CORTOMETRAJES: SIGNS, de Patrick Hughes

CORTOMETRAJES 07: SIGNS, de Patrick Hughes (Australia, 2008)

Comentario: Dos actores, un par de escenarios y ninguna línea de diálogo. Material suficiente para contar una preciosa historia de amor entre dos desconocidos que intercambian impresiones cada mañana enviándose mensajes escritos desde las ventanas de sus oficinas. Un esquema sospechosamente parecido, por no decir copiado, al del corto de Disney Paperman, recientemente galardonado con el Oscar de Hollywood. Signs no corrió tanta suerte, aunque desde su estreno en su Australia natal el marzo de 2008 se ha convertido gracias a internet y los festivales especializados en una pieza de culto. La estructura es tan dulce como sencilla: ocho minutos en el que asistimos al despertar de un personaje sumido en la terrible vorágine de lo cotidiano. Una forma curiosa de hacernos ver que estamos rodeados de pequeñas señales y seres que pueden cambiar el rumbo de nuestras vidas en el momento menos pensado. Para los que tienen la intuición o simplemente desean encontrar el amor de sus vidas a la vuelta de la esquina. Precioso. Pero volviendo a lo de antes... ¿alguien puede explicarnos por qué no se dio cancha a esta joya y sí a la citada Paperman? No hay parecido (o plagio) que por bien no venga y nunca es tarde si el cortometraje en cuestión es bueno (muy bueno). Disfruten de Signs.

Para enamoradizos con remedio.
Lo mejor: Aúna sencillez y originalidad.
Lo peor: Querer encontrar algo más que la otra media naranja.

Nota: 7

La calumnia: Crítica de THE GREEN, de Steven Williford

The Green habla de esa homofobia que permacene latente y que solo necesita una pequeña chispa para salir a la superficie en forma de llama. Michael es un profesor de instituto respetado por todos, al menos en apariencia. Está preparando la que será su primera novela, es bastante popular entre los alumnos y el claustro de profesores, y su relación con Daniel no hace más que afianzarse con el paso de los años. Todo se romperá cuando una calumnia atente contra la imagen pública y la vida privada de Michael. De la noche a la mañana todo se lee en clave perspicaz, y esa zona rural que debía ser un remanso de paz tras huir de la ciudad pasa a ser territorio de hostilidades y desconfianzas. The Green contiene una poética muy sutil al contarnos la lucha de alguien que creía que ya no tenía que luchar por nada. No es una película combatiente, si acaso un melodrama que, con independencia de la subtrama queer, nos explica aquello que ya sabíamos por otras obras: una acusación puede ser tomada como un hecho, y un rumor acaba por tener más repercusiones que aquello que se sabe de primera mano. Una película que funciona por la endereza de sus actores al dar vida a un guión claustrofóbico que una vez estalla el conflicto persigue a su protagonista hasta el fin del martirio. Lástima que The Green quede un tanto afeada por un final rocambolesco, increíble por poco verosímil pero también por gratuito. Parece que al final el debutante Steven Williford no quiere ir al meollo de la cuestión y hace un leve rodeo o paseo por el jardín del título: hubiera sido interesante ver un desarrollo fiel al cine de juicios que tanto gusta a los estadounidenses. Aún con todo, es una película notable que sorprendente se ha estrenado directamente en Itunes, Amazon y otras plataformas digitales pese a contar con un público potencial en aumento y una posible carrera en cines. The Green no acaba de ser una radiografía completa y compleja del odio, pero al menos tiene la fuerza de esos casos pequeños cuya dureza se presta a interesantes generalizaciones y reflexiones.

Nota: 6

Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

MIS CDS: 5, de ALIZÉE

5, de Alizée (Francia, 2013)

Presentación: Con solo 16 años, su álbum de debut Gourmandises, apadrinado por la cantante Mylène Farmer en las labores de producción y composición de letras, consiguió ser uno de los cds en lengua francesa más vendidos en Europa, Asia y América: más de 4 millones de copias en solo un año. El single Moi... Lolita fue uno de los más escuchados del 2001 y le sirvió para colarse en la lista de las 100 mujeres más deseadas del mundo. También destaca Gourmandises, pieza que da nombre al disco. Mes Courants Electriques (2003) no consiguió tener la misma repercusión, si bien el single J'en ai marre repitió fortuna en Francia. Psychédélices, sin el apoyo de Farmer, pasó totalmente desapercibido a excepción de la nueva versión de La isla bonita de Madonna. Une enfant du siècle supone un cambio en su carrera, menos apegado al pop: el single Les Collines (Never Leave You) desaparece de las listas muy pronto pese a contar con el apoyo de la crítica. 5, su quinto trabajo, ve la luz el 25 de marzo 2013.

Reseña: Alizée saltó a la palestra cuando todavía no existía la moda de los talent shows. Con los años no ha podido superar o igualar el éxito del hit Moi... Lolita, y la necesidad de encontrar una personalidad reconocida y reconocible en un panorama musical fragmentado, entre otros factores por los nuevos rostros de los programas televisivos, se hizo evidente en el anterior álbum Une enfant du siècle. 5, por su título y portada, parece la voluntad de iniciar una nueva etapa, consciente de que los sonidos oscuros de su anterior trabajo no funcionaron y de que el pop comercial, carne de descarga, es cosa del pasado. 5 es una nueva Alizée, más madura, más preocupada en crear sonidos atmosféricos que estribillos pegadizos, más centrada en moldear una voz que diez años después de su presentación ha ganado en matices. El disco empieza con A cause de l'automne, pieza con vocación de single a la vieja usanza que bien pudo formar parte del repertorio de Françoise Hardy. 10 ans y Le dernier soufle son canciones rítmicas, con bases 'rockabilly' y la calidez de Coeur du Pirate. Je veux bien es la única concesión al pop rápido que entra a la primera escucha y que casa a la perfección con el repertorio de su primer Gourmandises. Y entre sonidos rock se cuelan los medios tiempos de Mon Chevalier, Jeune Fille o Dans Mon Sac, momentos íntimos en los que Alizée se sirve de apenas un solo de piano o guitarra in crescendo para reivindicar su trabajo como artista completa. En resumen, un cd de corte naïf pero muy consistente y homogéneo que va a la contra de las modas. Un álbum con poco gancho para las radios y el público joven que bailó en su día la intrascendencia de la primera Alizée. Ahora ya no queda nada de esa joven Lolita que cantaba sus dudas sexuales: la picardía de la sex symbol ha dado paso a una artista que busca su espacio dentro de la nouvelle chanson française. Una grata sorpresa: once canciones muy recomendables.

Recomendado para: Curiosos en cambios artísticos radicales.
Los mejores tracks: A cause de l'automne, 10 ans, Jeune Fille, La guerre en dentelle.
Nota: 7

Música islandesa en vena: Crítica de SCREAMING MASTERPIECE

Islandia, pese a tener alrededor de 300.000 habitantes, cuenta con 90 escuelas de música,  6.000 miembros de coros, 400 orquestras e infinidad de grupos indie conocidos y desconocidos que en la isla solo pueden vender en el mejor de los casos unas 300 copias de sus trabajos discográficos. Son datos que aporta Screaming Masterpiece, un documental que repasa el fenómeno de la música islandesa con algunos apuntes históricos pero sobre todo nutriéndose de las actuaciones en directo de bandas fantásticas. El film indaga en las características de la nueva generación de músicos islandeses que trabajan desde la absoluta libertad y que como Múm o Sígur Rós llegan a tener un alcance internacional. Screaming Masterpiece apunta algunos de los motivos que hacen de la música islandesa casi un género musical en sí mismo: factores culturales, la influencia del rock británico de los 70, el paisaje de la isla (lleno de contrastes: de volcanes a glaciales) y la posición en el mapa de Islandia (parte de Escandinavia pero desgajada de la realidad nórdica, entre Europa y América y a su vez parte de ninguna de ambas) moldean de forma invisible el estilo de una música creativa y ecléctica. La parte divertida del film está en ver a artistas noveles cantando y tocando en la soledad de una habitación, de un estudio de grabación o de una iglesia vacía. Pero la verdadera magia es más musical que cinematográfica: asistir a un concierto de hora y cuarto de rock, balada y música alternativa que mezcla la cuerda con la electrónica hecha de pequeños beats, strings, virgerías de Beat Box y sonidos de instrumentos tan singulares como cajas de música, sierras metálicas o el Reactable de Björk. Al final el documental deja abierto el interrogante de por qué la música islandesa es como es, pero tampoco interesa responder la pregunta: Screaming Masterpiece está hecha para el fan de la buena música. Tras ver Screaming Masterpiece dan ganas de empaparse de la escena musical que se vive en los pubs de Reykjavík y de apuntar infinidad de bandas en la lista de descargas pendientes. Si son exploradores curiosos de la música que casi nunca tiene su espacio en los circuitos comerciales, Screaming Masterpiece les resultará un festín.

Nota: 7

Si te gusta esta reseña, vótala en Filmaffinity

Pueden ver el documental completo aquí:

SEMANARIO 5: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG

Semana del 01/04 al 07/04 de 2013

Cineranking: Ranking marzo

Crítica: SI FUERA FÁCIL (THIS IS 40), de Judd Apatow

Cine año 2000: CALLE 54, de Fernando Trueba

Cine año 2000: PÍDELE CUENTAS AL REY, de José Antonio Quirós

Clásico moderno: SONATINE, de Takeshi Kitano (Japón, 1993)

Cine nórdico: BEAST, de Christoffer Boe

Cine queer: SEGUNDA PIEL, de Gerardo Vera

 El cortometraje: ÉRAMOS POCOS & LA PRIMERA VEZ, de Borja Cobeaga

La escena: EL SECRETO DE SUS OJOS, de Juan José Campanella

CINERANKING MARZO: LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2013

Un mes más, 47 lectores del blog han votado el mejor cine del 2013. 25 películas superan el 7 de nota y demuestran que la hornada de este año está siendo excelente. Estas son las cintas mejor valoradas:

TOP TEN MARZO 2013

10. MAPA, de León Siminiani (España)

= Nota: 7'6 Votos: 5 Crítica: Link

9. LA NOCHE MÁS OSCURA, de Kathryn Bigelow (EE. UU.)

-1 Nota: 7'62 Votos: 24 Crítica: Link

8. A PUERTA FRÍA, de Xavi Puebla (España)

Nueva Nota: 7'67 Votos: 3 Crítica: Próximamente

7.Empate con una media de 7'77 entre:

LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO, de S. Chbosky (EE. UU.) = Vs.: 22 Crít.: Link

THE MASTER, de P. T. Anderson (EE. UU.) -3 Votos: 26 Crítica Link

6. BLUE VALENTINE, de Derek Cianfrance (EE. UU.)

-1 Nota: 7'83 Votos: 23 Crítica: Link

5. TABÚ, de Miguel Gomes (Portugal)

+4 Nota: 7'87 Votos: 8 Crítica: Próximamente

4. DJANGO DESENCADENADO, de Quentin Tarantino (EE. UU.)

+2 Nota: 7'96 Votos: 29 Crítica: Link

3. Empate con una media de 8 entre:

MÓN PETIT, de Marcel Barrena (España) Nueva Votos: 1 Crítica: Próximamente

PROYECTO NIM, de James Marsh (EE. UU.) = Votos: 2 Crítica: Próximamente

2. SEARCHING FOR SUGAR MAN, de Malik Bendjelloul (Suecia)

= Nota: 8'08 Votos: 12 Crítica: Link

1. AMOR (AMOUR), de Michael Haneke (Austria)

= Nota: 8'37 Votos: 27 Crítica: Link

--------------------

NO ESTRENADA A REIVINDICAR

No se han estrenado comercialmente pero están generando miles de comentarios en la blogosfera y las revistas especializadas. Nuestra reivindicada del mes es:

DESPUÉS DE LUCÍA, de Michel Franco (México)
Festivales de Cannes, San Sebastián, La Habana y Chicago. Nominada al Goya.
Nota: 8'33 Votos: 3 Crítica: Próximamente

--------------------

EL DUELO DEL MES

CINE DE ÉPOCA + ADAPTACIONES LITERARIAS + CINE BRITÁNICO

¿Dickens o Tolstoi, Newell o Wright?

ANNA KARENINA Nota: 6'44 Votos: 16

vs.

GRANDES ESPERANZAS Nota: 5'5 Votos: 2

--------------------

EL VOTANTE DEL MES

Este mes repasamos las notas de Uggo, uno de los concursantes más activos del Cineranking. Para él, todavía ninguna película merece el suspenso. Este es su top:

The Master 9

El atlas de las nubes 8

Hitchcock 7

El lado bueno de las cosas 6

Rebelle (War Witch) 5

--------------------

PRÓXIMOS ESTRENOS

8. POSESIÓN INFERNAL (DEVID DEAD), de Fede Álvarez (EE. UU.)
Estreno: 05 de abril
Nota: 5 Votos: 1 Crítica: Próximamente

7. EN EL CAMINO, de Walter Salles (EE. UU.)

Estreno: 19 de abril
Nota: 5'5 Votos: 2 Crítica: Próximamente

6. Empate con una media de 6 entre:
ALACRÁN ENAMORADO, de S. Zannou (España) Estreno: 12/04 Votos: 1 Crít.: Próx.
EL EJERCICIO DEL PODER, de P. Schöeller Estreno: 19/04 Votos: 1 Crít.: Próx.
MEMORIAS DE UN ZOMBIE ADOLESCENTE, de J. Levine (EE. UU.) Estr.:19/04 Vot.: 1
TIERRA PROMETIDA, de Gus Van Sant (EE. UU.) Estreno: 19/04 Votos: 1 Crít.: Próx.
TIPOS LEGALES, de Fisher Stevens (EE. UU.) Estreno: 12/04 Votos: 1 Crít.: Próx.
UN AMOR ENTRE DOS MUNDOS, de J. D. Solanas (Canadá) Estr.: 05/04 Vot.: 3 Crít.: Próx.

5. NOCHE DE VINO Y COPAS (SUPERCLÁSICO), de O. C. Madsen (Dinamarca)
Estreno: 26 de abril
Nota: 6'5 Votos: 2 Crítica: Link

4. Empate con una media de 7 entre:
BÁRBARA, de Christian Petzold (Alemania) Estreno: 05/04 Votos: 4 Crít.: Próx.
NANA, de Valérie Massadian (Francia) Estreno: 19/04 Votos: 1 Crít: Próx.

3. TESIS DE UN HOMICIDIO, de Hernán A. Golfrid (Argentina)
Estreno: 05 de abril
Nota: 7'5 Votos: 2 Crítica: Próximamente

2. Empate con una media de 8 entre:

EFECTOS SECUNDARIOS, de S. Soderbergh (EE. UU.) Estr.: 05/04 Vs.: 1 Crít.: Próx.
TOMBOY, de Céline Sciamma (Francia) Estreno 19/04 Votos: 2 Crít.: Link

1. LA CAZA, de Thomas Vinterberg (Dinamarca)

Estreno: 19 de abril
Nota: 8'5 Votos: 2 Crítica: Link

POST RANKING FEBRERO: AQUÍ

La primera obra maestra de Takeshi Kitano: Crítica de SONATINE

Sonatine no fue reivindicada hasta que Hana-bi: Flores de fuego ganó el León de oro veneciano. De Takeshi Kitano se han aplaudido mucho sus melodramas aunque en realidad el eje que vertebra su filmografía está en el thriller de yakuzas. Por eso ver Sonatine tras haber disfrutado de Hana-bi, El verano de Kikujiro, Dolls y siguientes supone una revelación y sobre todo una guía para, en mi caso, revisar toda la filmografía de Kitano. Sonatine es un western crepuscular en el que Takeshi Kitano, director, y Beat Takeshi, el mismo en calidad de actor, desarrolla todo un mundo de temas y formas que haría propias a lo largo de los años. En Murakawa, el jefe Yakuza que abandona Tokyo junto a sus compinches para huir de un duelo entre bandas, hay mucho del guerrero hastiado, del samurai agotado, del vaquero sin rumbo, del héroe despiadado y del manipulador expeditivo que Kitano ha dirigido e interpretado durante tres décadas. En contraposición a lo visto en Zatoichi, película de formas más tarantinianas que retrataba la violencia desde la hipérbole y el espectáculo, casi a modo de videojuego de filosofía y ambiente feudal, Sonatine marca la tónica más repetida en Kitano al traernos esa citada violencia desde la contención, dejando las víctimas de los tiroteos fuera de plano, dilatando la espera de la muerte con largos planos o filmando los ajustes de cuentas de una forma no por fría menos poética, no por eufemística menos efectiva, prestando única atención al haz luminoso de la pistola al lanzar la bala o al rostro desencajado poco a poco por efecto de la herida mortal. Porque Sonatine es eso: la incertidumbre y al mismo tiempo la certeza de quien se deja llevar por la agonía, arrastrándose hacia un mar simbólico en el que cualquier posibilidad de luchar y seguir adelante queda descartada. 

Murakawa representa el enfermo que no quiere sanarse y que, al no conocer otra cosa que la ley del más fuerte, no teme morir, como antes de perecer tampoco teme matar a quien se le presente por delante. Es la deshumanicación absoluta, la fiera henchida de sangre, y al mismo tiempo el hombre sensible que en su ocaso encuentra un referente femenino con el que expiar pecados y tal vez confesar miedos inconfesables. También el pallaso que utiliza a sus jóvenes súbditos para marcarse una risotadas, el malo que apoyado por la jerárquica organización de su clan no duda en engañar, humillar y poner al límite a sus esclavos. Un poso de maldad e ironía negra que Kitano, en sus orígenes y todavía ahora un cómico de humor extremo, muestra en todo su esplendor en Sonatine: la escena en que Murakawa mata por descuido a un yakuza enemigo ahogándolo en el mar es de una brutalidad y al mismo tiempo de una comicidad absurda de lo más brillante. Y en paralelo a estas escenas que beben claramente del thriller, el drama habita de la forma más cruda en Sonatine: el fresbee rojo que lanza Kitano en la playa es casi una metáfora de la carnicería final, y la playa como lugar de retiro, paraíso (re)encontrado y escenario de juegos infantiles contiene mil y un símbolos.

Como el Kikujiro que ayudaba a un pequeño a buscar a su padre (El verano de Kikujiro), como el agente de policía que cuidaba de su esposa enferma (Hana-bi: Flores de fuego) o como el vagabundo ciego curtido en el arte de la espada (Zatoichi), el Murakawa de Sonatine es un ser de bondad escondida, débil pese a su fachada, o sea, el rostro pétreo, la mirada distraida, la sonrisa lacónica y el caminar encorbado del propio Takeshi Kitano. Sonatine es una película triste que por su naturaleza de thriller corre el riesgo de pasar desapercibida o desecharse directamente en el cajón de sastre donde figura todo el cine de yakuzas de Kitano. Pero Sonatine vuela muchísimo más alto que O'Brother o que la reciente Outrage, tal vez porque de alguna manera es el título visagra que conecta sus heterogéneos inicios (cinematográficos y televisivos) con la etapa más intermacional y personal de su carrera (Hana-bi: Flores de fuego nace como homenaje familiar después de que Kitano sufriese un brutal accidente de moto, y El verano de Kikujiro es el velado homenaje que Kitano hizo a su padre). En el póster español de Sonatine se puede leer 'la respuesta japonesa a Clint Eastwood', y aunque el cine estadounidense forma parte de las referencias kitanianas su obra es mucho más. Sonatine, definitiva, es la primera obra maestra de Takeshi Kitano.

Nota: 8'5

Las mejores escenas:

Crítica de SI FUERA FÁCIL (THIS IS 40), de Judd Apatow

Si fuera fácil es una película muy acorde con los tiempos que corren. Es la evolución lógica de todas las películas familiares venidas de los Estados Unidos. En ella no cuesta rastrear las directrices del ahora: una clase media-alta con insatisfacciones y dudas, un dominio de la tecnología en las formas de consumo y comunicación, la cultura audiovisual y seriéfila de quienes han crecido con el renacer de la televisión estadounidense, los nuevos modelos de familia como base de una sociedad heterogénea y la encrucijada de la generación nacida en los 70, desconocedora de las grandes guerras, deudora de cierta revolución anterior y absolutamente acomodada en el capitalismo feroz. Las conexiones también atañen a lo formal: aunque su duración, más larga de lo que es habitual en esta era de lo inmediato, promete una tragicomedia de corte clásico, en verdad estamos ante una sucesión de sketches encadenados con más o menos eficacia y gracia que van de lo insustancial a la parodia pasando por cierto amago de crítica social y adoptando algunas tónicas propias de la televisión -en este sentido, podría decirse que el papel de Melissa McCarthy dentro de la función se asemeja más a la aportación de una guest star de sitcom de la pequeña pantalla que a una verdadera intervención terciaria dentro de un material cinematográfico-. Por todo ello Si fuera fácil resulta tan moderna como 'modernilla': su análisis de lo que está de moda -o como se diría ahora de lo 'trendy'- no deja de ser bastante básico, como si la película fuese la puesta en imágenes de un monólogo del club de la comedia juvenil. Si fuera fácil tiene algo de prefabricado, de formulario, de Modern Family a lo grande, pero también es una película que respira vitalismo, en la que uno intuye a unos actores pasándoselo en grande mientras recitan sus frases y a un guionista tecleando en el 'word' de su ordenador pequeñas estampas cotidianas y experiencias de amigos, vecinos y conocidos. Es un film buenrollista, algo exagerado y con altibajos, y aún así altamente disfrutable: en la rendija del patrón 'familia pudiente unida a pesar de los pesares' se acaba colando la verdad de un cine que radiografía con cierta manga ancha y a veces sin ninguna sutileza lo que sucede 'aquí' y 'ahora'. Con el añadido de aportar alguna risotada espontánea a una platea que últimamente no ha tenido demasiadas alegrías dentro y fuera de la sala de cine. Lástima que en la vida real Si fuera fácil haría honor a su título y sería claramente la destrucción de una arcadia económica y vital: el final feliz sigue siendo terreno exclusivo de la ficción yanki.

 Para los que se ríen de sus propias manías y frikadas.

Lo mejor: Por fin el genial Paul Rudd tiene un papel a su altura.

Lo peor: Funciona mejor la comedia de la primera hora que el drama de la segunda parte.

Nota: 6'5

Crítica de PÍDELE CUENTAS AL REY, de José Antonio Quirós

De la mina al Palacio de la Zarzuela

PÍDELE CUENTAS AL REY, de José Antonio Quirós (España, 1999)

¿De qué va?: La mina asturiana donde trabaja Fidel, un padre de familia de 44 años, amenaza con cerrar después de sufrir cinco accidentes graves en el último mes. Cansado de no encontrar ninguna solución por parte de trabajadores, compañeros, jefes y sindicatos, decide caminar a pie con su mujer y su hijo los más de 400 kilómetros que separan su villa de Madrid con el fin de entrevistarse con el rey. El plan de Fidel es recibido con sorpresa por sus convecinos, pero pronto su causa se hará famosa en todo el país hasta saltar a los medios de comunicación.

Palmarés: Mejor película, director, ópera prima, guion y banda sonora en el Festival de comedia de Peñíscola 2000. Premio del público en la Seminci Valladolid.

El dato: La película recoge las experiencias de Luis Castro, un minero que realizó la misma gesta que el personaje de Antonio Resines. El film, ópera prima del cortometrajista y documentalista José Antonio Quirós, tuvo numerosos problemas económicos que obligaron a eliminar secuencias como el apoteósico final con todas las vías madrileñas colapsadas de mineros en marcha, una escena que nunca se pudo rodar. Los responsables de la cinta también tuvieron que lidiar con un complicado sistema de licencias y permisos para poder rodar en diferentes vías y carreteras: la Comunidad de Madrid solo dio permiso de rodaje al equipo durante pocos minutos a altas horas de la madrugada. La escena final se montó mediante efectos digitales tomando un encuentro del rey con Julio Anguita: la Casa Real se negó a rodar en sus instalaciones y alrededores alegando cuestiones de seguridad. El pequeño Nicolás Fernández Luna es hijo en la vida real del director: posteriormente dio vida al hijo del personaje de Lola Dueñas en Mar adentro y al pequeño del matrimonio Marull-Tosar en Te doy mis ojos, además de los títulos posteriores filmados por Quirós como Cenizas en el cielo. Resines y Bonilla, enfrentados en la película, dieron vida pocos años después a dos amigos en busca de fortuna en la taquillera El oro de Moscú. Uno de los últimos trabajos de los veteranos y desaparecidos Emma Penella y Manuel Alexandre. En los títulos de crédito se indica un signo de interrogación en la identidad de 'el vagabundo': en realidad se trata del actor Santiago Segura, que da vida a uno de los personajes más cómicos de la película.

Valoración: Quirós firma una primera película optimista y costumbrista sustentada en las interpretaciones amables de Resines y Ozores. Con todo, el realismo mágico no llega a la altura de los clásicos españoles y la crítica queda un tanto azucarada a favor de la road movie ligeramente cómica. Ese equilibrio, eso sí, permite al film seguir vigente hasta la actualidad e incluso ganar significados con la crisis económica y las escandalosas cifras de paro. Se agradece que Pídele cuentas al rey sea una narración viva, con unos personajes absolutamente luminosos y una historia sencilla pero efectiva. Se nota algún parche de más, seguramente como resultado por parte del director de querer ser fiel a la historia de Luis Castro sin perder de vista ciertas licencias enteramente ficticias: algunos momentos, intuímos, sucedieron en realidad, pero en el cine quedan o forzados o como mínimo descompensados (el encuentro con los periodistas es un ejercicio imposible de llevar la esencia de Berlanga hasta nuestros días). Al menos después de verla uno tiene más energía para seguir adelante, con la esperanza de que ningún esfuerzo queda en balde: solo por eso, ya tarda la televisión pública en reponer una película que aunque pasó bastante desapercibida en su estreno resulta totalmente recurrente recuperar.

 Para comprometidos optimistas.

Lo mejor: Su tono amable.

Lo peor: Desecha la posibilidad de poner el dedo en la llaga.

Nota: 6

CORTOMETRAJES: Especial MARIVÍ BILBAO y BORJA COBEAGA: ÉRAMOS POCOS y LA PRIMERA VEZ

CORTOMETRAJE 05: ÉRAMOS POCOS, de Borja Cobeaga (España, 2005)

Palmarés: Nominado al Óscar al mejor cortometraje. Mención especial en el Festival de Berlín. Otros premios en los festivales de Aspen, Montevideo, Cleveland o Alcalá de Henares.

Comentario: Cobeaga, como Calparsoro y tantos otros, fue muy inteligente al explotar las posibilidades tragicómicas de Mariví Bilbao, actriz vasca reconocida a finales de los 90 por su trayectoria teatral. En Éramos pocos, para quien escribe el mejor trabajo de Cobeaga hasta la fecha, Bilbao es la abuela que cuida de dos irresponsables que no saben vivir por sí solos. Ternura, risas y alguna lágrima: tono complejo e historia conseguidísima que consiguió pisar la principal alfombra roja de Hollywood.

Nota: 8 

--------------------

CORTOMETRAJE 06: LA PRIMERA VEZ, de Borja Cobeaga (España, 2001)

Palmarés: Nominado al Goya al mejor cortometraje. Mención especial del jurado joven de Gijón. Mención especial en el certamen de Almería. Reconocimientos a la mejor actriz (Bilbao) en Málaga y Orense.

Comentario: Cobeaga, como Vigalondo y otros talentos del corto formato, conquistan al espectador por la potencia de sus ideas. La premisa de este trabajo no puede ser más original: por una inversión de tópicos, aquí una mujer anciana (y virgen) es la que pide los servicios sexuales de un hombre. El espectador no da crédito y la risa emerge al ver la ternura y la franqueza de la señora junto a la absoluta sorpresa del gigoló de turno. Un sketch cómico casi redondo con una Mariví Bilbao muy comedida pero igualmente brillante, nada que ver con la exageración de sus personajes en las series de José Luis Moreno. Las apariencias engañan: un cortometraje cercano y divertidísimo.
Nota: 7

 

Amores que matan: Crítica de BEAST, de Christoffer Boe

Quienes hayan visto Reconstruction, Offscreen, Allegro o Everything will be fine, toda la filmografía anterior de Christoffer Boe, sabrán que estamos ante uno de los autores más singulares del actual cine europeo. Boe toma puntos de partida bastante transitados (una falta de creatividad, una relación amorosa del pasado) y los lleva a otra dimensión, creando artefactos narrativos que son un reto a la inteligencia al negarse a discurrir en línea recta y un complejo muestrario visual a medio camino entre el Dogma 95 y los delirios oníricos del Lynch más surrealista. Obviamente forma y fondo se conjugan unidos en el cine de Boe, con la posibilidad de que cierta parte del público no conecte con su historia (y por lo tanto no acceda a las alas más fascinantes del laberinto) o con su forma (con lo que se pierde de vista la historia no tan bizarra de base). Por desgracia Beast no funciona, y no lo hace por su trama pero también por su estilo. Beast es lo más parecido que ha hecho Boe a rodar una producto teatral, con solo tres actores que, intuimos, en la vida real son amigos. Al principio asistimos al entusiasmo de una pareja de enamorados al ver la que será su casa, y tras los títulos de crédito todo degenera al centrarse en la paranoia de él (Nicolas Bro) con respecto las infidelidades de ella (Marijana Jankovic). Una historia simple y corta, más bien la sinopsis de una historia. Boe intenta adornar su película con momentos cercanos al gore o suspense pero nunca consigue despertar el interés por el manido triángulo amoroso de toda la vida. Vaya, que a Boe esta vez le ha faltado inventiva, tal vez porque por primera vez se ha propuesto contarnos algo de forma lineal, sin saltos ni sobresaltos en el espacio y en el tiempo. En Beast queda la intuición del mejor Boe (este blog se queda con Allegro), y puestos a preferir un Bro en versión paranoica resultaba más estimulante Offscreen. Si no saben nada del cine de Boe Beast puede ser una buena introducción a sus obras mayores. Si ya tienen cierto bagaje en cine danés outsider, la película es totalmente prescindible.

Nota: 4'5

Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

ESCENAS: EL SECRETO DE SUS OJOS, de Juan José Campanella

ESCENA 03: El plano secuencia en el estadio de fútbol de EL SECRETO DE SUS OJOS, de Juan José Campanella (Argentina, 2009)

Comentario: El secreto de sus ojos tiene escenas bellísimas y genialmente ejecutadas. Pero de todas ellas destaca el largo plano de cinco minutos en el estadio de fútbol. Los dos policías buscan al asesino entre las gradas tras un primer travelling aéreo, y posteriormente seguimos con la persecución en las entrañas del edificio, una carrera que acaba con el perseguido malherido sobre el terreno de juego. Un prodigio de cámara que nos zambulle de lleno en la acción. Una de las escenas más planificadas, complicadas y eficaces de los últimos años, con la que Campanella, además de renovar su capacidad por emocionar a la platea, se revelaba como un genial ejecutor de escenas difíciles y un maestro en el thriller. Nada que ver con las persecuciones que nos ofrece el cine estadounidense porque la tensión no se consigue con grandes efectos sino con inteligencia (aunque la escena tiene algunos retoques visuales que pasan desapercibidos a ojos del público: el muro que salta el actor madrileño Javier Godino no era tan alto en la realidad). Guste más o menos la película, sin duda estamos ante una de las secuencias más remarcables del cine reciente.

 

Crítica de SEGUNDA PIEL, de Gerardo Vera

Tríos, amores y fracturas

SEGUNDA PIEL, de Gerardo Vera (España, 2000)

¿De qué va?: Alberto es un ingeniero aeronáutico con doble vida: está casado con Elena y tiene un hijo en edad escolar, pero siempre que puede se escapa de su oficina para verse con Diego, un médico homosexual, soltero y con capacidad adquisitiva que mantiene una íntima amistad con Eva, su compañera de trabajo. Alberto no consigue mantener el engaño por mucho tiempo: la estabilidad de los tres se derrumbará cuando Elena descubra una extraña factura en la chaqueta de su marido y cuando Diego le pida a su amante que le acompañe en un viaje de trabajo.

Palmarés: Nominación al Goya al mejor actor protagonista (Jordi Mollà). Fotogramas de plata al mejor actor protagonista (Javier Bardem). Glitter Award a la mejor película. Nominación al Premio Butaca a la mejor actriz (Ariadna Gil).

El dato: Gil y Mollà ya habían compartido plató en Todo es mentira y posteriormente volvieron a ser marido y mujer en la ficción en el film Ausentes de Daniel Calparsoro. Aunque se estrenó la segunda semana de enero del año 2000, un pase para los académicos en diciembre de 1999 permitió a la película cursar para los Goya de ese año: solo consiguió nominación Mollá y Cecilia Roth fue premiada por Todo sobre mi madre. Sus tres actores forman parte de la generación más fructífera e internacional del cine español: tanto Mollà (1968) como Bardem y Gil (1969) empezaron a trabajar en los 80, consiguieron el éxito en los 90 y posteriormente han trabajado fuera de España. Gil, Goya por Belle Époque de Fernando Trueba, estrenó ese mismo año Obra maestra, la segunda película del periodista, novelista, guionista, productor y cineasta David Trueba, con el que volvió a trabajar en Soldados de Salamina y con el que compartió matrimonio durante 10 años. La película causó cierta polémica, fue proyectada en numerosos festivales (en su mayoría de temática gay) y se estrenó en países de Latinoamérica, Italia y Bélgica entre otros. El reconocimiento mundial de sus intérpretes permitió que se estrenara directamente en dvd en los Estados Unidos tres años más tarde. Los memorables títulos de crédito son obra del diseñador argentino afincado en España Juan Gatti, ilustrador del grupo musical Fangoria y colaborador entre otros de Álex de la Iglesia, Fernando Trueba y Gonzalo Suárez.

Valoración: Al cine español pueden hacérsele muchísimas críticas, pero tal vez la más evidente y la más recordada por algunos analistas es su tendencia al esperpento, a lo hiperbólico, a lo gráfico, al repetido subrayado en detrimento del matiz. Podríamos entretenernos en esta consideración, pero basta presentarla, y con ella recordar el estilo impúdico de autores como Bigas Luna o Vicente Aranda, para dejar claro que Segunda piel, y en general la corta filmografía de Gerardo Vera, rompe con esa tónica y abre el thriller de tríos sexuales a paisajes más depurados y profundos, más acordes con una elegancia europea seguida por Medem y menos apegada al ser y sentir a flor de piel típicamente cañí. Segunda piel es un relato íntimo y a la vez introvertido: donde en otras historias habría el morbo de una infidelidad homosexual, aquí aparece la exposición dura de tres personajes que quieren, que quieren ser queridos y que de alguna manera no saben lo que quieren hacer con sus vidas. Vera cuida al máximo su película, evitando caer en lo escabroso en sus escenas de cama y desechando el culebrón folletinesco en los puntos culminantes del drama. Segunda piel puede resultar mojigata y espesa, pero en realidad se sustenta sobre tres actores en estado de gracia para trazar el dibujo de una generación coartada y frustrada que sentó demasiado rápido la cabeza dando la espalda a sus sentimientos y deseos. Que el argumento en apariencia rimbombante no nos impida apreciar la grandeza de la historia: a Vera no le interesa tanto el factor 'infidelidad' como explorar la psique de un personaje que no sabe quién es (soberbio Mollà), y que con sus dudas y acciones termina dañando y confundiendo a las otras partes del triángulo. Una película robusta e incómoda provista de grandes momentos y matices. Ahora solo queda que el crítico 'por defecto' de nuestro cine 'de charanga y pandereta' sepa apreciar la singularidad de la propuesta, algo que a juzgar por las reseñas escritas en el momento de su estreno no se produjo. Por eso, y por ser el último papel de Bardem antes de ser nominado al Oscar por Antes que anochezca, merece ser recuperada y reinvindicada.

Para afiliados al erotismo con inteligencia

Lo mejor: Sus cuatro actores, sin excepción. La sutileza de algunas escenas como el recital de Lucrecia.

Lo peor: Esperar un producto a medio camino entre Aranda y Almodóvar. El personaje de Mercedes Sampietro queda un tanto descolgado del núcleo dramático.

Nota: 7

Crítica de CALLE 54, de Fernando Trueba

Jazz latino en vena

CALLE 54, de Fernando Trueba (España, 2000)

¿De qué va?: Cuando Fernando Trueba filmó Two Much contó con algunos de sus músicos favoritos. Años después, la idea de llevar la esencia de la música latina a la gran pantalla en todas sus expresiones y fusiones se hizo realidad con Calle 54. El documental es un viaje al sur de España, Estados Unidos, Norteamérica y Suecia en busca de los nombres más destacados de la escena musical latina. Veteranos, músicos reputados y algunos nombres no siempre reivindicados que Trueba invita a tocar delante de su objetivo.

Palmarés: Premio Goya 2000 al mejor sonido y nominación en mejor fotografía y montaje. Premio del público del Festival de Miami. Distinción a la mejor película en el Festival de San Diego. Nominación al Satellite Award y European Film Award al mejor documental. Alma Award al mejor documental.

El dato: Es el primer documental musical de Fernando Trueba, anterior a El milagro de Candeal. El título del film hace referencia a la calle donde se encuentra los Sony Music Studios de Nueva York, donde se rodó gran parte de la película. El film recoge el reencuentro real entre Bebo y Chucho Valdés, padre e hijo, y su primera actuación juntos desde que Bebo se afincase en Suecia.

Valoración: Trueba construye con Calle 54 un bonito homenaje a los mejores músicos latinos de los últimos años. Podría parecer un monumento musical a capricho (Trueba, narrador de la cinta, asegura estar filmando a sus ídolos), pero en realidad el director desaparece de la pantalla y cede todo el protagonismo a sus estrellas, a las que sigue y escucha desde el respeto y la profunda admiración. Independientemente de los gustos musicales de cada uno, Calle 54 es un viaje más que convincente a las raíces de la música latina. Una película que quiere embelesar de la forma más primaria, también la más lógica: la música, en vivo y en directo, es la absoluta protagonista, y Trueba aprovecha la plasticidad del músico frente a su instrumento jugando con los colores, la fotografía y el ensamblaje de planos. Nada que ver con los documentales informativos, acumulaciones de datos en las que el director nos cuenta largas peroratas sobre la vida y milagros de los cabezas de cartel. Exploración artística y reivindicación de unos ritmos de herencia africana que convierten la sala de cine o el salón de casa en un escenario por el que discurre la flor y nata de la música hispana. Simpática en su austeridad y acertadísima en su selección musical, capaz de crear nuevos adeptos y de hipnotizar a los seguidores de pro. Una simbiosis entre cine (imagen) y música (sonido) que Trueba llevaría una década más tarde al terreno de la animación con la deliciosa Chico y Rita. Un más que necesario descubrimiento o revisionado para comprobar la importancia de Bebo Valdés, recientemente fallecido a los 94 años.

Para amantes de la buena música.

Lo mejor: El concierto deja con ganas de más.

Lo peor: El cartel de actuaciones espantará a más de un espectador.

Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

Nota: 6

SEMANARIO 4: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG

Semana del 25/03 al 31/03 de 2013

Presentación: El cine del año 2000, en el blog


Crítica: LOOPER, de Rian Johnson
Crítica: STIGMATA, de Rupert Wainwright


Cine nórdico: LA CAZA (JAGTEN, THE HUNT), de Thomas Vinterberg
Cine queer: AUSENTE, de Marco Berger
El cd: THE 20/20 EXPERIENCE, de Justin Timberlake
La banda sonora: AMÉLIE, de Yann Tiersen
El cortometraje: LA RUTA NATURAL, de Àlex Pastor