EL HOYO, 4x4, PARADISE HILLS y AMIGO


VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN
España, 2019. Dirección: Aritz Moreno
Sección: Oficial a concurso

La novela Ventajas de viajar en tren de Antonio Orejudo era una genialidad imposible de adaptar al cine. Decimos "era" porque, contra todo pronóstico, la película de Artiz Moreno es fiel al "cariño cruel" del libro, incluso a su estructura en tres episodios. Como sucede con los cerebros de los afectados de personalidad múltiple, el filme se abre como una cebolla que va desvelando todas sus capas: vamos de la meseta a París, del fragor de la guerra al interior de un quiosco... y suma y sigue. Mientras, desde la butaca, uno abre los ojos como platos y se sorprende al ver que el castillo de naipes nunca se desploma. Comedia negrísima sobre detritos, maltratos y trastornos, una visión deformada y lúdica de lo que somos con una estética y un reparto únicos. De esas veces en las que todos los planetas (medios, elenco, presupuesto) se alinean para formar una ópera prima de culto instantánea, título único en nuestro país y de cualquier cinematografía, con tal cantidad de espacios, tiempos, caracteres y datos que invita a visionarla más de una vez. Le deseamos mucha suerte: esperemos que sus excentricidades no vayan acompañadas de la incomprensión del público mayoritario. El cariño de los asistentes en Sitges lo tiene garantizado.



EL ASESINO DE LOS CAPRICHOS
España, 2019. Dirección: Gerardo Herrero
Sección: Órbita


Gerardo Herrero, pese a ser uno de los cineastas más prolíficos del panorama nacional, apenas ha aportado un par de títulos estimables. El asesino de los caprichos incide en el amor del cineasta por el thriller, el género que más ha cultivado en la última década. A partir de un libreto de Ángela Armero (que parece la adaptación de una novela superventas), Herrero, a diferencia del carácter ibérico de los últimos Sorogoyen y Arévalo, convoca gran parte de los clichés del noir norteamericano (mujeres uniformadas con comportamientos masculinos, cierta esencia de buddy movie, etc.), una fórmula que recuerda a policíacos de tiempos pretéritos. La película, como resultado, apela a una narrativa desfasada, incluso en aspectos técnicos ya superados (véase las escenas en la azotea, con un uso del croma que clama al cielo). Una buena idea lastrada por la incapacidad de sus responsables por ir más allá de lo evidente. Entretiene moderadamente, con instantes de humor involuntario y un reparto que, pese a su oficio, no puede salvar el conjunto de la más absoluta medianía. Susceptible de un remake futuro.



EL HOYO
España, 2019. Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia
Sección: Oficial a concurso


2019 pasará a la historia como el año en que nuestro cine se exhibió y ganó premio en casi todos los festivales internacionales. El hoyo, último nombre que se añade a la cosecha, llega a Sitges con el subtítulo de "la sorpresa de Toronto" y su pase ha superado con creces todas las expectativas. El debut de Gaztelu-Urrutia en el largometraje es la madre de todas las distopías políticas, una especie de "Cube a la española" que cuestiona las bases del capitalismo, el desapego al prójimo, nuestra relación con la comida y, en general, un sistema social que consume objetos y personas. Durante noventa minutos, Ivan Massagué está encerrado en una especie de pirámide vertical, con plataformas que imitan un sistema de castas: arriba están los más aventajados y abajo sufre la clase pobre, que muere y mata por absoluta necesidad. La premisa se domina a la media hora de metraje, pero la trama introduce variaciones que permiten dilatar la reflexión y el entretenimiento: hay material incluso para realizar las series y las secuelas que se quieran. Una idea brillante ejecutada con compromiso social y de género. Dará mucho que hablar y muchas alegrías a su equipo. Recordad: "la panna cotta es el mensaje. Obvio".



4x4
Argentina, 2019. Dirección: Mariano Cohn
Sección: Òrbita

A juzgar por sus últimos estrenos, parece que los argentinos están "hasta las pelotas", con perdón. Y no hay nada mejor que la ficción para destapar las injusticias sociales y, por qué no, canalizar toda la rabia contenida. Todo ello estaba en las bases de los Relatos salvajes de Damián Szifrón y en los proyectos de la pareja que forman Cohn y Duprat. En 4x4, el primero dirige, el segundo escribe y ambos se divierten bromeando con su propia obra (inventan el cartel de una hipotética secuela de su El hombre de al lado) y llevando al extremo sus estilemas (si antes jugaban a incomodar a su protagonista, y con él a gran parte del público, ahora la claustrofobia es literal y el personaje está encerrado en el interior de una camioneta blindada durante el 90% del metraje). El resultado, más cercano al fantástico que a la retranca ché, presume de algunos hallazgos visuales (destaca la fotografía de Kiko de la Rica), mantiene al espectador pegado a la butaca... y, tras su resolución, no puede esconden su carácter anecdótico. Como un relato del citado Szifrón, pero estirado hasta alcanzar la canónica hora y media. Con más energía que brío, más enfado que denuncia. Coproducción hispano-argentina, otra más, que no tardará en llegar a nuestras salas.



PARADISE HILLS
España, 2019. Dirección: Alice Waddington
Sección: Oficial a concurso

El mundo del cine es para los valientes. Con 29 años, la bilbaína Alice Waddington presenta una ópera prima inusual dentro del panorama español. Paradise Hills es una fantasía femenina y feminista con una cuidada puesta en escena, una notable economización de recursos y combinación de talento nacional y actores internacionales, una fórmula muy acorde con las demandas comerciales de nuestros tiempos. También, como sucede con parte del audiovisual más reciente, Paradise Hills cuenta con una buena premisa que, a la postre, va perdiendo fuelle hasta diluir toda la carga emocional e ideológica que apuntaban sus primeras escenas. La odisea de unas jóvenes burguesas que están encerradas en un internado es un "quiero y no puedo" de lugares comunes que, con todo, puede gustar a su audiencia potencial: adolescentes, millenials y etcétera. Nos quedamos, en definitiva, con una estética (vestuario, dirección artística, maquillaje y peluquería) que, aunque vacía, no está exenta de méritos. Una excéntrica demostración de todo lo que es capaz de hacer nuestra industria y, colateralmente, una exposición de todas sus vergüenzas e imperfecciones.



AMIGO
España, 2019. Dirección: Óscar Martín
Sección: Oficial a concurso


Puede que Javier Botet nunca gane un Goya, pero probablemente no lo necesite: es con toda seguridad el intérprete español que más ha trabajado en la última década, tanto en España como en el extranjero. En reconocimiento a esa hiperactividad, claramente vinculada a su singular físico, el Festival de Sitges le ha otorgado este año un premio muy merecido y nada corriente. Lástima que ese galardón se justifique con la proyección de una película tan anecdótica como Amigo, en la que Botet también participa en labores de guion. Sin las capas de maquillaje a las que nos tiene acostumbrados, el cuerpo desnudo del intérprete es lo único imponente de un filme que nunca debió pasar del formato corto. Dos amigos deciden vivir en una casa en mitad de la nada. Uno está enfermo, el otro ejerce de cuidador, y entre ambos hay varios secretos y rencillas que se resuelven con moderado interés en su tercio final. Óscar Martín cuenta con pocos medios, pese a lo dicho estamos ante una película "resultona"... pero su inclusión en Sitges resulta excesiva (sin olvidar que el festival de catalán es muy dado a las desmedidas). Botet, a nuestro pesar, no ampliará su nómina de amigos. Difícilmente encontrará acomodo en la gran pantalla.


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jueves, 9 de mayo de 2019

CRÍTICAS | QUIERO COMERME TU PÁNCREAS, OKKO, EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS y MODEST HEROES

Películas de Anime


QUIERO COMERME TU PÁNCREAS
Japón, 2018. Dirección y guion: Shin'ichirô Ushijima a partir de la novela de Yoru Sumino
¿De qué va?: Cuando Sakura es diagnosticada con una enfermedad terminal, ella decide no contar a nadie su situación. Pero fortuitamente uno de sus compañeros de instituto se entera de su secreto y desde entonces inician una particular relación. Ficha completa
Música: Hiroko Sebu Género: Animación. Drama. Romance Duración: 108 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/04/2019.

Shin'ichirô Ushijima debuta en la dirección de largometraje con este drama sobre dos adolescentes que de manera fortuita entrelazan sus caminos y dan lugar a una historia sobre la vida, la amistad y también la muerte. Quizás lo más destacable que tiene Quiero comerme tu páncreas es que, pese a usar la enfermedad apenas como hilo conductor para desarrollar la trama, la idea de hablar sobre la muerte en una edad cuando la transitoriedad de la existencia no es un tema de gran preocupación, resulta interesante. También es curiosa la unión de dos personajes tan opuestos para así hablar sobre las relaciones humanas y qué es lo que nos convierte en lo que llegamos a ser. Todo esto desarrollado de manera simpática y agradable aunque también se atisban detalles que a los más exigentes pueden molestar un poco, por ejemplo: el excesivo dramatismo de ciertas escenas, las reacciones exageradas de alguno de los personajes y momentos un tanto repetitivos, además todo ello contribuye a dilatar innecesariamente el metraje. Sin embargo y, a pesar de sus imperfecciones Quiero comerme tu páncreas es una película entretenida pero sobre todo interesante. En sus momentos más álgidos muestra un estilo poético que recuerda al cine de Makoto Shinkai, donde la tragedia lo inunda todo y las relaciones interpersonales trascienden tiempo y espacio creando un relato capaz de conmover al espectador. Recomendable para quienes disfrutaron con películas como Your Name, El himno del corazón o incluso A Silent Voice. 


OKKO, EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS
Japón, 2018. Dirección: Kitarô Kôsaka Guion: Reiko Yoshida a partir de la novela de Hiroko Reijo
¿De qué va?: Okko es una adolescente que debe ir a vivir al campo en una posada tradicional japonesa que dirige su abuela. Mientras se prepara con cierta renuencia para ser la nueva encargada del lugar, conocerá a varios fantasmas amistosos. Ficha completa
Música: Keiichi Suzuki Género: Animación. Drama. Fantasía Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/05/2019.

Antes de empezar su carrera como cineasta, Kitarô Kôsaka trabajó en el departamento de animación del Studio Ghibli junto al director Hayao Miyazaki en la animación de películas como Castillo en el cielo, Princesa Mononoke, Ponyo en el acantilado o incluso la nominada al Óscar El viento se levanta. Es probable que por todo ello la influencia de Miyazaki, se atisbe ligeramente en Okko, el hostal y sus fantasmas, adaptación cinematográfica de una novela infantil escrita por Hiroko Reijo. En Okko, el hostal y sus fantasmas, Kôsaka narra la historia de una adolescente que debe ir a vivir con su abuela en la posada que esta dirige, allí Okko, empezará a tener experiencias sobrenaturales al poder ver y hablar con varios fantasmas de niños que viven en dicho lugar. Todo esto es el preámbulo para desarrollar una historia sobre la amistad, el dolor de la pérdida, el crecimiento personal y las raíces culturales. No es una obra de gran calado pero tiene un desarrollo entretenido y agradable logrando equilibrar el drama y la comedia, además, cuenta con un diseño de personajes y animación bastante correcto. En definitiva, Okko, el hostal y sus fantasmas es disfrutable y, a pesar de estar dirigida principalmente al público infantil puede gustar también a los adultos.


MODEST HEROES - PONOC SHORT FILMS THEATRE. VOLUME 1
Japón, 2018. Dirección: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita 
Guion: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita
¿De qué va?: Película compuesta por tres cortometrajes dirigidos por antiguos trabajadores del Studio Ghibli, que ahora forman parte del Studio Ponoc. Ficha completa
Música: Yasutaka Nakata, Takatsugu Muramatsu y Masanori Shimada Género: Animación. Drama. Fantasía. Aventura Duración: 45 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/09/2019 (Netflix).

Kanini & Kanino, el primero de los tres cortos que componen este largometraje fue realizado por Hiromasa Yonebayashi, quien en esta ocasión narra la aventura de una especie de familia acuática que deberá sortear ciertos peligros. Kanini & Kanino recuerda un poco a Arrietty y el mundo de los diminutos, guarda similitudes al tener singulares personajes diminutos, aunque en esta ocasión su  hábitat reside bajo el agua, lugar donde se desarrolla  la  acción de esta historia de supervivencia, entretenida y muy vistosa aunque bastante sencilla y carente de toda la emotividad y calado emocional que suele estar presente en el cine de Yonebayashi. El segundo cortometraje es Life Ain't Gonna Lose, la historia de un niño que padece una alergia en particular que le causa muchos problemas y le impide llevar una vida normal.  Yoshiyuki Momose dirige este drama familiar que muestra de manera interesante los avatares de una madre y su pequeño conviviendo con la enfermedad. Los minutos finales de Life Ain't Gonna Lose están muy bien resueltos. El tercer y último corto es Invisible, singular relato que pese a su sencillez logra captar la atención del espectador con ese aire de extrañeza que desprende el metraje y al mismo tiempo haciéndonos participe de una aventura poco usual. Quizás resulte demasiado abstracto, aún así, Akihiko Yamashita logra un trabajo visualmente correcto y muy entretenido. En líneas generales, Modest Heroes es un trabajo interesante, tal vez destaca más en su apartado técnico que en su guion, pero sin duda merece la pena el visionado.
Escucha toda la información de los ESTRENOS DE 2019 en

viernes, 8 de marzo de 2019

CRÍTICAS | MENTES BRILLANTES, EL GRAN BAÑO y ALGO CELOSA

A VUELTAS CON LA COMEDIA FRANCESA



MENTES BRILLANTES (PREMIÈRE ANNÉE)
Francia, 2018. Dirección y guion: Thomas Lilti
Nominación al César al mejor actor revelación (William Lebghil)
¿De qué va?: Antoine decide prepararse para las pruebas de acceso a Medicina… por tercera vez. En cambio, para Benjamín es su primer intento y pronto se dará cuenta de que esto no es pan comido. En un mundo tan competitivo y caracterizado por noches de estudio intenso en lugar de fiestas universitarias, los dos amigos tendrán que encontrar un término medio entre el sacrificio del presente y la esperanza de un brillante futuro. Ficha completa
Reparto: Vincent Lacoste, William Lebghil, Michel Lerousseau, Guillaume Clérice, Alexandre Blazy, Noémi Silvania, Tessier, Adrien Schmück, Quitterie Boascals de Reals, Tiphaine Piovesan, Jeremy Corallo, Mehdi Amouri, Jessica Corre, Benjamin Pariente, Elodie Chauveau, Maxime Fosset, Christophe de Mareuil, Pierre Samuel, Antoine Lilti Música: Alexandre Lier, Sylvain Ohrel, Nicolas Weil Fotografía: Geoffrey Simpson  Género: Drama Duración: 92 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/04/2019 

Thomas Lilti, especialista en Medicina General, arrasó en Francia con Hipócrates, comedia sobre un joven médico en prácticas. A esa aventura le siguió Un doctor en la campiña, reivindicación de los sanitarios rurales. Y como no hay dos sin tres, ahora nos llega Mentes brillantes, enésimo éxito en la cartelera del país vecino, en este caso contando el esfuerzo de dos chicos que quieren presentarse a las pruebas de acceso para estudiar Medicina. Lilti dirige, escribe y repite con el actor Vincent Lacoste, y las tablas se notan: la trama se desarrolla con la facilidad de lo complejo, y la película consigue que todo lo que sucede en pantalla nos interese y divierta. Mentes brillantes habla de la medicina, evidentemente, pero por encima de las montañas de apuntes está una bonita historia de amistad. Hay lugares comunes, pero también la verdad de lo vivido. Tan ilustrativa que no costaría verla como película de referencia en institutos y universidades. No es brillante, ni falta que le hace. Prepárense: este año veremos a Lacoste aquí y en dos títulos más (Amanda y Vivir deprisa, amar despacio), y en todos roza la matrícula de honor.


EL GRAN BAÑO (LE GRAND BAIN)
Francia, 2018. Dirección: Gilles Lellouche Guion: Gilles Lellouche, Ahmed Hamidi y Julien Lambroschini
César al mejor actor secundario (Philippe Katrine) y 9 nominaciones más, incluyendo mejor película
¿De qué va?: En plena crisis de los cuarenta, un peculiar grupo de hombres decide formar el primer equipo nacional de natación sincronizada masculino. Desafiando estereotipos e ignorando la incomprensión de los que les rodean, se sumergen en una insólita aventura que les llevará a hacer frente a las dificultades y a sacar lo mejor de sí mismos gracias a la ilusión y el trabajo en equipo. Ficha completa
Reparto: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde, Jean-Hugues Anglade, Virginie Efira, Leïla Bekhti, Philippe Katerine Ivanov, Mélanie Doutey, Jonathan Zaccaï, Noée Abita, Erika Sainte, Marina Foïs, Félix Moati Música: Jon Brion Fotografía: Laurent Tangy  Género: Comedia Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 11/01/2019. 

Dejémonos de "feminismos" y reconozcamos que la crisis económica ha tocado y hundido el orgullo del macho europeo. ¿Qué me dicen de la presión social por ser "el cabeza de familia? ¿O de lo mucho que nos cuesta ver y aceptar que un hombre exteriorice sus emociones? ¿Y del handicap de tener que lidiar con los oficios más físicos y menos valorados, no solo en el aspecto económico? ¿Dónde quedó la amistad masculina? Por todo ello, Full Monty tuvo un enorme impacto en su momento, y eso explica también que ahora, en clave gala, El gran baño ponga a los mejores actores del país en una piscina cubierta, jugando a ser las sirenas que nunca fueron. Ya se sabe: bajo el agua, las lágrimas se confunden con el cloro. Su revolución bien merece un aplauso, por mucho que sus hazañas sigan al dedillo el manual del mejor cine de sobremesa: escueta presentación de personajes, desarrollo con disparates más o menos hilarantes, y un final triunfalista que devuelve cierto equilibrio, para el caso dignidad, a sus (anti)héroes. Para los cinéfilos más francófonos, suma puntos el hecho de tener de nuevo en pantalla a Amalric, Canet y compañía, todos ellos "actores-cineastas", hablando desde y para su generación, en una simbiosis que va más allá de lo estrictamente fílmico. El resultado es menos interesante que Pequeñas mentiras sin importancia, y aún así saltaríamos del trampolín más alto si hiciera falta para que toda la comedia europea "de fórmula" tuviera tanto talento por metro cuadrado (o cúbico). ¡Ah! Y entre tanto cuarentón, Virginie Efira "se sale": las ganas por verla en lo nuevo de Paul Verhoeven son inmensas.


ALGO CELOSA (JALOUSE)
Francia, 2017. Dirección y guion: David Foenkinos y Stéphane Foenkinos
Nominación al César a la mejor actriz protagonista (Karin Viard)
¿De qué va?: Casi de un día para otro Nathalie Pêcheux, una mujer divorciada profesora de francés, pasa por un proceso de transformación de madre adorable a persona celosa, al comenzar a sentir celos de su hija Mathilde, una guapa bailarina de ballet clásico de 18 años. Su problema aumenta cuando también comienza a tener celos de sus amigos, de sus compañeros de trabajo y hasta de sus vecinos. Ficha completa
Reparto: Karin Viard, Marie-Julie Baup, Thibault de Montalembert, Anaïs Demoustier, más Anne Dorval, Corentin Fila, Stéphane Foenkinos, Éric Frey, Bruno Todeschini, Dara Tombroff Fotografía: Guillaume Deffontaines  Género: Comedia Duración: 102 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/06/2018. 

La comedia francesa, incapaz de salir de su zona de confort, firma puntualmente películas de un impacto inalcanzable para el resto de cinematografías europeas. El asunto merece un estudio amplio: tiene mérito facturar como churros títulos que, pese a sus trampas, entretienen a todos los públicos, recaudan millones en todo el globo y consiguen que una amplia mayoría asocie "lo francés" a cierta idea de elegancia o madurez, sin escarbar en la impostura subrepticia. Algo celosa sigue el manual del buen divertimento galo. Es blanca y liviana. Tiene una actriz que ilumina la pantalla. Cuenta con escenas realmente divertidas. Por momentos parece que vaya a levantar alas y a celebrar sin complejos la incorrección de su protagonista, una profesora menopáusica, sin filtros y con muchos sofocos. Pero, "¡oh, sorpresa!", la película prefiere virar hacia el enjuiciamiento, la moralina, el final feliz. Y todo termina como empieza, con los franceses vendiéndonos gato por liebre. Nada que merezca nuestros celos. O sí: la versión patria, el Sin rodeos de Santiago Segura, es mucho más deficiente. Al final, la diferencia estriba en la capacidad de convencer a los demás y de convencerse de que se está contando una historia "importante". Volveremos a caer en la tentación. Y si es con Viard en el noventa y cinco por ciento de los planos, mejor que mejor.

lunes, 30 de julio de 2018

CRÍTICA | VÍAS CRUZADAS (THE STATION AGENT), de Thomas McCarthy


VÍAS CRUZADAS (THE STATION AGENT)
Estados Unidos, 2003. Dirección y guión: Thomas McCarthy Música: Stephen Trask Fotografía: Oliver Bokelberg Reparto: Peter Dinklage, Patricia Clarkson, Bobby Cannavale, Michelle Williams, Josh Pais, Richard Kind, Paula Garces, Jase Blankfort, Paul Benjamin, Lynn Cohen, Joe Lo Truglio, Raven Goodwin, Marla Sucharetza, Ileen Getz, Jayce Bartok, John Slattery Género: Comedia dramática Duración: 88 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/02/2004.
¿De qué va?: En un lugar remoto de la Norteamérica rural, diferentes personajes viven aislados en sus dramas personales. Un hombre que sufre enanismo se traslada a una estación de tren abandonada para evitar las miradas de sus vecinos, una mujer se refugia en el campo tras la muerte de su hijo y un chico excéntrico decide llegar una vida austera, casi "hippiesca", como vendedor de un puesto ambulante de perritos calientes. Los tres entablarán una relación muy curiosa.

jueves, 12 de julio de 2018

CRÍTICA | EN LA CIUDAD, de Cesc Gay


EN LA CIUDAD
España, 2003. Dirección: Cesc Gay Guión: Cesc Gay y Tomás Aragay Música: Joan Díaz y Jordi Prats Fotografía: Andreu Rebés Reparto: Mónica López,  Eduard Fernández,  Leonor Watling,  María Pujalte,  Àlex Brendemühl, Vicenta N'Dongo,  Chisco Amado,  Carme Pla,  Miranda Makaroff,  Àurea Márquez, Jordi Sánchez,  Eric Bonicatto  Género: Drama Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 07/11/2003
¿De qué va?: Distintos amigos coinciden, hablan y se desencuentran en las calles, los restaurantes y las tiendas de Barcelona. Llevan mucho tiempo juntos, y al mismo tiempo nadie conoce a nadie.

martes, 19 de junio de 2018

CRÍTICA | DÍAS DE FÚTBOL, de David Serrano



Balones fuera
DÍAS DE FÚTBOL
España, 2003. Dirección y guión: David Serrano Música: Coque Malla Fotografía: Kiko de la Rica Reparto: Ernesto Alterio, Alberto San Juan, Natalia Verbeke, María Esteve, Pere Ponce, Lola Dueñas, Eva Santolaria, Pilar Castro, Fernando Tejero, Luis Bermejo, Nathalie Poza, Secun de la Rosa, Roberto Álamo, Diego París, Diego Martín, Andrés Lima, Guillermo Toledo, Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre Género: Comedia Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 19/09/2003
¿De qué va?: Un grupo de amigos se reúne para formar un equipo de fútbol no profesional. El equipo lo forman un ex presidiario que quiere estudiar Psicología, un oficinista con problemas maritales, un conductor de autobús con mal carácter, un actor sin éxito, un joven incapaz de sacarse su carrera de Derecho y un policía amante de la guitarra. ¿Logrará el fútbol encauzar sus vidas... y, de paso, la de sus parejas?

jueves, 24 de mayo de 2018

CRÍTICA | BASADA EN HECHOS REALES, de Roman Polanski


El negro es el autor
BASADA EN HECHOS REALES
Festival de Cannes 2017: Sección oficial fuera de concurso
Francia, 2017. Dirección: Roman Polanski Guión: Olivier Assayas y Roman Polanski, a partir de la novela de Delphine de Vigan Música: Alexandre Desplat Fotografía: Pawel Edelman Reparto: Emmanuelle Seigner, Eva Green, Vincent Pérez, Damien Bonnard, Camille Chamoux, Josée Dayan, Noémie Lvovsky, Dominique Pinon, Brigitte Roüan, Alexia Séféroglou Género: Thriller psicológico Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/06/2018
¿De qué va?: Delphine es una escritora superventas que atraviesa un momento de crisis personal y creativa. Al conocer una joven admiradora, la mujer encontrará la inspiración que necesita para seguir escribiendo.