PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | HERO (YING XIONG), de Zhang Yimou (China)

HERO (YING XIONG)

China, 2002. Dirección: Zhang Yimou Guion: Li Feng, Wang Bin y Zhang Yimou Música: Tan Dun Fotografía: Christopher Doyle Reparto: Jet Li, Tony Leung Chiu-Wai, Maggie Cheung, Zhang Ziyi, Chen Daoming, Donnie Yen, Liu Zhongyuan, Zheng Tianyong, Qin Yan, Hua Cao, James Hong Género: Acción. Drama romántico Duración: 95 min. Tráiler: Link Podcast: Link 

¿De qué va?: Cuando China estaba dividida en siete reinos que se enfrentaron entre sí para conseguir la hegemonía, la miseria y la muerte asolaron el país. Al rey Qin, que vivía obsesionado con la idea de unificar China y convertirse en el primer Emperador, intentaron asesinarlo los otros monarcas. Entre los asesinos contratados, los más temibles eran Espada Rota, Nieve Volante y Cielo. Qin promete poder, riquezas y una audiencia privada a quien consiga vencer a los tres sicarios, pero es una tarea casi imposible. De modo que, cuando el enigmático Sin Nombre llega al palacio con las legendarias armas de los asesinos, el rey se muestra impaciente por oír su historia. (FILMAFFINITY)

Al calor del éxito de Tigre y dragón, al servicio de los avances tecnológicos que basaron el fenómeno Matrix y que poco después Tarantino puso en la batidora de Kill Bill, Zhang Yimou, el cineasta chino más reputado de su generación, decidió liderar una superproducción, reclutar los actores de ojos rasgados con más tirón mediático y explorar el género Wuxia, inédito en su carrera. Hero, la película que resultó, fue un fenómeno de taquilla en Oriente y Occidente, y abrió una senda esteticista e histórica que Yimou siguió explorando años después en otros proyectos. El filme tiene un carácter oral que recuerda a ciertas obras de la literatura épica y medieval: el diálogo entre un rey y el héroe que ha dado muerte a los asesinos más peligrosos del lugar da pie a una historia que se bifurca, triplica y a la postre amplía en cuatro versiones, identificadas por colores distintos y construidas alrededor de temas como el amor, el sacrificio y la integridad del guerrero. Yimou, sin salirse del cuento con moraleja y del halo místico marca de la casa, lleva la belleza de sus fotogramas a su máxima expresión, más perfecta si cabe, pero también más evidente y hueca. Por momentos, la simetría, el cromatismo, el carácter puntilloso, los movimientos al ralentí y la música exótica acompasada a golpes de katanas y flechas lleva al espectador a experimentar cierto síndrome de Stendhal, pero en otros se pone en evidencia la nada que esconde tal fachada de valores audiovisuales. Hero, como resultado, sin llegar a la superficialidad de un videojuego o de un anuncio de colonia, carece del alma necesaria para ser un relato revelador y conmovedor sobre la condición humana. A veces menos es más y Hero apuesta de manera premeditada por un barroquismo no apto para todos los públicos. Una leyenda anterior a la China imperial que une el arte de la espada con el de la escritura, aunque saque mejor nota en caligrafía que en ortografía.

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | PARA TODOS LOS GUSTOS (LE GOÛT DES AUTRES), de Agnès Jaoui (Francia)

PARA TODOS LOS GUSTOS (LE GOÛT DES AUTRES)

Francia, 2000. Dirección: Agnès Jaoui Guion: Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri Música: Jean-Charles Jarrell Fotografía: Laurent Dailland Reparto: Anne Alvaro, Jean-Pierre Bacri, Alain Chabat, Agnès Jaoui, Gérard Lanvin, Anne Le Ny, Christiane Millet, Wladimir Yordanoff, Xavier De Guillebon, Raphaël Defour, Brigitte Catillon Género: Comedia dramática Duración: 110 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Un empresario conoce a una actriz que es amiga de una camarera, la cual conoce a un guardia de seguridad que trabaja con un chófer, al servicio de una decoradora, mujer de un empresario, que querría trabar amistad con artistas... Este filme muestra cómo la diferencia de ambiente y educación hace imposible ciertas relaciones. Es la historia de unos personajes que no tendrían que haberse conocido porque las barreras culturales que los separan son insalvables. (FILMAFFINITY)

En retrospectiva, resulta milagroso que Para todos los gustos, una tragicomedia aparentemente inofensiva, consiguiese casi cuatro millones de espectadores en su país. O que la película catapultara a Agnès Jaoui, reputada guionista (Smoking/No Smoking, Como en las mejores familias, On connaît la chanson) que aquí se revelaba como excelente directora de tonos, tempos e intérpretes. Ha llovido mucho. Por el camino hemos ganado técnica y pirotecnia. Para todos los gustos puede resultar lenta o anodina para la generación de espectadores más joven. Y aún así, para quien escribe, el revisionado de la ópera prima de Jaoui, secundada entre otros por su cómplice cascarrabias Bacri, tiene el poder de una epifanía. Nada sobra y nada se echa en falta en esta obra coral, tanteo de las historias cruzadas tan en boga en los 90. Los personajes se dejan llevar por la red de casualidades y causalidades que teje uno de los libretos más agudos del último cine francés. Película que homenajea el teatro, que se ríe de las diferencias de clase, que celebra la amistad como estado natural y el amor como estado necesario. Todos los actantes, sin excepción, se ganan la simpatía de la audiencia sin que por el camino Jaoui deba hacer concesiones fáciles, inventar giros imposibles o caer en complacencias. De alma alleniana y francesa (y por lo tanto, verbal), expansiva en su infinita intimidad, la historia discute sobre la influencia que las personas ejercen entre sí. Para Jaoui, los pareceres propios y ajenos son volubles, tanto como los derroteros de la vida. Lo realmente difícil es encerrar esa arbitrariedad en un guion tan estudiado y que el conjunto resulte espontáneo, sentido, veraz. Es, de forma inapelable, la mejor película francesa del año 2000. Y no... eso no es cuestión de gustos.

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | AMORES PERROS, de Alejandro González Iñárritu (México)

AMORES PERROS

México, 2000. Dirección: Alejandro González Iñárritu Guion: Guillermo Arriaga Música: Gustavo Santaolalla y Daniel Hidalgo Fotografía: Rodrigo Prieto Reparto: Emilio Echevarría, Gael García Bernal, Goya Toledo, Alvaro Guerrero, Vanessa Bauche, Jorge Salinas, Marco Pérez, Rodrigo Murray, Humberto Busto, Gerardo Campbell, Rosa María Bianchi, Dunia Saldívar, Adriana Barraza, José Sefami, Patricio Castillo, Lourdes Echevarría, Gustavo Sánchez Parra, Dagoberto Gama Género: Drama social. Historias cruzadas Duración: 145 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: En Ciudad de México, un fatal accidente automovilístico afecta trágicamente a tres personas. Octavio, un adolescente, decide escaparse con Susana, la esposa de su hermano; el Cofí, su perro, se convierte en el instrumento para conseguir el dinero necesario para la fuga. Al mismo tiempo, Daniel, un hombre maduro, deja a su esposa y a sus hijos para irse a vivir con Valeria, una hermosa modelo. El mismo día en que celebran su nueva vida, el destino hace que Valeria sea víctima de un trágico accidente. (FILMAFFINITY)

Uno de los elementos más impresionantes de esta película es su estructura narrativa: aparentemente no sigue un hilo argumental, pero está cohesionada por el factor contextual que le proporciona la tristeza de las tres historias que enmarca la dirección de Iñárritu. La tragedia, la ruina, la soledad, situaciones disfrazadas de amor y que potencializan el peculiar adjetivo que usa el realizador para desarrollar el descarnado lado oscuro del amor. Por eso le llaman Amores perros. Porque así es la vida, sinuosa y difícil, mucho más en un país como el mío, mi México tan descalabrado por tanta situación adversa de violencia en todas su vertientes; y menciono esto porque siempre se ha considerado la película como un claro ejemplo del día a día en suelo mexicano, referencia directa de las circunstancias que todos vivimos en este país, alejada de cualquier tipo de exageración. El guion de Arriaga es una obra visceral que destripa a conciencia y sin tapujos el dolor y sufrimiento humano, haciéndose tangible gracias a la edición de las poderosas imágenes que captura el fotógrafo Guillermo Prieto junto a una de las bandas sonoras más memorables del cine mexicano firmada por el gran Gustavo Santaolalla. Texto, imagen y sonido, junto a las excelentes actuaciones de un reparto inmejorable, son los elementos que fusiona Alejandro González Iñárritu para tener como resultado esta ópera prima que se ha convertido a través de los años en una cinta enteramente de culto, siendo nombrada en más de una ocasión como su obra maestra. La propia película es referente directo de un realizador en estado de gracia, que se entrega a sus proyectos y se hace partícipe del proceso creativo con férrea convicción. Una película compleja que no permite distracción alguna y que definitivamente deja con una gran cúmulo de emociones al final.

Ronnie Valencia

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | TIGRE Y DRAGÓN (WO HU CANG LONG), de Ang Lee (Taiwán)

TIGRE Y DRAGÓN (WO HU CANG LONG)

Taiwán, 2000. Dirección: Ang Lee Guion: Wang Hui-Ling, James Schamus y Kuo Jung Tsai, a partir de la novela de Du Lu Wang Música: Tan Dun Fotografía: Peter Pau Reparto: Chow Yun-Fat, Michelle Yeoh, Zhang Ziyi, Chang Chen, Sihung Lung, Cheng Pei-Pei, Li Fazeng, Gao Xian, Hai Yan, Wang Deming Género: Drama romántico. Acción Duración: 115 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Li Mu Bai, un legendario experto en artes marciales, ha decidido dejar en herencia su espada mágica, la Espada Celestial, a su mejor amigo. Además, le pide a Yu Sha, una poderosa guerrera de la que está enamorado, que custodie la espada hasta que llegue el momento de entregarla. (FILMAFFINITY)

Hagan la prueba. Elijan al millenial que tengan más cerca y explíquenle que hace dos décadas una película pequeña hablada en chino, con luchadores saltando por los aires al rescate de una espada mágica, consiguió 10 nominaciones al Óscar (casi se impone en película y dirección) y una recaudación mundial que se estima en más de 200 millones de dólares (la mitad, conseguidos en Estados Unidos, país que repele los subtítulos). Y que, de esos polvos, tuvimos lodos fílmicos, todos influidos por el género wuxia, como La casa de las dagas voladoras o Hero. Probablemente no os creerá, y razones no le faltarán. El elemento diferencial fue (es) Ang Lee, un director que convierte en oro casi todo lo que toca. Con Tigre y dragón, el taiwanés logró un sueño: filmar una cinta de artes marciales con profesionales asiáticos y parte de capital estadounidense. También una ambición, confesada en muchas entrevistas de la época: lograr la mejor película del género jamás rodada. En esta parte de Occidente nos faltan conocimientos para discernir si esa afirmación es cierta o no, pero innegablemente el encanto, y con él la razón de su éxito, reside en la estilización de un cine "de luchas" asociado a la acción vacua, a la fuerza bruta masculina. Tigre y dragón es bella (aunque no esteticista), es femenina (puede que feminista), es una doble historia de amor (ambas, con finales agridulces), es un cuento de valores (nada aleccionador) y es una trama de alma convulsa y compleja (aunque fácil de seguir). Cine artesanal más conectado de lo que podría parecer a simple vista con las anteriores (Comer, beber, amar, Sentido y sensibilidad, La tormenta de hielo) y posteriores (Brokeback Mountain, Hulk, La vida de Pi, Deseo, peligro) películas de su director. Título que, con independencia de su nómina de defensores y detractores, o de lo olvidada que pueda estar para determinado sector de crítica y público, marcó los designios del cine de inicios de siglo. A juicio personal, no es una obra maestra, pero sí imponente.

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS, de Pedro Almodóvar (España)

MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS

España, 1988. Dirección: Pedro Almodóvar Guion: Pedro Almodóvar Música: Bernardo Bonezzi Fotografía: José Luis Alcaine Reparto: Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano, Rossy de Palma, María Barranco, Chus Lampreave, Guillermo Montesinos, Fernando Guillén, Kiti Mánver, Loles León, Ángel de Andrés López, Francisca Caballero, Agustín Almodóvar, José Antonio Navarro, Imanol Uribe Género: Comedia Duración: 85 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Pepa e Iván son actores de doblaje. Él es un mujeriego empedernido y, después de una larga relación, rompe con Pepa: le deja un mensaje en el contestador pidiéndole que le prepare una maleta con sus cosas. Pepa, que no soporta vivir en una casa llena de recuerdos, decide alquilarla. Mientras espera que Iván vaya a recoger la maleta, la casa se le va llenando de gente extravagante de la que aprenderá muchas cosas sobre la soledad y la locura. (FILMAFFINITY)

Las películas de Pedro Almodóvar no son compartimentos estancos: entre ellas dialogan, se reflejan, se presagian. Forman una constelación propia en la que los tiempos, los espacios, los géneros y los personajes, incluso los colores, siempre presididos por el rojo pasión, se confunden y contaminan. Mujeres al borde de un ataque de nervios bien podría ser la quintaesencia de ese estilo que Almodóvar, tras varias probaturas en los 80, algunas geniales, cimentó para siempre, en España y en todo el mundo. Se trata de una película pop, una screwball clásica, una obra de formas muy norteamericanas y a la vez la película más madrileña de toda la carrera del manchego. Comedia, melodrama y cine negro, además de teatro, televisión y cine (dentro del cine). Obra que, además, insemina parte de los fotogramas posteriores del genio: el filme no deja de ser una disparatada ampliación de La voz humana de Cocteau, ya homenajeada en La ley del deseo, y a la que Almodóvar dedicó un mediometraje treinta años después; desprovista de ornamentos, el filme es una historia de soledad y desesperación femenina, justamente la descripción que mejor se ajusta a La flor de mi secreto; el cortometraje Chicas y maletas, parte de Los abrazos rotos, conecta abiertamente con los enredos de Mujeres...; Julieta Serrano y Antonio Banderas, aquí madre e hijo, repiten parentesco en Dolor y gloria; y se presentan tropos que a la postre se han convertido en habituales de los fotogramas del cineasta como la figura de la portera o las conversaciones telefónicas donde impera el caos verbal y la confusión de contextos. Tal vez la singularidad, aquello que hace de Mujeres... una obra única, con una luz propia en la galaxia almodovariana, es el carácter icónico de sus chanzas, convertidas para la posteridad en chascarrillos de la cultura popular: de la receta de gazpacho a los pendientes con forma de cafetera, del "horroroso, horroroso" al "soy Testiga de Jehová", del Soy infeliz al Puro Teatro. Película en estado de gracia que nos recuerda los tiempos en los que un filme español llenaba las salas de carcajadas inteligentes, llegaba a Hollywood y convertía temas aparentemente menores en asuntos de gran trascendencia. Como Pepa puede atestiguar, el amor ya no es lo que era. El cine, tampoco. 

CRÍTICA | EXPLOTA EXPLOTA, de Nacho Álvarez

EXPLOTA EXPLOTA

Dirección: Nacho Álvarez Guion: Eduardo Navarro, David Esteban y Eduardo Navarro

Festival de San Sebastián 2020: Presentación especial

Explota Explota no ha tenido suerte en taquilla. Se esperaba que el público apostara, sobre todo en un momento tan sombrío, por una película que es todo luz, intrascendencia, positivismo, romanticismo y alegría... pero no ha habido suerte. En parte, debido a una campaña de promoción que no ha sabido comunicar cómo es y de qué va realmente la película. Empecemos, pues, por el principio. Explota Explota no es un biopic de Raffaella Carrà, sino una fantasía musical que se construye a partir de las canciones de la diva italiana. En paralelo, muestra las bambalinas de una Radio Televisión Española que, en los años 70, se debatía entre los cambios sociales y el régimen dictatorial que ya estaba agonizando. En este punto, la película, a modo de cuento, habla de la censura, el impacto mediático de las pantallas (sin importar tamaños) y los códigos de conducta y vestimenta, que no han perdido vigencia y que el público joven que no vivió ni sufrió esa época entenderá desde otros códigos. Suma un empaque vistoso, colores vivos, dirección artística de ensueño, un vestuario digno de Goya,  bastantes lentejuelas, varias hombreras, citas cinéfilas, chicos guapos, una García Jonsson adorable y una Echegui con desparpajo y acento del sur, digna heredera de las grandes secundarias cómicas de nuestra cinematografía. Nuestra ficción necesita espectáculos tan vitaminados como este, enraizados en nuestra cultura y a la vez muy exportables. Con un guion con más enjundia y veinte minutos menos de metraje estaríamos hablando de un título de culto. Explota Explota no detona, pero encanta de manera matizada. 

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CRÍTICAS | FESTIVAL DE CANNES (III)

MATTHIAS & MAXIME

Canadá, 2019. Dirección y guion: Xavier Dolan

Sección oficial a concurso del Festival de Cannes

En Los amores imaginarios, Xavier Dolan filmaba un trío amoroso con el ímpetu y la inocencia de un adolescente. En Matthias y Maxime, los personajes se acercan a la treintena y deben gestionar su amistad con los deseos y designios de una vida plena, en un mundo adulto. La evolución de esas dos cintas (del hedonismo a la melancolía, de la exaltación extrovertida a la introversión) describe a la perfección el crecimiento de un cineasta cuya impronta se hace patente en todos sus fotogramas. Lo que antes era firma de novel con ínfulas, ahora es una marca de estilo. Con todo, sería un error considerar Matthias y Maxime como una película madura, y es en este punto donde el cine de Dolan se abre en canal ante nosotros, sensible y sentido, con todas sus virtudes y defectos. A la postre, Dolan sigue hablando de lo mismo, o dando tumbos en torno a las mismas ideas. Casi nunca construye personajes con dobleces, interesantes. Su querencia por el grito, la desestructuración familiar y el montaje sincopado, con euforia musical de aderezo, resulta tan estimulante como cargante. Y entre medias, uno se pregunta si Dolan, más allá de evidenciar el carácter personal y generacional de su filmografía, no pierde otra oportunidad de filmar el documento definitivo sobre los pecados, los excesos y las turbulencias de una juventud, masculina y homosexual, de la que solo se nos ofrece su dermis en forma de dudas (no siempre argumentadas) y excentricidades (no siempre justificadas). Sea como sea, Matthias y Maxime atesora una de las ideas más potentes de su autor: el cine dentro del cine (la filmación del cortometraje entre Matt y Max) como detonante de un conflicto vital. La prueba, para muchos irrefutable, de que la carrera de Dolan solo alcanzará cuotas más altas cuanto más se ciña a su innegable talento como cineasta y menos dependa de sus subjetividades como individuo. Otro Dolan es posible: ojalá Matthias y Maxime sea la antesala del cambio.

LA BELLE ÉPOQUE

Francia, 2019. Dirección y guion: Nicolas Bedos

Sección oficial fuera de concurso del Festival de Cannes. 3 premios César

La comedia, más si cabe la romántica, necesita nombres nuevos que pongan patas arriba los tópicos del género. En Francia, Nicolas Bedos lleva años poniendo en valor la comedia desde su faceta de director teatral, guionista, actor, cineasta y dramaturgo. Su ópera prima, Monsieur & Madame Adelman, dio cuenta de su habilidad para la construcción de diálogos y la dirección de intérpretes, unos valores que ahora cristalizan en La belle époque, su película más compleja hasta la fecha. El humor, la ternura, el vodevil y la ciencia ficción se dan la mano en una historia que traslada a un dibujante sexagenario a los mejores años de su vida: la década de los 70. En un doble juego de creación y recreación, Bedos dispone las cartas de siempre, aunque las baraja a su antojo: de ahí que el visionado sea una sorpresa constante, un viaje agradable, lleno de ingenio. De la experiencia resulta una película que reivindica la memoria y se acerca al pasado con sentido de la crítica y de la nostalgia. Una prueba de que los recuerdos, a la contra de lo que podría parecer, son una ficción. ¿Estará Bedos hablando, ni que sea indirectamente, del gran momento, pretérito y perdido, de esa comedia que tanto ama? Seguramente sí. Tan evidente como que, desprovista de sus piruetas visuales y verbales, La belle époque no es más que un entretenimiento; adulto, aunque inofensivo. Cine francés, susceptible de ser "remakeado", que se enorgullece de reproducir todo aquello que nosotros, sus vecinos, asociamos al país del amour fou. No por casualidad, en la lengua de Molière el intérprete, antes que "acteur", es un "comédien". 

UN BLANCO, BLANCO DÍA

Islandia, 2019. Dirección y guion: Hylnur Palmason

Semana de la Crítica del Festival de Cannes. Nominación al EFA al mejor actor

Al cine nórdico no le sobran cineastas apesadumbrados. A esa lista se suma Hylnur Palmason, islandés de 35 años que asegura que las películas de Saura y Erice le cambiaron la vida. En Winter Brothers, su debut, ya podían intuirse algunas esencias de los dos genios españoles: el apego al thriller, la experimentación en el montaje, su estilización fotográfica, la construcción de atmósferas inquietantes o la metáfora visual con amagos de crítica social. De hecho, su mediometraje En maler, visto con ojos ibéricos, podría ser una versión escandinava, y por lo tanto cruel, de El sol del membrillo. Un blanco, blanco día, la primera obra de Palmason que llega comercialmente a nuestro país, ahonda en esa tendencia al malestar, ahora aliado con la geografía de una Islandia que parece el lugar más bello del continente, también el más desafiante. Un policía viudo pierde los papeles cuando descubre que su esposa tenía una relación con otro hombre. Su vida se apuntala en dos direcciones: la construcción de una casa y su rol como abuelo. Todo salta por los aires cuando la sed de venganza aflora en su interior. Palmason nunca aporta evidencias, tampoco justifica hechos, ni tan siquiera filma actitudes reprobables para que el espectador juzgue lo que le plazca. Para Palmason, las imágenes en movimiento son pura abstracción. Por defecto, nada debe tener sentido para que, paradójicamente, todo adquiera significado. Un blanco, blanco día puede entenderse como una enajenación, un tránsito a la lucidez, una emancipación emocional, un regocijo autodestructivo, una redención... o todo lo contrario. Poco importa. De ella quedan cien minutos de cine retador, inaudito, incómodo. Cien por cien nórdico. Hermanado con Erice. Puro Saura. Y, sobre todo, único en su especie. Sin duda, seguir la prometedora carrera de Palmason será uno de los placeres masoquistas de la nueva cinefilia.

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CRÍTICAS CINE MUSICAL | JUDY, ROCKETMAN, YESTERDAY y BLINDED BY THE LIGHT (CEGADO POR LA LUZ)

Grandes éxitos británicos: Garland, John, Beatles y Springsteen

JUDY

Nominación al Globo de oro, SAG y Satellite a la mejor actriz protagonista
Escucha la reseña de Judy de Dionar Hidalgo en nuestro podcast

EE. UU., 2019. Dirección: Rupert Goold Guion: Tom Edge

¿De qué va?: Con 47 años, en el ocaso de su carrera, Judy Garland viajó a Londres para dar una serie de conciertos. Su vuelta a los escenarios despertó un enorme revuelo mediático y puso de manifiesto las debilidades y el carácter único de la estrella. Esta es la historia de lo que sucedió entre bambalinas. Ficha completa

Reparto: Renée Zellweger, Rufus Sewell, Finn Wittrock, Michael Gambon, Jessie Buckley, Bella Ramsey, John Dagleish, Gemma Leah Devereux, Gaia Weiss, Andy Nyman, Fenella Woolgar, Phil Dunster, Julian Ferro, Royce Pierreson, Lucy Russell, Philippe Spall, Kate Margo Música: Gabriel Yared Fotografía: Ole Bratt Birkeland Género: Drama biográfico Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/01/2020.

Hollywood sacia estómagos académicos cada final de año con su particular ración de biopics. Judy, el plato del curso que en España comeremos con retraso (se estrena a finales de enero), no suma ni un nuevo ingrediente al menú. Tal vez esa sea su gracia. Para nosotros, su principal debilidad. Goold no consigue que su Judy Garland tenga un mínimo ápice de humanidad. El tópico devora a la artista, se antepone el mito a la persona. Y por desgracia, lo que resulta de todo este ejercicio de cocina fílmica a granel es una Renée Zellweger escuálida, transformada para la ocasión, que trufa cada fotograma de mohines y ademanes. Poca cosa, vaya, si se es un acólico de Garland. Menos aún si a quien visiona el legado de El mago de Oz le pilla a destiempo. Así que lo más atractivo de Judy, y por atractivo hay que entender morboso, es precisamente la interrelación, buscada o casual, entre el devenir de Garland y Zellweger. Ambas, elevadas a los cielos y condenadas al olvido. Ambas, marcadas por personajes icónicos que facilitaron y destruyeron su carrera. Ambas, víctimas de un escarnio mediático que ha cambiado de armas (del papel cuché a los muros de Twitter) pero no de términos. Todo ello, más el aderezo cosmético de toda transformación física y el esfuerzo de cantar sin playback, merecía y merece un Óscar. Lástima que, con los focos apagados, las tribulaciones de Judy, arruinada, inestable y dependiente de aplausos y sustancias, parezcan poco más que caprichos de una niña que no pudo ni supo crecer.

ROCKETMAN

3 nominaciones a los Globos de oro y 1 a los SAG

Reino Unido, 2019. Dirección: Dexter Fletcher Guion: Lee Hall 

¿De qué va?: En la sala de un centro de rehabilitación, Elton John recuerda su infancia, sus primeros pasos como músico, su conversión en estrella internacional y las particulares relaciones que mantuvo con su madre, el letrista Bernie Tauplin y el manager John Reid. Ficha completa

Reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard, Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Stephen Graham, Matthew Illesley, Ophelia Lovibond, Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaco, Ziad Abaza, Jamie Bacon, Kamil Lemieszewski, Israel Ruiz, Graham Fletcher-Cook Música: Elton John y Matthew Margeson Fotografía: George Richmond Género: Biopic musical. Comedia dramática Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/05/2019.

Si eres gay en los años 70, resulta demasiado ingenuo pensar que esa circunstancia no marcará tu vida, ya seas un simple operario de fábrica o, en el caso de Elton John, una estrella del rock. Este punto, inexistente en Bohemian Rhapsody, es precisamente aquello que da razón de ser y personalidad a esta Rocketman. La película de Fletcher ofrece una fantasía visual antes que un biopic en el sentido estricto: de ahí que sus momentos musicales sirvan para explicar la psicología del personaje y esa época tan ingrata con la que le tocó lidiar. El filme expone sus vínculos con la esfera LGTBI porque así lo requiere su protagonista. No es un capricho ético o estético: se trata de pura coherencia. Resulta prodigioso ver a Taron Edgerton cantando y bailando sin dobles mientras las letras de John y los nuevos arreglos instrumentales dan cuerpo al drama con toda su purpurina y lentejuelas: es brillante la set piece que pone al cantante en el fondo de una piscina para acto seguido meterlo en un quirófano, un aeropuerto, un concierto abarrotado y finalmente un jet privado. La película tampoco tiene reparos en mostrarnos la adicción a las drogas, el carácter ególatra y las víctimas colaterales que dejó John durante sus primeros años de carrera, dato importante si se tiene en cuenta que el propio artista ha dado luz verde a la película (a diferencia de Queen, sin ánimos explícitos de exprimir la gallina de los huevos de oro). Rocketman, en pocas palabras, celebra la música y ofrece un espectáculo que convencerá por igual a fans de John y a recién llegados, a nostálgicos y a millenials. Incluso se diría que, en sus mejores momentos, la película tiene el nervio del mejor musical clásico. ¿Puede la Academia rectificar y dar el Óscar al mejor montaje de Bohemian Rhapsody a esta Rocketman, infinitamente mejor editada y mejor película?

YESTERDAY
Nominación al Goya a la mejor película europea

Reino Unido, 2019. Dirección: Danny Boyle Guion: Richard Curtis, a partir de una historia de Jack Barth

¿De qué va?: Un aspirante a músico trabaja en un supermercado. Su mánager es una profesora de matemáticas y sus padres solo han escuchado una canción suya. Tras un apagón, el chico se da cuenta que es la única persona que recuerda a Los Beatles y utiliza las letras del grupo para relanzar su carrera. Ficha completa

Reparto: Himesh Patel, Lily James, Kate McKinnon, Ed Sheeran, Lamorne Morris, Ellise Chappell, Camille Chen, Alexander Arnold, Joel Fry, Sophia Di Martino, James Corden, Robert Carlyle Música: Daniel Pemberton, con canciones de Los Beatles Fotografía: Christopher Ross Género: Comedia musical Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/07/2019.

Tiene gracia que en plena discusión del Brexit nos haya llegado una película como Yesterday, cuya premisa imagina un mundo incapaz de recordar estandartes británicos como los libros de Harry Potter o la música de Los Beatles. Se mire por donde se mire, el texto y el contexto no podían resultar más certeros. Danny Boyle y Richard Curtis, con toda seguridad, nunca se plantearon esas relaciones: Yesterday es una historia blanca sobre la fina línea que separa el éxito profesional y el fracaso personal, y en consonancia su discurso se centra única y exclusivamente en una industria musical capitalista que quiere hacer dinero a toda costa, aunque ya nadie compre discos físicos. En este sentido, una de las escenas que mejor describen el "mood" de la película es el momento en el que el protagonista habla con los únicos fans de Los Beatles que siguen recordando el grupo de Lennon y la narración aprovecha ese encuentro para ensalzar la fuerza balsámica, la cohesión cultural y la fascinación que despierta la música, con todos sus ritmos y sus letras, aunque el ruido de afuera solo entienda de dólares. Pese a esto, la película de Boyle, por lo general un director con más estilo que enjundia, cae en aquello que en apariencia critica al apostar por un producto blanco, igual de obsesionado con hacer caja a expensas de un símbolo. También desluce un humor inglés poco eficaz, la inexplicable exposición de Ed Sheeran, unos actores sin demasiado atractivo y una moraleja final que aboga por la pareja, la integridad personal y la presunta derrota del sistema monetario que corrompe el arte y sus hombres. En síntesis, Yesterday es una radiografía del panorama político de 2019, aunque no lo parezca. El sacacuartos de siempre para contentar a las masas. Si Lennon levantara la cabeza...

BLINDED BY THE LIGHTS (CEGADO POR LA LUZ)

Reino Unido, 2019. Dirección: Gurinder Chadha Guion: G. Chadha, P. Mayeda Berges y S. Manzoor

¿De qué va?: Javed en un joven inglés de ascendencia paquistaní. Corre el año 1987 y su familia sufre los estragos de la crisis política y económica del país. En ese contexto, la música de Bruce Springsteen cambiará su manera de entender el mundo. Ficha completa

Reparto: Viveik Kalra, Hayley Atwell, Rob Brydon, Kulvinder Ghir, Nell Williams, Aaron Phagura, Meera Ganatra, Dean-Charles Chapman, Nikita Mehta Música: A. R. Rahman, con canciones de Bruce Springsteen Fotografía: Ben Smithard Género: Comedia dramática Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 20/09/2019

No hace falta ser melómano o fan incondicional de un cantante para recordar el impacto de esa canción, ese álbum o ese videoclip que marcó nuestra adolescencia. Cada uno tiene sus tótems, todos muy variados, todos válidos. Ese bagaje sirve para entender la filia, casi obsesión, que siente el protagonista de Cegado por la luz por Bruce Springsteen, y cómo el imaginario musical le ayuda a sobrellevar la Inglaterra de Margaret Thatcher, la rectitud de su familia y la discriminación racial que vive en el instituto y en la calle. La cineasta Gurinder Chadha, especialista en historias good feeling multiculturales, pone verdad e imaginación a una película que parece rescatada de un desván ochentero, para el caso atemporal. Un cuento agradable y un regalo al mismísimo Springsteen, que se emocionó tras ver el filme en un pase privado. A ratos demasiado explícita, al final un poco alargada e idealista, pero es de esperar que su audiencia potencial se entretenga y reflexione con unos tiempos que se parecen bastante al Reino Unido de 2019. Ojalá la juventud de hoy en día escuchara al sabio de Bruce y no esas pachangas de ritmos machacones y letras denigrantes que, paradójicamente, ponen banda sonora al movimiento feminista. Sintámonos afortunados: todavía hay películas que creen en los buenos sentimientos y que no toman por tontos a los espectadores.

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FESTIVAL DE SITGES 2019 (II) | CINE FRANCÉS: ZOMBI CHILD, THE ROOM, L'ANGLE MORT y VIF-ARGENT

ZOMBI CHILD
Francia, 2019. Dirección y guion: Bertrand Bonello
Sección: Noves Visions

En contra del nombre de la sección que acoge estos días en Sitges el filme Zombi Child, la "visión" de Bertrand Bonello dista de ser "nueva", por mucho que se reinvente película tras película. El estupor que despertó Nocturama, acompañado por las recepciones nada consensuadas de títulos como Casa de tolerancia y Saint Laurent, alimentan la leyenda de uno de los enfant terrible del último cine galo. Esa fama se engrandece ahora con Zombi Child, inédita visión del Haití ancestral, cuyos ritos tienen su impacto décadas después, a centenares de kilómetros de distancia, en un instituto femenino de alto rendimiento. Bonello plantea la posibilidad de que los muertos vivientes del pretérito sean el reflejo y la herencia de los vivos sin espíritu del presente: de ahí la constante antítesis entre los esclavos insulares y las adolescentes de la Europa acomodada, así como la filmación de momentos genuinos como la clase de historia o el gesto casi mágico, reverencial y cómico, con el que las alumnas saludan a una de sus docentes. Por desgracia, el adorno mítico y místico que rodea ese debate sobre el colonialismo es a todas bruces desnortado, con un tramo final que añade extrañeza pero no semántica a sus fotogramas. Bonello, una vez más, demuestra que el suyo es un cine de conceptos complejos y ejecuciones débiles. Tan brillante como pagado de sí mismo. Al menos le debemos la vuelta de tuerca al subgénero zombi más radical de lo que va de siglo.

THE ROOM
Francia, 2019. Dirección: Christian Volckman
Sección: oficial a concurso

The Room ostenta una de las mejores ideas jamás vistas en una película de corte fantástico. Una pareja llega a su nuevo hogar y descubre que una habitación tiene el poder de darles todo lo que pidan. Solo hay un impedimento: la persona, la realidad o el objeto que desean materializar solo puede existir entre las paredes de la casa. La estética de la mansión, acorde con los cánones del subgénero de recintos encantados, hace pensar en una historia con ecos de Stephen King, pero a posteriori se torna un juguete cambiante, más cercano a las diatribas genéricas y morales de la serie Black Mirror. The Room tiene algo de cliché y mucho de producto pensado para su explotación en multisalas (es una coproducción francesa, hablada en inglés, con formalismos norteamericanos y con actores de distintas procedencias), y aún así consigue entretener sin dejar en la platea la molesta sensación, por desgracia muy frecuente en el cine de género, de que sus responsables nos están tomando el pelo. Eso sí: Christian Volckman se toma la licencia de retorcer los límites de la trama en un final que perfectamente podría ser el inicio de otro filme. Como una habitación cuya puerta conecta con la entrada de otra estancia, y así hasta nunca acabar. La respuesta, tras su lanzamiento. 

L'ANGLE MORT (BLIND SPOT)

Francia, 2019. Dirección y guion: Patrick-Mario Bernard y Pierre Trividic

Sección: Oficial a concurso

Marvel lleva una década rentabilizando los traumas de sus superhéroes. Aunque la fórmula sea la misma, las formas y el presupuesto de L'angle mort son muy diferentes. Aquí asistimos a las tribulaciones de un hombre que desde pequeño tiene la capacidad de volverse invisible. En apariencia, un don, pero a sus 38 años, con un trabajo precario y una vida amorosa inestable, ese poder es una penitencia. El actor Jean-Christophe Folly pone su alma y sobre todo su cuerpo al servicio de un guion que, por lo demás, carece de consistencia. Nunca se explica por qué el personaje quiere despedirse de su habilidad o qué motivo le empuja a cambiar constantemente de pareja. Se diría que sus directores tenían muchas ideas, todas buenas, pero el libreto final carece de conflicto y psicología. Siendo poco exigentes, resta el interés de una deriva existencialista que, pese a sus devaneos, invisibilidades aparte, podría ser el devenir de cualquiera de nosotros. Seguiremos atentos al dúo de Bernand y Trividic: su "ángulo muerto" o "punto ciego", según la traducción que se maneje, encierra momentos de humor apesadumbrado (los paseos en cueros por la calle) y paréntesis extravagantes (la desaparición del bebé en un camerino) que hacen pensar en dos autores con potencial. 

VIF-ARGENT (BURNING GHOST)

Francia, 2019. Dirección: Stéphane Batut

Sección: Noves Visions (Especials)

Los festivales permiten que películas aparentemente sin ningún nexo en común, por el simple hecho de figurar en un mismo planning de proyecciones, establezcan conexiones y permitan debates interesantes entre prensa y público. En Sitges, el visionado casi simultáneo de Vif-Argent y L'angle mort nos ha permitido hablar in situ, con opiniones la mar de diversas, sobre los usos y abusos del cine francés. Aunque Francia cruza los Pirineos cada fin de semana con sus estrenos, sigue existiendo un cine galo oculto, experimental y joven, limitado al circuito de certámenes y a las filias de los críticos más atentos. Vif-Argent, que aquí desembarca con el aval del premio Jean Vigo, sigue a rajatabla el manual del audiovisual francés con visos de trascendencia. Hay jóvenes muy atribulados, extravagancias que solo pueden permitirse nuestros vecinos, romances idealizados, citas mitológicas, voces en off embellecidas, silencios dilatados y viajes en el espacio y en el tiempo. Suena a cliché y en el fondo lo es. Tanto como decir que Vif-Argent gustará únicamente a los acólicos de filmes "a la française". No descartéis que os lleve al éxtasis o al sueño profundo. Café para cafeteros. Eso sí: con dos actores que llenan la pantalla.

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CRÍTICAS | ANTES DE LA QUEMA, GENTE QUE VIENE Y BAH, MIAMOR PERDIDO y A PESAR DE TODO

RADIOGRAFÍA DE LA NUEVA COMEDIA ESPAÑOLA

ANTES DE LA QUEMA

España, 2019. Dirección: Fernando Colomo Guion: Javi Jáuregui

¿De qué va?: Quique, chirigotero en paro, consigue un empleo cerca del depósito de droga más grande de Andalucía. Antes de que las autoridades quemen la mercancía, un grupo de narcos y ladrones quieren incautar la droga. Ficha completa

Reparto: Salva Reina, Manuela Velasco, Maggie Civantos, Joaquín Núñez, Manuel Manquiña, Mará Alfonsa Rosso, Vicente Romero, César Mateo, Sebastián Haro Música: Antonio Carmona y Fernando Furones Fotografía: Juan Hernández Género: Comedia Duración: 96 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 07/06/2019.

El fenómeno Ocho apellidos vascos consiguió reconciliar el público con la comedia española. Por el camino, los espectadores han tenido que pagar un peaje bastante caro: soportar multitud de chanzas sobre regionalismos, tensiones entre vecinos, confusiones de dialectos y lenguas, conflictos territoriales, etc. Antes de la quema, el nuevo trabajo de Fernando Colomo, se suma a la lista, esta vez con el Carnaval gaditano y la picardía andaluza como telón de fondo. Colomo nunca ha perdido vigencia y sigue manteniendo el gusto por la comedia local, con combinaciones entre lo chusco y elevado. El problema de Antes de la quema, del que carecían Isla bonita y La tribu, radica en la arquitectura de un guion que, no contento con trufar cada minuto con gracietas más o menos burdas, insiste, subraya y se recrea en su nómina de chorradas, unos procederes que dejarán fuera de juego y con la sonrisa congelada a gran parte de la platea. Es imposible no ver en Salva Reina un trasunto aburrido de Dani Rovira, o vislumbrar en las formas macarras de Maggie Civantos y Manuela Vellés una nueva versión de la Clara Lago más encabritada. Película fallida que, pese a todo, tiene ideas, explora caminos, consigue pequeños logros y amplía los registros de sus intérpretes principales. No va directa a la hoguera de San Juan, aunque se olvida a la velocidad de una chirigota.

GENTE QUE VIENE Y BAH

España, 2019. Dirección: Patricia Font Guion: Darío Madrona y Carlos Montero (novela: Laura Norton)

¿De qué va?: Bea pierde empleo y pareja en cuestión de horas. Destrozada, regresa a la casa familiar. La enfermedad de su madre y la construcción de una casa muy particular harán que Bea se replantee su vida. Ficha completa

Reparto: Clara Lago, Álex García, Alexandra Jiménez, Paula Malia, Fernando Guallar, Carlos Cuevas, Carmen Maura, Eduardo Ferrés, Núria Gago, Marta Belmonte, Ferran Vilajosana, León Martínez, Sergio Dorado, Joaquín Gómez, Eva Ugarte, Lluís Altés, Julio Alonso, Víctor Vidal, Xavier Capdet Música: Arnau Bataller Fotografía: David Valldepérez Género: Comedia dramática Duración: 97 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 18/01/2019.

Ya se habrán percatado de ello: nuestro cine se está "mediasetizando". O "atresmediatizando". En síntesis: privatizando. Muchas gracias, señor Rajoy. Y como de esos polvos tenemos estos lodos, el año empezó con el simbólico estreno de Gente que viene y bah, adaptación de un libro superventas dirigido, imaginamos, a adolescentes (ahora, la adolescencia empieza más tarde... y no acaba). Tiene retranca que, en un 2019 tan movido en materia electoral, Alexandra Jiménez (nunca suficientemente valorada) interprete a una alcaldesa con problemas ecológicos (en la trama hay manipulación mediática y cita a la corrupción, aunque en dosis indoloras). O que, en pleno arrebato arco iris, Carlos Cuevas (el mejor descubrimiento actoral de los últimos años) recree lo que muchos odiamos: el gay secundario, comparsa de féminas, mero accesorio. Incluso podría motivar reflexiones interesantes dilucidar por qué Carmen Maura, consciente de que ya no tiene que demostrar nada a nadie (ni al público, ni a la crítica, ni a su gestor bancario), acepte participar en entretenimientos de perfil tan bajo. Aparte, claro está, del misterio insondable, digno del mismísimo Iker Jiménez, según el cual los productores han decidido que Clara Lago tiene una gracia cómica natural y que Álex García es el guapo oficial de la meseta (¿hay para tanto?). Caras, frases y clichés que, efectivamente, vienen y van durante noventa minutos de metraje (al principio, resultones; luego, reiterativos). Eso sí: da al público lo que quiere. Otra cosa es que eso sea una buena noticia.

MIAMOR PERDIDO

España, 2018. Dirección: Emilio Martínez-Lázaro Guion: Miguel Esteban y Clara Martínez-Lázaro

¿De qué va?: Mario y Olivia se encuentran por casualidad, se enamoran, comparten un gato... y se separan. Él es monologuista y ella actriz teatral. El destino se encargará de separarlos en la vida real y de unirlos en las tablas. Ficha completa

Reparto: Dani Rovira, Michelle Jenner, Antonio Dechent, Will Shephard, Vito Sanz, Pablo Carbonell, Maite Sandoval, Daniel Pérez Prada, Veki G. Velilla, Santiago Alverú, Antonio Resines, María Hinojosa, Pilar Calvo Morillas, Almar G. Sato, Andrea Noceda, Virginia Riezu, David Pareja, Lucía Delgado, Agustín Jiménez, Joaquín Reyes Música: Roque Baños Fotografía: Juan Molina Género: Comedia romántica Duración: 103 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 14/12/2018.

Emilio Martínez-Lázaro es uno de los pocos directores que concibe la comedia romántica como una extensión del vodevil ancestral, del humor sofisticado del Old Hollywood. El éxito en décadas diferentes de Amo tu cama rica, El otro lado de la cama y Ocho apellidos vascos podría hacer pensar que Martínez-Lázaro es un cineasta de vocación popular, pero esa consideración desmerece sus películas más sobrias (la más importante, Las 13 rosas) y no da cuenta de los esporádicos fracasos, a todos los niveles, de su filmografía (la más reciente, La montaña rusa). Miamor perdido, injustamente masacrada por la crítica, tiene una virtud notable: en cada uno de sus fotogramas se percibe el genio de su artífice. Llámese poso, experiencia, oficio o, simplemente, un convencimiento tan ingenuo como loable de las capacidades terapéuticas de reír y hacer reír. Miamor perdido no inventa la rueda, su pareja de intérpretes no tienen el brillo de las estrellas de antaño, hay defectos de fondo y de forma, y probablemente el público de 2019 no acepte trucos y temas que sí funcionaban décadas atrás, pero a quien escribe le parece que Miamor perdido tiene ecos y esencias de los divertimentos blancos de toda la vida, bien hilados, dirigidos con atino y escritos con varios ases en la manga. Que haya gustado más o menos a unos u a otros es puro capricho. Tranquiliza saber que Martínez-Lázaro sigue abonado a la comedia elegante. Parece, al fin y al cabo, que no todo está perdido.

A PESAR DE TODO

España, 2019. Dirección: Gabriela Tagliavini Guion: Eugene B. Rhee,
Helena Rhee, Gabriela Tagliavini y Eric Charles Wilkinson

¿De qué va?: Al morir su madre, cuatro hermanas de vidas y caracteres muy diferentes se reúnen para abrir testamento. La reunión familiar acaba con un descubrimiento que pondrá a prueba sus relaciones: cada una tiene un padre diferente. Ficha completa

Reparto: Macarena García, Belén Cuesta, Blanca Suárez, Amaia Salamanca, Rossy de Palma, Maxi Iglesias, Carlos Bardem, Marisa Paredes, Juan Diego, Joaquín Climent, Emilio Gutiérrez Caba, Tito Valverde, Alex Hafner, Ana Iglesias Música: Emilio Kauderer Fotografía: Kiko de la Rica Género: Comedia Duración: 78 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 03/05/2019.

Todavía debe quedar alguien en la faz de la Tierra convencido de que Netflix y similares están acabando con el cine. Haberlos, haylos. A pesar de todo, estrenada hace poco en la plataforma, no ayudará a cambiarles de parecer. Más allá de ser una comedia matizadamente entretenida, levemente original y solventemente interpretada (todo, ya ven, de enorme ligereza), incluso más allá de la duda que despierta su estreno directo en la nube (¿hubiera funcionado con un lanzamiento previo en salas? apostamos que sí), lo más descaradamente molesto (más adverbios) de A pesar de todo es la sensación de que su metraje obedece por entero a la decisión de Netflix por convencer a toda su parroquia (en otra palabra: clientela). ¿Dónde quedó la libertad artística? ¿Qué pasó con la coherencia narrativa? ¿Y el saber hacer de técnicos e intérpretes? No esperen respuesta. Y como todo tiene que cuadrar para que ninguna minoría mayoritaria se enfade (las reseñas, ahora, son tuits), en la trama hay lesbianas (con devaneos bisexuales), transexuales, potenciales votantes de VOX, mujeres empoderadas y maridos muy malos, ricos muy pobres de espíritu, un artista bohemio (caradura, pero simpático), un eclesiástico poco casto (enésimo bufón)... Y suma y sigue. Tampoco es casualidad que protagonicen cuatro actrices de referencia (más en lo mediático que en lo estrictamente cinematográfico), acompañadas de un elenco construido con algún algoritmo matemático para atraer a "todes" (¿alguien le haría ascos a una película con intervenciones de Juan Diego, Emilio Gutiérrez Caba o Marisa Paredes?). ¡Ah! Y en una Castilla en la que nadie habla bien inglés, ni el mismísimo Albert Rivera, una italiana (la directora) cuenta la historia de personajes plurilingües (obviamente, el francés tiene un glamour del que carecen nuestros catalán, gallego y euskera). Así las cosas, pongamos fin a la ironía: A pesar de todo no es desechable (tampoco buena), pero sí una película que quiere ser antes un "producto" que una "historia". Que es lo mismo que decir que A pesar de todo es todo lo (poco) que demandan nuestros tiempos.

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