miércoles, 15 de mayo de 2019

CRÍTICAS | AN ELEPHANT SITTING STILL, SOMBRA y LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE

Cine chino de estreno



AN ELEPHANT SITTING STILL
China, 2018. Dirección y guion: Hu Bo
¿De qué va?: Un día desde el amanecer hasta el anochecer, con varios personajes intentando tomar un tren para escapar de la espiral descendente en la que se encuentran. (FILMAFFINITY) Ficha completa
Reparto: Zhang Yu, Yuchang Peng, Uvin Wang, Congxi Li, Xiang Rong Dong, Yixin Kong Música: Hua Lun Fotografía: Fan Chao Género: Drama Duración: 230 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/05/2019

An Elephant Sitting Still es la primera película de Hu Bo y lamentablemente también la última, puesto que el joven director se suicidó antes de que su ópera prima se estrenara. La película de casi cuatro horas de metraje narra la historia de cuatro personas que verán entrelazados sus caminos y cuyo único nexo en común es la ciudad donde habitan y el desencanto vital que los abruma. An Elephant Sitting Still es un drama que escarba en los males de una sociedad china contemporánea que podría ser cualquier otro lugar. Aborda la desesperanza de quien se siente menospreciado por sus propios padres/hijos, la negligencia del sistema educativo, la violencia, el acoso escolar, el mal uso de las redes sociales  y el suicidio, todos estos temas convergen y fluyen con soltura en un dilatado metraje que nunca resulta aburrido.  Bo, recurre a largos planos secuencia y persigue a sus desdichados individuos, los filma con una mirada cercana pero a la vez distante, con tempo lento y escenario grisáceo que contribuye al sentir desangelado que se pretende plasmar en los fotogramas. Su estilo a medio camino entre lo filosófico y poético tiene diálogos interesantes y precedidos por largos silencios que en ocasiones son acompañados por una melodía que refuerza la lúgubre atmósfera y el dramatismo de ciertas escenas/secuencias. Además, tiene interpretaciones bastante correctas, su discurso es potente y su puesta en escena eficaz. Logra calar hondo en el espectador y sin duda merece la pena el visionado. Aquellos que disfrutan de los dramas existencialistas de tempo lento pueden encontrar en An Elephant Sitting Still una  joyita.


SOMBRA (SHADOW)
China, 2018. Dirección: Zhang Yimou Guion: Zhang Yimou y Wei Li
¿De qué va?: El comandante militar Jing Zhou ha creado una "sombra", un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey, todo con la finalizad de vengarse de sus enemigos y además, convertirse en el nuevo rey. Sin embargo no todo sale como lo había planeado. Ficha completa
Reparto: Deng Chao, Li Sun, Ryan Zheng, Guan Xiaotong, Qianyuan Wang, Jingchun Wang, Jun Hu Lei Wu Música: Lao Zai Fotografía: Xiaoding Zhao Género: Acción. Drama Duración: 116 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 17/05/2019

Tras el fracaso de La gran muralla, Zhang Yimou regresa con Sombra un trabajo más fiel a su estilo, el cual nos recuerda mucho a otras películas del director como La casa de las dagas voladoras o Hero, a esta última se asemeja sobre todo en su fotografía, uso de la música y elementos como el agua que forman parte de algunas de las escenas de acción. De hecho, en Sombra el agua es casi un personaje más, puesto que arropa esta historia con una incesante lluvia a lo largo del metraje. Su gama de colores grises y cuidada puesta en escena da lugar a una atmósfera sombría para mostrar la confrontación entre dos reinos y una venganza que se cuece a fuego lento de la mano de un comandante herido quien usa a su “sombra” (alguien idéntico a él) para ejecutar sus planes. Un juego de poder y guerra estructurado y desarrollado de manera inteligente lleno de intrigas palaciegas y con una buena dosis de violencia. Sombra tiene un engranaje de mucha precisión y está impregnada de esa belleza visual casi poética que suele percibirse en el cine de Yimou. Estamos ante una obra quizás más destacable en forma que contenido: no logra el calado de cintas como ¡Vivir!, o el portentoso trabajo realizado en Hero, pero aun así, se puede decir que Sombra es una película interesante, entretenida y muy bien dirigida. Además tiene interpretaciones solventes y un aspecto visual memorable.


LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE
China, 2018. Dirección y guion: Bi Gan
¿De qué va?: Luo Hongwu regresa a Kaili, su ciudad natal, de la que huyó hace varios años. Comienza la búsqueda de la mujer que amaba, y a quien nunca ha podido olvidar. (FILMAFFINITY) Ficha completa
Reparto: Tang Wei, Sylvia Chang, Meng Li, Huang Jue, Chen Yongzhong, Lee Hong-Chi, Luo Feiyang Música: Giong Lim y Point Hsu Fotografía: David Chizallet y Hung-i Yao Género: Drama Duración: 133 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/05/2019

Tras su interesante ópera prima Kaili Blues, este año el joven director asiático Bi Gan, nos ofrece un nuevo e hipnótico relato aunque mucho menos accesible que su anterior trabajo. Largo viaje hacia la noche es una historia de corte intimista cuyo conflicto radica en la búsqueda de un amor perdido.  La premisa es bastante sencilla, sin embargo es la particular narrativa de Gan y su habilidad para dirigir lo que consigue captar nuestra atención. Largo viaje hacia la noche es un trabajo con muchas virtudes que incluso por sus formas puede recordar al cine de Tarkovsky. Una historia de tempo lento que da protagonismo al silencio pero también contiene diálogos precisos, algunos son un tanto existencialistas. Su puesta en escena complementa la narración realizando un buen trabajo en la iluminación y recurriendo a planos largos  y elegantes secuencias para recrear la atmósfera onírica y cargada de misterio que precisa. Dichos aspectos ayudan a potenciar los detalles dando relevancia a sonidos e imágenes que parecen triviales pero al mismo tiempo dan la sensación de guardar su propio significado, enigmas que parecen esperar con quietud a ser resueltos. Largo viaje hacia la noche es conceptual y abstracta, algo que la convierte en casi una obra de arte, pero en contraposición también puede causar que el espectador menos comprometido con la sencilla historia de amor que se está contando, pierda el interés por lo que está viendo. En definitiva una película interesante pero difícil de recomendar. Puede gustar a quienes vieron con agrado Kaili Blues y los habituales del cine más contemplativo.

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jueves, 9 de mayo de 2019

CRÍTICAS | QUIERO COMERME TU PÁNCREAS, OKKO, EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS y MODEST HEROES

Películas de Anime


QUIERO COMERME TU PÁNCREAS
Japón, 2018. Dirección y guion: Shin'ichirô Ushijima a partir de la novela de Yoru Sumino
¿De qué va?: Cuando Sakura es diagnosticada con una enfermedad terminal, ella decide no contar a nadie su situación. Pero fortuitamente uno de sus compañeros de instituto se entera de su secreto y desde entonces inician una particular relación. Ficha completa
Música: Hiroko Sebu Género: Animación. Drama. Romance Duración: 108 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/04/2019.

Shin'ichirô Ushijima debuta en la dirección de largometraje con este drama sobre dos adolescentes que de manera fortuita entrelazan sus caminos y dan lugar a una historia sobre la vida, la amistad y también la muerte. Quizás lo más destacable que tiene Quiero comerme tu páncreas es que, pese a usar la enfermedad apenas como hilo conductor para desarrollar la trama, la idea de hablar sobre la muerte en una edad cuando la transitoriedad de la existencia no es un tema de gran preocupación, resulta interesante. También es curiosa la unión de dos personajes tan opuestos para así hablar sobre las relaciones humanas y qué es lo que nos convierte en lo que llegamos a ser. Todo esto desarrollado de manera simpática y agradable aunque también se atisban detalles que a los más exigentes pueden molestar un poco, por ejemplo: el excesivo dramatismo de ciertas escenas, las reacciones exageradas de alguno de los personajes y momentos un tanto repetitivos, además todo ello contribuye a dilatar innecesariamente el metraje. Sin embargo y, a pesar de sus imperfecciones Quiero comerme tu páncreas es una película entretenida pero sobre todo interesante. En sus momentos más álgidos muestra un estilo poético que recuerda al cine de Makoto Shinkai, donde la tragedia lo inunda todo y las relaciones interpersonales trascienden tiempo y espacio creando un relato capaz de conmover al espectador. Recomendable para quienes disfrutaron con películas como Your Name, El himno del corazón o incluso A Silent Voice. 


OKKO, EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS
Japón, 2018. Dirección: Kitarô Kôsaka Guion: Reiko Yoshida a partir de la novela de Hiroko Reijo
¿De qué va?: Okko es una adolescente que debe ir a vivir al campo en una posada tradicional japonesa que dirige su abuela. Mientras se prepara con cierta renuencia para ser la nueva encargada del lugar, conocerá a varios fantasmas amistosos. Ficha completa
Música: Keiichi Suzuki Género: Animación. Drama. Fantasía Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/05/2019.

Antes de empezar su carrera como cineasta, Kitarô Kôsaka trabajó en el departamento de animación del Studio Ghibli junto al director Hayao Miyazaki en la animación de películas como Castillo en el cielo, Princesa Mononoke, Ponyo en el acantilado o incluso la nominada al Óscar El viento se levanta. Es probable que por todo ello la influencia de Miyazaki, se atisbe ligeramente en Okko, el hostal y sus fantasmas, adaptación cinematográfica de una novela infantil escrita por Hiroko Reijo. En Okko, el hostal y sus fantasmas, Kôsaka narra la historia de una adolescente que debe ir a vivir con su abuela en la posada que esta dirige, allí Okko, empezará a tener experiencias sobrenaturales al poder ver y hablar con varios fantasmas de niños que viven en dicho lugar. Todo esto es el preámbulo para desarrollar una historia sobre la amistad, el dolor de la pérdida, el crecimiento personal y las raíces culturales. No es una obra de gran calado pero tiene un desarrollo entretenido y agradable logrando equilibrar el drama y la comedia, además, cuenta con un diseño de personajes y animación bastante correcto. En definitiva, Okko, el hostal y sus fantasmas es disfrutable y, a pesar de estar dirigida principalmente al público infantil puede gustar también a los adultos.


MODEST HEROES - PONOC SHORT FILMS THEATRE. VOLUME 1
Japón, 2018. Dirección: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita 
Guion: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita
¿De qué va?: Película compuesta por tres cortometrajes dirigidos por antiguos trabajadores del Studio Ghibli, que ahora forman parte del Studio Ponoc. Ficha completa
Música: Yasutaka Nakata, Takatsugu Muramatsu y Masanori Shimada Género: Animación. Drama. Fantasía. Aventura Duración: 45 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: Por definir.

Kanini & Kanino, el primero de los tres cortos que componen este largometraje fue realizado por Hiromasa Yonebayashi, quien en esta ocasión narra la aventura de una especie de familia acuática que deberá sortear ciertos peligros. Kanini & Kanino recuerda un poco a Arrietty y el mundo de los diminutos, guarda similitudes al tener singulares personajes diminutos, aunque en esta ocasión su  hábitat reside bajo el agua, lugar donde se desarrolla  la  acción de esta historia de supervivencia, entretenida y muy vistosa aunque bastante sencilla y carente de toda la emotividad y calado emocional que suele estar presente en el cine de Yonebayashi. El segundo cortometraje es Life Ain't Gonna Lose, la historia de un niño que padece una alergia en particular que le causa muchos problemas y le impide llevar una vida normal.  Yoshiyuki Momose dirige este drama familiar que muestra de manera interesante los avatares de una madre y su pequeño conviviendo con la enfermedad. Los minutos finales de Life Ain't Gonna Lose están muy bien resueltos. El tercer y último corto es Invisible, singular relato que pese a su sencillez logra captar la atención del espectador con ese aire de extrañeza que desprende el metraje y al mismo tiempo haciéndonos participe de una aventura poco usual. Quizás resulte demasiado abstracto, aún así, Akihiko Yamashita logra un trabajo visualmente correcto y muy entretenido. En líneas generales, Modest Heroes es un trabajo interesante, tal vez destaca más en su apartado técnico que en su guion, pero sin duda merece la pena el visionado.
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miércoles, 8 de mayo de 2019

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 4X22 | CINE ESPAÑOL ABRIL 2019


Programa nº 122 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 23º audio mensual dedicado al cine español. Mayra Meza, Guillermo Navarro, Alberto Tovar y Xavier Vidal nos traen toda la actualidad del cine español: noticias, estrenos, series y monográfico dedicado al FESTIVAL DE CANNES. ¡Gracias por darle al play!


Guía del programa:
0' Presentación - 2' Noticias - 21' 70 binladens - 24' ¿A quién te llevarías a una isla desierta? - 27' 7 raons per fugir - 30' Buñuel en el laberinto de las tortugas - 36' Documentales - 43' Temática musical - 53' Low Cost - 67' Series: Vota Juan, Mira lo que has hecho (T2), Justo antes de Cristo, Examen de conciencia y Si no t'hagués conegut - 74' Monográfico: FESTIVAL DE CANNES - 120' Despedida y canción: "El astronauta que vio Elvis", de Love of Lesbian (Memorias de un hombre en pijama).
                                
                                 
Puedes enviar tus comentarios o audiocomentarios con sugerencias o recomendaciones a nuestro mail cinoscararities@gmail.com, estaremos encantados de leerte o escucharte.

martes, 7 de mayo de 2019

CRÍTICAS | AMISTAD, KUNDUN y MEDIANOCHE EN EL JARDÍN DEL BIEN Y DEL MAL

LAS PELÍCULAS MENOS RECORDADAS DE TRES DIRECTORES QUERIDÍSIMOS



AMISTAD
EE.UU., 1997. Dirección: Steven Spielberg Guion: David Franzoni
¿De qué va?: Durante el verano de 1839, los esclavos del navío La Amistad, en ruta de África hasta las costas cubanas, capitulan un motín. A pesar de tomar el control del barco, las tropas americanas detienen a toda la tripulación. Un abogado sin demasiada experiencia será el encargado de luchar por los intereses de los hombres apresados. Ficha completa
Reparto: Matthew McConaughey, Djimon Hounsou, Morgan Freeman, Anthony Hopkins, Pete Postlethwaite, Chiwetel Ejiofor, Stellan Skarsgard, Nigel Hawthorne, David Paymer, Anna Paquin, Jeremy Northam, Arliss Howard, Peter Firth, Daniel Von Bargen, Tomas Milian Música: John Williams Fotografía: Janusz Kaminski Género: Drama Duración: 154 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 06/03/1998.

A Spielberg le ha costado muchísimo tiempo conseguir que la Academia y la crítica tomaran en serio su cine. Para las nuevas generaciones puede parecer incuestionable el estatus del "Rey Midas", pero los que llevamos bastantes años de cinefilia sabemos que al director de Indiana Jones, E.T. y otras intrascendencias le costó sangre, sudor y muchos dólares ocupar su trono. Su carrera puede dividirse en dos grandes bloques: blockbusters de entretenimiento, adaptados al público, a la técnica cinematográfica y a las preocupaciones de cada década; y películas de temática más severa, en su mayoría revisiones de la historiografía norteamericana. En contra de la opinión mayoritaria, en este segundo grupo se encuentra el grueso más importante de la filmografía spielberiana (El color púrpura, Salvar al soldado Ryan, Munich, Lincoln, El puente de los espías, Los archivos del Pentágono) a excepción de Amistad, un error de cálculo que sigue coleando, más grave si cabe por tratarse de la película que siguió a la oscarizada La lista de Schindler. No puede decirse que la sutileza sea una de las virtudes de Spielberg, pero aquí su visión de la esclavitud, la América negra y las sombras del sistema judicial resulta especialmente fácil, torpe, flagrante. Para colmo, el metraje se dilata hasta las dos horas y media, con maquillajes barrocos, frases rimbombantes y nula habilidad para convencer y/o emocionar al personal. Cine que confía demasiado en la supuesta importancia y el carácter mayestático de su argumento, aquello que en las carreras de premios suele catalogarse con la manida consigna de "una película necesaria". El público, el de antes, el de ahora, el de siempre, necesita buen cine: Amistad, pese a sus intenciones, no figura en esa lista. Hasta los artistas más importantes pueden equivocarse.


KUNDUN
EE.UU., 1997. Dirección: Martin Scorsese Guion: Melissa Mathison
¿De qué va?: En 1937, un niño tibetano es elegido por unos monjes como sucesor del Dalai Lama, la principal figura del budismo. Obligado a separarse de su familia, el pequeño recibirá una formación estricta. De mayor, ya convertido en líder, tendrá que exiliarse para salvar su vida. Ficha completa
Reparto: Tenzin Yeshi Paichang, Gyurme Tethong, Tencho Gyalpo, Tenzin Thuthob Tsarong, Ken Leung Música: Philip Glass Fotografía: Roger Deakins Género: Drama Duración: 134 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/06/1998.

Martin Scorsese pasará a la historia por haber reformulado los códigos del thriller norteamericano. Menos atención han merecido sus documentales musicales o películas puntuales que el director, yendo a contracorriente de la industria y obedeciendo a deseos puramente personales, enteramente artísticos, levantó previo estupor de los grandes estudios y posterior asombro de toda la comunidad cinéfila. En esa lista de rarezas destacan La última tentación de Cristo, la muy reciente e infravalorada Silencio o esta Kundun, declaración de amor nada escondida al decimocuarto Dalai Lama. Scorsese se interesa por la creación, el crecimiento y el exilio de la figura más importante del budismo, y lo hace, como en los títulos citados, desde una mirada que une política y espiritualidad, revisión histórica de personajes y pasajes no siempre considerados en los discursos oficiales. Durante las poco más de dos horas de metraje, Scorsese confía únicamente en su genio para acercarnos la realidad del Tibet, secundado por un equipo técnico y artístico de primer orden. El problema de la función no está tanto en la diferencia cultural sino en la asepsia con la que "el maestro" se acerca "al otro maestro". No hay conflicto, ni calado emocional, ni referentes más o menos cercanos a los que pueda agarrarse el público de Occidente. Scorsese tampoco contagia su cariño hacia el personaje, por lo que su defensa se intuye un tanto arbitraria, gratuita. Incluso, pese a su magnificencia visual, la historia es demasiado privada (que no íntima) como para epatar a la audiencia. Resultado: una película meritoria, aunque está condenada a ser un mero pie de página en la filmografía de Scorsese. Aun así, rarezas como esta son las que convierten a Scorsese en un autor tan estimulante.


MEDIANOCHE EN EL JARDÍN DEL BIEN Y DEL MAL
EE.UU., 1997. Dirección: Clint Eastwood Guion: John Lee Hancock, a partir de la novela de John Berendt.
¿De qué va?: Un escritor viaja hasta Savannah, una población extravagante del sur de los Estados Unidos, para cubrir la fiesta navideña de un ricachón famoso. Al terminar la velada, el anfitrión es acusado de asesinar a uno de sus criados y el periodista decide alargar su estancia para investigar lo ocurrido. Ficha completa
Reparto: John Cusack, Kevin Spacey, Jude Law, Irma P. Hall, Lady Chablis, Alison Eastwood, Paul Hipp, Jack Thompson, Kim Hunter, Geoffrey Lewis Música: Lennie Niehaus Fotografía: Jack N. Green Género: Thriller. Drama Duración: 155 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 03/04/1998.

A mediados de los 90, Medianoche en el jardín del bien y del mal se convirtió en uno de los libros más vendidos en los Estados Unidos. Su éxito motivó una pronta adaptación cinematográfica, capitaneada por el guionista John Lee Hancock, muy de moda por aquel entonces, y el realizador Clint Eastwood, que venía de adaptar con éxito las novelas Poder absoluto y sobre todo Los puentes de Madison. Pese a estas señas, la película fue un sonoro fracaso de público, probablemente por la escasa comercialidad de su argumento (difícil de explicar para el público que desconozca el antecedente literario), el escaso gancho de su reparto (a pesar de tener un elenco realmente portentoso) y su duración (150 minutos de metraje son, antes y ahora, motivo de recelo y pérdida de taquilla). El tiempo, con todo, ha sido bastante benévolo con un filme que, a todas bruces, merecía muchísima más suerte. Por su carácter coral, la película puede entenderse como un compendio de todos los temas favoritos de Eastwood: el concepto de justicia, las contradicciones de la sociedad norteamericana o el interés del director de Sin perdón por defender a personajes fuera de todo tiempo y lugar, con una ética con dobleces aunque inquebrantable. El paso de las décadas también ha añadido cierto morbo a su premisa: es imposible, con ojos de 2019, no ver en el personaje de Kevin Spacey una especie de profecía de lo que le sucedió al propio actor hace escasos meses, o percatarse cómo la impersonalidad de John Cusack, al dar vida a un protagonista-observador, remaba a favor de la propuesta, algo insólito en toda la filmografía del intérprete. Puede que el conjunto sea un totum revolutum un tanto indigesto, que no todos los personajes y tramas encuentren su espacio en el guion o que, a la postre, sea una propuesta tan atractiva como "difícil", pero Medianoche en el jardín del bien y del mal está preñada de grandes escenas e ideas, algo de lo que no puede presumir la mayoría del cine norteamericano, ni de antaño ni de la actualidad. En su descubrimiento tardío o en su pertinente revisión, la película es la prueba irrefutable, ahora ampliada con el estreno de Mula, que el cine de Eastwood siempre fue más progresista que la mentalidad de su artífice. Paradojas de la realidad y de la ficción. Una rareza que encajaría muy bien en esa Savannah de fiestas, vudú y perros fantasma.

Recuerda todos los estrenos de 1998 en

domingo, 5 de mayo de 2019

CRÍTICAS | LOS HERMANOS SISTER, DOBLES VIDAS y EN BUENAS MANOS

Cine francés de estreno


LOS HERMANOS SISTERS (LES FRÈRES SISTERS)
Francia, 2018. Dirección: Jacques Audiard
Guion: Jacques Audiard y Thomas Bidegain, a partir de la novela de Patrick Dewitt.
¿De qué va?: En plena fiebre del oro, dos hermanos recorren medio oeste para matar a un hombre. En su camino, ambos pondrán a prueba su relación y su actividad delictiva. Ficha completa
Reparto: Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed, Rebecca Root, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Ian Reddington, Philip Rosch, Rutger Hauer, Carol Kane, Creed Bratton, Duncan Lacroix, Niels Arestrup Música: Alexandre Desplat Fotografía: Benoît Debie Género: Western Duración: 121 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 10/05/2019.

Jacques Audiard es uno de los pocos autores que convierte cada una de sus películas en eventos cinéfilos. El gran público no sabe su nombre de corrillo, si bien Los hermanos Sister podría darle entre nosotros la visibilidad que siempre se ha merecido. Si Dheepan, la peor Palma de la historia reciente, demostraba la caducidad de una fórmula (los vínculos de Audiard con el drama criminal, con Un profeta como máximo exponente de ese estilo), ahora Los hermanos Sister nace con la voluntad de externalizar su carrera, con un género (el western) y un concepto de producción (con capital francés, estadounidense, español y rumano) poco o nada habituales. Lástima que la película resulte poco novedosa: más allá de su esforzado envoltorio, la trama apenas bucea en la psique de sus protagonistas y su tercio final adolece de no tener ningún conflicto de mediano interés. Más allá de sus apellidos, cuesta imaginar qué vio Del Toro en ella para concederle el premio en Venecia a la mejor dirección. Sus cuatro premios César se explican por otros cauces: ninguna película, ni tan siquiera en la mismísima Francia, reunía en este curso tantos enteros técnicos. Probablemente Los hermanos Sister no sirva para renovar la filmografía de Audiard. La decepción es evidente. Tanto como que, a pesar de los pesares, estamos ante una película recia. La confianza es lo último que se pierde: Audiard sigue siendo uno de los mejores narradores de nuestros tiempos.


DOBLES VIDAS (DOUBLES VIES)
Francia, 2018. Dirección y guion: Olivier Assayas
¿De qué va?: Léonard acaba de terminar su nueva novela pero Alain, su editor de confianza, no está convencido con el manuscrito. La mujer de Alain está entusiasmada con la historia, mientras que la pareja de Léonard no parece prestarle mucha atención. Cuatro amigos que se encuentran, reencuentran, sinceran y mienten. Existencias que, en realidad, son dobles vidas. Ficha completa
Reparto:Juliette Binoche, Guillaume Canet, Olivia Ross, Christa Theret, Antoine Reinartz, Pascal Greggory, Violaine Gillibert, Vincent Macaigne, Nora Hamzawi Fotografía: Yorick Le Saux Género: Comedia dramatica Duración: 107 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/04/2019

Entre la miniserie CarlosViaje a Sils Maria y Personal Shooper no existen apenas nexos de unión: únicamente la mirada de un autor único, indómito, tan heterogéneo como imprevisible. En su constante voluntad por reinventarse título tras título, ahora Olivier Assayas nos presenta Dobles vidas, suerte de Agnès Jaoui vitaminada sobre las relaciones de pareja, los tejemanejes del mundo editorial y las aristas de la amistad. Nada más empezar, la película nos presenta a Guillaume Canet y a Vincent Macaigne hablando a toda prisa, con sintaxis elaborada, palabras elevadas y chascarrillos culturetas. Lo que sigue es una ampliación de ese tono, tan indefectiblemente francés como, por desgracia, poco frecuente en el cine contemporáneo. A la película le falta humor (promocionarla entre nosotros como heredera del estilo de Woody Allen es, aunque falso, una de las estrategias comerciales mejor hiladas de la temporada), y aún así anda sobrada de todo lo demás. Un lúcido vodevil, moderno porque precisamente trata los temas de siempre. ¿Repetición? No: atemporalidad. Y a estas alturas, la presencia de Juliette Binoche, aunque leyera a cámara el tique de la compra, seguiría siendo una absoluta delicia. Tiene retranca que en Francia Dobles vidas haya salido tan mal parada a nivel de crítica y de público, mientras que entre nosotros ha sido el mayor éxito de toda la carrera de Assayas. Paradojas regadas con sexo, vino e historias (dentro de historias). Para quien escribe, el mejor trabajo de su responsable desde Las horas del verano.



EN BUENAS MANOS (PUPILLE)
Francia, 2018. Dirección y guion: Jeanne Herry
¿De qué va?: El nacimiento de Theo activa un complejo protocolo. Primero, su madre biológica dona el bebé en adopción. Pocos días después, un padre de acogida se encarga del pequeño. Dos meses más tarde, su custodia quedará asignada a Alice, una mujer soltera de 41 años. Esta es su historia y la de todos los profesionales que hacen posible la unión entre Theo y Alice. Ficha completa
Reparto: Sandrine Kiberlain, Gilles Lellouche, Elodie Bouchez, Olivia Côte, Clotilde Mollet, Jean-François Stévenin, Bruno Podalydès, Miou-Miou Música: Pascal Sangla Fotografía: Sofian El Fani Género: Drama Duración: 107 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/05/2019

Están de moda las películas atrofiadas de efectos especiales, pero para una inmensa minoría el cine fue y es otra cosa. Historias que se interesan por la realidad. Que confían en la bondad del ser humano. Que hablan de aspectos de nuestra cotidianidad que pasan desapercibidos para la inmensa mayoría. El cine francés de última hornada nos ha contado sus avatares educativos, médicos y sociales en distintas películas, y simbólicamente En buenas manos (Pupille) une las tres vertientes en una trama sobre algo tan ínfimo, en realidad tan grande, como son los vínculos afectivos y nuestra capacidad por superar los pequeños problemas del día a día. Con delicadeza, un reparto en estado de gracia y un guion sensible y preciso, la cinta de Jeanne Herry avanza con interés y termina ganándose el corazón de la platea. Puede que por momentos opte por subrayar los aspectos más condescendientes de la realidad (¿qué será de esa universitaria de 21 años que decide dar en adopción a su bebé?), incluso que en algunas partes se subrayen detalles propios de un folletín (ahí está la relación imposible entre los personajes de Kimberlain y Lellouche), pero en conjunto En buenas manos es una ficción apreciable, casi un documento de incalculable valor para pedagogos y trabajadores sociales, que nos reconcilia con el séptimo arte y con los seres humanos. Ver a Bouchez emocionada viendo la cara sonriente del pequeño Theo, en plano cerrado y sin efectismos formales, es un espectáculo; probablemente, el más notable que veremos este mayo en la cartelera.

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viernes, 3 de mayo de 2019

CRÍTICA | VENGADORES: ENDGAME, de Anthony y Joe Russo


Parte del viaje es su final
VENGADORES: ENDGAME
EE.UU., 2019. Dirección: Anthony y Joe Russo Guion: Christopher Markus y Stephen McFeely Fotografía: Trent Opaloch Música: Alan Silvestri Reparto: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Paul Rudd, Brie Larson, Karen Gillan, Josh Brolin, Benedict Cumberbatch, Chadwick Boseman, Tom Holland, Zoe Saldana, Evangeline Lilly, Tessa Thompson, Elizabeth Olsen, Anthony Mackie, Sebastian Stan, Tom Hiddleston, Danai Gurira, Benedict Wong, Pom Klementieff, Dave Bautista, Letitia Wright, John Slattery, Tilda Swinton, Jon Favreau, Hayley Atwell, Natalie Portman, Marisa Tomei, Angela Bassett, Michelle Pfeiffer, Michael Douglas, Frank Grillo, Hiroyuki Sanada, Tom Vaughan-Lawlor, James D'Arcy,  Jacob Batalon, Vin Diesel, Bradley Cooper, Gwyneth Paltrow, Robert Redford, Chris Pratt, Samuel L. Jackson, Stan Lee Género: Ciencia ficción. Fantasía. Acción Duración: 181 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 26/04/2019.
¿De qué va?: Después de los eventos devastadores de Avengers: Infinity War, el universo está en ruinas debido a las acciones de Thanos, el Titán Loco. Con la ayuda de los aliados que quedaron, los Vengadores deberán reunirse una vez más para intentar deshacer sus acciones y restaurar el orden en el universo de una vez por todas, sin importar cuáles son las consecuencias... Cuarta y última entrega de la saga Vengadores. (FILMAFFINITY)

jueves, 2 de mayo de 2019

SEMANARIO 140 | LOS POST DE ABRIL


¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de Cinoscar & Rarities. Todas las reseñas del mes de abril las recopilamos en este post.

miércoles, 1 de mayo de 2019

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 4X21 | ESTRENOS 2019 (I)


Programa nº 121 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Mayra Meza, Guillermo Navarro, Ronnie Valencia y Xavier Vidal repasan la cartelera española del primer cuatrimestre de 2019. En la sección de series hablamos sin spoilers de Leaving Neverland, en los minutos de streaming homenajeamos al actor Jake Gyllenhaal y avanzamos el tráiler de Joker. ¡Gracias por darle al play!


Guía del programa:
Presentación - La sombra del pasado - El Gordo y el Flaco - Identidad borrada - Bienvenidos a Marwen - Mula - Leaving Neverland - Nosotros - Glass - La casa de Jack - Nación salvaje - Cementerio de animales - Especial Jake Gyllenhaal - El libro de imágenes - Yomeddine - Leto - El gran baño - Mentes brillantes - La caída del imperio americano - Dobles vidas - Tráiler de Joker - A la vuelta de la esquina - Atardecer - Cold November - Sofía - Silvio (y los otros) - La mujer de la montaña - Despedida y canción: "Willow", de Robert Pattinson (High Life).
                                
                                 
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martes, 23 de abril de 2019

CRÍTICAS | FUNAN, MUTAFUKAZ y WHEELY

PELÍCULAS DE ANIMACIÓN, MÁS ALLÁ DE HOLLYWOOD


FUNAN
Francia, 2018. Dirección: Denis Do Guion: Denis Do, Magali Pouzol y Elise Trinh
¿De qué va?: En 1975 una mañana la guerrilla de Kmer Rouge sumerge a Camboya en el horror. La población es deportada a los campos y entre los deportados se encuentra una joven pareja, Chou y Khoun, que son expulsados de su hogar con su hijo pequeño quien en medio del caos desaparece. Ficha completa
Música: Thibault Agyeman Género: Animación para adultos. Drama. Duración: 84 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 22/03/2019.

En su ópera prima Denis Do, recurre a la animaciòn para retratar el devenir de una familia a manos de los Jemeres Rojos. Dicho relato está inspirado en hechos reales sucedidos a la madre del director en Camboya. Pese a las diferencias de género, Funan recuerda un poco a First They Killed My Father, de Angelina Jolie: ambas se establecen en la misma época y en el mismo contexto y su componente dramático guarda mucha similitud al tratarse de un retrato de supervivencia y de lucha en medio de la adversidad. Aunque Funan logra con un metraje más sucinto un relato de profundo calado con fotogramas de gran calidad y al mismo tiempo emotivos. Salvando las distancias por su componente bélico o de conflicto armado, también recuerda un poco a la nominada al Óscar Pan de guerra. Estamos ante una cinta de factura técnica bastante correcta, con un buen diseño de personajes y puesta en escena, su música acompaña de manera precisa el medido metraje que logra desarrollar de manera interesante y emotiva una de esas historias que logran hacer reflexionar en el pasado y analizar nuestro presente. Muy recomendable para los habituales del cine de animación de contenido impactante y conmovedor.



MUTAFUKAZ
Francia, 2017. Dirección: Shôjirô Nishimi y Guillaume Renard Guion: Guillaume Renard
¿De qué va?: Tras sufrir un accidente en su motocicleta, Angelino empezará a tener extrañas alucinaciones que lo conducirán a una peligrosa verdad. Ficha completa
Música: Guillaume Houzé Género: Animación para adultos. Acción. Comedia. Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 26/04/2019.

Shôjirô Nishimi y Guillaume Renard dirigen al alimón, Mutafukaz adaptación a la pantalla grande de la novela gráfica creada por el mismo Renard y la cual ha cosechado cierto éxito desde su publicación. En Mutafukaz los directores logran narrar a través de la ciencia ficción y con gran imaginativa y ecos al anime japonés, una historia gamberra y entretenida que al mismo tiempo muestra un trasfondo más adulto el cual se enfoca en los marginados de la sociedad y toca temas importantes como el desencanto vital, el racismo y la búsqueda de identidad en una sociedad sumergida en el caos. Mutafukaz tiene una estética visual muy vintage y la ciudad de Dark Meat City es una suerte de réplica de los Los Ángeles como particular escenario para desarrollar la trama de sus carismáticos personajes. Una alocada aventura con influencia anglosajona y latina con predominante ritmo hip-hop y una puesta en escena que puede gustar sobre todo a los fans y nostálgicos del videojuego GTA. En definitiva una película entretenida, divertida y con un ritmo trepidante. Obviamente está dirigida al público adulto y puede gustar sobre todo a los habituales del cine de animación más original y gamberro.



WHEELY
Malasia, 2018. Dirección: Yusry Abd Halim Guion: Keith Brumpton, Yusry Abd Halim y Peter Hynes
¿De qué va?: Tras un trágico accidente, Wheely ha sido degradado de corredor novato a taxista, hasta que en  su monótona existencia surge un giro inesperado que pondrá a prueba su valía. Ficha completa
Género: Animación. Comedia. Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 22/03/2019.

Sin duda las películas de animación ya no son una exclusividad de Disney-Pixar y las grandes factorías. Cada vez es más común encontrarnos con películas de animación de países poco habituados a dicho género, producciones pequeñas pero que intentan hacerse un hueco en la cartelera. Aunque sin duda las grandes producciones norteamericanas siguen siendo el  referente de algunos, de ahí que películas como Wheely, busquen acercarse al estilo anglosajón para crear sus propias franquicias. Un experimento cinematográfico que Yusry Abd Halim, ya había intentado con Cicak-Man, la trilogía de superhéroes malaya que hace unos años fue éxito en la taquilla de su país. Yusry Abd Halim, echa mano de la animación y parte de la fórmula de Disney-Pixar vista en películas como Cars o Aviones para desarrollar en Wheely una historia de envoltorio correcto pero cuyo contenido carece de riesgo e imaginación. Su escasa originalidad se hace evidente a lo largo del metraje mientras vemos desfilar una ristra de personajes tópicos y otros poco carismáticos en una trama que no muestra un conflicto interesante, la comedia es mínima y la emotividad casi inexistente. Con todo, tiene algunos momentos entretenidos y puede conseguir agradar a los más pequeños de la casa.

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domingo, 14 de abril de 2019

CRÍTICAS | ELIZABETH, SU MAJESTAD MRS. BROWN, LAS ALAS DE LA PALOMA y ÓSCAR Y LUCINDA


DRAMAS DE ÉPOCA, PÓKER DE REINAS


ELIZABETH 
Reino Unido, 1998. Dirección: Shekhar Kapur Guion: Michael Hirst
¿De qué va?: Ante la inminente muerte de María Tudor, el miedo al ascenso de Elizabeth I se apodera de la corte. Ya en el trono, la joven Elizabeth tiene que hacer frente a las confabulaciones de sus ayudantes y a distintas propuestas de matrimonio. Ficha Completa
Reparto: Cate Blanchett, Geoffrey Rush, Christopher, Joseph Fiennes, Richard Attenborough, Fanny Ardant, Kathy Burke, Eric Cantona, James Frain, Vincent Cassel, John Gielgud, Emily Mortimer, Jean-Pierre Léaud, Daniel Craig, Kelly MacDonald, Amanda Ryan, Vladimir Vega, Alfie Allen Música: David Hirschfelder Fotografía: Remi Adefarasin Género: Drama, histórico Duración: 123 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 23/10/1998.

"Tonight it's all about me", dijo Whoopi Goldberg en la gala de los Óscar donde concurrían Shakespeare in Love y Elizabeth, dos acercamientos a la Inglaterra de Isabel I. Del filme ganador de John Madden se habló largo y tendido, más todavía en los últimos meses, tras airearse todas las bajezas del señor Harvey Weinstein; menos atención ha merecido Elizabeth, una película que, si nos retrotraemos veinte años atrás, era una producción más excepcional de lo que podía parecer a simple vista: largometraje histórico, con todo el esfuerzo de producción que ello implica; una actriz protagonista casi desconocida, dirigida por un director sin apenas bagaje; y una historia que, en su montaje final, contiene algunas soluciones narrativas y visuales bastante inusuales dentro del ámbito académico (el más evidente, el perfil nada piadoso, tampoco despiadado, de su reina Elizabeth). El capricho de los Óscar, o parte de su relevancia, ha hecho que Elizabeth llegue hasta nosotros en constantes ediciones en DVD, remasterizaciones y emisiones televisivas, algo de lo que no pueden presumir otras películas "de época" que vimos en las postrimerías de los 90 (para nosotros, anteayer; para el público millenial, un tiempo remotísimo). Vale la pena recuperar Elizabeth para disfrutar del aplomo de Cate Blanchett, del personaje bufonesco de Vincent Cassel y del acierto de todo su reparto técnico y artístico. Las reinas británicas, de las primeras manifestaciones en blanco y negro a las recientes La favorita y María, reina de Escocia, siempre eclipsan la pantalla. Efectivamente, "it's all about me", algo que ni el Brexit parece capaz de cambiar.



SU MAJESTAD MRS. BROWN
Reino Unido, 1997. Dirección: John Madden Guion: Jeremy Brock
¿De qué va?: La reina Victoria no levanta cabeza desde el fallecimiento de su marido. La llegada a la corte de un ayudante escocés, antiguo amigo de su esposo, cambiará la rutina de la monarca, sus hijos y sus criados. Ficha Completa
Reparto: Judi Dench, Billy Connolly, Antony Sher, Gerard Butler, Geoffrey Palmer, Richard Pasco, David Westhead Música: Stephen Warbeck Fotografía: Richard Greatrex Género: Drama, histórico Duración:103 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 08/05/1998.

La primera película de John Madden que gozó de una distribución internacional fue Su majestad Mrs. Brown, ensayo inicial de lo que posteriormente sería Shakespeare in Love. Su selección en Una cierta mirada de Cannes y su gran aceptación en los Bafta demuestran el vuelo crítico que tuvo un filme que, en un sentido estricto, se limita a seguir la corrección del drama de época (invención, claro está, de los vecinos de las islas), con dos portentosas interpretaciones (muy inglesas) y una cuidada puesta en escena (indefectiblemente británica). Probablemente el Óscar que Dench pudo haber ganado aquí motivó la compensación en los Academy Awards del año siguiente, y del buen hacer de la actriz hemos tenido fotocopias más o menos inspiradas de la misma fórmula "complaciente" (véase la muy reciente La reina Victoria y Abdul). Qué curioso que un Reino Unido que cuestiona todo lo propio y sobre todo lo ajeno siga rindiendo pleitesía a la monarquía, en sus versiones pasadas y presentes. La historia del plebeyo que se introduce en la corte para cambiar el curso de la Historia / historia sigue funcionando; no, sin duda, para quienes crean que el cine es algo más que cien minutos de distracción y una sensación fugaz de bienestar tras el visionado.




LAS ALAS DE LA PALOMA
Reino Unido, 1997. Dirección: Iain Softley Guion: Hossein Amini a partir de la novela de Henry James
¿De qué va?: Una joven de origen humilde se traslada a Londres para vivir con su tía, una millonaria influyente. A pesar de tener acceso a las personalidades más destacadas de la alta sociedad inglesa, la joven se enamora de un periodista sin prestigio. Ficha Completa
Reparto: Helena Bonham Carter, Linus Roache, Alison Elliott, Elizabeth McGovern, Michael Gambon, Alex Jennings, Charlotte Rampling Música: Ed Shearmur Fotografía: Eduardo Serra Género: Drama Duración: 102 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 13/02/1998.

La literatura de Henry James ha alimentado muchísimas películas. En los 90, el éxito de Regreso a Howard's End, Lo que queda del día y Sentido y sensibilidad entre otras facilitó el regreso de James a la gran pantalla: primero, con Retrato de una dama, con una Jane Campion bebiendo las mieles de El piano; y pocos meses después, con esta nueva versión de Las alas de la paloma, cuya sofisticación técnica mereció la atención de la Academia de Hollywood. Helena Bonham Carter, por aquel entonces vinculada a películas "de tacitas y corsés", mucho antes de que Burton explotara su vena fantástico-extravagante, defendía con su misterio habitual un personaje que se debate entre un amor imposible, una tía dictatorial y una amiga enferma. Pese a su título, la trama nunca llega a remontar el vuelo, más allá de algunas filigranas visuales (el pasaje en Venecia es de una belleza arrolladora). No se terminan de aclarar las bondades o maldades de su protagonista, todo está calculado al milímetro para que la emoción de la platea no sufra sobresaltos, nada llega a importar demasiado. Nunca sabremos qué opinaría James de este ejercicio de cine "correcto"; queda, eso sí, la certeza de que las páginas originales irradiaban una pasión que en pantalla brilla por su ausencia. Ahí están sus cuatro nominaciones al Óscar y la campaña de Miramax para avivar la paradoja.



ÓSCAR Y LUCINDA
Australia, 1997. Dirección: Gillian Armstrong Guion: Laura Jones, a partir de la novela de Peter Carey
¿De qué va?: Su pasión por los juegos, en especial por las cartas, une a Óscar y Lucinda, dos almas inquietas con un pasado bastante tortuoso. La tradición religiosa de la familia de él y la posición social de ella marcarán sus vidas. Ficha Completa
Reparto: Ralph Fiennes, Cate Blanchett, Tom Wilkinson, Ciarán Hinds, Richard Roxburgh, Clive Russell, Bille Brown Música: Thomas Newman Fotografía: Geoffrey Simpson Género: Drama  de época Duración: 131 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 30/04/1998.

Probablemente pocos recuerden Óscar y Lucinda, una de las películas que formaron la narrativa de los Óscar 1997. Blanchett firma aquí su primera interpretación de relevancia, perfectamente complementada con un Ralph Fiennes en pleno apogeo de su carrera. Los caminos de uno y otro, pautados por una voz narradora absolutamente prescindible, se encuentran y desencuentran a lo largo de varias décadas. En sus entrañas hay la voluntad por facturar otro drama romántico de imágenes bellas, con personajes turbados, adicción al juego y oda a los sueños imposibles, aunque el resultado final dista de ser memorable. Será por torpeza, tal vez por las imperfecciones de su guion... sea como sea, quien escribe solo recordará dos de sus escenas, notables por motivos muy diferentes: la partida de cartas de Fiennes y Blanchett en el camarote (la película gana enteros cuando cierra los planos y se centra en sus actores), y el naufragio de la iglesia de cristal (de un halo lírico meritorio, aunque descompensado con todo lo que se cuenta). Y si lo escrito no es suficiente para llamar vuestra atención, tomad nota: aparece Tom Wilkinson, narra Geoffrey Rush, la partitura corre a cargo de Thomas Newman y el vestuario tiene la rúbrica de Janet Patterson (fallecida el año 2016 y recordada por error en el In Memoriam de los Óscar con la fotografía de la productora Jan Chapman).


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martes, 9 de abril de 2019

CRÍTICA | TIENDA DE UNICORNIOS, de Brie Larson


Magia intermitente
TIENDA DE UNICORNIOS (UNICORN STORE)
EE.UU., 2017. Dirección: Brie Larson Guion: Samantha McIntyre Fotografía: Brett Pawlak Música: Alex Greenwald Reparto: Brie Larson, Samuel L. Jackson, Joan Cusack, Bradley Whitford, Mamoudou Athie, Martha MacIsaac, Karan Soni, Hamish Linklater, Mary Holland, Emily Robinson,  Deb Hiett, Chris Witaske, Cody Sullivan, Todd Jeffries, Fiona Landers, Annaleigh Ashford, Ryan Hansen, Toks Olagundoye, Susan Park, Kimia Behpoornia, Samantha McIntyre, Janie Haddad Tompkins, Susie Ross, Van Epperson Género: Comedia Duración: 92 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/04/2019 (Netflix).
¿De qué va?: Kit es una joven que, tras tener que regresar a vivir con sus padres, recibe una misteriosa invitación de una tienda que pondrá a prueba sus ideas sobre el verdadero significado de la madurez. (FILMAFFINITY)

miércoles, 3 de abril de 2019

SEMANARIO 139 | LOS POST DE MARZO


¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de Cinoscar & Rarities. Todos los artículos del mes de marzo los recopilamos en este post.

martes, 2 de abril de 2019

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 4X20 | CINE ESPAÑOL MARZO 2019


Programa nº 120 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 22º audio mensual dedicado al cine español. Alberto Tovar y Xavier Vidal reseñan sin spoilers DOLOR Y GLORIA, repasan las noticias de nuestro cine (Berlín, Málaga, etc.) y dedican un monográfico al cineasta PEDRO ALMODÓVAR. Edición de Mayra Meza. ¡Gracias por darle al play!


Guía del programa:
0' Presentación - 2' Análisis DOLOR Y GLORIA - 61' Noticias - 93' Monográfico PEDRO ALMODÓVAR - 122' Despedida y canción final: "Come sinfonia", de Mina.
                                
                                 
Puedes enviar tus comentarios o audiocomentarios con sugerencias o recomendaciones a nuestro mail cinoscararities@gmail.com, estaremos encantados de leerte o escucharte.