PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | ¡QUIERO SER FAMOSA! (IEDEREEN BEROEMD!), de Dominique Deruddere (Bélgica)

¡QUIERO SER FAMOSA! (IEDEREEN BEROEMD!)

Bélgica, 2000. Dirección: Dominique Deruddere Guion: Dominique Deruddere Música: Raymond van het Groenewoud Fotografía: Willy Stasen Reparto: Josse De Pauw, Eva van der Gucht, Werner De Smedt, Thekla Reuten, Gert Portael Género: Comedia. Parodia Duración: 95 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: La mayor pasión de Marva, de 17 años, es imitar a cantantes famosos. Casi todos los fines de semana participa en concursos de salto a la fama, con el apoyo de sus padres, pero sin el más mínimo éxito. Su padre, Jean, quiere ayudarla componiéndole incluso el repertorio, aunque, como no tiene ni idea de música, se queda en melodías chirriantes. Un día despiden a Jean de su fábrica, y este, como venganza desesperada, decide secuestrar a la cantante más famosa y sexy del país, lo cual puede ayudar a que Marva salte a la fama. (FILMAFFINITY)

Los caminos del Óscar son inescrutables. Bélgica nunca ha conseguido la nominación con los filmes de los hermanos Dardenne, todos ellos premiados en Cannes y reconocidos por la crítica internacional. En cambio, en el seno de la Academia gustó, por razones difíciles de adivinar, la leve crítica social, con admiración y parodia incluida al mundo de la fama y del show business, de Quiero ser famosa. En pantalla, un padre que acaba de perder su trabajo, con la bondad y la moral propia de los (anti)héroes de Full Monty, rapta a la ídolo de masas joven del pop flamenco (nos referimos a la lengua, no al género cañí) para que su hija, una adolescente regordeta, allane su vía hacia el éxito. La película no termina de llevar el disparate a sus últimas consecuencias, le falta socarronería, carece de mordiente... y aún así su visionado es una experiencia agradable. La clase pobre, con triquiñuelas que el guion elude o justifica pertinentemente, consigue hacerse un hueco en los corazones de la audiencia. Todos los personajes, tallados de un costumbrismo casi patético, merecen el aprecio del respetable. Y con estas señas, lo que queda es una película susceptible de nuevas versiones o remakes, una demostración de la fascinación que despiertan las estrellas, no siempre tan inalcanzables, del mundo del cine y de la canción (de eso Hollywood, la eterna fábrica de sueños, sabe mucho). Para los millenials, una rareza arqueológica de cómo era ser fan en tiempos de Superpops, karaokes y radiocasetes, sin redes sociales ni talent shows a gogó.

CINE ESPAÑOL | LA INOCENCIA, LITUS y LA BANDA

LA INOCENCIA

España, 2019. Dirección: Lucía Alemany Guion: Laia Soler y Lucía Alemany

¿De qué va?: Es verano y Lis ansía con estudiar en una escuela de circo en Barcelona. Quiere salir de su pueblo cueste lo que cueste, aunque disfruta con sus amigas y su novio. La llegada del otoño le planteará nuevos retos. Ficha completa

Reparto: Carmen Arrufat, Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued, Sonia Almarcha Fotografía: Joan Bordera Género: Drama Duración: 92 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 10/01/2020.

En el cine, no solo el español, hemos asistido a muchas películas de aprendizaje, adolescencia y crecimiento. Lo que no es tan habitual es que esas historias se presenten con la franqueza de La inocencia, ópera prima muy madura de Lucía Alemany en la que la directora captura un cosmos que muchos sentimos como propio: pueblos entre dos lenguas, franqueados por mar y montañas, con la rémora del qué dirán y el estallido de libertad que implica la llegada del verano y de las fiestas patronales. Alemany también habla de la pulsión sexual, la ausencia de oportunidades de la España rural, las tiranteces entre familiares, los prejuicios entre vecinos y las situaciones cercanas al maltrato que se viven entre amigos, en las calles o en los pasillos de los institutos. Entre todos esos paisajes y temas, la actriz Carmen Arrufat se mueve en pantalla como una fuerza de otro mundo, tan corpórea y espontánea que por momentos recuerda al mejor cine de Kechiche. A su alrededor, el conjunto de personajes está perfectamente defendido por sus intérpretes y todos cuentan con su particular evolución y psicología. Un canto a la libertad que perfectamente podría proyectarse en los festivales más importantes, incluso en centros educativos. En su contra: la familiaridad de su premisa. A favor: todo lo demás. Esperemos que su estreno tardío en 2020 y su carácter fronterizo (¿entenderán en Madrid y Barcelona las peculiaridades, a todos los niveles, de un lugar como Traiguera?) no empañe la trayectoria de este debut estival, hermana de títulos como A cambio de nada o Estiu 1993.

LITUS

España, 2019. Dirección: Dani de la Orden Guion: Marta Buchaca y Dani de la Orden,
a partir de la obra de Marta Buchaca

¿De qué va?: Un grupo de amigos se reúne unos meses después del suicidio de Litus, su colega. En la reunión, todos descubren que Litus les escribió unas cartas personales antes de fallecer. Ficha completa

Reparto: Álex García, Adrián Lastra, Belén Cuesta, Quim Gutiérrez, Miquel Fernández, Marta Nieto Música: Iván Ferreiro y Dani Trujillo Fotografía: José Luis Bernal Ibañez Género: Comedia dramática Duración: 85 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 13/09/2019.

Dani de la Orden es uno de los directores más activos de los últimos años tanto en la pequeña como en la gran pantalla. Litus, su estreno más reciente, sigue indagando en el tono tragicómico que nos tiene acostumbrados, si bien en este caso apuesta por un retrato generacional más desangelado de lo habitual. Paradójicamente, De la Orden ha encontrado en la obra de Marta Buchaca la posibilidad de dar forma a su obra más personal y presumir de sus ya contrastadas habilidades: dirección de actores, diálogos espontáneos, giros de guion y selección musical. Lo único que lastra a esta Litus, paralelamente a su caligrafía teatral, es la sensación, casi obviedad, de que todo lo visto no es más que una anécdota entre amigos, un encuentro privado en el que sobran los lugares comunes y se echan de menos las emociones de carne y hueso. Un detalle que, además, pone de manifiesto el crecimiento y sobre todo las aristas de un De la Orden que, acostumbrado a las exigencias comerciales de Atresmedia y Netflix, olvida firmar escenas para el recuerdo, momentos con hondura, instantes de un cine que se intuya "íntimo" pero también "grande". ¿No será Dani de la Orden, a sus 30 años, por desgracia, a lo mejor solo por accidente, una imagen fiel de la esfera millenial, espectadora y ahora cineasta, que filtra la vida y el arte desde el "ego"? De la duda probablemente se explique por qué el filme no ha gustado a cierto sector de la crítica y, por contra, recibió aplausos en un escaparate como el Festival de Málaga. A lo mejor que Litus toque o no la fibra sensible dependerá de la edad del espectador, por mucho que el Litus del título se manifieste mediante cartas, un sistema muy "siglo XX". Posdata: qué bien están Lastra y Gutiérrez, y qué poco provecho saca la historia de Cuesta y Nieto.

LA BANDA

España, 2019. Dirección y guion: Roberto Bueso

¿De qué va?: Edu es un joven músico que regresa a su pueblo para asistir a la boda de su hermano. El reencuentro con los compañeros de la infancia y la novia de su mejor amigo le hará dudar de sus prioridades. Ficha completa

Reparto: Gonzalo Fernández, Charlotte Vega, Carlo Blanco, Pepo Llopis, Xavi Giner, Hugo Rubert, Enric Benavent, Inma Sancho Música: Vicente Ortiz Gimeno Fotografía: Víctor Entrecanales Género: Drama Duración: 86 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 21/06/2019.

Solo aquellos que conozcan la idiosincrasia de la Comunidad Valenciana saben hasta qué punto son importantes las agrupaciones musicales en esa región. La vida social se concentra en los bares de esas escuelas, los chavales crecen entre partituras y la convivencia se cohesiona a partir de bandas. Algunos se quedan en sus pueblos natales y pasan ese amor por la música de padres a hijos, y otros viajan al extranjero en busca de fortuna, soñando con convertir esa afición en una profesión. En ese cosmos, local pero muy reconocible, Roberto Bueso sitúa la acción de La banda, más concretamente las encrucijadas vitales de una pandilla de veintitantos que, en su reencuentro, hace obligatorio balance de su trayectoria, sopesando las expectativas de antaño con los objetivos cumplidos. En esa introspección, el guion describe a toda una generación de Peterpanes, la de nuestros hermanos mayores, incluso la nuestra. Bueso habla con conocimiento de causa y con la sensibilidad que requiere la historia, equilibrio de costumbrismo, comedia dramática y emoción sin excesos. Resta, eso sí, la evidencia de su planteamiento, tan fácil de intuir desde el primer minuto como, a la postre, desarrollado según los repetidos formalismos de cierto cine low cost que suple sus carencias con grandes dosis de humanidad. Por ello, La banda parece destinada a ocupar un papel secundario dentro del último cine español, por mucho que demuestre el creciente poder de la producción audiovisual valenciana. Talentos noveles no faltan: solo es cuestión de afinar instrumentos. Ojalá podamos ver al actor Gonzalo Fernández, uno de los descubrimientos más bellos del curso, en más y mejores proyectos. 

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CRÍTICA | COLD WAR, de Pawel Pawlikowski

Frío que quema al son de Dwa serduszka

COLD WAR

Festival de Cannes: Mejor director. Festival de San Sebastián: Sección Perlas

Polonia, 2018. Dirección: Pawel Pawlikowski Guión: Pawel Pawlikowski y Janusz Glowacki Fotografía: Lukasz Zal Música: VV. AA. Reparto: Joanna Kulig, Tomasz Kot, Agata Kulesza, Borys Szyc, Cédric Kahn, Jeanne Balibar, Adam Woronowicz, Adam Ferency, Adam Szyszkowski Género: Drama Duración: 85 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/10/2018

¿De qué va?: Finales de los 40. Polonia intenta recomponerse tras la Segunda Guerra Mundial. En un escenario de hambruna, un grupo de músicos busca cantantes inexpertos para una función que ponga en valor el folklore de la zona. Años 50. El espectáculo se convierte en realidad y las autoridades estalinistas quieren llevarlo a distintos lugares del continente para difundir su ideología. Ello hará que el director del show y su estrella principal, condicionados por su entorno, coincidan y se desencuentren a lo largo de las décadas.

CRÍTICA | EL VIOLÍN, de Francisco Vargas

EL VIOLÍN

México, 2006. Dirección y guión: Francisco Vargas Música: Cuauhtémoc Tavira y Armando Rosas Fotografía: Martín Boege Paré Reparto: Octavio Castro, Don Ángel Tavira, Dagoberto Gama, Gerardo Taracena, Mario Garibaldi, Fermín Martínez Género: Drama Duración: 98 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 11/05/2007.

¿De qué va?: Tres generaciones de una misma familia trabajan como músicos callejeros. Como defensores del movimiento guerrillero campesino, el gobierno los tiene en el punto de mira tras arrasar el pueblo donde residen. Haciéndose pasar por unos simples violinistas, los hombres intentarán infiltrarse en el ejército para devolver las municiones robadas a los rebeldes.

CRÍTICA | BARBARA, de Mathieu Amalric

Balibar - Brigitte - Barbara

BARBARA

Festival de Cannes: Un Certain Regard. Festival de Sevilla: mejor director. 2 premios César: actriz y sonido

Francia, 2017. Dirección: Mathieu Amalric Guión: Mathieu Amalric y Philippe Di Folco Fotografía: Christophe Beaucarne Reparto: Jeanne Balibar, Mathieu Amalric, Vincent Peirani, Fanny Imber, Aurore Clément, Grégoire Colin Género: Biopic. Cine dentro del cine Tráiler: Link Duración: 95 min. Fecha de estreno en España: 28/03/2018
¿De qué va?: Un director de cine rueda un biopic sobre la cantante Barbara en el que la realidad y la ficción se mezclan y confunden plano a plano. 

CRÍTICA | M. BUTTERFLY, de David Cronenberg

M. BUTTERFLY

Sant Jordi al mejor actor protagonista

Canadá, 1993. Dirección: David Cronenberg Guión: David Henry Hwang, a partir de su obra teatral Reparto: Jeremy Irons, John Lone, Barbara Sukowa, Ian Richardson, Annabel Leventon, Shizuko Hoshi, Richard McMillan, Vernon Dobtcheff Fecha de estreno en España: 03/12/1993 Tráiler: Link

Crítica José: En M. Butterfly, Cronenberg adapta la premiada obra teatral de Broadway, desligándose, solo en apariencia, de sus trabajos anteriores, pues sus principales inquietudes escénicas vuelven a manifestarse: la debilidad por los miedos internos, la transformación corporal del hombre y los oscuros fondos de la mente humana. Una de sus creaciones más redondas, bellas y misteriosas, una historia que oprime, asfixia el alma haciendo al espectador cómplice de su ambigüedad romántica, intrigado por los pliegues de un imprescindible Jeremy Irons en el papel de un diplomático francés misteriosamente enamorado, hechizado por una enigmática diva de la ópera de Pequín, Song Liling, una relación tortuosa que llevará a Irons a las cloacas del dolor ardiente, el impulso que roza la locura hasta implantarse en la ceguera de un amor indescifrable. El final es estremecedor, absolutamente magnífico. Irons elevado a la máxima potencia como actor. Nota: 7 / 10

Crítica Mayra: En M. Butterfly asistimos a un curioso drama romántico basado en hechos reales. Se desarrolla en una atmósfera enigmática y con personajes intrigantes, al mismo tiempo que nos permite vislumbrar una correcta puesta en escena, sobre todo una destacable fotografía y música que acompañan las interesantes interpretaciones de Irons y Lone. El metraje arranca con interés pero conforme pasan los minutos se percibe un tanto frío, en algunos momentos incluso inverosímil, lo cual no permite que el espectador llegue a conectar totalmente con la historia que se pretende contar. M. Butterfly sin duda se aleja del estilo habitual de Cronenberg: tal vez dicho detalle "le pasó factura" al realizador, que parece no haber ensamblado bien todas las partes. Una cinta que intenta labrar el camino para su perturbador desenlace pero se queda a medias en su ejecución, dando paso a más de un momento poco creíble, por mucho que se incluya lo de “basado en hechos reales”. Nota: 5 / 10

Crítica Ronnie: Resulta raro enterarse que David Cronenberg filmó un día esta película, ya que se aleja del cine visceral al que nos tiene acostumrbados. Ambientada en la China de los años sesenta, relata el idilio amoroso entre René Gallimard y una diva de la ópera de Pequín, basada en hechos reales según dicen los títulos, y a partir de la obra de Broadway galardonada con un Tony. Una impecable realización, decorados, sets, vestuario, maquillaje y música maravillosa, tanto como lo permite esta fascinante historia. Cronenberg cuenta con colaboradores habituales que le ayudan a desarrollar sus proyectos de una manera más solvente: Howard Shore compone una banda sonora sensual y sugerente que va en perfecta sincronía con la ópera inmortal de Puccini, la fotografía de PeterSuschitzky contrasta los lujosos escenarios de China y París con los claustrofóbicos decorados que se rodaron en estudios de Toronto, y Jeremy Irons está impecable como el contador de la embajada francesa en China que se enamora de una actriz. Irons y un irreconocible John Lone llevan el peso de la cinta sobre sus hombros con sus perturbadoras e inquietantes actuaciones. Nota: 9 / 10

Crítica Xavier: Casi nunca conecto con los mundos de David Cronenberg, si bien le reconozco en todas sus películas una mirada muy particular a la hora de abordar los terrenos del horror y la fantasía. Con M. Butterfly se repite mi apatía hacia el director de La mosca, pero en este caso con una novedad más inquietante si cabe: en ningún fotograma de la cinta reconozco al Cronenberg de toda la vida. Incluso juego a imaginarme al canadiense en el set de rodaje, aburrido y desubicado, preguntándose qué hacía ahí contando esa historia, como ese Jeremy Irons que queda atrapado por una pasión que no cala en la platea. De M. Butterfly no me creo absolutamente nada: ni sus largas disquisiciones socioculturales entre Oriente y Occidente, ni los vínculos con la ópera homónima, ni la confusión de sexos / sexualidades, ni su ambientación de época, ni su contexto político... ni tan siquiera a Irons, un actor desganado, con porte pero frío como un bloque de hielo. Y como el final se intuye evidente desde los pocos minutos, mis pestañas se cerraron como pai pais haciendo viento. ¿Por qué Cronenberg renunció a sus derivas inquietantes en una historia que necesitaba de su sello autoral? Una película fallida. Nota: 5 / 10

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CRÍTICA | PERFECT BLUE, de Satoshi Kon

PERFECT BLUE

Festival de Sitges: Mejor película de animación

Japón, 1997. Dirección: Satoshi Kon Guión: Sadayuki Murai, a partir de la novela de Yoshikazu Takeuchi Fecha de estreno en España: 30/10/1998 Tráiler: Link

Crítica José: Cinta animada que nos traslada a Japón, en un concierto en donde se presenta un grupo llamado “Cham”, de donde Mimarín ha presentado su último concierto con el grupo. Y ahora ha decidido dejar a un lado la fama, pero al parecer alguien conoce algo sobre ella, al recibir un mensaje por fax donde dice “Traidora”. Ahora que ha dejado a un lado su grupo de música, ella decide emprender en la actuación, pero ahí tampoco marcha también su vida, teniendo detrás de ella alguien que la está atacando con mensajes que puedan afectar su bienestar. El manejo de suspenso que se genera es acertado, creando en el espectador una sensación de intriga. La idea que se plantea de adentrarnos a la vida de Mimarín, es interesante en como el director hace cada detalle, y de llevarlo a animación se llega a acomplejar un poco. Un thriller psicológico animado eficaz, que por momentos juega con la mente del espectador, al crear imágenes tan extrañas e inimaginables. Claro sabemos, que los japoneses tienden a tener ideas locas y en Perfect Blue, vemos una de ellas. Un tema importante que posiblemente no sea muy ideal a trabajar es el “síndrome de personalidad múltiple”, el cual es poseído por Mimarín, al momento no sabes que sucede en realidad en la película, por momentos tu cabeza está tranquila, pero por otros momentos tu cabeza está al borde de explotar de no saber qué ha sucedido durante cierto tiempo de la cinta. Un guión que brota de una genialidad, que por momentos te llegas a sentir cansado de percibirlo, pero vale la pena ver la cinta, si es la intriga lo tuyo. Nota: 8 / 10

Crítica Mayra: Perfect Blue es un film de animación que narra la curiosa historia de una adolescente quien decide abandonar el grupo musical que le ha concedido una moderada fama, para así seguir su propio camino e intentar convertirse en actriz. La cinta es un surrealista y onírico viaje por la vida de esta popular joven que no tendrá fácil alejarse de su imagen de idol. Perfect Blue es un  thriller psicológico muy interesante e intenso el cual nos muestra el lado menos amable de la popularidad y de manera interesante sitúa el internet como un protagonista más de la trama; en una época en la que su auge, importancia y peligros apenas iniciaban. Sin duda estamos ante un guión muy bien entramado que logra captar la atención y sumergir al espectador en la intriga a lo largo de sus ochenta minutos de metraje,  tiempo en el que su oscuro relato de mentes retorcidas no da tregua en ningún momento, consiguiendo plasmar en fotogramas a través de un correcto montaje el terror interno del personaje protagonista. Perfect Blue es una obra que incluso ahora, dos décadas después, resulta curiosa, compleja y muy entretenida. Destacable y recomendable. Nota: 7 / 10

Crítica Ronnie: Perfect Blue es una de las cintas de animación más fascinantes de la década de los noventa. Un juego de realidades que nos sumerge en la mente de Mima Kirigoe, una cantante de j-pop con moderado éxito que, junto a otras dos chicas, forma el grupo vocal Cham. Mima, con expectativas de nuevas experiencias, deja la música para desarrollar su carrera como actriz de televisión, ante el asombro de sus fans. Poco a poco ella se va desprendiendo de esa imagen de estrella pop generada por sus intervenciones musicales y comienza a ser acosada y amenazada por un antiguo fan que no le perdona la “traición”. Debido a esto, Mima desarrolla un profundo sentimiento de culpa y, cuando empieza a confundir la realidad con sus recuerdos, sufre lapsos temporales que la llevan a cuestionarse su propia identidad. Lo fascinante de esta cinta es la forma en la que está contada al detalle, cómo Satoshi Kon logra que, junto a su personaje principal, los espectadores nos perdamos en esos lapsos que tiene Mina, conozcamos los cabos que quedan sueltos y los juntemos para entender lo que ella entiende. Una guión agobiante que te atrapa en su inmensidad y hace que hagas propios los miedos y obsesiones de Mina, con intensidad y crudeza. Perfect Blue es un viaje intimista, una figura con la que se crea un vínculo emocional propio. Nota: 10 / 10

Crítica Xavier: La trayectoria de Satoshi Kon dista de ser habitual. Quien escribe cree que los largometrajes de Kon fueron únicamente un preludio de su obra maestra: la serie Paranoia Agent. Perfect Blue, el título que puso al japonés en el mapa internacional, concentra todos los temas capitales de su artífice. Listamos algunos: la incapacidad por discernir la realidad de la ficción, las consecuencias de la popularidad, la influencia del audiovisual entre los adolescentes y los peligros de las nuevas tecnologías. Y de todo ese acervo, destaca la habilidad narrativa de Kon a la hora de desplegar una trama que, intuyéndose ordenada, va sumiendo al espectador en un lento y eficaz estado de confusión. Perfect Blue, como resultado, es un portentoso ejercicio noir, avanzado a su tiempo, adulto a pesar de sus formas, desafiante incluso cuando se comporta como un capricho aniñado. Retorcido, como cualquier anime que se precie. Lúcido y tarado, en consonancia con la personalidad de Kon. Un ejercicio cinematográfico que vio la luz en los 90, pero que se entiende y se disfruta en mayor medida con ojos de 2017. Lástima que Kon, fallecido de forma prematura, no esté presente para ver el éxito de sus criaturas y, sobre todo, para parir obras tan imponentes como esta Perfect Blue. Nota: 7 / 10

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CRÍTICA | HISTORIAS DE NUEVA YORK, de Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Woody Allen

Tres directores, una ciudad

HISTORIAS DE NUEVA YORK,
de Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Woody Allen

EE. UU., 1989. Dirección: Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Woody Allen Fotografía: Néstor Almendros, Vittorio Storaro y Sven Nykvist Reparto: Nick Nolte, Rosanna Arquette, Steve Buscemi, Patrick O'Neal, Deborah Harry, Talia Shire, Heather McComb, Giancarlo Giannini, Carole Bouquet, Woody Allen, Mia Farrow, Julie Kavner, Mae Questel, Leslie Nielsen, Larry David Género: Tragicomedia Duración: 120 min. Tráiler: Link

¿De qué va?: Película formada por tres episodios independientes situados en la ciudad de Nueva York. En Apuntes al natural (Scorsese), un pintor ultima su nueva exposición a la vez que mantiene una complicada relación con una aspirante a artista. En Vida sin Zoe (Coppola), una niña rica asiste a la reconciliación de sus padres y conoce un compañero de colegio vinculado con la realeza árabe. En Edipo reprimido (Allen), la vida de un abogado cambia cuando su madre se esfuma tras un número de magia... hasta que la mujer aparece en el cielo de Manhattan.

Nos hemos acostumbrado a que cada urbe tenga su película de episodios, pero el cine no empezó con Paris, je t'aime. Si bien muchos críticos señalarán clásicos más asentados en el tiempo como origen de esta moda, es de justicia apuntar que Historias de Nueva York, triple homenaje a la "ciudad eterna", abrió unos caminos que se asentaron posteriormente con las historias cruzadas de los 90 y la polifonía de géneros y formatos de la actualidad. El peso de sus firmantes (el triplete soñado: Scorsese, Coppola y Allen) invita a defender esta teoría. Con todo, ¿qué puede aportar una película de dicha tipología a una mirada del S. XXI? Pues más de lo que podría pensarse a simple vista. Historias de Nueva York sintetiza e incluso revela parte de la cara oculta de sus responsables. Scorsese nunca ha filmado una historia tan tierna como Apuntes al natural, de un costumbrismo más francés que italiano, más romántico que gangsteril. Tampoco es habitual que Coppola ceda a la magia naíf de Vida sin Zoe, el capítulo más desabrido de la antología y la demostración de los primeros impulsos artísticos de su hija Sofia, guionista del fragmento. Y en contraposición, Edipo reprimido obedece por entero al Allen más identificable, tal vez porque, al tratarse del cineasta más prolífico del grupo, el amigo Woody no puede esconder ni sus vinculaciones ni sus obsesiones. Así, y a pesar de las irregularidades inherentes a todo proyecto hecho de retales diversos, incluso antónimos, Historias de Nueva York funciona como complemento a la obra magna de tres autores imprescindibles. Porque las estrellas son los directores; y Nueva York, sólo una excusa.

Para urbanitas cansados de películas que sólo sirven de propagandas turísticas encubiertas.

Lo mejor: Reírse (como siempre) con Allen y emocionarse (como nunca) con Scorsese.

Lo peor: En la comparación, Coppola pierde, y por goleada.

CRÍTICA | LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (LA LA LAND), de Damien Chazelle

...y los sueños, cine son...

LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (LA LA LAND), de Damien Chazelle

7 Globos de oro, 8 Critics Choice Awards, 4 Satellite Awards y 11 nominaciones al Bafta

EE. UU., 2016. Dirección y guión: Damien Chazelle Fotografía: Linus Sandgren Música: Justin Hurwitz Reparto: Ryan Gosling, Emma Stone, John Legend, Rosemarie De Witt, J.K. Simmons, Finn Wittrock, Sonoya Mizuno, Jessica Rothe, Jason Fuchs, Callie Hernandez, Trevor Lissauer, Phillip E. Walker, Hemky Madera, Kaye L. Morris Género: Tragicomedia romántica. Musical Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 13/01/2017
¿De qué va?: Mia es una aspirante a actriz que trabaja en una cafetería frecuentada por estrellas del celuloide. Sebastian es un pianista amante del jazz que toca en tugurios un tanto dudosos y que ansía abrir su propio club. Ambos se encuentran, se enamoran y se separan en Los Ángeles con el paso de las estaciones.

CRÍTICA | FLORENCE FOSTER JENKINS, de Stephen Frears

Acordes y desacuerdos

FLORENCE FOSTER JENKINS, de Stephen Frears

Festival de San Sebastián 2016: Sección Perlas

Reino Unido, 2016. Dirección: Stephen Frears Guión: Nicholas Martin Música: Alexandre Desplat Fotografía: Danny Cohen Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney, Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch, Sid Phoenix Género: Tragicomedia. Biopic Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 23/09/2016

¿De qué va?: Florence, una burguesa neoyorkina amante de la música, decide dar el salto como cantante de ópera a pesar de su delicado estado de salud y de su nada agradable tono de voz. Su joven pianista, su pareja y sus más allegados se compincharán para que el concierto termine de la mejor manera posible.

CRÍTICA | EL VIOLÍN ROJO, de François Girard

La vida secreta de los instrumentos

EL VIOLÍN ROJO (THE RED VIOLIN, LE VIOLON ROUGE), de François Girard
Óscar a la mejor banda sonora original. 8 premios Gennie de la Academia de Cine Canadiense, incluyendo mejor película
Nominación al Globo de oro a la mejor película de habla no inglesa

Canadá, 1998. Dirección: François Girard Guión: Don McKellar y François Girard Música: John Corigliano Fotografía: Alain Dostie Reparto: Samuel L. Jackson, Greta Scacchi, Jason Flemyng, Colm Feore, Carlo Cecchi, Irene Grazioli, Jean-Luc Bideau, Sylvia Chang Género: Drama histórico Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 02/07/1999
¿De qué va?: Siglo XXI. En un taller de Cremona, un artesano ultima los detalles de su obra maestra: un violín que regalá a su futuro hijo a modo de ofrenda. En la actualidad, el mismo violín es uno de los principales atractivos en una subasta en Montreal. El instrumento, conocido por su barniz de tono rogizo, esconde una terrible leyenda. Un objeto preciado por muchos, mágico y maldito al mismo tiempo, que ha pasado de continente en continente, de dueño en dueño, durante cuatrocientos años.

El violín rojo, una producción canadiense rodada en distintos países y hablada en cinco idiomas (estamos, por lo tanto, ante un film que debe visionarse en versión original 'sí o sí'), cuenta el devenir de un violín durante cuatro siglos, desde su concepción en un taller de la Italia del siglo XVII hasta el Montreal de nuestros días. El instrumento, cual nómada que va pasando de mano en mano de forma azarosa, es el nexo de unión de distintos episodios que retratan el poder transformador de la música, desde la trágica historia de amor que sirve de telón de fondo a su creación hasta la pugna moderna que cierra la película en forma de subasta exclusiva. François Girard diseña una película de bella factura que repara en la grandeza de la anécdota, en la magia de los objetos. Todas las historia están contadas a modo de leyenda, como si Girard fuera un juglar que despliega ante nuestros ojos y sobre todo ante nuestros oídos un espectáculo sobre las casualidades y las causalidades. Una estructura realmente original que llama poderosamente la atención.

Por desgracia, ni la fórmula episódica ni la sucesión de épocas y personajes obedecen a razones de peso. Girard reviste el film de imágenes y sonidos preciosos, pero la película carece de cohesión y no profundiza en los contextos históricos que retrata: a la postre, no es tanto un film episódico como cinco películas autónomas reducidas a su mínima expresión, por lo que tanto el conjunto como cada una de sus partes no pueden explotar todas sus virtudes y matices (detalle que sí se hubiera dado con un metraje mayor y un guión más sólido: tal vez, en forma de miniserie). Curiosamente, su música, a pesar de haber ganado el Óscar de Hollywood, adolece del mismo problema: la banda sonora carece de un tema principal, aunque la belleza de sus temas está fuera de toda duda. En resumen, una película meritoria, con grandes ideas que no acaban de desarrollarse y con estampas que no acaban de lograr la emoción y la empatía de la audiencia. El violín rojo es, valga la relación, un instrumento de afinación impoluta y de ejecución irreprochable que se olvida de lo más importante: tener alma. Aunque en el cine, como en la música, ya se sabe: para gustos, colores (y violines, claro).

Para los que defienden que la música traspasa épocas y fronteras.

Lo mejor: La arrebatadora historia del artesano viudo.

Lo peor: Por momentos, parece un telefilm de gran presupuesto.

CRÍTICA | MADAME MARGUERITE, de Xavier Giannoli

La baronesa que dio el cante

MADAME MARGUERITE (MARGUERITE), de Xavier Giannoli

Festival de Venecia 2015: Sección oficial. 4 Premios César: actriz protagonista, vestuario, sonido y diseño de producción

Francia, 2015. Dirección: Xavier Giannoli Guión: Xavier Giannoli y Marcia Romano Fotografía: Glynn Speeckaert Música: Ronan Maillard y VV. AA. Reparto: Catherine Frot, Christa Théret, André Marcon, Michel Fau, Sylvain Dieuaide, Aubert Fenoy, Théo Cholby, Martine Pascal, Christian Pereira, Joël Bros Género: Comedia dramática Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/04/2016

¿De qué va?: En el París de los años 20, la baronesa Marguerite Dumont, conocida por cantar fuera de tono, organiza eventos benéficos en los que da rienda suelta a su amor por la música y la ópera. En su círculo de amistades, nadie se atreve a decirle la verdad y sus desafines son motivos de chanza entre los burgueses y la prensa de la época. Decidida a empujar su carrera como solista, Marguerite empieza a trabajar en un recital muy ambicioso, una decisión que pondrá contra las cuerdas a su marido, a su servicio doméstico, a su nuevo profesor de canto y a sus amigos más cercanos.

Madame Marguerite, inspirada libremente en la vida de la soprano Florence Foster Jenkins, es un milimetrado film de época que equilibra con bastante solvencia drama y comedia. El director francés Xavier Giannoli ya demostró en sus anteriores trabajos un interés por el mundo del espectáculo, la fama y las falsas apariencias, un discurso que ahora se amplía con Madame Marguerite, seguramente su película más cuidada a nivel técnico. El guión que coescribe con Marcia Romano tiene la suficiente pericia como para utilizar al personaje como detonante de momentos desternillantes y al mismo tiempo dejar al descubierto su lado más humano, con todas sus miserias y frustraciones. En último término, Madame Marguerite no es la crónica de una época y de una vocación musical frustrada, sino un cuento sobre las consecuencias devastadoras de una mentira 'orquestrada', nunca mejor dicho, por todo el entorno de Marguerite. Con estas señas, el espectador no puede evitar sentir cierta empatía, incluso lástima, por su complejo personaje protagonista, interpretado con tablas por Catherine Frot. A pesar de que por momentos su historia resulta un tanto inane, el film, tras un inicio impecable, remonta el vuelo con un final agridulce, lejos de la complacencia y el triunfalismo de títulos similares. En el último fotograma dejamos a Marguerite desamparada, sin saber exactamente hasta qué punto fue consciente o no del engaño. En todo caso, Marguerite termina siendo una víctima de sí misma y de sus más allegados. Un mensaje amargo vestido de baño de multitudes.

Para amantes de los dramas con clase que ofrecen nuevas visiones sobre el mundo del espectáculo.

Lo mejor: Su envoltorio de época.

Lo peor: Deja poco margen a Florence Foster Jenkins de Stephen Frears para contar algo novedoso.

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CRÍTICA SERIES | MOZART IN THE JUNGLE (Temporadas 1 y 2)

Sexo, drogas y música clásica

MOZART IN THE JUNGLE, de Roman Coppola, Jason Schwartzman y Paul Weitz

EE. UU., 2014. 2 temporadas de 10 episodios cada una. Webserie de Amazon Studios (en España, disponible en Canal + Series) Género: Comedia dramática Duración: 25-30 min. por episodio Tráiler 1ª temporada: Link Tráiler 2ª temporada: Link
Reparto: Gael García Bernal, Lola Kirke, Saffron Burrows, Malcolm McDowell, Peter Vack, Hannah Dunne, Bernadette Peters, Mark Blum, Jennifer Kim, Debra Monk, Margaret Ladd, John Miller, Joel Bernstein, Nora Arnezeder, Makenzie Leigh, John Anderson
El dato: La serie ha ganado 2 Globos de oro: premio a la mejor serie de comedia/musical del año y mejor actor en serie de comedia/musical para Gael García Bernal. Es la segunda victoria consecutiva en los Globos de oro para una webserie de Amazon Studios: el 2014 la ganadora fue Transparent. La tercera temporada se estrenará las próximas navidades.

CRÍTICA | AMY (LA CHICA DETRÁS DEL NOMBRE), de Asif Kapadia

Go back to black

AMY (LA CHICA DETRÁS DEL NOMBRE), de Asif Kapadia

EFA y National Board of Review al mejor documental

EE. UU., 2015. Dirección y guión: Asif Kapadia Música: Antonio Pinto y Amy Winehouse Reparto: Amy Winehouse, Mitchell Winehouse, Blake Fielder, Salaam Remi, Nick Shymanksy, Mos Def, Tony Bennett, Mark Ronson, Janis Winehouse (documental) Género: Drama biográfico. Documental Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 17/07/2015
¿De qué va?: El director de Sienna retrata la vida de la malograda cantante británica Amy Winehouse. Un repaso a los sucesos que marcaron el devenir de un mito de la música contemporánea, de la traumática separación de sus padres a su salto a la escena mundial con el tema Rehab.

CRÍTICA | WHAT HAPPENED, MISS SIMONE?, de Liz Garbus

Tributo a una superviviente

WHAT HAPPENED, MISS SIMONE?, de Liz Garbus

Nominación al Óscar al mejor documental

EE. UU., 2015. Dirección y guión: Liz Garbus Fotografía: Igor Martinovic Reparto: Nina Simone, Lisa Simone Kelly (Documental) Género: Documental sobre música. Biopic Duración: 100 min. Tráiler: Link

¿De qué va?: Liz Garbus recorre la vida de Nina Simone, desde su infancia hasta los años previos a su fallecimiento. Una historia de cómo la niña que aspiraba a ser la pianista negra más importante de su tiempo se convirtió en uno de los nombres más importantes del jazz y en la voz más representativa en la lucha por los derechos civiles de la comunidad afroamericana.

Los que intenten responder antes de tiempo la pregunta What Happened, Miss Simone? antes de visionar el film se llevarán una gran sorpresa. La película de Liz Garbus, a diferencia de la introspección dolorosa que ofrece Amy, revela la esposa, madre e hija que fue Nina Simone, pero sobre todo parte de la cantante para hablar del racismo, las diferencias de clase y la defensa de los derechos de la comunidad afroamericana. De hecho, la película insiste tanto en el activismo de su estrella principal que puede dar la sensación de que deja parte de las interioridades de Simone en la sombra. Sea como sea, Garbus actualiza la obra de Simone y nos permite acercarnos a la cantante desde una perspectiva nueva. Además de su portentosa voz, de su rotunda presencia y de sus presuntas penas y excentricidades, lo que queda claro es que Nina Simone fue una luchadora nata, alguien que intentó vivir a su manera a pesar de los imperativos económicos, familiares y raciales que coartaron su creatividad. Al final, What Happened, Miss Simone? responde muchas más preguntas de las esperadas. A Hollywood le interesan los claroscuros del estrellato, pero detesta que le sermoneen: tal vez por ello esta What Happened, Miss Simone? está nominada al Óscar en perjuicio de Listen to me Marlon y Going Clear: Scientology and the Prison of Belief, para quien escribe dos documentales más rotundos, pero sobre todo más incómodos. Con todo, si la película sirve para rescatar los vinilos de Simone, interesarse por su biografía y reivindicar su importancia en el panorama musical del siglo pasado, bienvenida sea.

Para buscadores de vidas extraordinarias.

Lo mejor: Equilibra entrevistas, materiales de archivo y textos escritos por la propia Simone.

Lo peor: La sensación de que la película se deja cosas en el tintero.

CRÍTICA | MUERTOS DE RISA, de Álex de la Iglesia

Cuando hacer reír no hace ni pizca de gracia

MUERTOS DE RISA, de Álex de la Iglesia

España, 1999. Dirección: Álex de la Iglesia Guión: Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría Fotografía: Flavio Martínez Labiano Música: Roque Baños Reparto: Santiago Segura, El Gran Wyoming, Álex Angulo, Carla Hidalgo, Eduardo Gómez, José María Íñigo, Uri Geller, Manuel Tallafé, Jesús Bonilla, Ramón Barea, Sancho Gracia, Rodolfo Sancho, Alfonso del Real, María Asquerino, Antonio de la Torre, Narciso Ibáñez Serrador, Víctor Manuel, Massiel, Antonio Resines, Rosanna Walls, Fede Celada, Josema Yuste Género: Comedia negra Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/03/1999
¿De qué va?: Nino y Bruno forman una pareja cómica de éxito. A lo largo de los años, han actuado en infinidad de galas y han hecho reír a todo el país. Nadie sabe que ambos se odian. En una gala de Nochevieja, los dos salen a escena con la intención de matar al otro.

Muertos de risa es el antecedente directo de Balada triste de trompeta. En ambas películas, la rivalidad entre dos payasos sirve para repasar los hitos televisivos, las canciones y los acontecimientos históricos que marcaron la España anterior y posterior a la muerte del dictador. Muertos de risa, que en su momento logró un enorme éxito de taquilla, es una comedia negra que describe con mucha mala baba las bambalinas del mundo del espectáculo a partir de un dúo cómico que encarna las dos Españas enfrentadas. Bruno (El gran Wyoming) alcanza la fama propinando bofetadas a Nino (Santiago Segura); y Nino, harto de ser el hazmerreír del público, intenta vengarse a la mínima que puede. De la Iglesia, sirviéndose de un contexto corrupto y kitch, critica la tendencia ibérica (o tal vez humana) al odio y a la envidia, hasta tal punto que, lo que en la realidad sería una crónica negra sin espacio para el humor, en el circo del director vasco se convierte en un placer culpable que potencia la catarsis del espectador (algo parecido, aunque con formas muy distintas, a lo visto recientemente en Relatos salvajes de Damián Szifrón). De la iglesia carga el film con numerosas situaciones peripatéticas, pero sus salidas de tono casi siempre funcionan. Balada triste de trompeta helaba la comisura de los labios, pero Muertos de risa, en sus mejores escenas, lleva a la carcajada. Una pequeña genialidad que termina con un momento inolvidable: Bruno revive a Nino con otro manotazo porque, en el mundo miserable que han construido, el odio que se profesan les destruye, pero también les retroalimenta. Crítica afilada revestida de puro cachondeo. O lo que es lo mismo: De la Iglesia en estado de gracia.

Para los que saben reírse de sus miserias (o quieren aprender a hacerlo).

Lo mejor:  La visita de Álex Angulo a las casas de los protagonistas.

Lo peor: En algún momento cae de forma inevitable en el exceso.

CRÍTICA | LA JUVENTUD (YOUTH, LA GIOVINEZZA), de Paolo Sorrentino

Ocaso en el balneario

LA JUVENTUD (YOUTH, LA GIOVINEZZA), de Paolo Sorrentino

Festival de Cannes: Sección oficial a concurso. Festival de Sitges: Sesión especial

Italia, 2015. Dirección y guión: Paolo Sorrentino Fotografía: Luca Bigazzi Música: David Lang Reparto: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Emilia Jones, Mark Kozelek, Rebecca Calder, Anabel Kutay, Ian Keir Attard Género: Drama Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: Pendiente
¿De qué va?: En un hotel de los Alpes se dan cita distintos personajes muy peculiares. Algunos están de vacaciones, otros simplemente esperan disfrutar de sus últimos días de vida entre algodones. Entre un director de orquestra y un director de cine ya ancianos se establece una amistad inquebrantable. Sus deseos, sus obsesiones y sus pasados aflorarán cuando uno de ellos reciba el encargo de dirigir un concierto para la reina Isabel.

La juventud propone una idea curiosa: la posibilidad de mantener cuerpo y alma en estado de levitación. El cine de Sorrentino se sustenta sobre un reto similar. Sus películas desean ser livianas a la par que robustas. Lo suficientemente frágiles como para dejarse mecer en el aire, y a la vez con el grado justo de solidez que facilite su ascensión. Films que quieren ser etéreos y que aspiran a ser eternos. Ahí es nada. La juventud no vuela, pero, como diría el filósofo, 'sin embargo, se mueve'.

A Paolo Sorrentino le gusta filmar el vacío partiendo del exceso. En La grande bellezza la operación funcionaba, pero en La juventud casi todo resulta peripatético, tan frío y funcional como un anuncio de Ikea. No hay nada que emocione porque no hay personajes: sólo frases de guión pomposas. La grande bellezza escarbaba en la grandeza de lo insignificante: fondo y forma estaban en consonancia con la nada más desoladora que presidía la historia. La juventud, en cambio, se intuye crepuscular, artística y refinada. Más íntima, menos conceptual. La vanalidad no parece tener cabida en el resort del film, y por desgracia es su intruso más indeseado.

A fuerza de homenajear a Fellini, Sorrentino ha facturado un 8 y medio sin autenticidad y con muchos postizos. Y a pesar de coleccionar muchas sandeces, sus arrebatos de comedia intelectual y el destello triste de los ojos de Michael Caine sí convencen. Porque, a pesar de todo, en las alas más ocultas del hotel alpino que preside la película se percibe cierta verdad y humanidad. Tal vez porque lo que cuenta Sorrentino es reconocible. Sus formas, en cambio, resultan poco convincentes. He aquí la duda: ¿La juventud es una mala copia del cine de su autor o Sorrentino en estado puro?

No puede descartarse la posibilidad de que algunos espectadores vean en La juventud una metáfora perfecta sobre el legado, la memoria y la futilidad de la existencia. Quien escribe, prefiere un cine franco y terrenal, sin abstracciones ni sermoneos. No puedo empatizar con La juventud, aun reconociéndole cierto estilo, la innegable personalidad de su director. En el cine y en la vida se agradece tocar suelo firme, y en la literalidad el cine de Sorrentino se revela torpe y esperpéntico. Increíble, no por su excelencia, sino por su falta de credibilidad. Una pequeña decepción.

 Para admiradores de La gran belleza.

Lo mejor: La sabiduría de Michael Caine.

Lo peor: La aparición - gag de Jane Fonda.