PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | ¡QUIERO SER FAMOSA! (IEDEREEN BEROEMD!), de Dominique Deruddere (Bélgica)

¡QUIERO SER FAMOSA! (IEDEREEN BEROEMD!)

Bélgica, 2000. Dirección: Dominique Deruddere Guion: Dominique Deruddere Música: Raymond van het Groenewoud Fotografía: Willy Stasen Reparto: Josse De Pauw, Eva van der Gucht, Werner De Smedt, Thekla Reuten, Gert Portael Género: Comedia. Parodia Duración: 95 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: La mayor pasión de Marva, de 17 años, es imitar a cantantes famosos. Casi todos los fines de semana participa en concursos de salto a la fama, con el apoyo de sus padres, pero sin el más mínimo éxito. Su padre, Jean, quiere ayudarla componiéndole incluso el repertorio, aunque, como no tiene ni idea de música, se queda en melodías chirriantes. Un día despiden a Jean de su fábrica, y este, como venganza desesperada, decide secuestrar a la cantante más famosa y sexy del país, lo cual puede ayudar a que Marva salte a la fama. (FILMAFFINITY)

Los caminos del Óscar son inescrutables. Bélgica nunca ha conseguido la nominación con los filmes de los hermanos Dardenne, todos ellos premiados en Cannes y reconocidos por la crítica internacional. En cambio, en el seno de la Academia gustó, por razones difíciles de adivinar, la leve crítica social, con admiración y parodia incluida al mundo de la fama y del show business, de Quiero ser famosa. En pantalla, un padre que acaba de perder su trabajo, con la bondad y la moral propia de los (anti)héroes de Full Monty, rapta a la ídolo de masas joven del pop flamenco (nos referimos a la lengua, no al género cañí) para que su hija, una adolescente regordeta, allane su vía hacia el éxito. La película no termina de llevar el disparate a sus últimas consecuencias, le falta socarronería, carece de mordiente... y aún así su visionado es una experiencia agradable. La clase pobre, con triquiñuelas que el guion elude o justifica pertinentemente, consigue hacerse un hueco en los corazones de la audiencia. Todos los personajes, tallados de un costumbrismo casi patético, merecen el aprecio del respetable. Y con estas señas, lo que queda es una película susceptible de nuevas versiones o remakes, una demostración de la fascinación que despiertan las estrellas, no siempre tan inalcanzables, del mundo del cine y de la canción (de eso Hollywood, la eterna fábrica de sueños, sabe mucho). Para los millenials, una rareza arqueológica de cómo era ser fan en tiempos de Superpops, karaokes y radiocasetes, sin redes sociales ni talent shows a gogó.

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | TODO SOBRE MI MADRE (ALL ABOUT MY MOTHER), de Pedro Almodóvar (España)

TODO SOBRE MI MADRE (ALL ABOUT MY MOTHER)

España, 1999. Dirección: Pedro Almodóvar Guion: Pedro Almodóvar Música: Aberto Iglesias Fotografía: Affonso Beato Reparto: Cecilia Roth, Marisa Paredes, Penélope Cruz, Candela Peña, Antonia San Juan, Rosa María Sardà, Fernando Fernán Gómez, Fernando Guillén, Toni Cantó, Eloy Azorín, Carlos Lozano, Cayetana Guillén Cuervo Género: Drama. Melodrama Duración: 100 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Madrid. Manuela, una madre soltera, ve morir a su hijo el día en que cumple 17 años, por echarse a correr para conseguir el autógrafo de Huma Rojo, su actriz favorita. Destrozada, Manuela viaja entonces a Barcelona en busca del padre del chico. (FILMAFFINITY)

Manuela, el personaje central de Todo sobre mi madre, viaja de Madrid a Barcelona, justamente el trayecto contrario que realizó 17 años atrás. Almodóvar filma esa huida con una transición sin significado aparente pero que acaba siendo crucial para entender el filme: el tren que la acoge atraviesa un túnel que parece un agujero insondable, las cavernas de un útero materno. El personaje hará ese trayecto dos veces más en el epílogo de la película, y de nuevo el cineasta filma esos momentos como visitas a un abismo interior, con travellings muy medidos en los que el rojo, su color distintivo, se alterna con el negro absoluto. El filme tiene muchos hallazgos visuales, sin duda dignos de un análisis pormenorizado, pero la cita de este detalle sirve por sí solo para reivindicar Todo sobre mi madre como la gran película de Almodóvar sobre la mujer en todas sus expresiones, roles, sexualidades y géneros, así como la reverencia definitiva hacia el carácter lúbrico, la capacidad de aguante y el altruismo sin límites de las madres, sin importar si estas son biológicas, adoptivas, abuelas o, por qué no, hombres. También actrices, de oficio o accidentales, porque Todo sobre mi madre entiende el arte interpretativo como estado natural de la mujer que, sabiéndose menostenida, se ha hecho a sí misma a base de fingimientos. Cine moderno, en fondo y forma, que sortea sus capas, saltos en el tiempo y mezcla de géneros con cercanía y credibilidad: el trazo de esta Manuela en duelo, la monja Rosa, la fantasmagórica Lola, la prostituta Agrado, la diva Huma Rojo y la drogadicta Nina exceden por mucho, ya no solo lo plausible en términos narrativos, sino el aperturismo real de un país tan contradictorio como el nuestro. La recreación (Eva al desnudo, Música para camaleones, Un tranvía llamado deseo, Yerma) convertida en creación misma. Probablemente el inusitado éxito que Todo sobre mi madre cosechó en todo el mundo tiene que ver con esa imagen moderna y modernista (Gaudí) que el extranjero quería asociar a la España del desarrollo. Acojámonos a eso, por muy ilusorio que sea, para justificar por qué es un placer y un deber volver periódicamente a esta obra maestra: Todo sobre mi madre es una película del futuro.

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | PARA TODOS LOS GUSTOS (LE GOÛT DES AUTRES), de Agnès Jaoui (Francia)

PARA TODOS LOS GUSTOS (LE GOÛT DES AUTRES)

Francia, 2000. Dirección: Agnès Jaoui Guion: Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri Música: Jean-Charles Jarrell Fotografía: Laurent Dailland Reparto: Anne Alvaro, Jean-Pierre Bacri, Alain Chabat, Agnès Jaoui, Gérard Lanvin, Anne Le Ny, Christiane Millet, Wladimir Yordanoff, Xavier De Guillebon, Raphaël Defour, Brigitte Catillon Género: Comedia dramática Duración: 110 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Un empresario conoce a una actriz que es amiga de una camarera, la cual conoce a un guardia de seguridad que trabaja con un chófer, al servicio de una decoradora, mujer de un empresario, que querría trabar amistad con artistas... Este filme muestra cómo la diferencia de ambiente y educación hace imposible ciertas relaciones. Es la historia de unos personajes que no tendrían que haberse conocido porque las barreras culturales que los separan son insalvables. (FILMAFFINITY)

En retrospectiva, resulta milagroso que Para todos los gustos, una tragicomedia aparentemente inofensiva, consiguiese casi cuatro millones de espectadores en su país. O que la película catapultara a Agnès Jaoui, reputada guionista (Smoking/No Smoking, Como en las mejores familias, On connaît la chanson) que aquí se revelaba como excelente directora de tonos, tempos e intérpretes. Ha llovido mucho. Por el camino hemos ganado técnica y pirotecnia. Para todos los gustos puede resultar lenta o anodina para la generación de espectadores más joven. Y aún así, para quien escribe, el revisionado de la ópera prima de Jaoui, secundada entre otros por su cómplice cascarrabias Bacri, tiene el poder de una epifanía. Nada sobra y nada se echa en falta en esta obra coral, tanteo de las historias cruzadas tan en boga en los 90. Los personajes se dejan llevar por la red de casualidades y causalidades que teje uno de los libretos más agudos del último cine francés. Película que homenajea el teatro, que se ríe de las diferencias de clase, que celebra la amistad como estado natural y el amor como estado necesario. Todos los actantes, sin excepción, se ganan la simpatía de la audiencia sin que por el camino Jaoui deba hacer concesiones fáciles, inventar giros imposibles o caer en complacencias. De alma alleniana y francesa (y por lo tanto, verbal), expansiva en su infinita intimidad, la historia discute sobre la influencia que las personas ejercen entre sí. Para Jaoui, los pareceres propios y ajenos son volubles, tanto como los derroteros de la vida. Lo realmente difícil es encerrar esa arbitrariedad en un guion tan estudiado y que el conjunto resulte espontáneo, sentido, veraz. Es, de forma inapelable, la mejor película francesa del año 2000. Y no... eso no es cuestión de gustos.

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | AMORES PERROS, de Alejandro González Iñárritu (México)

AMORES PERROS

México, 2000. Dirección: Alejandro González Iñárritu Guion: Guillermo Arriaga Música: Gustavo Santaolalla y Daniel Hidalgo Fotografía: Rodrigo Prieto Reparto: Emilio Echevarría, Gael García Bernal, Goya Toledo, Alvaro Guerrero, Vanessa Bauche, Jorge Salinas, Marco Pérez, Rodrigo Murray, Humberto Busto, Gerardo Campbell, Rosa María Bianchi, Dunia Saldívar, Adriana Barraza, José Sefami, Patricio Castillo, Lourdes Echevarría, Gustavo Sánchez Parra, Dagoberto Gama Género: Drama social. Historias cruzadas Duración: 145 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: En Ciudad de México, un fatal accidente automovilístico afecta trágicamente a tres personas. Octavio, un adolescente, decide escaparse con Susana, la esposa de su hermano; el Cofí, su perro, se convierte en el instrumento para conseguir el dinero necesario para la fuga. Al mismo tiempo, Daniel, un hombre maduro, deja a su esposa y a sus hijos para irse a vivir con Valeria, una hermosa modelo. El mismo día en que celebran su nueva vida, el destino hace que Valeria sea víctima de un trágico accidente. (FILMAFFINITY)

Uno de los elementos más impresionantes de esta película es su estructura narrativa: aparentemente no sigue un hilo argumental, pero está cohesionada por el factor contextual que le proporciona la tristeza de las tres historias que enmarca la dirección de Iñárritu. La tragedia, la ruina, la soledad, situaciones disfrazadas de amor y que potencializan el peculiar adjetivo que usa el realizador para desarrollar el descarnado lado oscuro del amor. Por eso le llaman Amores perros. Porque así es la vida, sinuosa y difícil, mucho más en un país como el mío, mi México tan descalabrado por tanta situación adversa de violencia en todas su vertientes; y menciono esto porque siempre se ha considerado la película como un claro ejemplo del día a día en suelo mexicano, referencia directa de las circunstancias que todos vivimos en este país, alejada de cualquier tipo de exageración. El guion de Arriaga es una obra visceral que destripa a conciencia y sin tapujos el dolor y sufrimiento humano, haciéndose tangible gracias a la edición de las poderosas imágenes que captura el fotógrafo Guillermo Prieto junto a una de las bandas sonoras más memorables del cine mexicano firmada por el gran Gustavo Santaolalla. Texto, imagen y sonido, junto a las excelentes actuaciones de un reparto inmejorable, son los elementos que fusiona Alejandro González Iñárritu para tener como resultado esta ópera prima que se ha convertido a través de los años en una cinta enteramente de culto, siendo nombrada en más de una ocasión como su obra maestra. La propia película es referente directo de un realizador en estado de gracia, que se entrega a sus proyectos y se hace partícipe del proceso creativo con férrea convicción. Una película compleja que no permite distracción alguna y que definitivamente deja con una gran cúmulo de emociones al final.

Ronnie Valencia

CRÍTICA | CHAVALAS, de Carol Rodríguez Colás

CHAVALAS

España, 2021. Dirección: Carol Rodríguez Colás Guion: Marina Rodríguez Colás

Festival de Málaga: Premio del público

 

Los mandos de la dirección cinematográfica en España están bajo el control de noveles millenials. Repercusiones de ello: las óperas primas de nuevo cuño son austeras, con cierto tono confesional, casi autobiográfico. Parte de esta nómina de debuts muestran las tensiones entre las bases tradicionales de nuestra sociedad y el modus vivendi de quienes no conocieron la España de la posguerra, pero sí el país de la crisis económica, la revolución tecnológica, la polarización política y la banalización de casi todo. Chavalas cuenta el regreso de una fotógrafa a su barrio. Colisionan con humor y ternura los sueños que no se cumplieron con los orígenes de los que en algún momento uno se sintió avergonzado. Noventa minutos que se intuyen vividos, vívidos. Carol Rodríguez Colás, una más de la pandilla, se reconcilia con el pasado, presume de raíces y echa mano de un repertorio tragicómico con momentos agradables, entre lo ingenioso y lo previsible. Qué pena que las chavalas cineastas del siglo XXI no puedan explorar su talento con presupuestos más holgados y se queden como las espontáneas heroínas de la película: solas, sentadas en un banco público, detenidas en el tiempo, comiendo pipas, bebiendo alcohol de garrafón y viendo las luces de los edificios cerrándose a medida que avanza la noche. ¿Una película sobre el fracaso con un falso final feliz? 

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CRÍTICA | AMA, de Júlia de Paz Solvas

AMA

España, 2021. Dirección: Júlia de Paz Solvas Guion: Nuria Dunjó y Júlia de Paz Solvas

Festival de Málaga: Mejor actriz y Premio Feroz de la Crítica

Viendo Ama, uno piensa en los Dardenne, en cierto cine social espontáneo de los 90 o en los tour de force, de autoría casi siempre europea, que cuentan la agonía de los más desfavorecidos. Ama, la ópera prima española más rotunda de lo que va de curso, tiene las virtudes suficientes para ser (habría que conjugarlo en pasado) la película de la última edición del Festival de Málaga. Tamara Casellas llena la pantalla, eclipsa todo el metraje con sus bandazos, corredizas y funambulismos. Con la protagonista sin techo, sin trabajo, sin lugares a los que acudir y sin personas a las que apelar, y encima con su hija pequeña a cuestas, es fácil intuir que el camino de Ama va directo al precipicio. La tensión anterior a la caída se sufre gracias a un estilo directo, impúdico, siempre creíble. Y cuando el golpe es tan inevitable que ya puede sentirse en carne propia, la película cae de pie, indemne, íntegra. Un filme que podría definirse como un insondable vacío (re)llenado con momentos que no significan nada y que a la vez lo encierran todo: la precariedad laboral, el engaño del turismo, el yugo clasista y capitalista, la drogadicción y todas sus causas y consecuencias. El malvivir que sobrevive como puede. Caminos ya explorados, pero igualmente urgentes y nuevos. Habrá que tenerla muy en cuenta de cara a la próxima temporada de premios. 

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CRÍTICA | LA VIDA POR DELANTE, de Edoardo Ponti

LA VIDA POR DELANTE

3 nominaciones al Satellite Award y 2 a los Globos de oro

Italia, 2020. Dirección: Edoardo Ponti Guion: Ugo Chiti, Edoardo Ponti y Fabio Natale

La vida por delante está basada en el libro homónimo escrito por Romain Gary, ya adaptada al cine por Moshé Mizrahi en el largometraje francés ganador del Óscar Madame Rosa. Esta nueva adaptación protagonizada por Sofía Loren y dirigida por Edoardo Ponti (hijo de la actriz) está ambientada en la Italia contemporánea y narra la historia de Madame Rosa, una superviviente del Holocausto que trabaja cuidando a los niños de mujeres prostitutas y que un día recibe en su casa a un adolescente senegalés (Momo). Las penurias internas y externas de sus personajes, muy variopintos todos ellos, hilvanan un relato dramático sobre supervivientes que intentan encontrar su identidad y lugar en el mundo. La trama principal de la película es muy sencilla: se centra en la relación que se forja entre Madame Rosa y Momo, así como en la evolución del adolescente cual coming of age. La película habla de la amistad, de la tolerancia, del amor y de la influencia vital que unos ejercen sobre otros, aunque de manera un tanto irregular: no acierta a la hora de construir la relación afectiva entre los personajes, dando lugar a escenas innecesarias, y en contraposición evita matizar temas importantes, por lo que todo se siente un poco disperso, superficial y sin emoción. Una película que en su afán de ser más luminosa y esperanzadora que la versión original pierde la esencia de la historia y de los personajes. En resumen, un drama con un guion regular, dirigido de manera bastante solvente, con buena fotografía y destacada interpretación de Sofía Loren. Si tienen oportunidad de ver Madame Rosa, háganlo: merece mucho la pena.

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CRÍTICAS | FESTIVAL DE CANNES 2019 (II)

ESPECIALES (HORS NORMES)

Francia, 2019. Dirección: Olivier Nakache y Eric Toledano

Sección oficial fuera de concurso del Festival de Cannes. 8 nominaciones al César

La firma del dúo Nakache y Toledano está asociada a una comedia coral con discurso social y vocación popular. La fórmula parece fácil, pero está al alcance de pocos superdotados. La Francia multicultural y desigual encuentra aquí su enésimo espejo, entre crítico y amable, ahora a vueltas con el tratamiento de las personas con autismo y los adolescentes con necesidades educativas especiales. Vincent Cassel en uno de sus trabajos más inspirados y el siempre eficiente Reda Kateb comandan una lucha a contracorriente por salvar dos organizaciones sin ánimo de lucro que han operado 15 años al margen del sistema, paradójicamente legitimadas por los vacíos legales y las necesidades de las distintas partes implicadas (padres, cuidadores, enfermeros, etc.). El binomio se las ingenia para crear gags casi infantiles (la palanca del metro), sketches efectivos (la queja no atendida del vecino), coletillas recurrentes (ese Tinder judío) e instantes inspirados en los que el artificio cómico se alía de forma orgánica con los postulados militantes del filme (el concurso de siglas). Con tantos recursos en su recámara, es fácil entender el éxito de taquilla en su país y la enorme aceptación que tuvo en los pases del último Festival de San Sebastián. El cine de Nakache y Toledano sigue sabiendo a verdad, aunque sobredimensione la entrega de sus personajes, pese a no salir de su zona de confort (siendo justos, definida a su vez por la asunción de no pocos riesgos). En términos de ejecución y escritura, probablemente la mejor película hasta la fecha de sus directores.

ROUBAIX, UNE LUMIÈRE

Francia, 2019. Dirección: Arnaud Desplechin

Sección oficial a concurso del Festival de Cannes. César al mejor actor protagonista

El alma de la Nouvelle Vague sigue viva gracias a Desplechin, el más discursivo y apasionado de todos los cineastas galos en activo. Sus personajes se quieren perdidamente pero se pelean. Los suyos son relatos de encuentros y enfrentamientos. En su cine existe una fe ciega en la palabra y en el poder del arte, en todas sus facetas. Conviene recordar todo ello ante una propuesta aparentemente de ruptura, ligada a un género (el thriller), a un paisaje (Roubaix, municipio al nordeste de Francia, tocante con Bélgica, de casi 100.000 habitantes) y a un tiempo (la Francia convulsa de 2020), como Roubaix, une lumière. Desplechin se acerca al thriller criminal con la estilización del cine norteamericano de los 70 (esos colores ocres y fríos) y a la vez con vocación de cineasta realista (los interrogatorios y la reconstrucción final del crimen aparecen en pantalla con el tiempo y la dicción morosa y triste de la realidad). De esa dicotomía surge una película inusual, incómoda, elegíaca, punto de encuentro de otras cintas y tendencias. Una anomalía, en definitiva, en la carrera de un autor que, por primera vez, captura la humanidad e inmundicia mediante silencios. O tal vez no tanto: el vínculo amoroso nunca subrayado entre los personajes de Seydoux y Forestier, el apoyo paternal que el jefe de policía (Dem) ejerce con su nuevo empleado (Reinartz) y los breves apuntes sobre el pasado familiar del protagonista funcionan como subtramas, más bien como subtexto emocional, de una historia que plantea con fiereza, también con modestia, lo mal que se tratan las personas entre sí. A la postre, la "luz" del título es la mayor aportación de Desplechin. Pero la esperanza, lejos de ser un concepto positivo, es  aquí un estado agridulce de cambio, de utopía, de vértigo...

EL REFLEJO DE SIBYL (SIBYL)

Francia, 2019. Dirección: Justine Triet

Sección oficial a concurso del Festival de Cannes y Sevilla

Tras Los casos de Victoria, película que despertó una incomprensible simpatía en su país de origen, Justine Triet pisó la alfombra cannois con El reflejo de Sibyl, divertida crónica de las derivas de una terapeuta que se obsesiona con una de sus pacientes. En el menú cabe casi de todo: cine dentro del cine, verborrea alleaniana, una reflexión sobre la suplantación de identidad y la figura del doble, una parodia sobre la creación, un recital interpretativo de Virginie Efira y un guion que toma infinidad de riesgos. Que casi nadie le haya reído las gracias, ni en Francia ni en España, es un misterio digno de estudio. Frémaux la situó estratégicamente casi al término de la competición del festival, a modo de refrigerio elegante. Puestos a pedir enmiendas, alguien debería darle a Efira esa nominación que los César de este año, tan generosos en polémicas, no quisieron brindarle (basta comparar su aportación con la de la ganadora, la Anaïs Demoustier de Los consejos de Alice, para echar el grito en el cielo). Imperfecta, barroca, indefectiblemente francesa (porque el gentilicio, en este caso, funciona como adjetivo), y aún así superior en creatividad e ideas a un tanto por ciento importante de todo el cine que desfilará por salas y plataformas este 2020. 

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CRÍTICAS | FESTIVAL DE CANNES 2019 (I)

SORRY WE MISSED YOU

Reino Unido, 2019. Dirección: Ken Loach

Sección oficial a concurso del Festival de Cannes

A estas alturas de la película, no podemos pedir sutilezas en casa de Ken Loach y Paul Laverty. Ser fiel a uno mismo es, de por sí, algo muy complicado en una coyuntura artística tan preocupada por "apelar a todos" y "no molestar a nadie". Sorry We Missed You tiene todas las virtudes y todos los vicios de sus artífices. Hay verdad con aromas de folletín, buenas interpretaciones pese a algunas sobreactuaciones, un resumen certero de la precariedad aun cuando el filme apuesta por un miserabilismo sobredimensionado. Ahora bien: la película evidencia hasta qué punto la furia de Laverty salva a un Loach que, en su última etapa, parece filmar por inercia, echando mano de formalismos. Allá donde Loach aporta más bien poco (colores fríos, los planos-contraplanos de toda la vida, etc.), el texto de Laverty alcanza cuotas de emoción, a veces esperadas y en otros momentos inusitadas. Sea como sea, el naturalismo de uno de los tándems más fructíferos del cine moderno tiene garantizada su continuidad (al menos hasta que la edad y la salud les acompañen). Su talento es incuestionable y el día a día de la calle y de los medios siempre les brindará la inspiración que necesitan. Sorry We Missed You consigue lo que se propone: tocar la fibra del público medio y hace reflexionar sobre las indecencias del contexto capitalista.

LA GOMERA (THE WHISTLERS)

Rumanía, 2019. Dirección y guion: Corneliu Porumboiu

Sección oficial a concurso del Festival de Cannes y Sevilla

La presentación de La Gomera en la sección oficial del festival puso en valor la carrera de Corneliu Porumboiu, nombre importante del cine rumano de nuevo cuño que en el templo cannois había ocupado posiciones secundarias con respecto a Puiu y Mungiu. Crítico con el pasado sociopolítico de sus país, amante de la mezcla de géneros y firmante de historias de textos sencillos y subtextos abigarrados, el director de El tesoro firma un thriller bizarro, tocante con el cine negro clásico, el neo-noir, el western e incluso la parodia de todas esas tipologías. El silbo gomero, toda una rareza lingüística, es el epicentro de una red más extraña que tupida de interrogantes. El aplomo de Porumboiu es innegable y el aporte mafioso del actor-director Agustí Villaronga es una extravagancia divertida. Prima, eso sí, la sensación de que su firmante quiso abarcar mucho y, cumpliendo el dicho, consiguió apretar los gatillos del (contra)género de una manera discreta, algo anodina. Interesante, aunque no ensancha los horizontes de un thriller europeo excesivamente manoseado en los últimos años, tanto en la pequeña como en la gran pantalla. 

DE REPENTE, EL CIELO (IT MUST BE HEAVEN)

Palestina, 2019. Dirección y guion: Elia Suleiman

Mención especial y Premio FIPRESCI del Festival de Cannes

Con rictus de mimo chapliniano, apelando al "autocine" que ya practicó Nanni Moretti en los 90, Elia Suleiman rubrica una comedia a contracorriente sobre el colonianismo, las apropiaciones culturales y las violencias implícitas que se agazapan en tejidos sociales tan diferentes como los de Oriente Medio, Francia y Estados Unidos. La entrada frustrada a un templo religioso, las invasiones de un vecino que cuida el limonero del protagonista y el acecho de las fuerzas policiales sirven para filmar gags visuales y mudos, cual viñeta preñada de sorna y semánticas. Con todo, Suleiman cree significar más de lo que consigue, a veces subraya ideas y en algunos momentos necesita distanciarse de sus planteamientos iniciales para dar vuelo a la obviedad de su discurso (véase el interesante inserto metacinematográfico con Gael García Bernal). Suleiman puede parapetarse en la alegoría, pero cerrar el filme con una dedicatoria a Palestina es un recurso un tanto bajo. Eficaz, eso sí, si se quiere llamar la atención de los festivales internacionales. Una anécdota personal que, en su espíritu militante, encontrará el arropo de una parte importante de la crítica especializada.

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CINE ESPAÑOL | LA INOCENCIA, LITUS y LA BANDA

LA INOCENCIA

España, 2019. Dirección: Lucía Alemany Guion: Laia Soler y Lucía Alemany

¿De qué va?: Es verano y Lis ansía con estudiar en una escuela de circo en Barcelona. Quiere salir de su pueblo cueste lo que cueste, aunque disfruta con sus amigas y su novio. La llegada del otoño le planteará nuevos retos. Ficha completa

Reparto: Carmen Arrufat, Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued, Sonia Almarcha Fotografía: Joan Bordera Género: Drama Duración: 92 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 10/01/2020.

En el cine, no solo el español, hemos asistido a muchas películas de aprendizaje, adolescencia y crecimiento. Lo que no es tan habitual es que esas historias se presenten con la franqueza de La inocencia, ópera prima muy madura de Lucía Alemany en la que la directora captura un cosmos que muchos sentimos como propio: pueblos entre dos lenguas, franqueados por mar y montañas, con la rémora del qué dirán y el estallido de libertad que implica la llegada del verano y de las fiestas patronales. Alemany también habla de la pulsión sexual, la ausencia de oportunidades de la España rural, las tiranteces entre familiares, los prejuicios entre vecinos y las situaciones cercanas al maltrato que se viven entre amigos, en las calles o en los pasillos de los institutos. Entre todos esos paisajes y temas, la actriz Carmen Arrufat se mueve en pantalla como una fuerza de otro mundo, tan corpórea y espontánea que por momentos recuerda al mejor cine de Kechiche. A su alrededor, el conjunto de personajes está perfectamente defendido por sus intérpretes y todos cuentan con su particular evolución y psicología. Un canto a la libertad que perfectamente podría proyectarse en los festivales más importantes, incluso en centros educativos. En su contra: la familiaridad de su premisa. A favor: todo lo demás. Esperemos que su estreno tardío en 2020 y su carácter fronterizo (¿entenderán en Madrid y Barcelona las peculiaridades, a todos los niveles, de un lugar como Traiguera?) no empañe la trayectoria de este debut estival, hermana de títulos como A cambio de nada o Estiu 1993.

LITUS

España, 2019. Dirección: Dani de la Orden Guion: Marta Buchaca y Dani de la Orden,
a partir de la obra de Marta Buchaca

¿De qué va?: Un grupo de amigos se reúne unos meses después del suicidio de Litus, su colega. En la reunión, todos descubren que Litus les escribió unas cartas personales antes de fallecer. Ficha completa

Reparto: Álex García, Adrián Lastra, Belén Cuesta, Quim Gutiérrez, Miquel Fernández, Marta Nieto Música: Iván Ferreiro y Dani Trujillo Fotografía: José Luis Bernal Ibañez Género: Comedia dramática Duración: 85 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 13/09/2019.

Dani de la Orden es uno de los directores más activos de los últimos años tanto en la pequeña como en la gran pantalla. Litus, su estreno más reciente, sigue indagando en el tono tragicómico que nos tiene acostumbrados, si bien en este caso apuesta por un retrato generacional más desangelado de lo habitual. Paradójicamente, De la Orden ha encontrado en la obra de Marta Buchaca la posibilidad de dar forma a su obra más personal y presumir de sus ya contrastadas habilidades: dirección de actores, diálogos espontáneos, giros de guion y selección musical. Lo único que lastra a esta Litus, paralelamente a su caligrafía teatral, es la sensación, casi obviedad, de que todo lo visto no es más que una anécdota entre amigos, un encuentro privado en el que sobran los lugares comunes y se echan de menos las emociones de carne y hueso. Un detalle que, además, pone de manifiesto el crecimiento y sobre todo las aristas de un De la Orden que, acostumbrado a las exigencias comerciales de Atresmedia y Netflix, olvida firmar escenas para el recuerdo, momentos con hondura, instantes de un cine que se intuya "íntimo" pero también "grande". ¿No será Dani de la Orden, a sus 30 años, por desgracia, a lo mejor solo por accidente, una imagen fiel de la esfera millenial, espectadora y ahora cineasta, que filtra la vida y el arte desde el "ego"? De la duda probablemente se explique por qué el filme no ha gustado a cierto sector de la crítica y, por contra, recibió aplausos en un escaparate como el Festival de Málaga. A lo mejor que Litus toque o no la fibra sensible dependerá de la edad del espectador, por mucho que el Litus del título se manifieste mediante cartas, un sistema muy "siglo XX". Posdata: qué bien están Lastra y Gutiérrez, y qué poco provecho saca la historia de Cuesta y Nieto.

LA BANDA

España, 2019. Dirección y guion: Roberto Bueso

¿De qué va?: Edu es un joven músico que regresa a su pueblo para asistir a la boda de su hermano. El reencuentro con los compañeros de la infancia y la novia de su mejor amigo le hará dudar de sus prioridades. Ficha completa

Reparto: Gonzalo Fernández, Charlotte Vega, Carlo Blanco, Pepo Llopis, Xavi Giner, Hugo Rubert, Enric Benavent, Inma Sancho Música: Vicente Ortiz Gimeno Fotografía: Víctor Entrecanales Género: Drama Duración: 86 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 21/06/2019.

Solo aquellos que conozcan la idiosincrasia de la Comunidad Valenciana saben hasta qué punto son importantes las agrupaciones musicales en esa región. La vida social se concentra en los bares de esas escuelas, los chavales crecen entre partituras y la convivencia se cohesiona a partir de bandas. Algunos se quedan en sus pueblos natales y pasan ese amor por la música de padres a hijos, y otros viajan al extranjero en busca de fortuna, soñando con convertir esa afición en una profesión. En ese cosmos, local pero muy reconocible, Roberto Bueso sitúa la acción de La banda, más concretamente las encrucijadas vitales de una pandilla de veintitantos que, en su reencuentro, hace obligatorio balance de su trayectoria, sopesando las expectativas de antaño con los objetivos cumplidos. En esa introspección, el guion describe a toda una generación de Peterpanes, la de nuestros hermanos mayores, incluso la nuestra. Bueso habla con conocimiento de causa y con la sensibilidad que requiere la historia, equilibrio de costumbrismo, comedia dramática y emoción sin excesos. Resta, eso sí, la evidencia de su planteamiento, tan fácil de intuir desde el primer minuto como, a la postre, desarrollado según los repetidos formalismos de cierto cine low cost que suple sus carencias con grandes dosis de humanidad. Por ello, La banda parece destinada a ocupar un papel secundario dentro del último cine español, por mucho que demuestre el creciente poder de la producción audiovisual valenciana. Talentos noveles no faltan: solo es cuestión de afinar instrumentos. Ojalá podamos ver al actor Gonzalo Fernández, uno de los descubrimientos más bellos del curso, en más y mejores proyectos. 

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CRÍTICA | PARÁSITOS (PARASITE), de Bong Joon-ho

PARÁSITOS (PARASITE)

Festival de Cannes: Palma de oro

Corea del sur, 2019. Dirección: Bong Joon-ho Guion: Bong Joon-ho, Jin Won Han y Kim Dae-Hwan Música: Jaeil Jung Fotografía: Kyung-Pyo Hong Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam Género: Comedia negra. Thriller Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 18/10/2019
¿De qué va?: Dos padres y sus dos hijos viven como pueden en un bajo casi en ruinas. Cuando el hermano mayor empieza a trabajar como profesor de inglés en la casa de los Park, las vidas de las dos familias dará un vuelco inesperado.

CRÍTICAS | MENTES BRILLANTES, EL GRAN BAÑO y ALGO CELOSA

A VUELTAS CON LA COMEDIA FRANCESA

MENTES BRILLANTES (PREMIÈRE ANNÉE)

Francia, 2018. Dirección y guion: Thomas Lilti
Nominación al César al mejor actor revelación (William Lebghil)

¿De qué va?: Antoine decide prepararse para las pruebas de acceso a Medicina… por tercera vez. En cambio, para Benjamín es su primer intento y pronto se dará cuenta de que esto no es pan comido. En un mundo tan competitivo y caracterizado por noches de estudio intenso en lugar de fiestas universitarias, los dos amigos tendrán que encontrar un término medio entre el sacrificio del presente y la esperanza de un brillante futuro. Ficha completa

Reparto: Vincent Lacoste, William Lebghil, Michel Lerousseau, Guillaume Clérice, Alexandre Blazy, Noémi Silvania, Tessier, Adrien Schmück, Quitterie Boascals de Reals, Tiphaine Piovesan, Jeremy Corallo, Mehdi Amouri, Jessica Corre, Benjamin Pariente, Elodie Chauveau, Maxime Fosset, Christophe de Mareuil, Pierre Samuel, Antoine Lilti Música: Alexandre Lier, Sylvain Ohrel, Nicolas Weil Fotografía: Geoffrey Simpson  Género: Drama Duración: 92 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/04/2019 

Thomas Lilti, especialista en Medicina General, arrasó en Francia con Hipócrates, comedia sobre un joven médico en prácticas. A esa aventura le siguió Un doctor en la campiña, reivindicación de los sanitarios rurales. Y como no hay dos sin tres, ahora nos llega Mentes brillantes, enésimo éxito en la cartelera del país vecino, en este caso contando el esfuerzo de dos chicos que quieren presentarse a las pruebas de acceso para estudiar Medicina. Lilti dirige, escribe y repite con el actor Vincent Lacoste, y las tablas se notan: la trama se desarrolla con la facilidad de lo complejo, y la película consigue que todo lo que sucede en pantalla nos interese y divierta. Mentes brillantes habla de la medicina, evidentemente, pero por encima de las montañas de apuntes está una bonita historia de amistad. Hay lugares comunes, pero también la verdad de lo vivido. Tan ilustrativa que no costaría verla como película de referencia en institutos y universidades. No es brillante, ni falta que le hace. Prepárense: este año veremos a Lacoste aquí y en dos títulos más (Amanda y Vivir deprisa, amar despacio), y en todos roza la matrícula de honor.

EL GRAN BAÑO (LE GRAND BAIN)

Francia, 2018. Dirección: Gilles Lellouche Guion: Gilles Lellouche, Ahmed Hamidi y Julien Lambroschini
César al mejor actor secundario (Philippe Katrine) y 9 nominaciones más, incluyendo mejor película

¿De qué va?: En plena crisis de los cuarenta, un peculiar grupo de hombres decide formar el primer equipo nacional de natación sincronizada masculino. Desafiando estereotipos e ignorando la incomprensión de los que les rodean, se sumergen en una insólita aventura que les llevará a hacer frente a las dificultades y a sacar lo mejor de sí mismos gracias a la ilusión y el trabajo en equipo. Ficha completa

Reparto: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde, Jean-Hugues Anglade, Virginie Efira, Leïla Bekhti, Philippe Katerine Ivanov, Mélanie Doutey, Jonathan Zaccaï, Noée Abita, Erika Sainte, Marina Foïs, Félix Moati Música: Jon Brion Fotografía: Laurent Tangy  Género: Comedia Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 11/01/2019. 

Dejémonos de "feminismos" y reconozcamos que la crisis económica ha tocado y hundido el orgullo del macho europeo. ¿Qué me dicen de la presión social por ser "el cabeza de familia? ¿O de lo mucho que nos cuesta ver y aceptar que un hombre exteriorice sus emociones? ¿Y del handicap de tener que lidiar con los oficios más físicos y menos valorados, no solo en el aspecto económico? ¿Dónde quedó la amistad masculina? Por todo ello, Full Monty tuvo un enorme impacto en su momento, y eso explica también que ahora, en clave gala, El gran baño ponga a los mejores actores del país en una piscina cubierta, jugando a ser las sirenas que nunca fueron. Ya se sabe: bajo el agua, las lágrimas se confunden con el cloro. Su revolución bien merece un aplauso, por mucho que sus hazañas sigan al dedillo el manual del mejor cine de sobremesa: escueta presentación de personajes, desarrollo con disparates más o menos hilarantes, y un final triunfalista que devuelve cierto equilibrio, para el caso dignidad, a sus (anti)héroes. Para los cinéfilos más francófonos, suma puntos el hecho de tener de nuevo en pantalla a Amalric, Canet y compañía, todos ellos "actores-cineastas", hablando desde y para su generación, en una simbiosis que va más allá de lo estrictamente fílmico. El resultado es menos interesante que Pequeñas mentiras sin importancia, y aún así saltaríamos del trampolín más alto si hiciera falta para que toda la comedia europea "de fórmula" tuviera tanto talento por metro cuadrado (o cúbico). ¡Ah! Y entre tanto cuarentón, Virginie Efira "se sale": las ganas por verla en lo nuevo de Paul Verhoeven son inmensas.

ALGO CELOSA (JALOUSE)

Francia, 2017. Dirección y guion: David Foenkinos y Stéphane Foenkinos
Nominación al César a la mejor actriz protagonista (Karin Viard)

¿De qué va?: Casi de un día para otro Nathalie Pêcheux, una mujer divorciada profesora de francés, pasa por un proceso de transformación de madre adorable a persona celosa, al comenzar a sentir celos de su hija Mathilde, una guapa bailarina de ballet clásico de 18 años. Su problema aumenta cuando también comienza a tener celos de sus amigos, de sus compañeros de trabajo y hasta de sus vecinos. Ficha completa

Reparto: Karin Viard, Marie-Julie Baup, Thibault de Montalembert, Anaïs Demoustier, más Anne Dorval, Corentin Fila, Stéphane Foenkinos, Éric Frey, Bruno Todeschini, Dara Tombroff Fotografía: Guillaume Deffontaines  Género: Comedia Duración: 102 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/06/2018. 

La comedia francesa, incapaz de salir de su zona de confort, firma puntualmente películas de un impacto inalcanzable para el resto de cinematografías europeas. El asunto merece un estudio amplio: tiene mérito facturar como churros títulos que, pese a sus trampas, entretienen a todos los públicos, recaudan millones en todo el globo y consiguen que una amplia mayoría asocie "lo francés" a cierta idea de elegancia o madurez, sin escarbar en la impostura subrepticia. Algo celosa sigue el manual del buen divertimento galo. Es blanca y liviana. Tiene una actriz que ilumina la pantalla. Cuenta con escenas realmente divertidas. Por momentos parece que vaya a levantar alas y a celebrar sin complejos la incorrección de su protagonista, una profesora menopáusica, sin filtros y con muchos sofocos. Pero, "¡oh, sorpresa!", la película prefiere virar hacia el enjuiciamiento, la moralina, el final feliz. Y todo termina como empieza, con los franceses vendiéndonos gato por liebre. Nada que merezca nuestros celos. O sí: la versión patria, el Sin rodeos de Santiago Segura, es mucho más deficiente. Al final, la diferencia estriba en la capacidad de convencer a los demás y de convencerse de que se está contando una historia "importante". Volveremos a caer en la tentación. Y si es con Viard en el noventa y cinco por ciento de los planos, mejor que mejor.

CRÍTICA | INFILTRADO EN EL KKKLAN (BLACKKKLANSMAN), de Spike Lee

América blanca, mirada negra

INFILTRADO EN EL KKKLAN

Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado. Festival de San Sebastián: Sección Perlas

EE. UU., 2018. Dirección: Spike Lee Guión: Spike Lee, Kevin Willmott, David Rabinowitz y Charlie Wachte, a partir del libro autobiográfico de Ron Stallworth Música: Terence Blanchard y VV. AA. Fotografía: Chayse Irvin Reparto: John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Laura Harrier, Ryan Eggold, Corey Hawkins, Robert John Burke, Paul Walter Hauser, Craig muMs Grant, Michael J. Burg, Chris Banks, Tom Stratford, Jasper Pääkkönen, Ashlie Atkinson, Ken Garito Género: Thriller. Comedia dramática Duración: 130 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/10/2018

¿De qué va?: Años 70. La comunidad afroamericana lucha por conquistar sus derechos civiles mientras una facción blanca se radicaliza en grupos violentos. Entre ambos bandos, un oficial negro sin demasiada experiencia consigue infiltrarse en el Ku Klux Klan con la ayuda del departamento de policía de Colorado Springs.