viernes, 30 de junio de 2017

CRÍTICA | ROSETTA, de Jean-Pierre y Luc Dardenne


ROSETTA
Cannes: Palma de oro y mejor actriz. 2 nominaciones a los EFA y 1 al César
Bélgica, 1999. Dirección y guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne Reparto: Émilie Dequenne, Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet, Anne Yernaux, Bernard Marbaix, Frédéric Bodson Fecha de estreno en España: 03/12/1999 Tráiler: Link


Crítica José:  Los hermanos Dardenne escriben y dirigen esta cinta que ganó la Palma de Oro y el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes. Película de denuncia social, de narración documentalista, de desesperanza, de tozuda búsqueda de la salvación y de ayudas públicas no visibles a los ojos de las personas en situación de exclusión social. Narra la historia de Rosetta, una chica de 17-18 años que vive en una caravana alquilada en compañía de su madre alcohólica. Con la obsesión de evitar caer en el mismo hoyo que la madre, hecho de alcohol y abusos, la joven busca un trabajo remunerado que le permita vivir dignamente y evitar la marginación. La película sigue el devenir de la chica con el propósito de ofrecer una descripción realista, directa y descarnada de la marginación, la destrucción familiar y la exclusión social. Expone una realidad sangrante, que no queda atendida por las políticas sociales de las instituciones públicas. El guion es sencillo y breve, y la narración visual predomina ampliamente sobre la verbal. Nota: 6 / 10


Crítica Mayra: Rosetta es el título de esta película y también es el nombre de la joven protagonista de esta historia, cuyo único apoyo familiar es su madre, una mujer de vida algo disoluta. Cámara al hombro, los hermanos Dardenne nos llevan a conocer la desdichada vida de Rosetta. Todo inicia con el despido laboral de la joven, donde surgen instantes de mucha tensión. Desde ese momento en adelante, el espectador acompaña a Rosetta en su desesperada búsqueda de empleo, no sólo como un sustento económico, sino también como un símbolo de algo a que aferrarse para sentir que tiene una vida normal, y hallar así cierto alivio de la agobiante realidad que la asfixia. En Rosetta los directores belgas nos ofrecen, como de costumbre, una historia donde su personaje protagonista pasará situaciones muy adversas que se verán retratadas en complejas y agobiantes escenas, todas ellas interpretadas con mucho atino, de tal modo que el espectador se ve invadido por la tensión y el dolor que se plasma en cada fotograma. La cinta es un retrato punzante de una época que, a pesar de tener más de 15 años, no ha perdido vigencia. Crítica social interesante desarrollada de manera precisa y con una Émilie Dequenne brillante en su interpretación. Nota: 8 / 10


Crítica Ronnie: Rosetta es la primera de las dos Palmas de Oro que tienen en su haber los hermanos Dardenne, pero la película va más allá del citado triunfo en la riviera francesa. Empezamos con la bien lograda dirección, filmada con una cámara al hombro que invade la privacidad de Rosetta y, por consiguiente, el sentimiento de culpabilidad y malestar que nos provoca como espectadores, único y visceral. Mención honorífica para Émilie Dequenne (a quien probablemente nombraría la mejor interpretación femenina de este Festival), ganadora del premio a la mejor actriz también en Cannes: es una rotunda maravilla su trabajo tan real y descarnado, una joya (lo que pueda decir de ella simplemente se queda corto: es extraordinaria). Una cinta áspera que podría resultar incómoda a algunos, pero sin duda es un cine asfixiante que mantiene un ritmo frenético para terminar justo sin el final feliz que esperarías en cualquier cinta. Rosetta mira de frente y sin tapujos la realidad de su actualidad, no esconde nada, no pretende ser lo que no es, es un relato brutal y sincero que sacude las entrañas. Me llamo Rosetta. No me caeré al hoyo. He encontrado un trabajo. He encontrado un amigo. Buenas noches. Nota: 9 / 10


Crítica Xavier: Entre el Neorrealismo y el movimiento Dogma, los hermanos belgas más importantes del panorama cinematográfico sorprendieron a todos con Rosetta, la lucha sin descanso, finalmente también sin éxito, de una joven que ansía tener un trabajo normal para, a la postre, tener una vida normal. La heroína más tenaz de finales de los 90 apenas habla y se mueve a la velocidad del viento. La película es ella. Y ella es lo que hace, cómo lo hace y por qué lo hace. Nada más... y nada menos. Un ejercicio de cine mayúsculo, pura energía que todavía hoy se antoja una radiografía precisa (y por certera, triste) de nuestra maltrecha Europa. Rosetta empieza su periplo dando portazos, incapaz de aceptar que sus superiores no han renovado su contrato laboral; y termina absolutamente hastiada, dando su brazo y todo su cuerpo a torcer. Pero cuando uno está tan marcado por los condicionantes sociales, familiares y económicos que le circundan, es el propio mundo el que te impide poner fin a tanto calvario. Es entonces cuando la vida se convierte en purgatorio; y éste, en infierno. No podía existir una mejor descripción fílmica del círculo vicioso que encierra la miseria. La gran interpretación de Émilie Dequenne y la cinta más lograda de sus firmantes. Una obra maestra nerviosa y fúnebre. Nota: 9 / 10

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jueves, 29 de junio de 2017

CRÍTICA | JERICÓ, de Luis Alberto Lamata


JERICÓ
Nominación al Goya a la mejor película iberoamericana
Venezuela, 1990. Dirección y guión: Luis Alberto Lamata Reparto: Wilfredo Cisneros, Cosme Cortázar, Doris Díaz, Amílcar Marcano, Alexander Milic, Reggie Nalder, Luis Pardi, Francis Rueda, Yajaira Salazar Fecha de estreno en España: Inédita Film completo: Link


Crítica José: “Jericó no ha caído, Jericó está en el alma”. El fraile Santiago decide emprender un viaje, y por el camino se encontrará un lugar en donde Dios no ha llegado a las vidas de sus habitantes. Santiago hará todo lo posible para que las personas se acerquen a Dios, pero al ir con gentes que no comparten su mismo objetivo, las cosas se saldrán fuera de control. La religión es el centro de esta película venezolana, de la que admito no haber escuchado sobre ella, seguramente porque no tuvo un gran éxito. Generalmente la religión tiende a ser un tema controversial, pero en el film nos ponemos en las carnes de Santiago, encargado de llevar sobre la palabra de Dios a aquellos pueblos poco visitados. Si eres una persona interesada en cuestiones religiosas, esta es tu película; en cambio, si no es así, recomiendo dar media vuelta y buscar otra propuesta. La narrativa es interesante, pero por momentos llega a ser aburrida, y el espectador puede darse por vencido y dejarla. Nota: 6 / 10


Crítica Mayra: Jericó es una película poco conocida de la cinematografía venezolana. El título sin duda tiene su simbolismo con aquella historia bíblica sobre la conquista de Jericó, un relato que aquí es trasladado a la época de la conquista española y sus sórdidos detalles, hechos históricos que sirven de hilo conductor para narrar las peripecias de un fraile que tendrá la tarea de evangelizar a los indígenas, pero que, al llegar a dicho sitio, se da cuenta que su misión contrasta grandemente con su espiritual idea de “amor y piedad”. La cinta se centra en narrar el conflicto interno del fraile y el titubeo de su fe ante las barbaries de quienes dicen profesar su credo y muestran incluso menos piedad que quienes lo desconocen. Todo esto da lugar a un curioso drama de conflictos existenciales y religiosos que, aunado al trasfondo histórico, permite obtener como resultado final una obra interesante en la cinematografía suramericana. Nota: 6 / 10


Crítica Ronnie: Jericó relata las andanzas de un clérigo español que emprende una expedición de colonizadores rumbo a la conquista de la América salvaje del siglo XVI. El grupo de la misión evangelizadora se ve envuelto en una serie de atroces asesinatos contra los pobladores originarios de estas tierras, todo para alcanzar el fin planteado por la corona: la dominación de nuevos territorios. El misionero, horrorizado ante lo que ve, huye de tanta trocidad y termina en una tribu nativa en donde es aceptado sin mayor problema. En un principio, el misionero intenta evangelizarlos sin respuesta alguna; al pasar los días, lográ poco a poco aproximarse a los nativos estableciendo vínculos emocionales con sus miembros, hasta que se sucita un acontecimiento que provoca la molestia del jefe de la tribu. A partir de aquí la película se convierte un viaje de negación de convicciones y preceptos que termina por humanizar un relato histórico plagado de salvajismos. La conquista y sus costumbres intentan ser retratadas fielmente por Luis Alberto Lamata en este relato aleccionador sobre la imposiblidad del ser humano ante situaciones adversas, exigencias e imposiciones ajenas. Lo más destacable de la película resulta ser el trabajo de Wilfredo Cisneros: los conflictos a los que se enfrenta su personaje generan el contexto perfecto para el desarrollo de su personalidad, situación que maneja con bastante soltura. Otro punto a favor de la película es la serie de conflictos que deja sobre la mesa para su posterior analísis. Nota: 7 / 10


Crítica Xavier: El cine iberoamericano tiene una cuenta pendiente con sus raíces, sus antepasados, sus lenguas, sus culturas, sus paisajes, su esencia... En resumen: su Historia (en mayúscula). Títulos como La teta asustada o El abrazo de la serpiente, de corte etnográfico, localistas y al mismo tiempo universales, ponen de manifiesto este aperturismo necesario largamente postergado, bien por desinterés de los cineastas sureños o por la tradicional falta de apoyos, en su mayoría económicos, de los que han adolecido las cinematografías latinas. Ahora que Suramérica está viviendo una revolución a todos los niveles, también en el plano ficcional, descubrir títulos como Jericó resulta una bonita paradoja. La cinta de Luis Alberto Lamata no podría ser un descubrimiento más certero, con una gramática visual que entronca directamente con la literatura colonial. Film de corte clásico, y por ende moderno. Referente silente y silenciado de una manera de concebir el cine como un acto de compromiso sociocultural, capaz de traernos la locura de los exploradores, la mítica de las Indias y las dudas morales que encerraban las empresas selváticas. Es bonito pensar que Suramérica es ahora quien nos coloniza a nosotros con su buen hacer fílmico. El cambio ya empezó en los 90 con esta apreciable película, pero muchos la desconocíamos por completo. Nunca es tarde para abrir los ojos. Nota: 7 / 10

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EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 2X29 - CINE ESPAÑOL: JUNIO 2017


Programa nº 52 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 4º audio mensual dedicado al cine español. Repasamos el palmarés del Festival de Cannes, las nominaciones a los Premios Platino y los estrenos de verano. Incluye reseñas de No sé decir adiós, Colossal, Money, Animal de compañía, Inside, Como la espuma, La película de nuestra vida y Selfie. Colaboran en el audio Mayra Meza, Chema López, Alberto Tovar y Xavier Vidal. ¡Gracias por darle al play!



Guía del programa:
1' Presentación - 3' Palmarés Festival de Cannes - 24' Nominaciones Premios Platino - 56' Avance Festival de San Sebastián 2017 - 63' No sé decir adiós - 68' Colossal - 73' Money, Animal de compañía e Inside - 78' Como la espuma - 83' La película de nuestra vida - 86' Selfie - 91' Despedida y canción: "Human Monkeys", de Najwa

miércoles, 28 de junio de 2017

CRÍTICA | DÍAS EXTRAÑOS, de Kathryn Bigelow


DÍAS EXTRAÑOS (STRANGE DAYS)
Saturn Award a la mejor dirección e interpretación femenina protagonista
EE. UU., 1995. Dirección: Kathryn Bigelow Guión: James Cameron y Jay Cocks Reparto: Ralph Fiennes, Juliette Lewis, Angela Bassett, Tom Sizemore, Michael Wincott, Vincent D'Onofrio, Josef Sommer, Glenn Plummer, William Fichtner, Richard Edson, Joe Urla Fecha de estreno en España: 12/04/1996 Tráiler: Link


Crítica José: Días extraños tiene un argumento bastante novedoso. Una serie de crímenes son grabados mediante un programa que hace sentir al que lo usa la misma emoción que sintió el autor de la acción. El dispositivo te permite ser otra persona por unos segundos, o al menos jugar con la idea de ser por un momento el invidividuo que te hubiera gustado ser. La idea da pie a una trama policiaca poco convencional y a un discurso que nos sumerge en la soledad y en el caos. También esconde una reflexión de la nostalgia: en la vida real vuelves a tu pasado por medio de la memoria, pero en Días extraños todo ello llega a su máximo exponente, pues en la película se pueden revivir literalmente ese pretérito que probablemente ha sido magnificado. Se pone en juicio, en definitiva, el mundo tecnológico que nos rodea y su capacidad de "autoengaño". La recomiendo a todos los amantes de la buena ciencia ficción y a aquellos que les gusten las estéticas postmodernas o de cómic. Nota: 7 / 10


Crítica Mayra: Kathryn Bigelow a lo largo de su carrera ha ejercido más veces las funciones de directora que de guionista, y debo admitir que hasta ahora no he tenido la oportunidad de ver una película escrita y a la vez dirigida por la cineasta estadounidense; sin embargo, sí he podido disfrutar varios de sus trabajos como realizadora en títulos recientes como En tierra hostil y La noche más oscura, películas que sin duda son un reflejo de cómo Bigelow a lo largo de los años ha ido perfeccionando su estilo. Días extraños es uno de los films noventeros de la cineasta, época en la que ya se podía atisbar su prometedora carrera. La cinta parte de una premisa interesante y futurista que intentaba adelantarse a su momento, y que en su puesta en escena y dirección da como resultado final una obra trepidante que logra entretener al espectador (incluso ahora, casi veinte años después) y además nos brinda algunas interpretaciones muy correctas, que hacen que Días extraños funcione a pesar de tener un tramo final un tanto rocambolesco. Nota: 6 / 10


Crítica Ronnie: Una mirada futurista de lo que sería el inicio del nuevo milenio. Ahora, en la distancia, resulta curiosa, pero no deja de ser efectiva como una visión del futuro en esa época. El fin del mundo está sentenciado debido a la falta de nuevas tecnologías y esto parece ser la clave para el declive de la humanidad. Días extraños es una película de ciencia ficción tremenda que en su momento pasó bastante desapercibida, pero que por obvias razones vale la pena revisitar hoy en día. La genialidad de Ralph Fiennes siempre se agradece y Angela Bassett es una auténtica delicia, mientras Juliette Lewis va de lo mismo, de "la Lewis", como acostumbraba en todas sus películas. En general Kathryn Bigelow se anota un gran acierto con esta cinta noventera a la que, si bien llegamos a notar un poco la mano de James Cameron, pasamos por alto la intromisión. Una película altamente recomendable (y escribe alguien que ama las películas de ciencia ficción). Nota: 9 / 10


Crítica Xavier: Antes de En tierra hostil, la carrera de Bigelow discurría un tanto errática, experimentando con fórmulas y tramas casi antónimas. De esa capacidad de adaptación, de su paciencia y de su evidente manejo de la narrativa cinematográfica, patente incluso en sus trabajos más desiguales, ha surgido una de las carreras más incatalogables que haya visto Hollywood en los últimos años, una rareza que trasciende su condición de mujer (o, si nos ponemos "amarillistas", su título de ex pareja de James Cameron). En esta distópica Días extraños atisbo la Bigelow valiente, exploradora y trabajadora infatigable. La directora pone toda la carne en el asador, pero la historia da poco de sí, hasta el punto de diluirse y caer en el absoluto ridículo a medida que el calendario se va acercando al cambio de milenio. A diferencia de otros apocalipsis noventeros, Días extraños no sólo ha perdido atractivo, sino que su discurso sobre las nuevas tecnologías y la "ciberdelincuencia" resulta bastante naïf. A ello contribuye especialmente una estética "a lo Blade Runner", absoleta en pleno 2017. En pocas palabras, un desastre de dimensiones considerables. Pero no nos pongamos las manos a la cabeza. Por suerte, el siglo XXI es muchísimo más halagüeño, para Bigelow y para todos nosotros. Un día extraño, incluso malo, lo tiene cualquiera. Nota: 5 / 10

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martes, 27 de junio de 2017

CRÍTICA | SIETE MIL DÍAS JUNTOS, de Fernando Fernán Gómez


SIETE MIL DÍAS JUNTOS
Festival de Peñíscola: Mejor director
España, 1994. Dirección: Fernando Fernán Gómez Guión: Javier García Mauriño, Fernando Morales y Fernando Fernán Gómez, a partir de un argumento de Luis Alcoriza Reparto: José Sacristán, María Barranco, Pilar Bardem, Agustín González, Chus Lampreave, Pedro Beltrán, Tina Sáinz Fecha de estreno en España: 27/01/1995 Tráiler: Link


Crítica José: Fernán Gómez es un maestro en la ejecución de las escenas. Logra transmitir las impresiones de todos los personajes ante los acontecimientos y, sobre todo, refleja un ambiente esperpéntico, cargado de ironía. La narración final es la mejor prueba de que la película tiene un ritmo y una calidad tremendos. Con el elenco de actores que participan en esta cinta es muy difícil fallar. Admirable reflexión sobre el infierno en el matrimonio. Nota: 6 / 10


Crítica Mayra: En Siete mil días juntos asistimos a la historia del matrimonio conformado por Matías y Petra, una pareja muy singular que tras dos décadas juntos empiezan a sentir cómo las diferencias personales se vuelven cada vez más insoportables. Una insatisfacción personal que se tornará en una fatal batalla marital donde sus protagonistas jugarán con astucia todas sus cartas. Bajo esta premisa se desarrolla el metraje de una tragicomedia que convierte al espectador en testigo y cómplice de los conflictos que surgen entre sus protagonistas, jocosas situaciones que, al mismo tiempo, dan pie a momentos más ominosos en su relato. Sin duda Fernán Gómez logró dirigir con mucho acierto un guión intrigante con mucho humor negro y unos personajes la mar de curiosos (incluso los secundarios). Debemos destacar la sobresaliente interpretación protagónica de José Sacristán y Pilar Bardem. Una película sumamente interesante y entretenida con un reparto en estado de gracia. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Una comedia negra muy "españolizada" que podría generarle problemas semánticos al espectador extranjero pese a ser altamente disfrutable, más si cabe teniendo en cuenta que José Sacristán y Pilar Bardem bordan sus papeles. Ambos interpretan el matrimonio en el que se centra el conflicto, plagado de situaciones incómodas. Debo contarles que tengo una especial predilección por el cine de Álex de la Iglesia, y esta película me ha parecido un buen ejercicio narrativo con un tono sarcástico y con atmósferas tan sórdidas que incluso pueden llegar a incomodar a la audiencia. Bien por el director, que sabe abordar el tono perfecto para que su obra funcione. Nota: 8 / 10


Crítica Xavier: Los fantasmas de la España de El extraño viaje, obra cumbre de Fernán Gómez, sobrevuelan esta Siete mil días juntos, tragicomedia que describe la España de ancianos y barrios posterior a la Transición. Recorrida por una ironía extraña (primero esperpéntica, luego negra), la película cuenta las vicisitudes de un matrimonio en horas bajas. Él no soporta los desprecios que recibe de su mujer. Ella manipula a su entorno para quedar como víctima ante todo el mundo. Ambos conocen las flaquezas del otro, y cada uno por su parte, en silencio y con alevosía, intentan destruir a su cónyuge, convertidos en némesis por obra y gracia de siete mil días de insoportable convivencia. El resultado es una película que entusiasmaría por igual a Galdós y a De la Iglesia, a clásicos y a hipsters. Costumbrista y surrealista en dosis muy medidas, tan calculadas como sus ensoñaciones a base de ácido sulfúrico y veneno azucarado. No cabe ninguna duda de que España, antes y ahora, es la eterna metáfora de dos frentes que, en su animadversión, encuentran su razón de ser. O, si se quiere, de una morgue plagada de víctima, verdugos... y médicos forenses con instintos violadores. ¡Cuánto se le echa de menos, señor Fernán Gómez! Nota: 7 / 10

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lunes, 26 de junio de 2017

CRÍTICA | NIÑOS DEL PARAÍSO, de Majid Majidi


NIÑOS DEL PARAÍSO
Nominada al Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Festival de Montreal: mejor film
Irán, 1998. Dirección y guión: Majid Majidi Reparto: Amir Naji, Amir Farrokh Hashemian, Bahare Sediqi Fecha de estreno en España: 08/10/1999 Tráiler: Link


Crítica José: Una historia que nos relata la vida de Ali y de Zhore. Ali pierde los zapatos de su hermana pequeña Zhore. Sus padres no pueden permitirse comprar un par nuevo de zapatos, por lo que deciden compartir calzado. Niños del paraíso es una muestra de que se puede hacer cine hermoso sin necesidad de utilizar efectos visuales ni grandes estudios. Irán, como prueba esta cinta, es digna representante de un cine hecho con el corazón. Podría nombrarla una joya, pese a que su nivel técnico es casi nulo. La fuerza de la historia es tan avasalladora que nos empuja a seguir a sus personajes e involucrarnos en sus pericias. Nos angustiamos y sonreímos al compás que nos marca su director hasta un final desgarrador, soberbio y efectivo. Majadi nos da una lección: en el cine, lo importante no son las películas sino la historia que quieres contar y las ganas de contarla bien. Nota: 10 / 10


Crítica Mayra: El argumento de Niños del paraíso, quizás a priori, y sobre todo para aquellos que hemos visto poco cine iraní, puede parecer poco atractivo; sin embargo, la película se desarrolla de una manera tan ágil y conmovedora que resulta imposible para el espectador apartar su mirada un solo segundo. Majidi no sólo nos presenta una historia muy humana con personajes portadores de una basta carga dramática capaz de causar empatía, sino que también propone una obra que a pesar de sus carencias en cuanto a presupuesto consigue entretener e implicar al espectador en las adversidades diarias de sus dos infantes protagonistas. Una aventura que retrata la pobreza económica pero al mismo tiempo resalta la bondad que es capaz de albergar el ser humano. Estamos ante un guión sencillo pero tan bien engranado e interpretado que consigue calar hondo en el espectador, y convertirse en 90 minutos de puro cine. Mientras veía la escena final de Niños del paraíso, las palabras que pasaron por mi mente fueron: "películas como esta son la razón de que ame tanto el cine". Desde ya, uno de mis films favoritos de este CSF. Nota: 8 / 10


Crítica Ronnie: Niños del paraíso obtuvo de una manera muy justa la nominación al Óscar a la mejor película extranjera y, aunque no se llevó la estatuilla, se hizo con el premio más importante que uno pueda ganar: el corazón del público, que supo apreciar una historia que a simple vista parece muy pequeña pero que crece gracias a su manufactura. Perder un par de zapatos se convierte en un acontecimiento que expone la humilde vida de Irán y las grandes diferencias sociales entre sus habitantes (es importante tener en cuenta que estas diferencias no eliminan la bondad de los más humildes). El guión utiliza emociones con las que uno no puede evitar el sollozo en ciertas escenas, y en otras la misma situación nos hace esbozar una sonrisa. Son esas emociones contenidas las que le dan a la cinta ese poder de transmitir su mensaje principal exponiendo una realidad que a veces nos es imposible asumir en nuestras vidas cuando tenemos tantas cosas y oportunidades en nuestro camino. La actuación de los dos pequeños es sumamente increíble: la niña, toda una ternura; y el pequeño, todo un bastión de coraje y valentía. Nota: 9 / 10


Crítica Xavier: De todo el boom que vivió el cine iraní en los 90, Niños del paraíso fue de largo la cinta más popular y la única que llegó a pisar la alfombra roja de los Óscar. Tal vez porque Kiarostami resulta demasiado introspectivo para el gran público o porque el militarismo de Panahi y la saga Makhmalbaf no acaba de casar con la mentalidad occidental, Majid Majidi, de entre todos los nombres de su país, vivió una exposición internacional inusual que a posteriori mantuvo con películas igual de notables como El color del paraíso y Baran (Lluvia). Méritos no le faltan: estamos ante un cuento precioso y preciso sobre la miseria, sus víctimas y sus consecuencias. Con la verdad y la bondad del neorrealismo de De Sica. Con interpretaciones plenamente convincentes. Con la que es tal vez la relación entre hermanos más bonita de los 90. Diga lo que diga Hollywood, el héroe de Niños del paraíso entronca con los pequeños protagonistas de ¿Dónde está la casa de mi mejor amigo? o Buda explotó por verguenza. Por su tenacidad y pureza. Por demostrarnos en este rincón del Primer Mundo que, cuando no se tiene nada, cuesta menos dar lo que se tiene. Una paradoja de alto nivel cinematográfico y de gran contenido educativo. Nota: 8 / 10

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domingo, 25 de junio de 2017

CRÍTICA | PROFUNDO CARMESÍ, de Arturo Ripstein


PROFUNDO CARMESÍ
9 premios Ariel y 3 premios del Festival de Venecia
México, 1996. Dirección: Arturo Ripstein Guión: Paz Alicia Garciadiego Reparto: Daniel Giménez Cacho, Regina Orozco, Marisa Paredes, Patricia Reyes Spíndola, Julieta Egurrola, Rosa Furman, Verónica Merchant, Sherlyn Fecha de estreno en España: 04/10/1996 Tráiler: Link


Crítica José: El retrato putrefacto del ser humano se puede ubicar directo en esta historia, llena de desencanto, indignidad y bajeza. No existen límites. El negocio es redondo. La falta de cariño y compañía es el gancho perfecto. Sin escrúpulos, Nicolás se deshace de las mujeres que seduce y roba. El acomplejado galán que esconde su calvicie. Coral es una mujer sin dignidad, desvergonzada e irresponsable, incapaz de tener amor propio y por tanto menos para sus hijos. Egoísta por naturaleza. El caso es que ambos se enamoran, y el suyo es un amor apasionado y destructivo; un amor fatal, no sólo para ellos, sino también para todos los que se les ponen por delante. Son pocas las películas que he visto de Ripstein, pero en todas he podido apreciar ese toque para contar historias muy extrañas. Profundo carmesí no es la excepción. En esta cinta encontramos una pareja decidida a hacer lo que sea por dinero, utilizando como pretexto el destino y el amor. La película ofrece imágenes inéditas, situaciones repulsivas, actos escabrosos y buenas actuaciones. Nota: 8 / 10


Crítica Mayra: Profundo carmesí está ambientada en los años 40 y narra la relación entre un hombre vividor de pasado turbio y una madre soltera en busca de afecto. Ambos terminan uniendo sus desequilibradas vidas e iniciando una relación obsesiva y destructiva que, a la postre, los convierte en algo incluso peor. La cinta cuenta con una destacable labor interpretativa por parte de sus actores protagonistas (Giménez y Orozco), quienes encarnan dos personajes por los que se llega a sentir tanta pena como aversión. Profundo carmesí tiene una historia muy bien dirigida y desarrollada, aunque en un principio tiene personajes y situaciones que rozan el ridículo, si bien, conforme avanza el metraje, se añade un tono provocador y arriesgado que plasma en sus imágenes una dureza y crueldad que resulta inquietante. Reconozco que de la filmografía de Arturo Ripstein sólo he visto El castillo de la pureza, así que poco puedo hablar del estilo habitual del cineasta mexicano en sus obras; sin embargo, de lo visionado hasta ahora, empiezo a creer que las películas de Ripstein, para bien o para mal, no dejan indiferente. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Estamos ante una de las mejores películas del cine mexicano. Arturo Ripstein y Paz Alicia Garciadiego (su esposa) han trabajado juntos desde hace mucho tiempo en infinidad de proyectos, pero esta película resulta una verdadera exquisitez en cuanto a historia y dirección. Coral (Regina Orozco) una enfermera pasada de peso e insatisfecha con la vida, madre de dos hijos, enamorada de Charles Boyer, contacta a través de las páginas de "corazones solitarios" con un galán que presume su gallardía española, Nicolás (Daniel Gimenez Cacho), un gañán que enamora a mujeres solitarias para robarlas y matarlas. El gran acierto del realizador y la escritora fue trasladar el relato original a la escena mexicana de 1949, y lo que comienza como una comedia ligera culmina en uno de los melodramas más atroces y crueles de la marquesina nacional. Ripstein perpetua cuadro a cuadro una acción que equilibra a la perfección lo absurdo y lo grotesco sin concesiones sentimentales. Dos almas apasionadas y perdidas que cruzan su camino con desgana, y que terminarán teniendo una malsana independencia. La interpretación de Regina Orozco como Coral es una cátedra de actuación que solo alguien de la talla de Orozco podría haber interpretado. Los elementos destacables de la película son el guión, la fotografía, el reparto, la dirección y la ambientación. Una mezcla de amor enfermizo, ambición, fe, ingenuidad, odio, compasión, soledad, desesperación y traición. La cinta está basada en un acontecimiento real, ocurrido en Estados Unidos, que fue llevado al cine en 1970 bajo el nombre de The Honeymoon Killers, un clásico para los amantes de los serial killers de serie B. En el 2006, el nieto del policía que investigó el caso llevó al cine el relato original bajo el nombre de Lonely Hearts, protagonizado por Jared Leto y Salma Hayek como pareja principal. De igual manera, un episodio de la serie norteamericana Cold Case trató el tema en una ocasión. Nota: 10 / 10


Crítica Xavier: El cine mexicano, fiel a su feísmo y a su sentido estilizado del "culebrón", viene regalándonos desde varias décadas algunas de las películas más ingratas del panorama hispano. Ripstein, en ese contexto, merece ser considerado el padre de toda la generación presente que llena festivales de forma no siempre merecida (Escalante, Franco y compañía). Profundo carmesí confirma a su artífice como retratista de una sociedad corrompida en todos los ámbitos. En la ficción (para más inri, basada en hechos reales), dos amantes criminales se aprovechan de los resquicios del sistema para, cual road movie sangrienta, dejar a la superficie los males endémicos de los que son verdugos y, a la postre, víctimas. La crudeza, la miseria, la humedad, la crueldad y la locura calan hondo, traspasan la pantalla y ponen al espectador en tesituras incómodas, con una explicitud y una plasticidad mugrienta pocas veces alcanzada por otras cinematografías. Esa es su gran virtud, pero también su principal talón de Aquiles. Ripstein, en pos de la provocación, resulta más incómodo que crítico. Queda, por lo tanto, una película meritoria, con su mal aliento, su capa de pus, su luz ámbar, relicarios convertidos en armas homicidas y tierras áridas en las que cualquier atisbo de humanidad se antoja tan utópico como agua en pleno desierto. Demos gracias a que Donald Trump carece de la inteligencia suficiente para entenderla, porque, de hacerlo, construiría su dichoso muro ipso facto. Nota: 7 / 10

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sábado, 24 de junio de 2017

CRÍTICA | DIOSES Y MONSTRUOS, de Bill Condon


DIOSES Y MONSTRUOS
Óscar al mejor guión adaptado. Globo de oro y Bafta a la mejor actriz secundaria
Independent Spirit Award a la mejor película. San Sebastián: mejor actor y premio del jurado
EE.UU., 1998. Dirección: Bill Condon Guión: Bill Condon, a partir de la novela de Christopher Bram Reparto: Ian McKellen, Brendan Fraser, Lynn Redgrave, Lolita Davidovich, Kevin J. O'Connor, David Dukes, Brandon Kleyla, Pamela Salem, Michael O'Hagan Fecha de estreno en España: 18/03/1999 Tráiler: Link


Crítica José: James Whale, autor de Frankenstein. James Whale, quien fuese un director repudiado por no ocultar su homosexualidad dentro de un Hollywood cínico e hipócrita. Relato de su vida y de su única compañía: su ama de llaves. Pero un día comienza una relación con su jardinero, un hombre apuesto al que deposita toda su confianza para contar su historia en el Hollywood de los años 30. Bill Condon nos ofrece en su ópera prima las historias de personajes acabados, perdedores y humillados, pero que se muestran con un gran esplendor. Bill Condon nos ofrece una fantasía de lo que pudieron ser sus últimos días de vida, la compleja relación que mantiene con su jardinero, un muchacho ansioso por aprender. El trabajo de la pareja de actores es impresionante. Se habla mucho de la gran y magistral actuación de Ian McKellen, pero Brendan Fraser entrega una gran actuación. Una cinta dolorosa, muy humana y conmovedora sin llegar jamás a acercarse a las lindes ni de lo sensiblero ni de lo sentimental. Nota: 9 / 10


Crítica Mayra: Dioses y monstruos sin duda es una de las obras más destacables de la filmografía del director Bill Condon. El film, adaptación de la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram, obtuvo tres merecidas nominaciones a los premios Óscar de su año. La cinta es un interesante biopic sobre la vida, o mejor dicho, los últimos días de la vida del director James Whale; una época que el metraje retrata con cierta retrospectiva en medio de flashbacks y curiosas ensoñaciones que nos acercan a la vida interior de un Whale entrado en años, enfermo, solitario y nostálgico, un personaje interpretado con mucho acierto por parte de Ian McKellen y acompañado por un correcto Brendan Fraser. Dioses y monstruos tiene una ambientación muy lograda y su guión, fotografía y montaje tienen un ritmo correcto que se acopla con la nostálgica narración sobre el cine, la amistad, el amor y el paso y peso del tiempo en sus personajes. Sin duda el apartado más destacable del film es el interpretativo: Lynn Redgrave, Brendan Fraser y sobre todo Ian McKellen aportan grandes interpretaciones a esta interesante historia. Un relato curioso, entretenido y muy recomendable. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: La película de Bill Condon es un profundo y respetable retrato de la soledad humana; el impacible final de una mítica figura del cine, James Whale, un director alabado y recordado principalmente por sus legendarios trabajos Frankenstein, The Bride of Frankenstein y The Invisible Man; y a su vez repudiado por no ocultar sus preferencias sexuales en un Hollywood hipócrita. Esta película no es ni soberbia ni sentimental: sigue el abrumador camino de la fragilidad humana, con pinceladas de amor y admiración. Dioses y monstruos es una obra conmovedora, que te acerca al tormento final de una mente brillante, un artista que ve como su presente se va sumiendo poco a poco en el pasado del que siempre huyó, pero que termina siendo su lecho de muerte una vez que él mismo ha aceptado la inevitable verdad de sus ultimos días. La obra está basada en la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram y se aleja de los clásicos biopics a los que Hollywod nos tiene acostumbrados, ya que profundiza de una manera poco habitual en la vida de Whale durante sus ultimos días. Ian McKellen demuestra porque es un mosntruo de la actuación y le secundan perfectamente bien Lynn Redgrave y Brendan Fraser (es una lástima que este último haya hundido su carrera con apoteósicas e infames cintas taquilleras). Termino esto con las bellas palabras escritas por Whale en su nota de suicidio: El futuro está lleno únicamente de dolor y viejos recuerdos... Necesito estar en paz y este es el único modo de lograrlo. Mi vida ha sido maravillosa. Nota: 9 / 10


Crítica Xavier: Antes de deslucir su currículum con "Crepúsculos" y "Bellas y Bestias", Bill Condon era un director de enorme solvencia, capaz de abordar películas de perfil tan difícil, también tan atractivo, como esta Dioses y monstruos, para siempre recordada por tener el mejor trabajo interpretativo de Ian McKellen y Brendan Fraser. En ella pulula el recuerdo del Old Hollywood, aquella edad de oro que el noir de los 40 y 50 filmaba entre flashes de cámaras y tinieblas al más puro estilo El crepúsculo de los dioses. También una doble historia de amistad, reminiscencias del melodrama de épocas pretéritas (Whale y los vínculos con su jardinero y su criada). Incluso la inteligencia de una premisa que eleva el tan codificado biopic a registros muchísimo más poéticos. El resultado es una película bella, preñada de cine y de cinefilia, clásica y moderna, respetuosa e irreverente, triste y a la vez recorrida por una finísima ironía. Una reflexión sobre los monstruos que nos atenazan, ya sea en forma de criaturas fantásticas o de miedos más reales. Señor Condon: déjese de "chuminadas" y vuelva a filmar películas como esta. Nota: 7 / 10

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viernes, 23 de junio de 2017

CRÍTICA | LOS CASOS DE VICTORIA, de Justine Triet



La evasión de Victoria
LOS CASOS DE VICTORIA, de Justine Triet
Festival de Cannes 2016: Semana de la crítica, film inaugural. 5 nominaciones a los Premios César
Francia, 2016. Dirección y guión: Justine Triet. Fotografía: Simon Beaufils Reparto: Laure Calamy, Virginie Efira, Vincent Lacoste, Emmanuelle Lanfray, Laurent Poitrenaux, Melvil Poupaud Género: Tragicomedia judicial Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 25/08/2017
¿De qué va?: Victoria, una abogada penalista de prestigio, asiste a la boda de su amigo Vincent. En el enlace coincide con Sam, un antiguo cliente suyo. A la mañana siguiente, Vincent es acusado de asesinato, y Victoria, ayudada por Sam, emprende su defensa. 

jueves, 22 de junio de 2017

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 2X28 - ESTRENOS JUNIO 2017


Programa nº 51 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Repaso a los estrenos más destacados del mes de junio, con la colaboración de Mayra Meza, Álex Tielas y Guillermo Navarro. ¡Gracias por darle al play!


Guía de programa:
1' Presentación - 4' Noticias - 12' Blockbuster del mes: WONDER WOMAN, LA MOMIA y PIRATAS DEL CARIBE 5 - 29' Director del mes: Nicole Garcia y EL SUEÑO DE GABRIELLE - 35' Estrenos en streaming: MÁQUINA DE GUERRA, THE WIZARD OF LIES y PEQUEÑOS DELITOS - 41' Cartelera: Norman, El caso Sloane, Testigo, I am not a serial killer, Paula, Marie Curie, El invierno, American Pastoral, Clash y Nagasaki - 61' Series: TWIN PEAKS, EL CUENTO DE LA CRIADA y AMERICAN GODS - 67' DVD: CERTAIN WOMEN y 20TH. CENTURY WOMEN - 73' Tráiler del mes: ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS - 77' Banda sonora del mes: TOM À LA FERME, de Gabriel Yared - 84' Despedida y canción: To Be Human, de Sia

miércoles, 21 de junio de 2017

SEMANARIO 114 | CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: TRABAJOS NOVELES


¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de Cinoscar & Rarities. En el margen derecho del blog, en la sección 'Semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

martes, 20 de junio de 2017

PALMARÉS | CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017: TRABAJOS NOVELES

Tras publicar los 14 trabajos noveles a concurso de nuestro Cinoscar Summer Festival, el jurado del certamen (formado por Andrés Borja, Mayra Meza, Guillermo Navarro y Xavier Vidal) han decidido conceder las siguientes menciones. Mañana daremos a conocer en nuestro grupo de facebook el vencedor del premio del público. ¡Felicidades a los premiados!

MEJOR CARTEL


MEJOR CONTRIBUCIÓN MUSICAL


MEJOR CONTRIBUCIÓN TÉCNICA


MEJOR REPARTO


MEJOR GUIÓN


MEJOR ACTRIZ


MEJOR ACTOR


MEJOR TRABAJO NOVEL (2º premio)


MEJOR TRABAJO NOVEL (1º premio)


Durante la semana, los ganadores recibirán por mensaje privado los diferentes diplomas acreditativos. ¡Gracias a todos por participar en nuestro Cinoscar Summer Festival!

lunes, 19 de junio de 2017

ENCUESTA | LAS MEJORES PELÍCULAS DEL AÑO 1998

Cinoscar & Rarities, dentro del especial CINE DE LOS 90, ha encuestado a sus oyentes y lectores por sus 5 películas favoritas del año 1998. En el siguiente post agrupamos el top final y los 38 tops recibidos.


1. EL SHOW DE TRUMAN, de Peter Weir 22 votos
2. AMERICAN HISTORY X, de Tony Kaye 19 votos
3. EL GRAN LEBOWSKI, de Joel Coen 17 votos
4. SALVAR AL SOLDADO RYAN, de Steven Spielberg 14 votos
5. LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR, de Julio Medem 10 votos
6. CELEBRACIÓN, de Thomas Vinterberg 7 votos
7. SHAKESPEARE ENAMORADO, de John Madden 6 votos
8. ELIZABETH, de Shekhar Kapur 5 votos
8. HAPPINESS, de Todd Solondz 5 votos
8. LA DELGADA LÍNEA ROJA, de Terrence Malick 5 votos
11. DARK CITY, de Alex Proyas 4 votos
11. DIOSES Y MONSTRUOS, de Bill Condon 4 votos
11. EL ABUELO, de José Luis Garci 4 votos
11. ESTACIÓN CENTRAL DE BRASIL, de Walter Salles 4 votos 
11. LA ETERNIDAD Y UN DÍA, de Theo Angelopoulos 4 votos
11. LOS IDIOTAS, de Lars von Trier 4 votos
11. UN PLAN SENCILLO, de Sam Raimi 4 votos




1. @Alvaroubeda82
- Celebración, de Thomas Vinterberg
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- El show de Truman, de Peter Weir
- Lock & Stock, de Guy Ritchie
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg

2. @CharlotteT0ky0
- American History X, de Tony Kaye
- El gran Lebowski, de Joen Coen
- El príncipe de Egipto, de S. Wells, S. Hickner y B. Chapman  
- El show de Truman, de Peter Weir
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg

3. @Cinefan2000
- Dark City, de Alex Proyas
- Dioses y monstruos, de Bill Condon
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- El show de Truman, de Peter Weir
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg

4. @jmpolonio74
- American History X, de Tony Kaye
- El abuelo, de José Luis Garci
- Los idiotas, de Lars von Trier
- Shakespeare enamorado, de John Madden
- The Ring (El círculo), de Hideo Nakata

5. @leosadako
- Academia Rushmore, de Wes Anderson
- Celebración, de Thomas Vinterberg
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- Un plan sencillo, de Sam Raimi
- Un romance muy peligroso, de Steven Soderbergh

6. @losthighwayblog
- El show de Truman, de Peter Weir
- Happiness, de Todd Solondz
- Los idiotas, de Lars von Trier
- The Hole, de Tsai Ming-Liang
- The Ring (El círculo), de Hideo Nakata

7. @LuisCasanovaK
- Bichos, de John Lasseter
- El príncipe de Egipto, de S. Wells, S. Hickner y B. Chapman
- Elizabeth, de Shekhar Kapur
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg
- Shakespeare enamorado, de John Madden

8. @tendedero
- Celebración, de Thomas Vinterberg
- El show de Truman, de Peter Weir
- Estación Central de Brasil, de Walter Salles
- Happiness, de Todd Solondz
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem

9. @Von_Hug
- El abuelo, de José Luis Garci
- Elizabeth, de Shekhar Kapur
- La niña de tus ojos, de Fernando Trueba
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem
- Los visitantes regresan por el túnel del tiempo, de Jean-Marie Poiré

10. Ader
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- La delgada línea roja, de Terrence Malick
- Lock & Stock, de Guy Ritchie
- Miedo y asco en Las Vegas, de Terry Gilliam
- Solo contra todos, de Gaspar Noé

11. Alberto Tovar - Demasiadocine
- Abril, de Nanni Moretti
- El abuelo, de José Luis Garci
- Gato negro, gato blanco, de Emir Kusturica
- La eternidad y un día, de Theo Angelopoulos
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem

12. Angus Fly - Canon Movies
- Antz (Hormigaz), de E. Darnell y T. Johnson
- El show de Truman, de Peter Weir
- Happiness, de Todd Solondz
- La vida soñada de los ángeles, de Erick Zonca
- Un plan sencillo, de Sam Raimi

13. Antonio Fernández
- American History X, de Tony Kaye
- El abuelo, de José Luis Garci
- La niña de tus ojos, de Fernando Trueba
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg
- Very Bad Things, de Peter Berg

14. Carlos Esteban
- American History X, de Tony Kaye
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- Estación Central de Brasil, de Walter Salles
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg
- Shakespeare enamorado, de John Madden

15. Cinéfilos Habituales
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- El hombre de la máscara de hierro, de Randall Wallace
- El show de Truman, de Peter Weir
- Negociador, de F. Gary Gray
- Un crimen perfecto, de Andrew Davis

16. Daniel Bermeo - Cine Puro
- American History X, de Tony Kaye
- Celebración, de Thomas Vinterberg
- El show de Truman, de Peter Weir
- Estación Central de Brasil, de Walter Salles
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg

17. Guillermo Navarro - Film Dreams
- Dioses y monstruos, de Bill Condon
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- Following, de Christopher Nolan
- La delgada línea roja, de Terrence Malick
- La eternidad y un día, de Theo Angelopoulos

18. Isidro Molina - Ratos de cine
- Bichos, de John Lasseter
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- El show de Truman, de Peter Weir
- Los idiotas, de Lars von Trier
- The Faculty, de Robert Rodríguez

19. Javi Burriel - @valorostreaming
- American History X, de Tony Kaye
- El gran Lebowski, de Joen Coen
- El show de Truman, de Peter Weir
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg
- Tienes un e-mail, de Nora Ephron

20. Jesús Onieva
- American History X, de Tony Kaye
- Celebración, de Thomas Vinterberg
- El show de Truman, de Peter Weir
- Fucking Amal, de Lukas Moodysson
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem

21. Jorge Bertrán - Las novias de Gwangi
- Celebración, de Thomas Vinterberg
- Dark City, de Alex Proyas
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- Happiness, de Todd Solondz
- La delgada línea roja, de Terrence Malick

22. Jose Luis Ayala
- American History X, de Tony Kaye
- El show de Truman, de Peter Weir
- La delgada línea roja, de Terrence Malick
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg

23. Jose Soriano
- American History X, de Tony Kaye
- Dark City, de Alex Proyas
- Estación Central de Brasil, de Walter Salles
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem
- Un plan sencillo, de Sam Raimi

24. Joseph A. Diaz - Info Josh Cine
- American History X, de Tony Kaye
- Barrio, de Fernando León de Aranoa
- El show de Truman, de Peter Weir
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem
- Shakespeare enamorado, de John Madden

25. JGalindo
- American History X, de Tony Kaye
- Dioses y monstruos, de Bill Condon
- El show de Truman, de Peter Weir
- La delgada línea roja, de Terrence Malick
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg

26. Juan Coll
- American History X, de Tony Kaye
- Corre, Lola, corre, de Tom Tykwer
- Elizabeth, de Shekhar Kapur
- Pi, fe en el caos, de Darren Aronofsky
- Shakespeare enamorado, de John Madden

27. Kasko
- American History X, de Tony Kaye
- La vida es bella, de Roberto Benigni
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg
- Shakespeare enamorado, de John Madden

28. Marcelo Morales
- Bichos, de John Lasseter
- Camino al cielo, de Robert Duvall
- Deep Impact, de Mimi Leder
- El show de Truman, de Peter Weir
- Ronin, de John Frankenheimer

29. Mayra Meza - Cine Amateur
- American History X, de Tony Kaye
- El show de Truman, de Peter Weir
- La eternidad y un día, de Theo Angelopoulos
- Little Voice, de Mark Herman
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg

30. Parasomnia
- American History X, de Tony Kaye
- Blade, de Stephen Norrington
- Dark City, de Alex Proyas
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem

31. Pedro M. Bernadas
- Armageddon, de Michael Bay
- Dioses y monstruos, de Bill Condon
- El hombre que susurraba a los caballos, de Robert Redford
- El show de Truman, de Peter Weir
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg

32. Pilar García - C de Cine
- American History X, de Tony Kaye
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- El show de Truman, de Peter Weir
- Pleasantville, de Gary Ross
- Velvet Goldmine, de Todd Haynes

33. Rafael Mejía
- Academia Rushmore, de Wes Anderson
- American History X, de Tony Kaye
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- El show de Truman, de Peter Weir
- Elizabeth, de Shekhar Kapur

34. Raven Switch - My Madness Asia
- Blade, de Stephen Norrington
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- Ronin, de John Frankenheimer
- Spriggan, de Hirotsugu Kawasaki
- U.S. Marshals, de Stuart Baird

35. Ricard
- American History X, de Tony Kaye
- El show de Truman, de Peter Weir
- Lock & Stock, de Guy Ritchie
- Rounders, de John Dahl
- Un plan sencillo, de Sam Raimi

36. Ronnie Kruczynski - Dualidad alterna
- Corre, Lola, corre, de Tom Tykwer
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- El show de Truman, de Peter Weir
- Elizabeth, de Shekhar Kapur
- Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg

37. Xavi Llobet
- American History X, de Tony Kaye
- Barrio, de Fernando León de Aranoa
- El gran Lebowski, de Joel Coen
- El show de Truman, de Peter Weir
- Los amantes del círculo polar, de Julio Medem

38. Xavier Vidal - Cinoscar & Rarities
- Celebración, de Thomas Vinterberg
- Happiness, de Todd Solondz
- La eternidad y un día, de Theo Angelopoulos
- Los idiotas, de Lars von Trier
- Velvet Goldmine, de Todd Haynes

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