FESTIVAL DE SITGES 2019 (V) | DOCUMENTALES: MEMORY: THE ORIGINS OF ALIEN, LEAP OF FAITH, MAKING WAVES y SESIÓN SALVAJE

MEMORY: THE ORIGINS OF ALIEN &
LEAP OF FAITH: WILLIAM FRIEDKIN ON THE EXORCIST

EE. UU., 2019. Dirección: Alexandre O. Philippe

Sección: Oficial fuera de concurso

Alexandre O. Philippe nos apasionó con 78/52, el análisis pormenorizado y lúdico de la escena más famosa de Psicosis. Este año en Sitges ha presentado dos películas, ambas consagradas al estudio de dos clásicos del cine fantástico, una coincidencia que reivindica su nombre como uno de los directores más importantes de la contemporaneidad, sin importar géneros o formatos. Memory: The Origins of Alien es un ensayo sobre la mitología de Alien, su concepción, creación, contexto y aportación a la historia del cine, a la vez que no renuncia a las tradicionales entrevistas a cámara y relato de anécdotas del rodaje. En paralelo, Leap of Faith: William Friedkin on The Exorcist se articula sobre una charla que el director mantuvo con Friedkin durante seis días, un encuentro que en pantalla se traduce en un divertido a la par que cerimonioso monólogo en el que el oscarizado cineasta desvela sus referencias pictóricas y cinéfilas, habla sobre la fe y la vida y, sobre todo, narra cómo fue el proceso de filmación de El exorcista. Philippe se muestra igual de cómodo explorando los secretos de la nave Nostromo que conversando en la intimidad con uno de sus mentores. Ambas obras, vistas por separado o en conjunto, ponen de manifiesto la importancia de (re)visionar el cine de antaño con vocación pedagógica, con la mitomanía justa y necesaria, animando a las nuevas generaciones a bucear en las bases del cine de terror para entender los fotogramas del presente. Dos piezas audiovisuales de lujo para todo amante del séptimo arte, porque Philippe ama el cine, contagia su pasión y, por el camino, consigue acercarnos a las personas que lo hicieron y hacen posibles. Asistir a un festival o a una sala de cine en pleno siglo XXI sigue teniendo sentido gracias a películas y sensibilidades como las de Philippe.

MAKING WAVES: THE ART OF CINEMATIC SOUND

EE. UU., 2019. Dirección: Midge Costin

Sección: Oficial a concurso

Sabemos muy poco de la técnica del sonido en el cine, incluso a muchos nos cuesta diferenciar qué se premia en las categoría de sonido y efectos sonoros en los Óscar. Making Waves ayuda a conocer desde dentro qué hay detrás de esta disciplina y cómo ha evolucionado desde los tiempos mudos hasta la revolución digital de nuestros días. El documental reivindica el cine como un medio en constante (r)evolución tecnológica que se ve y sobre todo se escucha, y por el camino celebra la industria de Hollywood y aquellos nombres que en algún punto del siglo pasado contribuyeron al audiovisual. Tal vez ese sea el punto más discutible del metraje: en el fondo, Making Waves es una exhibición de poder por parte de Hollywood y mantiene incólumes el mito de gran parte de sus estrellas (no es casualidad que solo se citen filmes nominados por parte de la Academia y se eludan otros títulos del ámbito independiente). Igualmente, ver en pantalla grande escenas de películas míticas es un gozo que a muchos nos lleva incluso a la lágrima. Cualquier amante del cine aprenderá y disfrutará con Making Waves. ¿Para cuándo un filme similar sobre la tan cuestionada gestión del sonido en el cine español?

SESIÓN SALVAJE

España, 2018. Dirección: Paco Limón y Julio César Sánchez

Sección: Oficial fuera de concurso

Amenábar argumentaba a colación de Mientras dure la guerra que la sociedad española tiene un conflicto con sus símbolos nacionales. Si el cine, además de ser una industria, ostenta el estatus de símbolo, por representar la idiosincrasia y las evoluciones de un país, documentos como Sesión salvaje bien merecen figurar en la lista de visionados obligatorios en institutos, escuelas de cine y alrededores. En apenas 80 minutos, Paco Limón y Julio César Sánchez condensan una ingente cantidad de películas que dice mucho, o muy poco, de lo que somos y fuimos. Se reivindica, en síntesis, el western, el terror, la ola quinqui, las obras del Destape y la mal llamada "españolada", todo con las dosis justas de nostalgia y crítica. El metraje avanza frenético: hay mucho que contar y sus artífices hacen gala de un entusiasmo superlativo, siempre contagioso. El resultado es un viaje de fotogramas, entrevistas y efemérides desde la censura franquista hasta la Transición, un gozo absoluto que el espectador puede y debe completar visionando todos los títulos que se citan (algunos, míticos; otros, desconocidos). Nos sumamos al sentido comentario de Ángel Sala en el Auditori del Festival de Sitges: nuestra ficción y sus gentes se merecen muchos más filmes como Sesión salvaje. También nuestros símbolos: por eso Sesión salvaje sabe a reconciliación, a justicia poética, a estudio de un pretérito que debemos preservar.

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FESTIVAL DE SITGES 2019 (IV) | EL PAISAJE COMO INFIERNO: EL FARO (THE LIGHTHOUSE), BACURAU, THE LODGE y VIVARIUM

EL FARO (THE LIGHTHOUSE)
EE. UU., 2019. Dirección: Robert Eggers
Sección: Oficial fuera de concurso

El faro causó sensación en el último Festival de Cannes. Era la película de la que todo el mundo hablaba y que muy poca gente tuvo oportunidad de visionar. Casualidad o no, tanto San Sebastián como Sitges la han seleccionado en sus escaparates antes de su estreno en salas el 10 de enero (dicho sea de paso, con pocas posibilidades de recaudación, aunque detrás esté el sello Universal, coprotagonice el actor Robert Pattinson y a la cinta se le presagien algunas candidaturas al Óscar). Robert Eggers, que ya inauguró Sitges con la estimulante La bruja, hace alarde una vez más de su habilidad a la hora de planificar escenas, construir atmósferas y dirigir intérpretes. El faro, con fotografía 4:3 en blanco y negro, propone un viaje inmersivo, húmedo y paranoico a las profundidades de una isla perdida de Nueva Inglaterra. Dos fareros, experto y aprendiz, conviven, riñen y beben todo tipo de líquidos mientras se encargan de tareas mundanas. A medida que avanzan las semanas, su desazón se incrementa, la locura devora sus mentes y sus cuerpos, y el mal campa a sus anchas en forma de sirenas, tormentas e historiales violentos. En ese "viaje de no retorno", Ebberts quiere que cada gesto de sus actores y cada elemento escenográfico tenga la mayor intensidad posible, pero la fórmula termina por agotar y ahogar la película. Tal vez porque su director carece de la habilidad narrativa de Paul Thomas Anderson o porque el citado Pattinson, a pesar de su titánico trabajo, dista de ser Daniel Day-Lewis. El faro, en síntesis, representa ese cine "imponente" de nuevo cuño que, por pura egolatría, dista de ser "importante". Adjetivos aparte, su visionado en pantalla grande y en versión original está más que justificado. Las voces cannois tenían razón, aunque no había para tanto.

BACURAU
Brasil, 2019. Dirección y guion: Juliano Dornelles y Kleber Mendonça Filho
Sección: Oficial a concurso

En Bacurau cohabitan distintas películas de géneros muy diferentes, no todas ellas satisfactorias. En esencia, Dornelles y Mendonça Filho proponen un western clásico, con un poblado que se protege de la amenaza de bandoleros, y a esa estructura se le van añadiendo componentes realistas, surrealistas y toques propios del cine de acción y de terror. El plato es variado y se paladea con gusto, aun cuando el dúo de cineastas imprime a las imágenes un tempo lento que puede descolocar a públicos no demasiado dados a excentricidades. Crónica sobre el colonialismo, sus víctimas y sus verdugos, contada en clave futurista pero vinculada al presente tanto de su país como del conjunto de su continente. Sonia Braga, más secundaria de lo que a muchos nos gustaría, imprime una personalidad fiera y firme a su personaje, si bien el perfil de otros habitantes de esta Bacurau está más cercano a la caricatura burda. En lo personal, una cinta de difícil digestión, demasiado marciana y un tanto cuestionable: ahí está el estallido de violencia final, tan exacerbado que se diría contrario a sus pesquisas sociales, y el trazo bobalicón de los villanos, como si sus artífices quisieran parodiar y al mismo tiempo reproducir los tópicos de los blockbusters de acción. En lo personal, una propuesta que funciona mucho mejor en sus pasajes menos peliculeros y, por lo tanto, cuando filma un paisaje yermo, desabastecido, abandonado de la mano de dios y de los humanos, en claro vínculo con el Brasil de Bolsonaro. 

THE LODGE

Reino Unido, 2019. Dirección: Severin Fiala y Veronika Franz

Sección: Oficial a concurso

En Sitges había mucha expectación por visionar el nuevo trabajo de los directores de Goodnight Mommy, una de las revelaciones de hace ahora cinco años. Muchos temían que la mirada de Fiala y Franz, ya con un presupuesto mayor y con las inevitables restricciones industriales (recordemos: se trata de vender el mayor número de entradas en todo el mundo), hubiera sufrido un blanqueamiento que les acercara al blockbuster y les alejara del indie europeo, su terreno habitual. Por suerte, The Lodge no hace concesiones a nadie y se intuye una lectura libre, también imprevisible, de la debacle familiar y la oscuridad infantil que ya sobrevolaba su anterior título. Tras perder a su madre, dos hermanos deben convivir con la nueva pareja de su padre en una cabaña en mitad del bosque y en pleno invierno. La casa se convierte en purgatorio, la convivencia se torna un calvario y las escasas esperanzas de salvación entroncan con los traumas de los mayores y de los pequeños. Fiala y Franz, una vez más, demuestran su mano maestra en la construcción de atmósferas y en la dirección de crescendos dramáticos. La resolución, de nuevo, decepcionará a aquellos que esperen atar todos los cabos sueltos. Es difícil vaticinar qué trayectoria tendrá The Lodge en cines y plataformas: justamente se sitúa en un territorio fronterizo entre el terror comercial y la abstracción más absoluta. Sea como sea, esperemos que el filme dé una nueva vida a la carrera de Alicia Silverstone, una actriz que dentro y fuera de la pantalla sufre y ha sufrido una particular penitencia. Sin el cansancio y las prisas propias del festival, apetecerá volver a The Lodge para disfrutarla y sufrirla como se merece.

VIVARIUM

EE. UU., 2019. Dirección: Lorcan Finnegan

Sección: Oficial a concurso

La Semana de la Crítica de Cannes acogió este mayo Vivarium, la nueva distopía indie del cine norteamericano. Pocos personajes, un único espacio y lecturas que ponen sobre la mesa cuestiones como la incomunicación, la deshumanización y la vida en el primer mundo acomodado. Podría ser un capítulo breve de Black Mirror pero Lorcan Finnegan convierte Vivarium, su segundo largometraje, en un estimulante tour de force de hora y media de duración en el que Jesse Eisenberg e Imogen Poots, protagonistas casi únicos de la función, están encerrados en un barrio residencial deshabitado. Su desesperación contrasta con un paisaje laberíntico, tan vacío en lo formal como, intuimos, cargado de significaciones muy intrincadas. La anécdota, aunque notable y entretenida, no siempre justifica su metraje; y su resolución, puede que la única posible, se intuye evidente. Con todo, Vivarium es un juguete fílmico estimulante, capaz de consensuar a los fans del género y al público general de los multisalas, aunque será especialmente este último el que agradezca la evidencia de metáforas tan transparentes como la escena de los títulos de crédito iniciales. Un El show de Truman filtrado por las derivas kafkianas de Enemy, con toques que pueden recordar al cine de Gondry y Jonze. 

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FESTIVAL DE SITGES 2019 (III) | CINE ESPAÑOL: VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN, EL ASESINO DE LOS CAPRICHOS, EL HOYO, 4x4, PARADISE HILLS y AMIGO

VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN

España, 2019. Dirección: Aritz Moreno

Sección: Oficial a concurso

La novela Ventajas de viajar en tren de Antonio Orejudo era una genialidad imposible de adaptar al cine. Decimos "era" porque, contra todo pronóstico, la película de Artiz Moreno es fiel al "cariño cruel" del libro, incluso a su estructura en tres episodios. Como sucede con los cerebros de los afectados de personalidad múltiple, el filme se abre como una cebolla que va desvelando todas sus capas: vamos de la meseta a París, del fragor de la guerra al interior de un quiosco... y suma y sigue. Mientras, desde la butaca, uno abre los ojos como platos y se sorprende al ver que el castillo de naipes nunca se desploma. Comedia negrísima sobre detritos, maltratos y trastornos, una visión deformada y lúdica de lo que somos con una estética y un reparto únicos. De esas veces en las que todos los planetas (medios, elenco, presupuesto) se alinean para formar una ópera prima de culto instantánea, título único en nuestro país y de cualquier cinematografía, con tal cantidad de espacios, tiempos, caracteres y datos que invita a visionarla más de una vez. Le deseamos mucha suerte: esperemos que sus excentricidades no vayan acompañadas de la incomprensión del público mayoritario. El cariño de los asistentes en Sitges lo tiene garantizado.

EL ASESINO DE LOS CAPRICHOS

España, 2019. Dirección: Gerardo Herrero

Sección: Órbita

Gerardo Herrero, pese a ser uno de los cineastas más prolíficos del panorama nacional, apenas ha aportado un par de títulos estimables. El asesino de los caprichos incide en el amor del cineasta por el thriller, el género que más ha cultivado en la última década. A partir de un libreto de Ángela Armero (que parece la adaptación de una novela superventas), Herrero, a diferencia del carácter ibérico de los últimos Sorogoyen y Arévalo, convoca gran parte de los clichés del noir norteamericano (mujeres uniformadas con comportamientos masculinos, cierta esencia de buddy movie, etc.), una fórmula que recuerda a policíacos de tiempos pretéritos. La película, como resultado, apela a una narrativa desfasada, incluso en aspectos técnicos ya superados (véase las escenas en la azotea, con un uso del croma que clama al cielo). Una buena idea lastrada por la incapacidad de sus responsables por ir más allá de lo evidente. Entretiene moderadamente, con instantes de humor involuntario y un reparto que, pese a su oficio, no puede salvar el conjunto de la más absoluta medianía. Susceptible de un remake futuro.

EL HOYO

España, 2019. Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia

Sección: Oficial a concurso

2019 pasará a la historia como el año en que nuestro cine se exhibió y ganó premio en casi todos los festivales internacionales. El hoyo, último nombre que se añade a la cosecha, llega a Sitges con el subtítulo de "la sorpresa de Toronto" y su pase ha superado con creces todas las expectativas. El debut de Gaztelu-Urrutia en el largometraje es la madre de todas las distopías políticas, una especie de "Cube a la española" que cuestiona las bases del capitalismo, el desapego al prójimo, nuestra relación con la comida y, en general, un sistema social que consume objetos y personas. Durante noventa minutos, Ivan Massagué está encerrado en una especie de pirámide vertical, con plataformas que imitan un sistema de castas: arriba están los más aventajados y abajo sufre la clase pobre, que muere y mata por absoluta necesidad. La premisa se domina a la media hora de metraje, pero la trama introduce variaciones que permiten dilatar la reflexión y el entretenimiento: hay material incluso para realizar las series y las secuelas que se quieran. Una idea brillante ejecutada con compromiso social y de género. Dará mucho que hablar y muchas alegrías a su equipo. Recordad: "la panna cotta es el mensaje. Obvio".

4x4

Argentina, 2019. Dirección: Mariano Cohn

Sección: Òrbita

A juzgar por sus últimos estrenos, parece que los argentinos están "hasta las pelotas", con perdón. Y no hay nada mejor que la ficción para destapar las injusticias sociales y, por qué no, canalizar toda la rabia contenida. Todo ello estaba en las bases de los Relatos salvajes de Damián Szifrón y en los proyectos de la pareja que forman Cohn y Duprat. En 4x4, el primero dirige, el segundo escribe y ambos se divierten bromeando con su propia obra (inventan el cartel de una hipotética secuela de su El hombre de al lado) y llevando al extremo sus estilemas (si antes jugaban a incomodar a su protagonista, y con él a gran parte del público, ahora la claustrofobia es literal y el personaje está encerrado en el interior de una camioneta blindada durante el 90% del metraje). El resultado, más cercano al fantástico que a la retranca ché, presume de algunos hallazgos visuales (destaca la fotografía de Kiko de la Rica), mantiene al espectador pegado a la butaca... y, tras su resolución, no puede esconden su carácter anecdótico. Como un relato del citado Szifrón, pero estirado hasta alcanzar la canónica hora y media. Con más energía que brío, más enfado que denuncia. Coproducción hispano-argentina, otra más, que no tardará en llegar a nuestras salas.

PARADISE HILLS

España, 2019. Dirección: Alice Waddington

Sección: Oficial a concurso

El mundo del cine es para los valientes. Con 29 años, la bilbaína Alice Waddington presenta una ópera prima inusual dentro del panorama español. Paradise Hills es una fantasía femenina y feminista con una cuidada puesta en escena, una notable economización de recursos y combinación de talento nacional y actores internacionales, una fórmula muy acorde con las demandas comerciales de nuestros tiempos. También, como sucede con parte del audiovisual más reciente, Paradise Hills cuenta con una buena premisa que, a la postre, va perdiendo fuelle hasta diluir toda la carga emocional e ideológica que apuntaban sus primeras escenas. La odisea de unas jóvenes burguesas que están encerradas en un internado es un "quiero y no puedo" de lugares comunes que, con todo, puede gustar a su audiencia potencial: adolescentes, millenials y etcétera. Nos quedamos, en definitiva, con una estética (vestuario, dirección artística, maquillaje y peluquería) que, aunque vacía, no está exenta de méritos. Una excéntrica demostración de todo lo que es capaz de hacer nuestra industria y, colateralmente, una exposición de todas sus vergüenzas e imperfecciones.

AMIGO

España, 2019. Dirección: Óscar Martín

Sección: Oficial a concurso

Puede que Javier Botet nunca gane un Goya, pero probablemente no lo necesite: es con toda seguridad el intérprete español que más ha trabajado en la última década, tanto en España como en el extranjero. En reconocimiento a esa hiperactividad, claramente vinculada a su singular físico, el Festival de Sitges le ha otorgado este año un premio muy merecido y nada corriente. Lástima que ese galardón se justifique con la proyección de una película tan anecdótica como Amigo, en la que Botet también participa en labores de guion. Sin las capas de maquillaje a las que nos tiene acostumbrados, el cuerpo desnudo del intérprete es lo único imponente de un filme que nunca debió pasar del formato corto. Dos amigos deciden vivir en una casa en mitad de la nada. Uno está enfermo, el otro ejerce de cuidador, y entre ambos hay varios secretos y rencillas que se resuelven con moderado interés en su tercio final. Óscar Martín cuenta con pocos medios, pese a lo dicho estamos ante una película "resultona"... pero su inclusión en Sitges resulta excesiva (sin olvidar que el festival de catalán es muy dado a las desmedidas). Botet, a nuestro pesar, no ampliará su nómina de amigos. Difícilmente encontrará acomodo en la gran pantalla.

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FESTIVAL DE SITGES 2019 (II) | CINE FRANCÉS: ZOMBI CHILD, THE ROOM, L'ANGLE MORT y VIF-ARGENT

ZOMBI CHILD
Francia, 2019. Dirección y guion: Bertrand Bonello
Sección: Noves Visions

En contra del nombre de la sección que acoge estos días en Sitges el filme Zombi Child, la "visión" de Bertrand Bonello dista de ser "nueva", por mucho que se reinvente película tras película. El estupor que despertó Nocturama, acompañado por las recepciones nada consensuadas de títulos como Casa de tolerancia y Saint Laurent, alimentan la leyenda de uno de los enfant terrible del último cine galo. Esa fama se engrandece ahora con Zombi Child, inédita visión del Haití ancestral, cuyos ritos tienen su impacto décadas después, a centenares de kilómetros de distancia, en un instituto femenino de alto rendimiento. Bonello plantea la posibilidad de que los muertos vivientes del pretérito sean el reflejo y la herencia de los vivos sin espíritu del presente: de ahí la constante antítesis entre los esclavos insulares y las adolescentes de la Europa acomodada, así como la filmación de momentos genuinos como la clase de historia o el gesto casi mágico, reverencial y cómico, con el que las alumnas saludan a una de sus docentes. Por desgracia, el adorno mítico y místico que rodea ese debate sobre el colonialismo es a todas bruces desnortado, con un tramo final que añade extrañeza pero no semántica a sus fotogramas. Bonello, una vez más, demuestra que el suyo es un cine de conceptos complejos y ejecuciones débiles. Tan brillante como pagado de sí mismo. Al menos le debemos la vuelta de tuerca al subgénero zombi más radical de lo que va de siglo.

THE ROOM
Francia, 2019. Dirección: Christian Volckman
Sección: oficial a concurso

The Room ostenta una de las mejores ideas jamás vistas en una película de corte fantástico. Una pareja llega a su nuevo hogar y descubre que una habitación tiene el poder de darles todo lo que pidan. Solo hay un impedimento: la persona, la realidad o el objeto que desean materializar solo puede existir entre las paredes de la casa. La estética de la mansión, acorde con los cánones del subgénero de recintos encantados, hace pensar en una historia con ecos de Stephen King, pero a posteriori se torna un juguete cambiante, más cercano a las diatribas genéricas y morales de la serie Black Mirror. The Room tiene algo de cliché y mucho de producto pensado para su explotación en multisalas (es una coproducción francesa, hablada en inglés, con formalismos norteamericanos y con actores de distintas procedencias), y aún así consigue entretener sin dejar en la platea la molesta sensación, por desgracia muy frecuente en el cine de género, de que sus responsables nos están tomando el pelo. Eso sí: Christian Volckman se toma la licencia de retorcer los límites de la trama en un final que perfectamente podría ser el inicio de otro filme. Como una habitación cuya puerta conecta con la entrada de otra estancia, y así hasta nunca acabar. La respuesta, tras su lanzamiento. 

L'ANGLE MORT (BLIND SPOT)

Francia, 2019. Dirección y guion: Patrick-Mario Bernard y Pierre Trividic

Sección: Oficial a concurso

Marvel lleva una década rentabilizando los traumas de sus superhéroes. Aunque la fórmula sea la misma, las formas y el presupuesto de L'angle mort son muy diferentes. Aquí asistimos a las tribulaciones de un hombre que desde pequeño tiene la capacidad de volverse invisible. En apariencia, un don, pero a sus 38 años, con un trabajo precario y una vida amorosa inestable, ese poder es una penitencia. El actor Jean-Christophe Folly pone su alma y sobre todo su cuerpo al servicio de un guion que, por lo demás, carece de consistencia. Nunca se explica por qué el personaje quiere despedirse de su habilidad o qué motivo le empuja a cambiar constantemente de pareja. Se diría que sus directores tenían muchas ideas, todas buenas, pero el libreto final carece de conflicto y psicología. Siendo poco exigentes, resta el interés de una deriva existencialista que, pese a sus devaneos, invisibilidades aparte, podría ser el devenir de cualquiera de nosotros. Seguiremos atentos al dúo de Bernand y Trividic: su "ángulo muerto" o "punto ciego", según la traducción que se maneje, encierra momentos de humor apesadumbrado (los paseos en cueros por la calle) y paréntesis extravagantes (la desaparición del bebé en un camerino) que hacen pensar en dos autores con potencial. 

VIF-ARGENT (BURNING GHOST)

Francia, 2019. Dirección: Stéphane Batut

Sección: Noves Visions (Especials)

Los festivales permiten que películas aparentemente sin ningún nexo en común, por el simple hecho de figurar en un mismo planning de proyecciones, establezcan conexiones y permitan debates interesantes entre prensa y público. En Sitges, el visionado casi simultáneo de Vif-Argent y L'angle mort nos ha permitido hablar in situ, con opiniones la mar de diversas, sobre los usos y abusos del cine francés. Aunque Francia cruza los Pirineos cada fin de semana con sus estrenos, sigue existiendo un cine galo oculto, experimental y joven, limitado al circuito de certámenes y a las filias de los críticos más atentos. Vif-Argent, que aquí desembarca con el aval del premio Jean Vigo, sigue a rajatabla el manual del audiovisual francés con visos de trascendencia. Hay jóvenes muy atribulados, extravagancias que solo pueden permitirse nuestros vecinos, romances idealizados, citas mitológicas, voces en off embellecidas, silencios dilatados y viajes en el espacio y en el tiempo. Suena a cliché y en el fondo lo es. Tanto como decir que Vif-Argent gustará únicamente a los acólicos de filmes "a la française". No descartéis que os lleve al éxtasis o al sueño profundo. Café para cafeteros. Eso sí: con dos actores que llenan la pantalla.

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FESTIVAL DE SITGES 2019 (I) | INSTINTOS MATERNALES: DARLIN', BLOODLINE, THE NEST y CUANDO FUIMOS BRUJAS

DARLIN'

EE. UU., 2019. Dirección y guion: Pollyanna McIntosh

Sección del festival: Panorama Fantàstic

Concebida como una secuela libérrima de The Woman, Darlin' incide en la figura del "niño salvaje" para criticar las oscuridades del sistema mediante la parodia, el drama y los códigos propios del fantástico. La actriz Pollyanna McIntosh se encarga también de dirigir y guionizar la película, un dato que no debe pasar por alto, ya que la historia, a diferencia de su original, contiene un fuerte discurso sobre la maternidad, los parias, la hipocresía religiosa y los instintos más primarios. En términos cinematográficos la película no pone patas arriba ninguna tesis ni abre nuevos frentes expresivos, pero sí ofrece 100 minutos entretenidos, de una vocación B muy transparente y cierta pericia para insuflar a la trama los giros y los guiños gore justos y necesarios. Su final, apoteósico aunque abrupto, hace pensar en una posible tercera parte que complete, más si cabe en tiempos de Trump, el muestrario de la Norteamérica violenta de nuestros tiempos. Lástima que, con mirada de 2019, la imagen de una niña con comportamientos animales, en el plano real y ficticio, resulte menos terrorífica que, por ejemplo, cualquier noticia de telediario.

BLOODLINE

EE. UU., 2019. Dirección: Henry Jacobson

Sección del festival: Oficial a concurso

No será ni el primer ni el último actor en dar un giro de ciento ochenta grados a su carrera. Seann William Scott, intérprete vinculado a la saga American Pie y a otras comedias juveniles, regresa a la gran pantalla con cambio de imagen y nuevo registro. En Bloodline, William Scott explora su lado oscuro, a imagen y semejanza del Michael C. Hall de la serie Dexter. Desde el despacho del instituto donde trabaja, el protagonista de Bloodline escucha todos los traumas personales y familiares de varios adolescentes. Primero, impávido. Luego, coincidiendo con el nacimiento de su primer hijo, de manera activa o, en otras palabras, matando a todos los adultos negligentes que lastran a sus alumnos. La premisa es poco sutil, si bien la película funciona como reflexión deformada del instinto de protección y paternidad, sobre el legado y la venganza. De nuevo, no será ni la primera ni la última cinta que aborde estas cuestiones, pero Bloodline juega hábilmente con las convenciones sociales y fílmicas: empieza a modo de slasher, con el asesinato de una mujer en el baño de un hospital, y termina con un último giro en que la feminidad se rebela como principal ente procreador y destructor. Tal y como están las cosas, puede considerarse que Bloodline, convenciones aparte, es una de las películas más valientes, incorrectas y estimulantes del último indie norteamericano. 

THE NEST (IL NIDO)

Italia, 2019. Dirección: Roberto De Feo

Sección del festival: Oficial a concurso

El cine italiano más reciente parece renegar del giallo, tan famoso décadas atrás. The Nest, uno de los pocos ejercicios de cine fantástico venidos de Italia que forman parte del catálogo sitgense, tiene como referencia narrativa y estética el cine norteamericano más estilizado. En una mansión, una madre sobreprotectora obliga a su hijo tetrapléjico a mantener una vida alejada de la civilización. Su director coquetea con el subgénero de las casas encantadas y juego al despiste durante todo el metraje, hasta tal punto que los personajes carecen de complejidad psicológica. Nada, a la postre, impacta y aterra. Y cuando el espectador asume el naufragio, la película cierra con un plano de inspiración zombi que incrementa la confusión de la platea. Prueba irrefutable de que lo mejor de The Nest es, paradójicamente, la película de muertos vivientes (o de vivos desalmados) que nunca llega a manifestarse en pantalla.

CUANDO FUIMOS BRUJAS (THE JUNIPER TREE)

Islandia, 1990. Dirección y guion: Nietzchka Keene

Sección del festival: Seven Chances

Después de una recuperación, remasterización y reivindicación tardía, el Festival de Sitges acoge en calidad de evento la proyección de Cuando fuimos brujas (The Juniper Tree), una de las películas islandesas más desconocidas, si bien la presencia en su reparto de la cantante Björk la ha visibilizado en determinados espacios de internet en los últimos años. Con la cara lavada y en pantalla grande, Cuando fuimos brujas presume de un blanco y negro bellísimo y una atmósfera mítica y mística que recuerda al cine de los tótems del audiovisual nórdico. Al morir su madre, tachada de bruja por una sociedad que nunca vemos en imágenes, dos hermanas se trasladan al corazón de la Islandia desértica y salvaje junto a un hombre viudo y su hijo. La confluencia de distintas dimensiones (la feminidad y la masculinidad, lo mágico y lo terrenal, la fiereza de los mayores y la inocencia de los pequeños), además de la impronta del paisaje, confieren a Cuando fuimos brujas una personalidad única, en cuyas entrañas se esconde una historia que bascula entre la misoginia y el feminismo. Sus profusas pausas en forma de fundidos a negro y su apego por la cuentística y el folklore musical suman atractivos a una película tan apocada como imponente, dirigida por una cineasta norteamericana, rodada a trompicones y entre estrecheces en 1986 y estrenada en el escaparate de Sundance en 1991. Un título importante más allá del (re)conocimiento de esa (contra)figura del pop que es Björk, aunque el fan entregado encontrará muchas conexiones entre Cuando fuimos brujas y el universo de la artista: ahí están los videoclips de Jóga y Bachelorette o los personajes que subyacen en las letras de Isobel o Hyperballad. 

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SEMANARIO 144 | LOS POST DE AGOSTO Y SEPTIEMBRE

¿Te perdiste algún artículo del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de Cinoscar & Rarities. Los post más recientes los recopilamos aquí.

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 5X02 | ESPECIAL PREMIOS EMMY 2019 (II)

Programa nº 133 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Mayra Meza y Xavier Vidal analizan la GALA de los PREMIOS EMMY: titulares, palmarés y mejores momentos. Incluye RESEÑAS de las últimas temporadas de EL CUENTO DE LA CRIADA, STRANGER THINGS y EUPHORIA. Sin spoilers, con la mejor música y tráilers. ¡Gracias por darle al play!

Guía del programa:

0' Presentación - 2' Lo mejor de la Gala de los Emmy - 12' Fleabag y comedia - 16' Chernobyl y miniserie - 22' Juego de tronos y drama - 32' El cuento de la criada T3 - 36' "Stranger Things T3 - 40' Euphoria - 44' Despedida y canción: "My Body is a Cage", de Arcade Fire.

Puedes enviar tus comentarios o audiocomentarios con sugerencias o recomendaciones a nuestro mail cinoscararities@gmail.com, estaremos encantados de leerte o escucharte.

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 5X01 | CINE ESPAÑOL SEPTIEMBRE

Programa nº 132 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Alberto Tovar y Xavier Vidal vuelven de vacaciones para analizar toda la actualidad de nuestro cine: noticias, preselección al Óscar, festivales de Venecia y San Sebastián, últimos estrenos y mucho más. Incluye primera parte del especial ESPAÑA EN LOS ÓSCAR, con análisis de la categoría de Mejor película de habla no inglesa (ahora, Mejor película internacional). ¡Gracias por darle al play!

Guía del programa:

0' Presentación - 2' Noticias - 12' Dolor y gloria a los Óscar - 19' Avance de Mientras dure la guerra - 24' Análisis Festival de Venecia - 39' Avance Festival de San Sebastián - 46' Comedias: Lo dejo cuando quiera, La pequeña Suiza, ¿Qué te juegas? y Bellezonísimo - 51' Quien a hierro mata - 58' Especial ESPAÑA EN LOS ÓSCAR (I): Mejor película internacional - 81' Despedida y canción: "The Darkest Times" de Mordem

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LISTA | LAS MEJORES PELÍCULAS GANADORAS DE LA CONCHA DE ORO

Uno de los tópicos que existen en torno al Festival de San Sebastián es que sus palmarés nunca gustan a crítica y público. Toda leyenda urbana tiene algo de cierto, pero en esta lista queremos reivindicar la Concha de oro del Zinemaldia como garante de muchas y muy buenas películas que, por avatares varios, siguen en la memoria de la comunidad cinéfila o que, con el paso de los años, han sufrido un ostracismo injusto. De la radicalidad experimental de Los pasos dobles (2011) a la comedia popular de The Disaster Artist (2018), pasando por la reivindicación de cinematografías iberoamericanas, asiáticas y europeas no demasiado habituales, el máximo galardón cinematográfico que tenemos en España ha tenido ganadores muy notables y variados. A continuación destacamos nuestras 8 conchas favoritas de las últimas veinte ediciones del certamen. 

8. MIL AÑOS DE ORACIÓN (EE. UU., 2007)

Wayne Wang es un ejemplo de director que Hollywood subestima y contrata para dirigir películas de usar y tirar. Mil años de perdón, su apuesta más outsider y personal, sigue destilando la autenticidad de lo cotidiano, la importancia de las historias pequeñas. Probablemente no hubiera tenido la misma fortuna en escaparates más masificados como los de Cannes: un gol para San Sebastián. A ver si toman nota otros directores...

LISTA | LAS PELÍCULAS DE LOS PREMIOS ÓSCAR 2020 (I)

Cinoscar & Rarities repasa las películas que suenan con más fuerza de cara a los próximos premios Óscar. Títulos proyectados en los principales festivales de otoño, estrenos que ya conocemos y otros nombres que prometen dar la sorpresa. En breve publicaremos una segunda parte con el resto de cintas "oscarizables". Todas ellas las encontraréis en nuestro podcast Especial Óscar 2020, disponible en Ivoox y Spotify.

A BEAUTIFUL DAY IN THE NEIGHBORHOOD

En No matarás... al vecino, el personaje de Tom Hanks miraba en la televisión un episodio del programa infantil del mítico Fred Rogers. Tres décadas después, incumpliendo la promesa de no interpretar a personajes reales, el que fuera "novio de América" regresa para conseguir esa candidatura que se le escapó con Capitán Philips. Incluso puede darle una alegría a Matthew Rhys. La fórmula: drama de relaciones humanas, buenos sentimientos, estética vintage y descripción del show business. ¿Será demasiado sentimentaloide? ¿Se entenderá fuera de los Estados Unidos, entre públicos que no conozcan a Rogers? Este noviembre, en salas.