martes, 10 de septiembre de 2013

OSCARS 2014: DALLAS BUYERS CLUB, de Jean-Marc Vallée

DALLAS BUYERS CLUB, de Jean-Marc Vallée (EE. UU., 2013)
¿De qué va?: Año 1986. Empieza a hacerse popular una epidemia para la que no existe ni cura ni fármacos conocidos: el virus del SIDA. En Dallas, la Norteamérica profunda, la situación es todavía más descorazonadora. Ron Woodroof es un mujeriego adicto al alcohol y a las drogas, de vida desordenada y comportamientos homófobos. Un día descubre que tiene el SIDA y los doctores le dan un único mes de vida. En ese tiempo intentará huir a México, conocerá a un transexual que le hará cambiar muchos aspectos de su cuestionable moral, y entablará amistad con la médico Eve Saks, especialmente sensibilizada con el SIDA. El Dallas Buyers Club fue la fundación que creó Woodroof para servir de medicamentos a todos los enfermos de los Estados Unidos. Finalmente Woodroof murió el año 1992 dejando atrás una de las vidas anónimas más curiosas de finales de siglo.
La clave: Hubo un tiempo en que la homosexualidad era un tabú en Hollywood. Algunos títulos queer ocuparon categorías residuales, como el maquillaje de Priscila, Reina del desierto. De alguna manera, Philadelphia, película que ya quedó antigua en muchos aspectos, fue el guiño que hizo Hollywood a la ineludible presencia del SIDA en el séptimo arte. Ahora los Oscar los componen films de temáticas muy distintas, y a nivel social el país de Obama no es el mismo con respecto la homosexualidad (han cambiado mucho las cosas, y todavía tienen que cambiar más: pensemos en la novedad y el impacto que supuso en ciertas zonas rurales el estreno de Brokeback Mountain). Dallas Buyers Club cuenta además con un McConaughey que ha adelgazado lo que no está escrito, seguramente convencido de que nunca antes ha tenido tan a tiro el Oscar.


El director: Vallée es uno de los directores canadienses más importantes de los últimos años, seguramente el más destacado junto a Villeneuve (casualidades de la vida, ambos se verán las caras en la temporada de premios con sus primeros proyectos norteamericanos). C.R.A.Z.Y. fue el film que lo lanzó a la fama: ganó el AFI Award a la mejor película, y el éxito le sirvió para que Martin Scorsese contase con él para dirigir La reina Victoria. Con Café de flore, film que dividió a crítica y público, volvió a su Canadá natal, dio a Vanessa Paradis su mejor papel y logró ser meganominado por parte de la Academia Canadiense de Cine. Conocido por unos films sumamente ricos en matices y juegos visuales, así como por su especial sensibilidad con temas como la homosexualidad y la maternidad, su currículum fue decisivo para que los productores, Robbie Brenner a la cabeza, y Focus Features, distribuidora que ya defendió en su día a Brokeback Mountain y vio nominada Traffic, contase con él para Dallas Buyers Club.


¿Por qué puede ganar el Oscar?: Dallas Buyers Club es la historia de un hombre cuya vida se transforma de la noche a la mañana. Hollywood ama las reconversiones-mutaciones tanto físicas como psíquicas, y es innegable que McConaughey ha logrado uno de los cambios de imagen más impresionantes en años (seguido tal vez del esquelético Bale de El maquinista). Pero el film tiene mucha vida más allá de su intérprete, que, todo sea dicho, viene tentando al Oscar desde hace mucho (con Killer Joe, Magic Mike y Mud ya merecía nominación, y con El inocente dio carpetazo a su imagen de dandi de comedia romántica). Dallas Buyers Club podría ser perfectamente la nueva Boys Don't Cry o Transamérica: film de mensaje positivo que, aun tratando un tema tabú, llega a una audiencia mayor. El film ha costado 5 millones de dólares, una cifra paupérrima en comparación a grandes títulos: se la valorará como uno de los nombres indie de la temporada. Leto y Garner en calidad de secundarios prometen dar mucha guerra. Hollywood ansía apoderarse de Vallée, una de las mentes más brillantes del cine actual: puede que no consiga la nominación en su primera incursión yanki, pero éste perfectamente podría ser su salvoconducto a futuros proyectos más grandes. Y un dato que puede ser decisivo: con unos EE. UU. cada vez más abiertos al matrimonio entre personas del mismo sexo, con las unánimes críticas a las políticas rusas y con una reactivación del cine queer (una prueba de ello es la Palma de oro de este año), es muy probable que la Academia tome el film como su particular bandera gay friendly (olvidemos las conjeturas sobre el 'no Oscar' de Brokeback Mountain y pensemos que Ton Hanks ganó por Philadelphia). Tiempo al tiempo: en la sombra, puede ser uno de los grandes buques de estos Oscar 2014.


Posibles nominaciones: Película, actor protagonista (McConaughey), actor secundario (Leto), actriz secundaria (Garner), maquillaje y peluquería.
Estreno: Festival de Toronto (setiembre); preestreno en noviembre en EE. UU., y estreno masivo el 6 de diciembre; en España, la esperamos durante el primer trimestre del 2014, sin fecha confirmada.


lunes, 9 de septiembre de 2013

SEMANARIO 27: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG


Semana del 02 al 08 de septiembre de 2013

 CINERANKING AGOSTO: Las mejores películas del 2013

Estreno: AHORA ME VES..., de Louis Letterrier
Estreno: CRUCE DE CAMINOS, de Derek Cianfrance

ESPECIAL OSCAR RANKING 2013 - 2014

Oscars 2014: PHILOMENA, de Stephen Frears
Especial: LAS 4 PRECANDIDATAS ESPAÑOLAS AL OSCAR 2014
Especial: ¿QUÉ PELÍCULA REPRESENTARÁ A ESPAÑA EN LOS OSCAR 2014?

Banda sonora: LA BELLA Y LA BESTIA, de A. Menken y H. Ashman

CANÍBAL, LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA, ALACRÁN ENAMORADO y 15 AÑOS Y UN DÍA, a por el OSCAR

Manuel Martín Cuenca con Antonio de la Torre en el set de Caníbal

Hace apenas unos minutos, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España ha dado a conocer en un acto celebrado en su sede madrileña las 4 películas preseleccionada (y no 3 debido a los empates internos) para concurrir al Oscar de habla no inglesa. Tras las quinielas, CANÍBAL, 15 AÑOS Y UN DÍA, ALACRÁN ENAMORADO y LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA, dos de las apuestas españolas más fuertes de cara a la temporada otoñal y dos ya estrenadas, han sido las elegidas según el sobre que han abierto los actores MARÍA LEÓN y HUGO SILVA. 15 años y un día, La gran familia española y Caníbal también concurren al Ariel mexicano.

Este viernes se estrena La gran familia española, que  ha pasado por sorpresa el primer corte.

CANÍBAL, la gran favorita, es la nueva producción de Manuel Martín Cuenca, un director semidesconocido para el gran público pero con una dilatada carrera como autor. La flaqueza del bolchevique lo llevó a Donosti, La mitad de Óscar tuvo un largo recorrido en festivales, y ahora su fórmula marca de la casa (drama con formas indies, lo que muchos dirían 'de arte y ensayo') sigue en Caníbal, la historia de un sastre andaluz con tendencias caníbales. Las buenas reseñas cosechadas en Toronto prometen una de las películas españolas más importantes de la temporada.

Aunque se esperaba su nombre, De la Iglesia y sus brujas no estarán en la lista de oscarizables.

LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA consigue con esta decisión de la Academia lograr la máxima atención de cara al estreno en cines de este viernes. Arévalo, cara más visible de la nueva comedia local, podría llevar su particular humor y reparto al otro lado del charco con una historia que mezcla fútbol, romance y conflictos familiares.

Podéis leer las reseñas de ALACRÁN ENAMORADO y 15 AÑOS Y UN DÍA en los links adjuntos.

domingo, 8 de septiembre de 2013

CINERANKING AGOSTO: LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2013

La tabla del Cineranking sigue recibiendo las notas de sus 47 votantes, y con cada nuevo puntaje las medias suben y bajan. Esta semana tenemos películas que desaparecen del top, otras que tras meses en la sombra vuelven a ocupar un puesto de honor, estrenos muy buen situados y veteranos que cambian sus medias y que amenazan con dejar la recta final del Cineranking más interesante si cabe. Todo esto sin olvidar algunos empates que seguramente se desharán en las próximas semanas. Por primera vez, casi todas las películas del top superan el '8' de nota media, un notable alto bastante prometedor. Ya hemos visto los estrenos de tres cuartas partes del 2013: antes de arrancar con la estimulante temporada otoñal, estos son los títulos que cuentan con más apoyos.

TOP TEN AGOSTO 2013

10. LA NOCHE MÁS OSCURA, de Kathryn Bigelow (EE. UU.)
NUEVA Nota: 7'84 Votos: 19 Crítica: Link

9. DJANGO DESENCADENADO, de Quentin Tarantino (EE. UU.)
= Nota: 7'95 Votos: 24 Crítica: Link

8. Empate con una media de 8 entre:
ANTES DEL ANOCHECER, de R. Linklater (EE. UU.) -2 Votos: 7 Crít.: Link
DIAZ, NO LIMPIÉIS LA SANGRE, de D. Vicari (Italia) -2 Votos: 1 Crít.: Próx.
ELYSIUM, de Neill Blomkamp (EE. UU.) NUEVA Votos: 1 Crít.: Próx.
LAURENCE ANYWAYS, de Xavier Dolan (Canadá) -2 Votos: 8 Crít.: Próx.
LOS ILUSOS, de Jonás Trueba (España) -2 Votos: 1 Crítica: Próximamente
PROYECTO NIM, de J. Marsh (EE. UU.) -2 Votos: 2 Crítica.: Próx.
THE ACT OF KILLING, de J. Oppenheimer & C. Cynn (Dinam.) NUEVA V.: 1 C.: Próx.
TROPA DE ÉLITE 2, de José Padilha (Brasil) -2 Votos: 1 Crítica: Próx.
WOLF CHILDREN, de M. Hosoda (Japón) -2 Votos: 2 Crítica: Próx.
ZARAFA, de R. Bezançon & J.C. Lee (Francia) NUEVA Votos: 1 Crít.: Próx.

7. LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO, de S. Chbosky (EE. UU.)
= Nota: 8'05 Votos: 18 Crítica: Link

6. BLUE VALENTINE, de Derek Cianfrance (EE. UU.)
-1 Nota: 8'07 Crítica: Link

5. Empate con una media de 8'33 entre
MUD, de Jeff Nichols (EE. UU.) NUEVA Votos: 3 Crít.: Próx.
SEARCHING FOR SUGAR MAN, de M. Bendjelloul (Suecia) -2 Votos: 12 Crít.: Link

4. LA CAZA (JAGTEN), de Thomas Vinterberg (Dinamarca)
= Nota: 8'38 Crítica: Link

3. Empate con una media de 8'4 entre:
AMOR (AMOUR), de Michael Haneke (Austria) -1 Votos: 20 Crítica: Link
TABÚ, de Miguel Gomes (Portugal) +3 Votos: 5 Crítica: Próx.

2. PARAÍSO: FE, de Ulrich Seidl (Austria)
NUEVA Nota: 8'5 Votos: 2 Crítica: Próximamente

1. Empate con una media de 9 entre:
CAUTIVA, de Brillante Mendoza (Filipinas) = Votos: 1 Crít.: Próx.
EL ÚLTIMO CONCIERTO, de Y. Zilberman NUEVA Votos: 1 Crít.: Próx.
ENCONTRÉ EL DIABLO, de K. Ji-Woon (Corea del sur) = Votos: 1 Crít.: Próx.
PACIFIC RIM, de Guillermo del Toro (EE. UU.) NUEVA Votos: 2 Crít.: Próx.

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NO ESTRENADA A REIVINDICAR

Películas que se quedan en el limbo, que figuran en la lista de próximos estrenos y que constantemente retrasan su fecha de lanzamiento, joyas ocultas que hemos visto en festivales pero que no encuentran espacio en los circuitos de distribución tradicional... El Cineranking reivindica estas pequeñas grandes desconocidas. Esta semana, ponemos el foco en uno de los títulos del Cannes del año pasado que muchos ya habrán descargado.


LIKE SOMEONE IN LOVE, de Abbas Kiarostami (Japón)
Nota: 8 Votos: 2 Crítica: Próximamente

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EL DUELO DEL MES

CINE ESPAÑOL: LAS MEJOR VALORADAS

A punto de recibir la oleada de estrenos patrios, es interesante echar la vista atrás y ver qué films españoles son los preferidos de los votantes. Y curiosamente, las elegidas son propuestas experimentales y arriesgadas.


AYER NO TERMINA NUNCA Nota: 7'57 Votos: 7

vs.

A PUERTA FRÍA Nota: 7'25 Votos: 4

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EL VOTANTE DEL MES

Hoy desvelamos el marcador de SUSANA PERAL, una de las concursantes más activas. En agradecimiento a sus votos, y con tal de poner más misterio al asunto, desvelamos su ranking. De momento, Susana no ha dado ninguna matrícula de honor ni ningún insuficiente bajo.


Ayer no termina nunca 9
El lado bueno de las cosas 8
En otro país 7
Grandes esperanzas 6
Mamá 5
Indignados 4
¿De qué va la vida? 3

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PRÓXIMOS ESTRENOS: SEPTIEMBRE

¿Qué veremos las próximas semanas? ¿Qué películas pueden aparecer en el ranking de septiembre? Os damos pistas: estas son algunas de las películas que muy pronto tendremos en los cines.

 4. KON-TIKI, de J. Ronning & E. Sandberg (Noruega)
Estreno: 27 de septiembre
Nota: 6'25 Votos: 4 Crítica: Link

 3. ARRAIANOS, de Eloy Enciso (España)
Estreno: 13 de septiembre
Nota: 7 Votos: 1 Crítica: Próximamente

 2. ASALTO AL PODER, de Roland Emmerich (EE. UU.)
Estreno: 13 de septiembre
Nota: 7 Votos: 1 Crítica: Próximamente

 1. CRUCE DE CAMINOS, de Derek Cianfrance (EE. UU.)
Estreno: 6 de septiembre
Nota: 7 Votos: 6 Crítica: Link


sábado, 7 de septiembre de 2013

MIS SOUNDTRACKS: LA BELLA Y LA BESTIA, de A. Menken y H- Ashman

LA BELLA Y LA BESTIA (BEAUTY AND THE BEAST), de Alan Menken y Howard Ashman (Gary Trosdale y Kirk Wise, 1991)
Oscar 1991 a la mejor banda sonora
Palmarés: Tres premios Grammy: mejor composición instrumental para cine o television, mejor interpretación en dúo vocal (Céline Dion y Peabo Bryson por la canción Beauty and the Beast) y mejor canción escrita para cine o televisión (Beauty and the Beast). Globo de oro a la mejor banda sonora y a la mejor canción (Beauty and the Beast). Nominación al Bafta a la mejor banda sonora. ASCAP Award por la canción Beauty and the Beast. BMI Music Award para Alan Menken.
El compositor: Alan Menken, músico nacido el año 1946, es uno de los buques insignia del sello Disney: él musicalizó los films que marcaron la infancia de muchos, desde La sirenita a la reciente Mirror, mirror. Ha recibido 19 nominaciones al Oscar, de las cuales 8 se transformaron en premios.


Reseña: La primera película de animación nominada al Oscar a la mejor película, y la única cuando sólo había cinco nominados en esa categoría, es una de las pocas obras que presume de conseguir una triple nominación al Oscar en el apartado de mejor canción y una triple victoria en los Grammy de la música. La clave del éxito de La bella y la bestia está en su banda sonora: es tal vez 'el gran musical de la Disney', no solamente por la sucesión de canciones en la trama, sino porque la historia, así como sus personajes, quedan descritos en las letras de los tracks. Un prólogo nos cuenta el pasado de la bestia siguiendo la estructura de los viejos cuentacuentos, con una preciosa melodía de fondo. Belle y Gaston, los temas que siguen, son dos de las piezas más perfectas de la factoría Disney: acompañan la acción, la enmarcan y convierten el pueblo protagonista en el escenario de un musical en cartoon. Be Our Guest, otra de las nominadas, pertenece a los objetos parlanchines del castillo: en imágenes, la cubertería, los manteles y el mobiliario se mobiliza ante la llegada de Bella a la guarida de la bestia, y el acompañamiento musical es colorista, dinámico y divertido (en este sentido, este track es un claro antecedente de la canción del genio de la lámpara de Aladdin). Y si en esta parte inicial podemos seguir la trama escuchando la voz de los cantantes-actores, a partir de The Mob Song, el track que describe el asedio al castillo por parte de la gente de la villa, la música es la gran protagonista: ambienta con exquisitas melodías la feroz batalla, la paulatina caída de los pétalos de la rosa, la reconversión del monstruo en príncipe y el final feliz de los amantes. Por imposiciones comerciales, el soundtrack termina con Beauty and the Beast, la balada que ha quedado elevada a los tronos de la música Disney. Pocas veces las músicas tienen tanto valor narrativo: no es de extrañar que a posteriori el film fuera objeto de representaciones teatrales, porque el material de Menken y Wise, en sus partes cantadas y solamente instrumental, es absolutamente genial.
Nota: 9

jueves, 5 de septiembre de 2013

¿QUÉ PELÍCULA REPRESENTARÁ A ESPAÑA EN LOS OSCAR 2014?


El lunes 9 de septiembre, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, a través de un acto en su sede oficial en Madrid, comunicará los tres títulos semifinalistas que aspirarán al Ariel mexicano y al Oscar de Hollywood esta temporada 2013-2014. Blancanieves de Pablo Berger fue la elegida el año pasado, y aunque quedó apeada de la carrera por el Oscar sí se alzó con el Ariel a la mejor película hispanoamericana.

Un dato que debería servir para subir los ánimos patrios tras un primer semestre de 2013 poco o nada favorable a lo que taquilla y noticias se refiere. Enrique González Macho, presidente de la Academia, abandonará su cargo días después de la próxima gala de los Goya, por lo que esta última etapa de 2013 se intuye como un periodo de agonía, más asfixiante si cabe que la presente. La crisis del sector no ha tocado techo y la considerable reducción del número de estrenos y rodajes dentro de nuestras fronteras es un hecho que ya estamos empezando a notar y que se acentuará en próximos análisis.


Todo ello hace que el blog, a diferencia de otros años, no pueda proponer una lista de 'posibles candidatas'. En otras ocasiones echaríamos mano de anuarios para averiguar los films que la Academia podía rescatar para los Oscar, o buscaríamos entre la próxima cartelera otoñal el título perfecto para conseguir esa nominación que se nos escapa desde Mar adentro (allá por 2005). Esta vez, poco podemos rascar.

Se han unido diferentes factores. Los films que parten con ventaja son producciones del 2013 y todavía no han visto la luz. La cosecha pasada quedó eclipsada por Blancanieves. Los directores que están a punto de estrenar (Amodeo, Caldera, Arévalo) presentan propuestas jóvenes, a priori fuera de la órbita académica. La ausencia de representación local en Berlín, Cannes y Venecia deja una vez más toda la responsabilidad en manos de San Sebastián como principal trampolín comercial de lo más destacado del año. Y la falta de un referente claro, justo el año con el Almodóvar y la Coixet menos premiable, hace que la incógnita sea mayor. Con todo, la lista de 'posibles' es corta. Esta es nuestra apuesta.


8. ALACRÁN ENAMORADO, de Santiago A. Zannou
A favor: Pocos hablaron de ella cuando estuvo en salas. Desconocemos si a los académicos les gusta o no el film, pero sí pueden sentir empatía por un director que ya reverenciaron por El truco del manco, por unas interpretaciones secundarias de los dos hermanos Bardem que pueden estar en los Goya y por un género pugilístico típicamente norteamericano. 
En contra: El aspecto de película juvenil va en su contra. Lo más probable es que nadie se acuerde de ella a estas alturas, y más teniendo en cuenta que los académicos ya han visto en pases privados y especiales títulos de mayor actualidad e inminencia en el calendario. El cine social no suele ser elegido, y a Alacrán enamorado le faltan muchísimas cosas para ser un título similar a Los lunes al sol.


7. EL CUERPO, de Oriol Paulo
A favor: Estrenada con atino a caballo entre 2012 y 2013, es uno de los éxitos de taquilla más merecidos e inesperados de los últimos meses. La Academia puede valorar la originalidad de su fórmula narrativa. La necesidad de presentar nuestros jóvenes valores en Hollywood cuenta: ya participamos en su día con El orfanato, y prueba de que El cuerpo gusta es que ya se ha hablado de un remake yanki. Es un film que, en líneas generales, gustó a todo el mundo, y ante una votación tan reñida será importante no tener demasiados enemigos en el camino.
En contra: Los votantes ya tuvieron una oportunidad para dar una amistosa palmadita en la espalda a El cuerpo: en los Goya. Y una única nominación a dirección novel no parece ser un buen augurio. Para el gusto norteamericano, El cuerpo no deja de ser un film pequeño, juguetón pero no matón, que ya han visto muchas veces. Tras el Oscar a Amor, parece que Hollywood está preparado para recibir de nuestra parte films más arriesgados. La nominación le aportará más bien poco: su carrera comercial internacional ya está encarrilada.


6. 15 AÑOS Y UN DÍA, de Gracia Querejeta
A favor: Aunque a muchos no nos ha gustado, hay que reconocer que es tal vez el estreno español más importante de lo que va de 2013. La Academia ya rescató a Querejeta en la carrera al Oscar al preseleccionar 7 mesas de billar francés, y el hecho de que el lanzamiento del film haya coincidido con la muerte de Elías Querejeta puede darle votos extra. Con una temporada de premios local por estrenar, la Biznaga conseguida en Málaga es una gran ventaja.
En contra: Le falta consistencia para ser un drama de Oscar, y ni tan siquiera es seguro que la crítica se acuerde de ella en los Forqué, CEC, Turia, Fotogramas de plata y Goyas entrantes. El único gancho de cara a una posible explotación internacional del film descansa en Maribel Verdú. Si la Academia española asume que la nominación al Oscar es casi imposible, será mejor que apueste por un título más radical.


5. LOS AMANTES PASAJEROS, de Pedro Almodóvar
A favor: El nombre de Almodóvar está tan asociado a las preselecciones de Oscar que poco importa que el film no sea el drama 'marca de la casa' que tanto gusta en Norteamérica, o que muchos la hayan despedazado sin piedad, o que el manchego haya dejado sus amantes pasajeros y pilotos fuera de la ruta de los premios (primera ausencia en Cannes en una década). Aunque su elección sería más un chaleco salvavidas que otra cosa, no podemos descartar que el 'Almo' más kitch desde los 80 aparezca citado para llegar al número mágico de 3 candidatas. 
En contra: Los desaires que la Academia ha hecho a Almodóvar son innumerables, y en esta ocasión tienen todo el viento a favor y gran apoyo crítico y popular (no mayoritario) para firmar el plantón almodovariano que menos dolería. Ni en España ni en Estados Unidos se han promocionado a comedias de cara a la temporada de premios. Los abrazos rotos, más oscarizable que Los amantes pasajeros, no fue semifinalista. En este caso, ya sabemos qué han dicho de ella y cómo la han recibido en Europa y Latinoamérica, y 'pintan bastos'. Ni Almodóvar espera la nominación ni parece que vaya a tenerla.


4. LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI, de Álex de la Iglesia
A favor: De la Iglesia es, tras Almodóvar, el director más conocido, reconocido y personal de nuestra cinematografía. Balada triste de trompeta fue la película del mes para el New York Times, ganó dos premios en suelo veneciano y fue semifinalista para el Ariel. Ya es hora de que De la Iglesia tenga su particular affair con la Academia del otro lado del charco. ¿Que no nos nominan ni a tiros? No hay problema: seguro que los ancianitos de Hollywood se divertirán muchísimo. Al fin y al cabo, los referentes confesos de De la Iglesia son norteamericanos: el cine infantil de los 80 y el terror clásico de los 60 y 70. ¡Hay que llamar a Tarantino para que haga apoyo!
En contra: Un film de brujas y ladrones, mezcla de comedia negra y terror, para los Oscar: ¿estamos locos? A falta por saber la incidencia que tendrá el film en cines, no parece que el film vaya a ser el fenómeno que fue El día de la bestia. ¿Recordará todavía el actual equipo directivo de la Academia las palabras del director vasco sobre la ley Sinde? Todo indica que De la Iglesia irá de Zugarramurdi a la gala de los Goya: el apeadero de los Oscar no figura en la ruta.

Y nuestra apuesta: las 3 semifinalistas serán:


3. UNA PISTOLA EN CADA MANO, de Cesc Gay
A favor: Fue la gran damnificada en los Goya, y el premio de Candela Peña fue un indicativo de que la Academia quería compensar el olvido a la cinta de Gay. La película fue un éxito inesperado en taquilla, todavía sigue en la memoria de todos y no presenta síntomas de desgaste. El film ya se ha estrenado fuera de España, y para el Oscar la buena prensa recibida en el Festival de Roma y el apoyo en sus proyecciones en Latinoamérica cuentan. Barcelona es la protagonista en la sombra de la película: ¿operación turístico-comercial encubierta?
En contra: Las historias cruzadas no tienen éxito en los Oscar. En el fondo, el film es de corte europeo, poco o nada glamouroso, y a ojos de Hollywood resultará un título menor. El film no necesita la nominación teniendo en cuenta que ya está en dvd y que tiene confirmados sus mercados de exhibición en el extranjero. En Hollywood importan las tramas con cierto peso, a poder ser trágicas y bélicas; y de decantarse por apuestas más arriesgadas, siempre citan films muy visibles durante toda la temporada festivalera (caso de Canino o La teta asustada): Una pistola en cada mano no cumple ninguno de esos requisitos.


2. VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS, de David Trueba
A favor: A tientas, es la única película que responde a lo que la Academia ha considerado 'oscarizable' por tradición: film de época, trama costumbrista, relato de iniciación, road movie con posibles ecos a cierto cine norteamericano... Este año recuerda, por ausencia de favoritas, al de Soldados de Salamina: la Academia podría volver a dejar sus opciones de Oscar en manos de Trueba. El film necesita ser preseleccionada para ampliar sus perspectivas comerciales. Si resulta ser una película positiva y familiar, como ya sucedió con La lengua de las mariposas (aplaudida en Estados Unidos), escalará posiciones en el podio.
En contra: No sabemos nada de ella, o casi nada. Ni tan siquiera conocemos un póster promocional. ¿Verdaderamente llegará a tiempo para la carrera del Oscar? A finales de agosto el film seguía en post producción, en vistas de cerrar su montaje definitivo para San Sebastián. David Trueba está de alguna manera a caballo entre la nueva generación de directores y la vieja retaguardia: es casi imposible adivinar el perfil de votante que puede tener.



1. CANÍBAL, de Manuel Martín Cuenca
A favor: Ha sido seleccionada en Toronto y San Sebastián, lo que la convierte en la película española con mayor proyección internacional de la temporada. Su trama, la historia de un sastre con tendencias caníbales, tiene mucho tirón: ya ha levantado la curiosidad de más de un medio extranjero. Su elección confirmaría el buen estado de salud del cine andaluz, que ya sacó pecho con Grupo 7. Martín Cuenca es un autor poco reivindicado que parece tener debajo del brazo la película perfecta en el momento perfecto. El director la define sobre cualquier etiqueta como 'una historia de amor', algo que encaja con los gustos hollywoodienses. Salvando las distancias, y viendo el triste panorama, puede ser el Canino español. Blancanieves ya fue una opción arriesgada, y Caníbal podría seguir esa senda: de sacrificar la nominación, al menos se daría a conocer una parcela del cine español de autor 'oculto'.
En contra: Nuestra Academia es muy poco 'indie'. Si Caníbal termina siendo un drama excesivamente experimental, y otros títulos son demasiado comerciales, la apuesta de Trueba se impondría al situarse en un término medio más estable. Caníbal es de esos títulos que destacan dentro de una lista de 60 films de habla no inglesa, pero no hay duda que el camino hacia el Oscar será muy difícil. A día de hoy, solo queda confiar en ella, tal y como hicimos con Blancanieves.

miércoles, 4 de septiembre de 2013

Crítica de AHORA ME VES... (NOW YOU SEE ME), de Louis Letterrier

Hay que reconocer que una película como Ahora me ves... presenta numerosos atractivos para el espectador, y por ello no es raro que se haya convertido en una de las cintas más taquilleras del verano en todo el mundo. A todos nos ha gustado jugar a desenmascarar los trucos del mago y hemos tratado de explicar desde la razón aquello que parece salido de la chistera de lo inexplicable. Con El ilusionista y El truco final como referentes hollywoodienses recientes de lo bien que pueden insertarse las cuestiones mágicas en géneros cinematográficos ya marcados, Ahora me ves... da una vuelta de tuerca a la fórmula, monta un nuevo teatrillo de ilusionismo y lleva el contenido de la caja de 'Magia Borrás' al cine de robos y atracos a gran escala. Vaya, que el film de Letterrier no inventa nada, pero mezcla a placer todo tipo de temas y formas, dando como resultado un show bastante entretenido que hará que en la platea se oiga algún 'wuau' de admiración. Con todo, a Ahora me ves..., pese a ser una función espectacular, se le ven las costuras. El juego siempre termina en engaño, ya que mientras el artista hace sus malabares en el escenario no nos percatamos de la vanalidad de su premisa. Ahora me ves... tiene un grave problema de guion porque no sabe resolver la trama de forma creible. No salen las cuentas, y guardarse un as en la manga es trampa. Durante hora y media estamos ante un film resultón, ligeramente interesante y con un endiamaje bastante endiablado y divertido, pero luego todo se desploma: o bien los guionistas no sabían desde el principio cómo terminar su historia, y eso les lleva a morder polvo; o bien el engaño estaba fijado desde el primer momento, y por lo tanto todo termina siendo una monumental tomadura de pelo. Será que albergamos muchas sospechas por la figura del mago, pero Ahora me ves..., al menos para quien escribe, se asienta sobre una premisa que pasa de original a vacía en lo que se tarda en chasquear los dedos y pronunciar 'abracadabra'. Seguramente será suficiente para las audiencias más crédulas, pero otros pedimos la devolución de la entrada. Un timo gigante. Mejor esconderse tras la capa y decir eso de 'ahora no me ves'. Difícilmente se librará de figurar en la lista de las grandes decepciones cinematográficas del año.


Para espectadores que buscan que les pongan a prueba.
Lo mejor: Su reparto, aunque cada actor interpreta a un personaje ya existente (o sea: a Eisenberg le toca un 'cerebrito antipático', Harrelson se limita a 'ser Harrelson', Freeman y Caine tienen el mismo rictus que en las películas de Nolan...).
Lo peor: Que el naufragio final no deje ver las virtudes de su inicio (aunque, admitámoslo: hay casos, y este es uno de ellos, en los que una mala resolución echa por tierra todo el conjunto).

Nota: 4

martes, 3 de septiembre de 2013

Crítica de CRUCE DE CAMINOS (THE PLACE BEYOND THE PINES), de Derek Cianfrance

Derek Cianfrance prosigue con su prometedora carrera con Cruce de caminos, una singular historia concebida en tres partes que explora la premisa típica de las historias cruzadas: el poder del azar a la hora de unir la vida de personajes que en un principio no comparten absolutamente nada y que terminan siendo cómplices en una trama que abarca varias décadas y generaciones. El problema de Cruce de caminos es paradójicamente aquello que la define y la hace tan especial: el film está dispuesto como tres microrrelatos en uno (podríamos titularlas 'acción', 'reacción' y 'venganza'), y aunque carece de bases sólidas (va del cine de robos al gangsteril, del relato amoroso al retrato de dos jóvenes delincuentes en potencia) el director es lo suficientemente inteligente como para crear una unidad emocional visible en cada plano. Cianfrance aporta poco a los diferentes géneros y a las variopintas temáticas que aborda, empieza como Winding Refn y termina a lo James Gray, pero cuenta con unos grandes actores en papeles pequeños que salvan y realzan la función: Eva Mendes nunca estuvo tan bien, Ray Liotta nunca dio tanto miedo, la mirada melancólica de Ryan Gosling pide a gritos un lugar en la historia reciente del séptimo arte y Bradley Cooper aspira a ser un referente del futuro. Cianfrance, menos lucido que en Blue Valentine, termina convenciendo porque los tres satélites que une ni son historias previsibles ni tampoco se solapan como el espectador espera. De la sorpresa nace la emoción, y de la emoción surge una de esas películas que se llevan a cuestas, que recuerdas aun sin querer, que vuelves a ellas consciente de que en sus atmosféricas imágenes se escondía una tragedia clásica en tres actos realmente lapidaria. Ganará al revisionarla y no sería extraño que se reivindicase como una de las películas norteamericanas más trabajadas de los últimos años. Tendremos obra maestra de Derek Cianfrance en breve: Cruce de caminos, o el misterioso The Place Beyond The Pines en su versión original, es la exploración de una fórmula que puede llegar a conquistar la perfección en posteriores largometrajes.


Para amantes del cine negro con corazón.
Lo mejor: Gosling suma otro papel icónico: está tan bien que hasta da envidia (de la buena).
Lo peor: Las evidentes discusiones que admite su estructura.

Nota: 7'5

lunes, 2 de septiembre de 2013

OSCARS 2014: PHILOMENA, de Stephen Frears

PHILOMENA, de Stephen Frears (Reino Unido, 2013)
¿De qué va?: En su casa, Philomena, una anciana de rostro sereno, contempla la foto vieja de un niño. Es su hijo. Hoy cumple 50 años. Y hace 50 años que no lo ve. En el pasado, Philomena fue una niña huérfana encerrada en un estricto convento religioso irlandés, y cuando se quedó embarazada tras su primera experiencia sexual a los 14 años, las monjas le arrebataron el bebé de sus brazos. Ahora está dispuesta a encontrar a su hijo, y para ello contará con la ayuda de un excéntrico periodista que cree tener entre manos una historia y un reportaje increible. La búsqueda será más larga de lo esperado, ambos entablarán una singular amistad, y la pista de ese hijo perdido los llevará a los Estados Unidos.
La clave: Los abusos de la Iglesia y los distintos conventos y escuelas de la Irlanda de principios de siglo XX es un tema espinoso que ya le dio el León de oro a Mulligan por Las hermanas de la Magdalena. A la dureza del tema, que conecta directamente con los casos de 'niños robados' en la España del baby boom, se le añade un toque de comedia british muy apreciado en Estados Unidos. Una premisa potente que puede ser uno de los diamantes de la temporada.
El director: Stephen Frears, británico de 72 años, es uno de los cineastas más importantes de las últimas décadas. Ha estado nominado al Oscar por The Girfters y The Queen, aunque su incursión más aclamada en la terna de nominaciones fue a finales de los 80 por Las amistades peligrosas, thriller romántico de época que para muchos es su mejor film. En su filmografía brillan entre otros dos títulos de culto: Mi hermosa lavandería y Alta fidelidad.


¿Por qué puede ganar el Oscar?: Tras los aplausos de su primer pase en Venecia, donde compite para figurar en el palmarés de este fin de semana, Philomena aspira a todo. Crecen las posibilidades de que sea el front-runner british del año. Steve Coogan, coguionista y actor en el film, puede ver coronada su carrera como cómico con un film que navega entre el drama y la comedia, según los analistas sin tremendismos y sin caer en el ridículo. Dench tiene un personaje que es 'todo emoción', y ella es una intérprete que es 'todo experiencia'. Este diciembre Dench cumplirá 79 años, y su enfermedad ocular, por la que está perdiendo paulatinamente la visión, nos dice que este puede ser su último gran papel en la gran pantalla: después de un 2012 excelente, con Skyfall y El exótico hotel Marigold en la contienda, ahora es el turno de su séptima candidatura y, por qué no, de su segunda estatuilla. Frears, además, es un clásico del cine sin Oscar: aunque Philomena sea un film pequeño, no sería raro que la buena prensa de la película arrastrase a todos sus responsables a la nominación.


Posibles nominaciones: Mejor película, director (Frears), actriz protagonista (Judi Dench), guion adaptado (Coogan y Pope).
Estreno: 1 de noviembre, lanzamiento en el Reino Unido e Irlanda; finales de 2013, sin fecha confirmada, para su estreno en los EE. UU.; primer trimestre del 2014 en las carteleras europeas.

SEMANARIO 26: LOS POSTS DE LA SEMANA

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CONTENIDOS DEL BLOG


Semana del 26 de agosto al 01 de septiembre de 2013


Especial OSCAR RANKING 2013 - 2014

Oscars 2014: AMERICAN HUSTLE, de David O. Russell
Oscars 2014: DIANA, de Oliver Hirschbiegel

Banda sonora: BAILANDO CON LOBOS, de Jon Barry
Especial Cine y literatura: EL PADRINO

domingo, 1 de septiembre de 2013

CINE Y LITERATURA: EL PADRINO



FRANCIS FORD COPPOLA y MARIO PUZO: 
Conexiones entre literatura y cine en El padrino

Aviso de spoiler: en el post se dan a conocer aspectos importantes de la trama del libro y de las tres películas de la saga.

A lo largo de la historia del séptimo arte han sido muchas las asociaciones, relaciones e interacciones entre literatura y cine, pero ninguna ha sido tan famosa y peculiar como la que existió entre el escritor de novela negra Mario Puzo y el realizador Francis Ford Coppola, ambos de raíces italoamericanas. El padrino destaca como clásico indiscutible y muchos se han acercado desde la década de los 70 a las complejidades de la tríada de films. En el siguiente texto no queremos hablar, al menos no únicamente, del film El padrino, del que ya se ha dicho todo o casi todo con motivo de sus innumerables revisiones, reposiciones y remasterizaciones. Tampoco queremos plantear debates pueriles de cierto interés cinéfilo sobre si la primera parte es o no peor que su secuela o hasta qué punto la tercera entrega, desligada de sus compañeras de saga por haber sido concebida casi quince años después de su génesis, desluce el conjunto fílmico de Coppola. En este caso, pretendemos abordar una cuestión no siempre citada y que debe tenerse en cuenta sea cual sea nuestro acercamiento hacia el material cinematográfico del director de Patoon: el origen literario de El padrino, la singular utilización de la novela para la gran pantalla y la no menos atípica unión artística que mantuvieron Puzo y Coppola.


Mario Puzo (Nueva York, 1920-1999), hijo de inmigrantes que pasó su niñez en la Gran Manzana, trabajó como funcionario del gobierno antes de que El padrino (1969), best seller de su época, le permitiese dedicarse por entero a la literatura. Este pasado es fácil de rastrear en las páginas del libro, por lo general muy generoso a lo que datos se refiere, con una exposición de personajes cercana a las fórmulas y cláusulas de las fichas policiales y otros documentos de carácter oficial. En este sentido, El padrino no es tanto una novela de situaciones o descripciones como una concatenación de información, nombres y acciones que configuran un particular retrato de la mafia italiana en suelo estadounidense. La gran virtud literaria, la más relevante por parte de Puzo, es su gran capacidad por atrapar al lector en una tupida telaraña de sucesos trepidantes, y a su vez aplicar esa pericia escritora a su vasto conocimiento de las organizaciones criminales que operaban y operan en la oscuridad de la gran urbe. El padrino, por ello, funciona como thriller de suspense y como retrato social, doble vertiente que explica su éxito tanto entre la masa de lectores como entre la crítica selecta.


Todo el componente visual de la novela (muertes, persecuciones, tiroteos, etc.) era, claramente, un potentísimo material para el cine. Apenas tres años después del boom literario, El padrino llegó a las salas de medio mundo y su leyenda fue instantánea: a la infinidad de premios que recabó cabe sumar la adhesión popular que tuvieron muchas de sus escenas y frases, pasando incluso a ser parte del acervo general y base principal del cine de gángsteres (desde la cabeza de caballo cortada y ensangrentada en la cama del productor de cine Woltz a la repetida retahíla 'tengo una oferta que no podrá rechazar'). El padrino, en definitiva, gustó a las fuerzas del orden pero también a los mismos mafiosos: la película, gracias a los precisos apuntes de Puzo, desvelaba una órbita de la ilegalidad con unos códigos y lenguajes personales que atrajeron a la par que atemorizaron a gran parte de la sociedad. El padrino imponía un respeto con la clase mafiosa, pero nunca una adhesión. La labor social de Puzo, por lo tanto, quedó completada con la película, más todavía teniendo en cuenta el auge del audiovisual en los años 70 y la extendida comercialización de lo yanki en el extranjero.


Esa labor, además, fue posible gracias a la intervención de Puzo en la redacción del guion en calidad de coescritor junto a Coppola. De esa asociación nació una película sumamente fiel a la novela, de la que respeta la disposición de personajes, sus nombres, los escenarios por los que discurren y la cronología de sus fechorías. Con todo, hay méritos que atañen anteramente a Coppola en calidad de cineasta, todos ellos en referencia a los capítulos de máxima tensión dramática. De esta forma, el ataque contra Don Corleone en una frutería, la escena en que Connie Corleone es brutalmente pegada por su marido, el arrebato posterior de Sonny con su cuñado, el asesinato de Sonny Corleone y el impecable momento en que Michael asiste al bautizo de su sobrino mientras sus secuaces acaban con los capos de las Grandes Familias son un prodigio de ejecución y planificación cinematográfica, ya sean planos fijos o juegos de montaje tan espeluznantes como los de las escenas finales. Si todos los episodios citados encuentran un aliado en las imágenes, también es de justicia apuntar que otros están mejor revestidos en el libro: la visita al hospital de Michael y su posterior trifulca con Sollozo queda ligeramente recortada en el film, y algo parecido sucede con la reunión de Corleone con los clanes rivales tras ser víctima de un atentado pese a ser uno de los ejes de la novela. Y finalmente, no es menos notable la lista de escenas que convencen tanto en el celuloide como en las páginas: la fastuosa boda inicial, con la visión externa de Michael y su novia Kay, los tejemanejes de Don Vito dentro de la casa, el escarceo sexual de Sonny con una dama de honor y el interés de la prensa y la policía alrededor de la casa familiar están excelentemente expuestos en ambas obras; el asesinato que obliga a Michael a huir, sirviéndose de una pistola escondida en el retrete de un restaurante italiano; y la fuga de Michael a Sicilia, así como su romance, aprendizaje y posterior tragedia, funciona tanto en el libro como en la novela como parte 'bisagra' entre la trama criminal neoyorkina y la contundente purga final, esta última orquestrada por un Michael frío y calculador.


Independientemente del trabajado libro de partida, Coppola sabe condensar la trama sin prescindir de nada: de hecho, podría decirse que la novela y el film son las dos caras de una misma moneda, salvo por ligeras alteraciones entre ambas. El film prescinde de gran parte de la historia de Las Vegas, un recurso por parte de Coppola que ayuda a dar unidad a la película, pero que resta entidad a los personajes de Freddie y al del actor-cantante Johny Fontane (sobre este último, cabe destacar que el film pierde la posibilidad de incluir un interesante ejercicio de 'cine dentro del cine', ya que en la ficción novelesca Fontane llega a ganar un premio Oscar gracias a Corleone). Otras decisiones de la pareja Coppola-Puzo son muchísimo más sabias: la película prescinde de los tres casos iniciales y se ahorra esas subtramas con las conversaciones de los agraviados frente a Corleone, el encargado de dar justicia a sus aliados (mientras que el libro describe a Corleone 'desde fuera', la película lo hace 'desde dentro' y desde el primer momento, todo ello para potenciar el lucimiento del envejecido y transformado Marlon Brando). Y finalmente, no puede dejarse de apuntar el poco perfilado, al menos no tanto como en la novela, carácter de Tom Hagen, el Consigliori de la familia e hijo moral de Vito: en el guion cinematográfico, Hagen aparece como una pieza más entre el Sonny visceral y el Michael novato, mientras que en el libro tiene entidad de 'protagonista en la sombra', si bien sus acciones son de carácter estratégico, y a la postre poco cinematográficas.


Tras repasar las convergencias y divergencias de libro y película, es evidente que las dos obras son unidades perfectas (tal vez un poco más la novela que el film al no ceñirse a una longitud determinada: Coppola dispone su película de forma que no rebase las tres horas de metraje y eso, por mínima que sea, le pasa factura). El mérito es de Coppola pero sobre todo de Puzo, y en este sentido es interesante destacar finalmente el último plano de la película, totalmente diferente a la resolución de la novela. Puzo termina su historia con Kay, la mujer del nuevo 'capo', rezando cristianamente por el alma de Michael y la de los suyos, consciente que a sus espaldas el inocente y crítico joven que conoció se ha convertido en la bestia de herencia familiar que juró e intentó no ser. La novela, por lo tanto, toma sus últimos párrafos, y con ellos la última reflexión del lector, para criticar la doble moral religiosa de unos seres que siguen el principio de 'a Dios rezando y con el mazo dando'. Coppola, por el contrario, entiende que ese final puede resultar demasiado crítico o críptico en imágenes y opta por terminar con otro capítulo anterior del libro: Kay asume que su marido le ha mentido al ver que los ayudantes de Michael besan el anillo del nuevo Corleone como señal de fidelidad, y la angustia del personaje femenino en medio de una jaula de fieras masculinas queda concentrada con el lento cerrar de la puerta del despacho de Michael, movimiento que a su vez sirve para fundir a negro la imagen y dar paso a los títulos de crédito (una excelente fusión entre fondo y forma).


Saber qué partes fueron adaptadas, matizadas, alteradas y suprimidas según el caso al pasar del libro a la gran pantalla es una cuestión que ya hemos hecho y que cualquiera podría realizar mediante la comparación de las dos obras, pero lo verdaderamente interesante está en descifrar los motivos de esos cambios. Y de nuevo hay que volver a esa unión artística entre Puzo y Coppola para presentar nuestras tesis. Se desconoce si entre ambos existía la intención de proseguir con la historia en nuevas partes (ni Puzo escribió secuela alguna ni Coppola parece que estuviese decidido a concebir su proyecto como una trilogía), pero lo más seguro es que la fuerte vinculación entre ambos les llevase a crear dos películas más, de nuevo escritas a cuatro manos, que explotasen todas aquellas cuestiones que en El padrino: Parte 1, por cuestiones de montaje y de metraje, quedaban en un segundo término. Así, El padrino: Parte 2 surge como una voluntad por contarnos el pasado de Vito Corleone, capítulo que aparece en el libro, que queda fuera del primer film por no ser esencial para la acción y que es ampliado hasta dar una historia paralela a la vez que autónoma. Lo mismo sucede con El padrino: Parte 3, en el que la descripción de los nuevos tiempos, la necesidad de explicar el nuevo relevo generacional-familiar tras el paso de Vito a Michael y la acertada decisión de incidir en el aspecto religioso con una crítica al Vaticano (ya lo hemos dicho: parte que se elidió de la novela) termina configurando una nueva entrega tan ligada al material inicial como independiente a varios niveles de este.


En conclusión, Mario Puzo es uno de los casos literarios y cinematográficos más interesantes por utilizar los films como vehículo de escritura, reescritura y ampliación de su obra literaria. ¿Por qué no asumió esa tarea desde la pluma del novelista? Lo avanzábamos antes: porque Puzo, en realidad, no era un escritor, pero sí un contador de historias, y ello se tradujo en una puntual infidelidad al tradicional formato literario. Hay que recordar que Puzo intervino en la redacción de los guiones cinematográficos de Superman, Superman II y Cotton Club, esta última de nuevo con Coppola, por lo que llegó a conocer la industria del cine por dentro y supo llevar todo eso a sus señas escritoras (además, ya demostraba su interés por esta antes incluso de adentrarse en ella con el personaje de Johny Fontane). Nada que ver, en definitiva, con la tónica habitual de Hollywood por la que el escritor se desentiende de la película, auspiciado en la coherente idea de que libro y película son dos entidades diferentes, y que por lo tanto tienen derecho a obedecer a estructuras e intereses no coincidentes entre ambas. La decisión, en algunas ediciones en dvd o publicaciones, de referirse a la trilogía como Mario Puzo's The Godfather es realmente acertadísima: la historia pertenecía por entero a Puzo, y Coppola, en calidad de amigo, admirador y genial director, supo traducir esas inquietudes en contundentes estampas fílmicas. Los guiones, eso sí, corrieron a cargo de ambos, y ese es el secreto de la grandísima trilogía resultante: con Puzo velando por la coherencia interna de historia y personajes, y con Coppola intentando que todo ello fuese explotado en pantalla de la forma más armónica posible, así como su impecable dirección de actores (Oscar para De Niro y Brando, y siete nominaciones en interpretaciones de reparto), El padrino terminó favorecida por el trabajo en equipo y consiguió escribir su nombre en la historia.

En resumen, una de las caras menos conocidas de El padrino, su origen literario, se impone como una de las cuestiones más importantes que dan fuerza a, sobre todo, El padrino (1972), pero también a la seguna (1974) y a la tercera parte (1990). Se ha escrito mucho sobre Coppola, y realmente estamos ante un artista todoterreno: en los Oscar 1974 consiguió colocar dos de sus films en la terna a mejor película (El padrino: Parte 2 y La conversación: solo Soderbergh ha conseguido eso recientemente), ganó por fin el premio al mejor director y salvando el pinchado comercial de Corazonada puede decirse que siguió en plena forma hasta los 90. Puzo, en la sombra, también destacó: en esa lista de nominaciones estaba su nombre, y además de ganar su segundo Oscar al mejor guion adaptado un film que había escrito, Terremoto, se llevó dos menciones técnicas de las cuatro a las que aspiraba. El padrino es la obra maestra que es gracias, en definitiva, a ambos. Una de las relaciones literario-cinematográficas más deslumbrantes de la historia.