viernes, 6 de diciembre de 2019

LISTA | LAS 10 MEJORES PELÍCULAS EUROPEAS GANADORAS DEL EFA AWARD


A finales de los 80, países como España y Dinamarca fundaron sus Academias de cine y empezaron a entregar sus premios anuales, sumándose a galardones de larga trayectoria como los Guldbagge suecos o los David di Donatello italianos. En paralelo, de la unión de las academias locales surgió la Academia del Cine Europeo, con sede en Berlín y, cómo no, con estatuillas propias. 

Treinta y dos años después de su creación, no puede decirse que los Premios del Cine Europeo estén en una posición de preeminencia en el conjunto cinematográfico del continente o mundial. Win Wenders, presidente de la institución y primer EFA al mejor director por El cielo sobre Berlín, no ha hecho demasiados esfuerzos para mejorar la imagen interna y pública de sus colegas. Las ceremonias, además, casi siempre se celebran en Alemania, los canales televisivos europeos afiliados no suelen retransmitir en directo el (tedioso) evento y los directores y presentadores del show se repiten incomprensiblemente edición tras edición.

miércoles, 4 de diciembre de 2019

LISTA | PRECANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2019 | ÁFRICA



PAPICHA, de Mounia Meddour (Argelia)
Premios: Festival de Cannes 2019: Un Certain Regard (Sección oficial)
Sinopsis: Argelia, años 90. Los terroristas que desean un estado islámico y arcaico están en todas partes. Las mujeres están oprimidas y la situación política y social del país no deja de empeorar. En un intento por tomar el control de sus cuerpos, ropa y espacio público. La joven estudiante Nedjma se niega a aceptar las prohibiciones de los radicales y decide luchar por su libertad e independencia organizando un desfile de moda.
Tráiler: Link  
Datos: La primera presentación de Argelia en los Academy Awards fue en 1969 con Z, de Costa Gavras cinta que consiguió la primera nominación y Óscar para dicho país. Posteriormente Argelia estuvo en la terna de nominadas a Mejor película internacional en cuatro ocasiones, tres de ellas con películas dirigidas por Rachid Bouchareb. 

lunes, 2 de diciembre de 2019

CINE ESPAÑOL | LA INOCENCIA, LITUS y LA BANDA


LA INOCENCIA
España, 2019. Dirección: Lucía Alemany Guion: Laia Soler y Lucía Alemany
¿De qué va?: Es verano y Lis ansía con estudiar en una escuela de circo en Barcelona. Quiere salir de su pueblo cueste lo que cueste, aunque disfruta con sus amigas y su novio. La llegada del otoño le planteará nuevos retos. Ficha completa
Reparto: Carmen Arrufat, Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued, Sonia Almarcha Fotografía: Joan Bordera Género: Drama Duración: 92 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 10/01/2020.

En el cine, no solo el español, hemos asistido a muchas películas de aprendizaje, adolescencia y crecimiento. Lo que no es tan habitual es que esas historias se presenten con la franqueza de La inocencia, ópera prima muy madura de Lucía Alemany en la que la directora captura un cosmos que muchos sentimos como propio: pueblos entre dos lenguas, franqueados por mar y montañas, con la rémora del qué dirán y el estallido de libertad que implica la llegada del verano y de las fiestas patronales. Alemany también habla de la pulsión sexual, la ausencia de oportunidades de la España rural, las tiranteces entre familiares, los prejuicios entre vecinos y las situaciones cercanas al maltrato que se viven entre amigos, en las calles o en los pasillos de los institutos. Entre todos esos paisajes y temas, la actriz Carmen Arrufat se mueve en pantalla como una fuerza de otro mundo, tan corpórea y espontánea que por momentos recuerda al mejor cine de Kechiche. A su alrededor, el conjunto de personajes está perfectamente defendido por sus intérpretes y todos cuentan con su particular evolución y psicología. Un canto a la libertad que perfectamente podría proyectarse en los festivales más importantes, incluso en centros educativos. En su contra: la familiaridad de su premisa. A favor: todo lo demás. Esperemos que su estreno tardío en 2020 y su carácter fronterizo (¿entenderán en Madrid y Barcelona las peculiaridades, a todos los niveles, de un lugar como Traiguera?) no empañe la trayectoria de este debut estival, hermana de títulos como A cambio de nada o Estiu 1993.



LITUS
España, 2019. Dirección: Dani de la Orden Guion: Marta Buchaca y Dani de la Orden,
a partir de la obra de Marta Buchaca
¿De qué va?: Un grupo de amigos se reúne unos meses después del suicidio de Litus, su colega. En la reunión, todos descubren que Litus les escribió unas cartas personales antes de fallecer. Ficha completa
Reparto: Álex García, Adrián Lastra, Belén Cuesta, Quim Gutiérrez, Miquel Fernández, Marta Nieto Música: Iván Ferreiro y Dani Trujillo Fotografía: José Luis Bernal Ibañez Género: Comedia dramática Duración: 85 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 13/09/2019.

Dani de la Orden es uno de los directores más activos de los últimos años tanto en la pequeña como en la gran pantalla. Litus, su estreno más reciente, sigue indagando en el tono tragicómico que nos tiene acostumbrados, si bien en este caso apuesta por un retrato generacional más desangelado de lo habitual. Paradójicamente, De la Orden ha encontrado en la obra de Marta Buchaca la posibilidad de dar forma a su obra más personal y presumir de sus ya contrastadas habilidades: dirección de actores, diálogos espontáneos, giros de guion y selección musical. Lo único que lastra a esta Litus, paralelamente a su caligrafía teatral, es la sensación, casi obviedad, de que todo lo visto no es más que una anécdota entre amigos, un encuentro privado en el que sobran los lugares comunes y se echan de menos las emociones de carne y hueso. Un detalle que, además, pone de manifiesto el crecimiento y sobre todo las aristas de un De la Orden que, acostumbrado a las exigencias comerciales de Atresmedia y Netflix, olvida firmar escenas para el recuerdo, momentos con hondura, instantes de un cine que se intuya "íntimo" pero también "grande". ¿No será Dani de la Orden, a sus 30 años, por desgracia, a lo mejor solo por accidente, una imagen fiel de la esfera millenial, espectadora y ahora cineasta, que filtra la vida y el arte desde el "ego"? De la duda probablemente se explique por qué el filme no ha gustado a cierto sector de la crítica y, por contra, recibió aplausos en un escaparate como el Festival de Málaga. A lo mejor que Litus toque o no la fibra sensible dependerá de la edad del espectador, por mucho que el Litus del título se manifieste mediante cartas, un sistema muy "siglo XX". Posdata: qué bien están Lastra y Gutiérrez, y qué poco provecho saca la historia de Cuesta y Nieto.



LA BANDA
España, 2019. Dirección y guion: Roberto Bueso
¿De qué va?: Edu es un joven músico que regresa a su pueblo para asistir a la boda de su hermano. El reencuentro con los compañeros de la infancia y la novia de su mejor amigo le hará dudar de sus prioridades. Ficha completa
Reparto: Gonzalo Fernández, Charlotte Vega, Carlo Blanco, Pepo Llopis, Xavi Giner, Hugo Rubert, Enric Benavent, Inma Sancho Música: Vicente Ortiz Gimeno Fotografía: Víctor Entrecanales Género: Drama Duración: 86 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 21/06/2019.

Solo aquellos que conozcan la idiosincrasia de la Comunidad Valenciana saben hasta qué punto son importantes las agrupaciones musicales en esa región. La vida social se concentra en los bares de esas escuelas, los chavales crecen entre partituras y la convivencia se cohesiona a partir de bandas. Algunos se quedan en sus pueblos natales y pasan ese amor por la música de padres a hijos, y otros viajan al extranjero en busca de fortuna, soñando con convertir esa afición en una profesión. En ese cosmos, local pero muy reconocible, Roberto Bueso sitúa la acción de La banda, más concretamente las encrucijadas vitales de una pandilla de veintitantos que, en su reencuentro, hace obligatorio balance de su trayectoria, sopesando las expectativas de antaño con los objetivos cumplidos. En esa introspección, el guion describe a toda una generación de Peterpanes, la de nuestros hermanos mayores, incluso la nuestra. Bueso habla con conocimiento de causa y con la sensibilidad que requiere la historia, equilibrio de costumbrismo, comedia dramática y emoción sin excesos. Resta, eso sí, la evidencia de su planteamiento, tan fácil de intuir desde el primer minuto como, a la postre, desarrollado según los repetidos formalismos de cierto cine low cost que suple sus carencias con grandes dosis de humanidad. Por ello, La banda parece destinada a ocupar un papel secundario dentro del último cine español, por mucho que demuestre el creciente poder de la producción audiovisual valenciana. Talentos noveles no faltan: solo es cuestión de afinar instrumentos. Ojalá podamos ver al actor Gonzalo Fernández, uno de los descubrimientos más bellos del curso, en más y mejores proyectos. 


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sábado, 30 de noviembre de 2019

CINOSCAR SPANISH AWARDS 2019 | SERIES PRECANDIDATAS



El blog Cinoscar & Rarities y El podcast de Cinoscar & Rarities inauguraron en 2017 los Cinoscar Spanish Awards, galardones que valoran la producción audiovisual española de cada temporada. Los premios se suman a los premios oficiales del blog, los Cinoscar Awards, así como a la amplia cobertura que dedicamos al cine español, tanto en formato texto como podcast. 

miércoles, 27 de noviembre de 2019

LISTA | PRECANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2019 | ORIENTE MEDIO


THE PERFECT CANDIDATE, de Haifaa Al-Mansour (Arabia Saudí)
Premios: Festival de Venecia 2019: Sección oficial a competición
Sinopsis: Una médico saudí desafía el sistema patriarcal en su país al presentarse a elecciones municipales.
Tráiler: Link  
Datos: Arabia Saudí es uno de los países relativamente nuevos en los Óscar. Su primera presentación fue en el año 2013 con La bicicleta verde, ópera prima de Haifaa Al-Mansour, quien tras dirigir Mary Shelley y Nappily Ever After, vuelve a sus orígenes y este año firma The Perfect Candidate, filme con el que representa a su país en los Óscar por segunda ocasión. Esta es la tercera presentación del país en los premios de Hollywood.

lunes, 25 de noviembre de 2019

CINOSCAR SPANISH AWARDS 2019 | NOMINACIONES (I)


El blog Cinoscar & Rarities y El podcast de Cinoscar & Rarities tiene el placer de anunciar los nominados de la 3ª edición de los Cinoscar Spanish Awards, con los que valoramos la mejor ficción cinematográfica española de 2019. ¡Felicidades a los nominados!

Consulta la NORMATIVA de los premios AQUÍ
Consulta la lista de PELÍCULAS PRECANDIDATAS AQUÍ
Consulta la lista de CORTOMETRAJES PRECANDIDATOS AQUÍ
Consulta la lista de PELÍCULAS IBEROAMERICANAS PRECANDIDATAS AQUÍ

NOMINACIONES SERIES: LUNES 09/12
PALMARÉS CINE y SERIES: LUNES 23/12

sábado, 23 de noviembre de 2019

LISTA | PRECANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2019 | OCEANÍA y ASIA (II)


BUOYANCY, de Rodd Rathjen (Australia)
Premios: Oslo Films from the South Festival 2019: Mejor película
Sinopsis: Un niño camboyano de 14 años, deja su hogar en busca de una vida mejor, pero será víctima de la trata de personas al ser vendido como esclavo al capitán de un barco pesquero tailandés
Tráiler: Link 
Datos: La primera presentación de Australia en los Academy Awards fue en 1996 con Floating Life, de hecho, fue su única presentación durante esa década. Durante algunos años la participación de Australia fue irregular, pero desde el año 2012 concurre a los Óscar anualmente. Suma trece presentaciones: su primera y única nominación hasta la fecha la consiguió con la película Tanna, de Martin Butler y Bentley Dean (2016). Buoyancy tuvo su estreno mundial en el Festival de Berlín 2019. 

jueves, 21 de noviembre de 2019

CINOSCAR SPANISH AWARDS 2019 | 50 CORTOMETRAJES PRECANDIDATOS




El blog Cinoscar & Rarities y El podcast de Cinoscar & Rarities inauguraron en 2017 los Cinoscar Spanish Awards, galardones que valoran la producción audiovisual española de cada temporada. Los premios se suman a los premios oficiales del blog, los Cinoscar Awards, así como a la amplia cobertura que dedicamos al cine español, tanto en formato texto como podcast. Podéis consultar la normativa los apartados de los premios aquí.

miércoles, 20 de noviembre de 2019

LISTA | PRECANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2019 | ASIA (I)


ALPHA, de Nasiruddin Yousuff (Bangladesh)
Sinopsis: Narra la historia de un pintor de 40 años de edad que vive en una casa de madera y bambú en medio de un lago contaminado en las afueras de la ciudad de Dhaka, y encuentra la vida de la ciudad y sus aspiraciones artísticas en una colisión.
Tráiler: Link 
Datos: Bangladesh ha presentado películas a los Academy Awards desde el año 2002, hasta la fecha nunca ha conseguido la nominación. Su representante más destacada fue El pájaro de arcilla, de Tareque Masud, la cual ganó el premio FIPRESCI de la sección Director's Fortnight del Festival de Cannes 2002. Alpha es su decimoquinta presentación a los premios Óscar.

sábado, 16 de noviembre de 2019

LISTA | PRECANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2019 | EUROPA BÁLTICA Y NÓRDICA (IV)


DEBUT, de Anastasiya Miroshnichenko (Bielorusia)
Sinopsis: La película analiza la racionalidad de los largos períodos de prisión para mujeres con hijos.
Tráiler: Link 
Datos: La presencia de Bielorusia en los Óscar ha sido mínima: sólo presentó dos películas en la década de los 90s (Me Ivan, You Abraham y From Hell to Hell, ambas centradas en las relaciones entre judíos polacos y cristianos antes y después de la Segunda Guerra Mundial) y su tercera presentación fue en el año 2018 con la comedia dramática Crystal Swan. Este año el comité seleccionador de Bielorusia apostó por el largometraje documental Debut, para su cuarta presentación en los Academy Awards.

jueves, 14 de noviembre de 2019

CINOSCAR SPANISH AWARDS 2019 | 145 PELÍCULAS PRECANDIDATAS



El blog Cinoscar & Rarities y El podcast de Cinoscar & Rarities inauguraron en 2017 los Cinoscar Spanish Awards, galardones que valoran la producción audiovisual española de cada temporada. Los premios se suman a los premios oficiales del blog, los Cinoscar Awards, así como a la amplia cobertura que dedicamos al cine español, tanto en formato texto como podcast. Podéis consultar la normativa de los premios y las 35 películas iberoamericanas precandidatas.

miércoles, 13 de noviembre de 2019

LISTA | PRECANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2019 | EUROPA CENTRAL (III)


SYSTEM CRASHER (SYSTEMSPRENGER), de Nora Fingscheidt (Alemania)
Premios: Festival de Berlín 2019: Oso de Plata - Premio del Jurado
Sinopsis: Benni, es una niña de 9 años que ha sido abandonada por su madre y debido a su difícil temperamento no logra permanecer en una casa de acogida por mucho tiempo, ello la ha convertido en lo que los servicios de protección infantil llaman "system crasher". Sin embargo por el camino encuentra personas dispuestas a hacer todo lo necesario para ayudarla.
Tráiler: Link
Dato: Alemania es uno de los países de la vieja Europa con mejor estadística de lo que va de siglo: ha conseguido 11 nominaciones de las cuales ganó dos veces. Su primer Óscar fue por En un lugar de África, de Caroline Link (2002) y el segundo por el filme La vida de los otros, de  Florian Henckel von Donnersmarck (2006). Antes de 1990, Alemania Occidental obtuvo ocho nominaciones y una victoria. Alemania casi siempre concurre con películas sobre la 2ª Guerra Mundial, una tónica que rompió Toni Erdmann. Su nominada más reciente fue La sombra del pasado (2018).

lunes, 11 de noviembre de 2019

CINOSCAR SPANISH AWARDS 2019 | 35 PELÍCULAS IBEROAMERICANAS PRECANDIDATAS


El blog Cinoscar & Rarities y El podcast de Cinoscar & Rarities inauguraron en 2017 los Cinoscar Spanish Awards, galardones que valoran la producción audiovisual española de cada temporada. Los premios se suman a los premios oficiales del blog, los Cinoscar Awards, así como a la amplia cobertura que dedicamos al cine español, tanto en formato texto como podcast. Podéis consultar la normativa de los premios aquí.

sábado, 9 de noviembre de 2019

LISTA | PRECANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2019 | EUROPA BALCÁNICA (II)


THE DELEGATION (Delegacioni), de Bujar Alimani (Albania)
Premios: Trieste Film Festival 2019: Mejor película
Sinopsis: En 1990, Albania avanzaba hacia la democratización mientras el viejo régimen comunista intenta aferrarse al poder. Una delegación de representantes europeos llega a Tirana para supervisar las reformas políticas llevadas a cabo. Se envía a un funcionario del gobierno a una prisión lejana para conducir a un importante disidente a la capital para que testifique ante la delegación, pero todo se complica.
Tráiler: Link 
Datos: Albania concurre al Óscar a partir del año 1996. Sus representantes más destacadas  hasta el momento son Slogans, de Gjergj Xhuvani (2001) que fue la primera película albanesa en participar en el Festival de Cannes y Daybreak, cinta galardonada en Sarajevo Film Festival y Alexandria International Film Festival. The delegation es el tercer largometraje de Alimani que representa al país en los Óscar y la décimo segunda presentación de Albania.

viernes, 8 de noviembre de 2019

CINE ESPAÑOL 2019 | PADRE NO HAY MÁS QUE UNO, LOS JAPÓN y LO NUNCA VISTO



PADRE NO HAY MÁS QUE UNO
España, 2019. Dirección: Santiago Segura Guion: Marta González de Vega y Santiago Segura
¿De qué va?: Javier se queda solo al cuidado de sus cuatro hijos mientras su mujer disfruta de unas vacaciones con su cuñada. Las dificultades por compaginar casa, trabajo y actividades de los niños dará pie a varios desastres. Ficha completa
Reparto: Santiago Segura, Toni Acosta, Silvia Abril, Leo Harlem, Luna Fulgencio, Carlos González Morollón, Calma Segura, Sirena Segura, Martina D'Antiochia, Anabel Alonso, Pepa Charro, Wendy Ramos, Fernando Gil, Goizalde Núñez, Marta González de Vega, Carlo D'Ursi, Pilar Calvo Morillas Fotografía: Ángel Iguacel Género: Comedia Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/08/2019.

Santiago Segura, quién te ha visto y quién te ve. De Torrente, el brazo tonto de la ley a Padre no hay más que uno hay mucho trecho. O tal vez no tanto. Abonado a la comedia popular en todas sus vertientes, con una nómina de amiguetes que le salvan de cualquier aprieto, el Segura actor, director, empresario y showman sigue en el candelero quitando telarañas a la comedia familiar. Padres, hijos y espíritus santos siguen yendo juntos al cine en tropel una o dos veces al año. Por el camino hemos perdido inocencia. Los niños de Primaria no levantan un palmo del suelo pero se las saben todas. Y como el mundo, el del cine más si cabe, está hecho para los listillos, Padre no hay más que uno cumple con las demandas de su target, tenga ocho u ochenta y ocho años. Con promoción metida con calzador de Lidl y Telepizza. Con cita a los talent shows, a la esfera youtuber, al movimiento feminista y a la terrorífica realidad paralela de los grupos de WhatsApp. Con un cásting que incluye a las hijas de Segura y, por ejemplo, nombres del famoseo ibérico como Rosa de España y Boris Izaguirre. Y, sobre todo, el milagro de sumar dos millones y medio de espectadores durante cuatro meses en cartel. Padre no hay más que uno, vaya, tiene mucho ingenio, algo que explica su éxito de convocatoria. La película, sin dejar de lado los lugares comunes, funciona. Tiene tanta chanza de perfil tan diferente que, irremediablemente, uno ríe en algún momento. Y hay tanta "cara que suena" que el espectador consigue olvidar que ya vio la misma película en sus versiones latinoamericanas e italiana. Igualmente, al crítico se le presupone una lectura que vaya más allá de la superficie de todo lo que se exhibe en salas y, apelando a ese criterio, no queda otra que describir Padre no hay más que uno como una estudiadísima operación de mercadotecnia. ¿Pudo haber sido un fracaso de taquilla? Sí. ¿Pudo haber sido un filme aburrido? También. ¿No es ninguna de las dos cosas y hay que aplaudirlo? Pues se aplaude. Pero... ¡qué casualidad que la película acabe con el propio Segura a punto de amasar una fortuna gracias al invento de una App para padres desesperados! Dinero llama dinero. El talento, a veces, llama al talento. Y si Padre no hay más que uno es una de las comedias de la temporada es, no solo por sus logros, sino por demérito del resto de estrenos. 



LOS JAPÓN
España, 2019. Dirección y guion: Álvaro Díaz Lorenzo
¿De qué va?: La vida de Paco, un sevillano padre de familia, cuando se entera que es heredero del Emperador Satohito. Su prole se traslada hasta Tokio para vivir en el palacio imperial. Ficha completa
Reparto: Dani Rovira, María León, Antonio Dechent, Cinta Ramírez, Iker Castiñeira, Maya Murofushi, Boré Buika, Ryo Matsumoto, José Ramón Bocanegra, Álvaro Carrero, Wen Jun, Koshu Hirano, Marcos Zan, Iwao Ikenoya, Koichi Sugihara, Paco Calavera, Sergio Camúñez, Kao Chenmin, Motokazu Kawamura, Akihiko Serikawa, Chihiro Tomita, Andy Fukutome, Masahiro Tanabe, Suzuki Erika, Hiko Achiwa, Keiko Ooka, Keita Arai Música: Julio de la Rosa Fotografía: Valentín Álvarez Género: Comedia Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 28/06/2019.

En ocasiones, al espectador medio le da por pensar hasta qué punto las películas son de sus directores-guionistas o de esos señores "de arriba" que ponen el dinero sobre la mesa. De paso, nos preguntamos por qué algunas ideas tan malas logran pasar el filtro de unos y de otros y, por sorpresa, probablemente para nuestra desgracia, consiguen el visto bueno para convertirse en celuloide (o megabites). Las dudas existenciales vienen a colación de Los Japón, la comedia de Álvaro Díaz Lorenzo que imagina a Dani Rovira como antiguo descendiente del imperio japonés. La premisa da para un sketch televisivo o para una tira gráfica de Ibáñez, pero no para un largometraje. Y como uno no sabe si realmente el señor Díaz es un rancio de aúpa o si todo obedece a los deseos de 13TV y Atresmedia para sanar sus cuentas, no queda otra que asistir con perplejidad a una suma de momentos en los que el clan ibero-nipón se ríe a costa de los malnombres de los genitales. Ya lo cantaba el filósofo Leonardo Dantés: tiene nombres mil el miembro viril. Decidir que una japonesa puede llamarse "Mari Kong" ya es harina de otro costal. En algunos despachos deben entender Los Japón como nuestra conquista de Oriente (ya puestos, ojalá tengan los bemoles de exhibirla allá), pero la película solo es la perpetuación de la España cateta. Para colmo, con gozo y sin complejos, con esa inconsciencia descarada que solo puede nacer de la ignorancia. Si en Asia deciden visionar esta y Perdiendo el este, no dudarán en invadirnos con sus mejores armas. Iría bien, tal vez, para que los directivos de determinados sellos se diesen cuenta de hasta qué punto ponen en riesgo su prestigio defendiendo títulos de tan baja estofa. Dicho esto, hay que aclarar que Los Japón, asumido el disparate, tiene cierto ritmo y celebra el atractivo cómico de María León, evidente incluso en mitad del bochorno. Porque, en ocasiones, la audiencia cree que en España hay gente con talento. De paso, nos preguntamos por qué esas capacidades no se ven en pantalla y dónde reside el problema. Un sinfín de cuestiones que Los Japón deberían invitar a debatir para subsanar errores. Con la guasa de Coria y el rictus serio de Tokio.



LO NUNCA VISTO
España, 2019. Dirección y guion: Marina Seresesky
¿De qué va?: Una aldea está a punto de perder asistencia médica por falta de habitantes. La llegada de un grupo de africanos y el empeño de una de sus vecinas harán que el pueblo vuelva a la normalidad. Ficha completa
Reparto: Dani Rovira, María León, Antonio Dechent, Cinta Ramírez, Iker Castiñeira, Maya Murofushi, Boré Buika, Ryo Matsumoto, José Ramón Bocanegra, Álvaro Carrero, Wen Jun, Koshu Hirano, Marcos Zan, Iwao Ikenoya, Koichi Sugihara, Paco Calavera, Sergio Camúñez, Kao Chenmin, Motokazu Kawamura, Akihiko Serikawa, Chihiro Tomita, Andy Fukutome, Masahiro Tanabe, Suzuki Erika, Hiko Achiwa, Keiko Ooka, Keita Arai Música: Julio de la Rosa Fotografía: Valentín Álvarez Género: Comedia Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/07/2019.

A la comedia española popular de antaño hay que reconocerle el don de la ubicuidad. Cuando la España franquista veía con asombro la llegada a sus costas de turistas europeas, ahí estaba Alfredo Landa y los machos del momento enseñando pelo en pecho. Poco tiempo después de regularse la práctica de los juegos de azar, Mariano Ozores se sacó de la chistera Los bingueros. En pleno debate sobre la legalización del divorcio, Pedro Masó estrenó El divorcio que viene. Y si desde los Estados Unidos venía un pelotazo de taquilla, ahí estábamos nosotros para perpetrar la parodia pertinente, al estilo Yo hice a Roque III. Debido a la actualidad de sus premisas (antes, sin redes ni nada que se le asemejase, los tiempos discurrían a una velocidad más lenta) y a su nulo sentido del ridículo (había que llenar cines, no estanterías de premios Goya), las llamadas "españoladas" sirven al espectador del siglo XXI para ilustrar una época y corroborar lo mucho (o poco) que hemos cambiado en muchos (y controvertidos) sentidos. En el otro lado de la balanza, el ala conservadora de nuestro país suele apelar a ese carácter historiográfico del humor chusco para defender toda esa lista de películas reprobables, y con ellas la ética y la estética que subyacen. Se mire con nostalgia limpia o ideológica, lo cierto es que esa comedia nunca murió: pensemos en Ocho apellidos vascos y todas las copias que vinieron después a vueltas con los conflictos territoriales. Con todo este bagaje, uno afronta el visionado de Lo nunca visto sabiendo que Marina Seresesky apela a fórmulas de otros tiempos para, a priori, retratar la España de nuestros días, ahora (pre)ocupada por la despoblación de las zonas rurales. Se entiende el carácter coral del invento y resulta agradable la comicidad de sus protagonistas (aceptamos a Machi y Nieto como trasuntos de las estrellas de antaño). Pero la historia avanza y la dimensión social pasa a un segundo plano para centrarse en chistes sobre negros, gays, hippies, ancianos cascarrabias y lapsus linguae tan elaborados como "estás/eres muy bueno". Todo muy desfasado, pero sobre todo aburrido. De resultas, sin texto ni contexto que le dé razón de ser, Lo nunca visto termina siendo uno de los despropósitos más grandes que se hayan filmados en nuestro país en muchísimo tiempo. Y uno se pregunta si la derecha local sigue pensando que el cine ese eso: histrionismo, simplismo y plano-contraplano. O si su título es la primera ironía, mala, de la función. Puede que el legado del landismo sobreviva, pero en unos años de Lo nunca visto solo quedará la vergüenza ajena. 



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miércoles, 6 de noviembre de 2019

CINE ESPAÑOL | ADIÓS, EL SILENCIO DE LA CIUDAD BLANCA y EL CRACK CERO


ADIÓS
España, 2019. Dirección: Paco Cabezas Guion: José Rodríguez, Carmen Jiménez y Paco Cabezas
¿De qué va?: Juan sale de prisión para asistir a la comunión de su hija. La pequeña fallece en un accidente de tráfico en el que están implicados capos del narcotráfico. Mientras dos inspectores se hacen cargo del caso, Juan decide tomarse la justicia por su mano. Ficha completa
Reparto: Mario Casas, Natalia de Molina, Ruth Díaz, Carlos Bardem, Vicente Romero, Mona Martínez Música: Zeltia Montes Fotografía: Pau Esteve Birba Género: Thriller Duración: 111 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 22/11/2019.

Paco Cabezas ha confesado en una entrevista reciente que cuando su padre vio Carne de neón le echó en cara que la película fuera poco andaluza. Ha pasado alrededor de una década, Cabezas ha conseguido labrarse una carrera en los Estados Unidos como director de series y ahora regresa a Sevilla para presumir de raíces. Adiós, en efecto, es un filme castizo por los cuatro costados, vitaminado por el dominio técnico que Cabezas ha perfeccionado en sus años norteamericanos. El mismo universo familiar y marginal, pasado por el filtro de la experiencia. La escritura de guion, con todo, sigue en estado embrionario. Adiós es una historia de venganza con personajes que llevan un notable historial violento a cuestas. Alrededor del barrio de las Tres Mil Viviendas todo parece corrupto, cuanto menos corruptible; tremendo y, a ojos de su responsable, tremendista. Cabezas apela a una visión casi lorquiana del linaje, del destino que ya está escrito con sangre, de perdiciones humanas que parecen designadas por los dioses, pero también a un sentido de la acción que obedece a prototipos genéricos, a fórmulas establecidas, a clichés muy nuestros y también muy ajenos. En la lucha de esas dos fuerzas, a Cabezas le ha quedado una película aparatosa, como un canto flamenco con más grito que desgarro. Estridente en todo momento y especialmente exagerada en su tramo final. No ayuda la endeble interpretación de Díaz ni la fiereza impostada de Casas y Martínez. Tampoco la tesis fácil de que todos los estamentos, de chabolas a comisarías y juzgados, están llenos de carcoma. Porque, allá donde Adiós debería responder como un fresco social y reflejarse en el mejor Alberto Rodríguez (o mejor: no asemejarse a nada y a nadie), Cabezas responde con subterfugios peliculeros: para el caso, tiros, carreras, complots sin fin, personajes satélite y giros inverosímiles. Queda una película digna en lo formal y realmente anecdótica en todo lo demás. Insuficiente, en resumen, para un director que, pese a su currículum, parece conformarse con no cruzar el umbral del disparate. Sería interesante preguntar la opinión de todo esto al padre de Cabezas.



EL SILENCIO DE LA CIUDAD BLANCA
España, 2019. Dirección: Daniel Calparsoro Guion: Roger Danès y Alfred Pérez Fargas
¿De qué va?: Los cadáveres de dos jóvenes aparecen en el interior de una catedral emblemática de Vitoria. El inspector encargado cree que detrás de los hechos se esconde el imitador de un asesino ritual que fue encarcelado años atrás. Ficha completa
Reparto: Belén Rueda, Javier Rey, Aura Garrido, Manolo Solo, Àlex Brendemühl, Sergio Donado, Ramón Barea, Itziar Ituño, Pedro Casablanc, Rubén Ochandiano, Richard Sahagún, Ramón Agirre, Josean Bengoetxea, Itziar Aizpuru, Joseba Apaolaza Música: Fernando Velázquez Fotografía: Josu Inchaustegui Género: Thriller Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 25/10/2019.

Ver un estreno de Calparsoro, con perdón de la expresión, es lo más parecido a tener sexo y no llegar al orgasmo. Hay talento, medios, actores, paisajes, la voluntad de alcanzar un clímax, un primer tramo de metraje que promete algo grande... Y luego, la frustración. El caso de El silencio de la ciudad blanca es más grave si cabe. El mayor desatino de toda la carrera de su artífice, que ya es decir. Desconozco la novela original de Eva García Sáenz de Urturi, aunque queda meridianamente claro que el guion de la película intenta condensar sin éxito todos los pasajes del texto. Con calzador, sin sutilezas, a costa de la paciencia y de las risas de vergüenza ajena del público. Eso explica, por ejemplo, que la cinta concatene hechos sin ton ni son, con diálogos forzados que acto seguido son reemplazados por silencios anticlimáticos. Desconozco cómo se orquestra una ficción desde dentro, pero, apelando al bagaje como espectador, resulta notoria la presencia machacona de la música, su montaje rudimentario y el artificio que toda la película construye en torno a la luz, con transparencias, sombras y desenfoques que parecen gazapos de alumno de 1º de grado. Los vecinos de Vitoria deben estar rellenando en estos momentos su pertinente hoja de reclamaciones. Desconozco los misterios del marketing, y aún así, escuchando los comentarios de los compañeros de sala, es evidente que el cine español debe cejar en su intento por imitar al cine norteamericano: si uno no puede competir contra las presupuestos yankis, mejor reflejarse en las obras de Arévalo, Rodríguez, Urbizu o Sorogoyen. No se trata de educar a la audiencia dándole a entender que en España somos capaces de todo porque, por el camino, se transitan lugares comunes y quienes pagan la entrada acaban dándose cuenta del desatino. Dicho esto, sin ánimo de hacer más leña del árbol caído, El silencio de la ciudad blanca logra lo imposible: que El asesino de los caprichos, todavía en cartel, también con Aura Garrido vestida de policía, parezca una maravilla del séptimo arte. Si podéis, huid: todos los personajes en el filme corren, y mucho. Esperemos que la burbuja de thrillers mediocres de Atresmedia estalle más pronto que tarde. Está en juego mucho dinero y sobre todo la credibilidad de toda una industria.



EL CRACK CERO
España, 2019. Dirección: José Luis Garci Guion: José Luis Garci y Javier Muñoz
¿De qué va?: Otoño de 1975. Germán Areta ha abandonado el cuerpo policial y trabaja como detective privado. El caso del presunto suicidio de un sastre muy bien situado de la capital le permitirá coincidir con compañeros nuevos y viejos. Ficha completa
Reparto: Carlos Santos, Miguel Ángel Muñoz, Luisa Gavasa, Patricia Vico, Pedro Casablanc, María Cantuel, Macarena Gómez, Belén López, Raúl Mérida, Cayetana Guillén Cuervo, Luis Varela, Ramón Langa, Andoni Ferreño, Alfonso Delgado, Jacobo Dicenta, Samuel Miró, Susana Paz, Jero García, Daniel Huarte Fotografía: Luis Ángel Pérez Género: Cine negro. Drama Duración: 122 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/10/2019.

La coincidencia en salas de dos pesos pesados como Woody Allen y José Luis Garci es una bonita anomalía. A estas alturas de la película, nunca mejor dicho, la cinefilia no puede pedir que uno u otro abandonen su forma de entender el mundo y el cine. Se trata en ambos casos de reproducir un estilo ya codificado, celebrado en su momento, posteriormente denostado, para que el espectador de 2019 valore hasta qué punto sigue vigente. Día de lluvia en Nueva York, si el público sabe abstraerse de polémicas satélite, es una de las cintas más deliciosas de la temporada. Sin llegar a esa marca, El crack Cero cumple sobradamente como homenaje a un personaje (Areta), a una ciudad (Madrid) y a un conjunto de actores no siempre considerados. Los críticos alegarán que ese desfile de rostros es solo una excusa para que Garci hable de sus filias, del fútbol al boxeo, pasando por el cine clásico, el póker y la nicotina, y no les faltará razón. Otros defenderán que los planos urbanos de los años 80 y la tendencia a la escenografía teatral, con pompa verbal de aderezo, vician cualquier intento de emoción o tensión, y de nuevo estarán en lo cierto. Con todo, Garci está en su derecho de reivindicar su mirada, incluso de incidir en sus vicios. El crack Cero, como resultado, puede definirse como una película ensimismada, de resistencia, la refutación definitiva de que su autor siempre prefirió echar la vista atrás y no mirar hacia delante. Hay impostura formal, pero de ella, bendita paradoja, emerge la verdad de alguien que sabe qué está contando, cuáles son sus limitaciones y cómo es su público. El crack Cero, destilada de todas sus esencias añejas, es un ejercicio de nostalgia pretérita, sobre todo una metáfora del vértigo que se siente ante un futuro incierto. En esa encrucijada de tiempos, El crack Cero es una bonita despedida de Garci, la película que necesitábamos para espantar la sombra de la desastrosa Holmes & Watson. Madrid Days. Seguro que a Garci le ha alegrado compartir cartelera con su querido Allen. Probablemente haya agradecido que su filme, elegía del Franquismo allá por noviembre de 1975, coincidiese con la exhumación del cadáver del dictador. La mayor alegría sería que El crack Cero motivase una revisión seria, sin prejuicios ni ideologías de por medio, de toda la filmografía "garciana". Y, con toda seguridad, de ese ejercicio surgiría un debate interesante sobre lo que fuimos, lo que somos y lo poco que hemos cambiado. Garci, al final, le pese a quien le pese, es pura contemporaneidad.


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martes, 5 de noviembre de 2019

LISTA | PRECANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2019 | EUROPA (I)


NUESTRAS MADRES, de César Díaz (Bélgica)
Premios: Festival de Cannes 2019: Cámara de Oro: Mejor ópera prima
Sinopsis: Todo el país está inmerso en el juicio de los soldados que desencadenaron la guerra civil de Guatemala. Los testimonios de las víctimas llegan uno tras otro. Ernesto es un joven antropólogo que trabaja para la Fundación Forense; su trabajo es identificar a los desaparecidos. Un día, mientras escucha el relato de una anciana, cree haber encontrado una pista que podría guiarlo hacia su padre, un guerrillero que desapareció durante la guerra. Contra los deseos de su madre, se arroja en cuerpo y alma al caso, buscando la verdad.
Tráiler: Link
Datos: Bélgica concurre al Óscar desde 1967 pero fue en la década de los 90s cuando se consolidó su incursión anual en los premios de Hollywood. Nuestras madres es la primera representante del país en lengua castellana, pues se trata de una coproducción entre Bélgica, Guatemala y Francia. Bélgica ha llegado a la terna de nominadas en 7 ocasiones: la última vez lo consiguió con la película Alabama Monroe, de Felix Van Groeningen (2013) y dos años más tarde llegó a la shortlist con El nuevo Nuevo Testamento, de  Jaco Van Dormael. Nuestras madres es el primer largometraje de ficción de Díaz, un trabajo premiado en Cannes, detalle que puede darle cierta ventaja en la carrera por el Óscar.

lunes, 4 de noviembre de 2019

CINOSCAR SPANISH AWARDS | NORMATIVA



El blog Cinoscar & Rarities y El podcast de Cinoscar & Rarities inauguraron en 2017 los Cinoscar Spanish Awards, galardones que valoran la producción audiovisual española de cada temporada. Los premios se suman a los premios oficiales del blog, los Cinoscar Awards, así como a la amplia cobertura que dedicamos al cine español, tanto en formato texto como podcast. Adjuntamos a continuación la normativa y los apartados de los premios.

jueves, 31 de octubre de 2019

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 5X06 | ESPECIAL JOKER


Programa nº 137 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Mayra Meza y Xavier Vidal reseñan con spoilers JOKER, de Todd Phillips.

Guía del programa:
0' Presentación - 2' Análisis JOKER: universo Batman, Phillips, Phoenix, posibilidades de Óscar, referencias y lecturas - 45' Despedida y canción: "That's Life", de Frank Sinatra


Puedes enviar tus comentarios o audiocomentarios con sugerencias o recomendaciones a nuestro mail cinoscararities@gmail.com, estaremos encantados de leerte o escucharte.

miércoles, 30 de octubre de 2019

CINE ESPAÑOL | MADRE, LA HIJA DE UN LADRÓN y LA VIRGEN DE AGOSTO



MADRE
Festival de Venecia: Mejor actriz (Orizzonti). Festival de Sevilla: Inauguración
España, 2019. Dirección: Rodrigo Sorogoyen Guion: Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña
Escucha nuestro especial Festival de Venecia en el siguiente PODCAST
¿De qué va?: Diez años después de perder a su hijo en extrañas circunstancias, Elena trabaja en un local de la costa francesa. Un día conoce a Jean, un adolescente por el que siente una atracción extraña. Ficha completa
Reparto: Marta Nieto, Àlex Brendemühl, Anne Consigny, Frédéric Pierrot, Jules Porier, Raúl Prieto, Álvaro Balas, Blanca Apilánez Música: Olivier Arson Fotografía: Álex de Pablo Género: Drama Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 15/11/2019.


Dos personajes, un único espacio y una llamada de teléfono que lo cambia todo. Madre, pese a su estatus de cortometraje, se trataba de una escena sin cortes, ni principio ni final. Cabe imaginarse que, ante una premisa tan potente, Sorogoyen, de mente inquieta, no tardó en elucubrar posibles continuaciones de la historia. Había que convertir el juego de casi veinte minutos en una película propia. El reto no era fácil y, tras visionar el largo resultante, impera la sospecha de que el director de El reino nunca supo exactamente en qué dirección llevar la debacle emocional de una madre que, a su pesar, ha dejado de serlo. La cámara de Álex de Pablo sigue a la protagonista como quien va tras los pasos de un fantasma, con planos que unen la majestuosidad del paisaje costero con la intimidad de una mujer herida. Sorogoyen apela al drama pero sobre todo al thriller, con una puesta en escena y una apuesta bilingüe bastante inusual en nuestra cinematografía. El misterio se mantiene intacto e incómodo durante gran parte del metraje, pero al final la narración hace suya la desazón de su protagonista: languidece, titubea, casi agoniza. La extrañeza gana a la emoción. El efectismo de sus escenas, concebidas como set pieces tensas, se impone al desgarro. Y entre todo ello, destaca la mirada de un Sorogoyen que sigue y persigue a Marta Nieto, una actriz que carga en sus espaldas toda la película, para salvarla y para evidenciar todas sus flaquezas. Se agradece el empaque europeo de la propuesta pero Madre, contra todo pronóstico y a nuestro pesar, es sin duda el título menos satisfactorio de Sorogoyen. Una película que recordaremos como aquello que siempre fue desde su concepción breve: un escalofrío en el espinazo, una nebulosa anómala, la calma aparente tras la tormenta inexplicable. Madre, versión 2019, por recato, por incapacidad de sus responsables o por motivos que se escapan a nuestro entendimiento, es la dilatada promesa de un clímax que nunca llega. Decepción con matices. Aunque a lo mejor lo que quería Sorogoyen era precisamente eso: filmar la larga travesía hacia la nada, estirar todavía más los puntos suspensivos. Apropiarse, tal vez, del discurso de la Julieta almodovariana de "tu ausencia llena mi vida por completo y la destruye".



LA HIJA DE UN LADRÓN
Festival de San Sebastián: Mejor actriz (ex aequo)
España, 2019. Dirección: Belén Funes Guion: Belén Funes y Marçal Cebrian
Escucha nuestra reseña en el siguiente PODCAST
¿De qué va?: Sara vive en un piso social con su bebé, trabaja de limpiadora y tiene una relación muy especial con su hermano pequeño. El reencuentro con su padre, que acaba de salir de prisión, le obligará a cambiar su vida. Ficha completa
Reparto: Greta Fernández, Eduard Fernández, Àlex Monner, Frank Feys Fotografía: Neus Ollé Género: Drama Duración: 102 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 29/11/2019.

En su debut en el largometraje, Belén Funes hace suya la máxima naturalista de filmar únicamente las acciones de sus personajes, sin diálogos que pongan al público en antecedentes, sin subterfugios que edulcoren o expliquen aquello que sucede ante nuestros ojos. "Personajes", en plural, o mejor dicho la Sara que interpreta con contención y emoción Greta Fernández, en singular y, para su desgracia, en soledad. La hija de un ladrón, heredera del estilo desnudo de los hermanos Dardenne, es una reivindicación de esas vidas de extrarradio que van de aquí para allá, haciendo mil cosas a la vez, contando días y billetes, temiendo al futuro y sin tiempo para soñar. Sara es incapaz de verbalizar su dolor y en su odisea pesa más lo que se oculta que lo que se muestra: de ahí que la película pueda resultar un su tramo inicial un poco tosca, como aquellas personalidades cerradas a cal y canto que en las primeras interacciones resultan inexpugnables pero que poco a poco van deshaciéndose de su coraza. Fernández interpreta aguantando las lágrimas, de la misma manera que el espectador debe recomponer las piezas y poner significados a todos los fotogramas, un ejercicio aparentemente ingrato que, como contrapartida, ofrece momentos de tierna humanidad. Cine maduro y complejo que discute sobre los yugos familiares, las ayudas sociales, las condiciones laborales y el micromundo en el que viven y sobreviven muchas personas, la gran mayoría mujeres jóvenes, madres e hijas. Puede que parte de la platea eche de menos más desgarro y probablemente muchos alegarán que su resolución funciona mejor como reafirmación de una tesis que como cierre real de la historia, pero nadie puede negarle a Funes las dosis de verdad que destilan sus fotogramas, su compromiso social, su equidistancia ideológica. En síntesis, esa mirada limpia, hinchada, alicaída e inocente de una Sara que crece en la memoria como uno de los personajes y de los conceptos más estimulantes del cine de 2019.



LA VIRGEN DE AGOSTO
Festival de Karlovy Vary: Premio del jurado. Festival de Mar de Plata: Sección oficial a concurso
España, 2019. Dirección: Jonás Trueba Guion: Jonás Trueba e Itsaso Arana
¿De qué va?: Eva alquila un piso en el centro de Madrid durante la primera quincena de agosto. Siempre ha vivido en la capital, pero un conjunto de encuentros, reencuentros, casualidades y experiencias hará que vea y viva la ciudad de formas muy diferentes. Ficha completa
Reparto: Itsaso Arana, Vito Sanz, Joe Manjón, Isabelle Stoffel, Luis Heras, Mikele Urroz, María Herrador, Naiara Carmona Fotografía: Santiago Racaj Género: Drama Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 15/07/2019.

De pronto, el artificio se hizo celuloide y la duda se convirtió en certeza. Toda la filmografía de Jonás Trueba queda encapsulada en La virgen de agosto. Sin esperarlo, el pequeño de la saga cinematográfica más importante de nuestro país ha depurado y concentrado todos sus temas y rasgos de estilo. Por el camino, se ha topado con una ciudad, de la que se ha enamorado perdidamente, y con una actriz, que ha convertido en musa. Y entre paseos, porque esta es una historia errante, casual y verbal, Trueba ha confrontado sus gustos afrancesados con las diatribas de esa generación, la suya, la de la crisis, que sigue con la vida por los aires y los pies en el suelo. La virgen de agosto propone una experiencia inmersiva con la que su cineasta engrandece su querencia por la melancolía. En verdad, estamos ante dos horas de metraje y quince días de paréntesis vital. Lo importante siempre queda en off. O tal vez no: el Madrid festivo, estival, aliviado de bullicios, es la presencia más poderosa de las imágenes, el paisaje de fondo convertido en centro de una narración con carácter añejo y moderno, cotidiano y mágico. Por lo demás, depende de la audiencia decidir hasta qué punto deja zambullirse en ese contexto: es lícito que muchos espectadores vean La virgen de agosto desde la lontananza, como algo ajeno a su manera de entender la ficción y la vida. Y para los más recelosos, cabe apuntar que el filme, aunque quedaría legitimado como cuento con ausencia total de significado, termina siendo una metáfora sobre la maternidad deseada, dudada, postergada o a lo mejor únicamente imaginada. Como un poema de verso libre que sitúa su única rima en la última palabra, obligando a leer toda la composición desde otro prisma. De igual manera, el hallazgo de La virgen de agosto invita a la comunidad cinéfila a revisar la obra de Jonás Trueba con otros ojos. Lo más cerca que ha estado Trueba de firmar un cine mayor, con ínfulas, pero con instantes de emoción genuina.



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martes, 29 de octubre de 2019

LISTA | PRECANDIDATAS AL ÓSCAR A LA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL 2019 | AMÉRICA DEL SUR


LA ODISEA DE LOS GILES, de Sebastián Borensztein (Argentina)
Premios: proyectada en el Festival de San Sebastián 2019
Sinopsis: En una ciudad remota de la provincia de Buenos Aires, durante la crisis económica que condujo a la congelación bancaria de 2001, un grupo de vecinos sufre con indignación la estafa llevada a cabo por un abogado y gerente de banco, que les ha hecho perder el dinero que habían ahorrado para reflotar una cooperativa agrícola. Con tal de recuperar sus ahorros, este grupo de vecinos decide organizarse y armar un minucioso plan con el objetivo de recuperar su dinero.
Tráiler: Link 
Datos: La última vez que Argentina estuvo en la terna de nominadas a Mejor película internacional fue en el año 2014 con Relatos Salvajes, de Damián Szifrón. Hasta el momento Argentina ha ganado dos premios Óscar: el primero por La historia oficial, de Luis Puenzo (1986), y la segunda estatuilla la ganó por El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella (2010). Con La odisea de los giles Argentina podría conseguir su octava nominación.

lunes, 28 de octubre de 2019

CINE ESPAÑOL 2019 | LO QUE ARDE, DIECISIETE e INTEMPERIE



LO QUE ARDE (O QUE ARDE)
Festival de Cannes: Premio del jurado (Un Certain Regard). Festival de San Sebastián: Perlas
España, 2019. Dirección:  Oliver Laxe Guion: Santiago Fillol, Oliver Laxe
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¿De qué va?: Amador sale de prisión tras cumplir condena por haber provocado un incendio. Al regresar a la casa de su madre, el hombre se reencontrará con las gentes de su aldea. Ficha completa
Reparto: Amador Arias, Benedicta Sánchez, Elena Mar Fernández, Inazio Abrao Fotografía: Mauro Herce Género: Drama Duración: 89 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 11/10/2019.

Lo que arde se articula a partir del paisaje: así lo demuestra el arranque del filme, con las imágenes de un buldócer arrasando un bosque en plena noche. La magnificencia de la naturaleza domina y de alguna manera devora a los personajes, incluyendo a Amador, un pirómano que regresa a casa con una serenidad trémula, como si en sus adentros siguieran vivas las ascuas del pasado. Laxe narra en voz baja, sirviéndose de expresiones mínimas y recursos inusuales en el cine español: casi ningún realizador de nuestro país se atrevería a usar música clásica, el tema Suzanne de Leonard Cohen o un elaborado entramado sonoro para reproducir la fuerza bella, primigenia, a la postre virulenta, de la orografía gallega. También consigue con un guion mínimo pero exacto, con planos de tempos y semánticas precisas, reproducir el carácter tosco, esquivo y desconfiado de unos seres que viven conectados a sus raíces a la par que alienados. Hombres parásitos, a imagen y semejanza de esos eucaliptos que no dejan crecer ninguna hierba a su alrededor. El resultado son ochenta y cinco minutos que debaten sobre nuestro posicionamiento vital, social e incluso político en un orden natural superior, regido por el poder creador y destructor de los elementos, fuego incluido. Al final importa poco si Amador es el responsable del incendio que cierra la película, tampoco interesa bucear en las profundidades de su mente, probablemente carcomida por el dolor de culpas propias y ajenas. Para Laxe, la presencia humana en la superficie terrestre es poco más que un accidente. Un árbol ínfimo en el horizonte. Un misterio insondable. Y ahí es donde Lo que arde prende llama y quema como el cine de Erice, como el Tasio de Armendáriz, como ese novísimo cine gallego, crepuscular y atemporal, entre la ficción y el documental (Trote, A esmorga, Trinta lumes), que encuentra aquí su "lumbre cumbre".



DIECISIETE
Festival de San Sebastián: Sección oficial fuera de concurso
España, 2019. Dirección y guion: Daniel Sánchez Arévalo
¿De qué va?: Héctor todavía no ha cumplido la mayoría de edad. Contradiciendo las normas del centro de menores en el que está interno, el chico decide emprender un viaje con su hermano para buscar a Oveja, la perra con la que realizó terapia de reinserción. Ficha completa
Reparto: Biel Montoro, Nacho Sánchez, Lola Cordón, Iñigo Aranburu, Itsaso Arana, Kandido Uranga, Carolina Clemente, Jorge Cabrera, Chani Martín, Mamen Duch Música: Julio de la Rosa Fotografía: Sergi Vilanova Género: Comedia dramática Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 18/10/2019.

En España no solemos hablar de feel-good movies. Nuestra cinematografía entiende de comedias populares, por norma general chuscas, y de títulos más sofisticados que, aunque en algún momento pueden tener el consenso de crítica y público, difícilmente alcanzan dimensiones de acontecimiento cinematográfico. Daniel Sánchez Arévalo, a la contra de ese principio, siempre ha cultivado un humor dramático, social, juvenil y amable. Ha dirigido películas reconfortantes, de éxito modesto pero de culto indiscutible como Azuloscurocasinegro Primos. Incluso ha establecido un estilo propio, asociado a un plantel de actores muy concreto y a temáticas siempre pertinentes como la familia, la amistad y el paso a la edad adulta. El director cántabro, vaya, merece considerarse un feel-good director, sin que ese apelativo reste méritos a su trayectoria. Ese título se demuestra una vez más en Diecisiete, su nuevo lanzamiento. Primero, por haber llamado la atención de Netflix, un sello que actúa según los gustos de la masa, sean abonados en activo o suscriptores potenciales. Y en segundo lugar, tras un impás dedicado a la publicidad y a la literatura, por seguir con sus obsesiones y tonos habituales. En pantalla, dos hermanos inician un viaje de (auto)conocimiento, con diálogos vivaces e interpretaciones más que convincentes. Sánchez Arévalo siente cariño y contagia esa empatía por sus criaturas. En él no se intuyen ni cinismos ni eufemismos. Diecisiete avanza y se consolida como un relato transparente, humano. Solo le resta su carácter verbal, algo repetitivo, y la necesidad, inherente a toda road movie pero innecesaria, de sumar demasiadas peripecias (la tumba profanada, la vaca del primo): la película alcanza cuotas más satisfactorias cuanto más se constriñe a sus personajes y a sus circunstancias. El resultado es una obra tonificante, nada desdeñable en el conjunto del cine español de 2019. Lástima que las restricciones de la plataforma reina le hayan impedido ser el éxito de taquilla que merecía.



INTEMPERIE
Festival de Valladolid: Inauguración a concurso
España, 2019. Dirección: Benito Zambrano Guión: Benito Zambrano,
Daniel Remón y Pablo Remón, a partir de la novela de Jesús Carrasco
¿De qué va?: La Guerra Civil ha terminado. En el cuerno de Andalucía, un niño huye de su capataz. En su fuga, sus pasos se cruzan con los de un pastor que le ofrece protección. Mientras, las autoridades del pueblo siguen avanzando por las llanuras. Ficha completa
Reparto: Luis Tosar, Luis Callejo, Jaime López, Vicente Romero, Manolo Caro, Kandido Uranga, Mona Martínez, Miguel Flor De Lima, Yoima Valdés, María Alfonsa Rosso, Adriano Carvalho, Juanan Lumbreras, Carlos Cabra Música: Mikel Salas Fotografía: Pau Esteve Birba Género: Drama. Thriller Duración: 103 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 22/11/2019.

Nos separan ocho años de La voz dormida, última película, también adaptación literaria, de Benito Zambrano. Tras Solas Habana Blues, la crítica especializada citaba a Zambrano como uno de los cineastas españoles más importantes del nuevo siglo, aunque sus ritmos de trabajo, imaginamos que por imperativos de la industria, han resultado menos constantes de lo esperado. Accidente colateral de todo ello, un estreno como Intemperie, inauguración de la Seminci vallisoletana, tiene visos de acontecimiento, aunque las expectativas pronto se desvanecen con los primeros compases del filme. Si la novela de Jesús Carrasco era tosca e introspectiva, con alma de western, la lectura de Zambrano adocena el material original en un producto de multisalas, capaz de disimular sus estrecheces presupuestarias, correctamente orquestrada e interpretada, pero carente de emoción, de dobleces morales, de complejidad psicológica, de ingenio escénico, de garra. Del brío, en definitiva, que presumíamos en ese Zambrano novel de hace ahora dos décadas. Parte del problema reside en la  fidelidad caligráfica, algunos dirían académica, respecto a la novela original; y, paradójicamente, en el único cambio que introduce el guion por voluntad propia, harto desatinado: da mayor espacio a los personajes adultos, aunque ello no implica la añadidura de capas y temas a la historia. A lo mejor es problema del lector-espectador que escribe, tampoco se trata de sancionar las versiones y las visiones de otros autores, pero en mi cabeza Intemperie era una película casi muda, de planos cortos, frentes perladas, pieles sucias, cueros curtidos y paisajes yermos y grandiosos. Con escenas al ras, pero también con interiores claustrofóbicos. Con la relación de un niño que huye y de un hombre que ya no necesita huir de nada, y de la amistad y del aprendizaje que surge de esa unión. Ese filme, en resumen, que intuyo en el metraje de Zambrano, pero que nunca llega a eclosionar. Una pena.


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