CRÍTICA | VOCES DISTANTES (DISTANT VOICES, STILL LIFES), de Terence Davies

Voces, canciones y ecos del pasado

VOCES DISTANTES (DISTANT VOICES, STILL LIFES), de Terence Davies

Premio FIPRESCI del Festival de Cannes y Toronto. Premio a la mejor película del Festival de Valladolid y Locarno. 4 nominaciones a los EFA, incluyendo mención a la mejor película europea.

Reino Unido, 1988. Dirección y guión: Terence Davies Música: VV. AA. Fotografía: Patrick Duval Reparto: Freda Dowie, Pete Postlethwaite, Angela Walsh, Dean Williams, Lorraine Ashbourne, Drew Schofield Género: Drama Duración: 85 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Al morir el patriarca, los distintos miembros de una familia obrera de Liverpool empiezan a recordar momentos de su pasado. La película, a modo de recopilación de sensaciones y de recuerdos, reúne un sinfin de conflictos, alegrías y reveses familiares.

Terence Davies nació en Liverpool en el año 1945, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial. Era el hijo pequeño de una prole de diez retoños, vivió el terrible periodo posterior al conflicto y en él influyeron de forma decisiva constantes de la época como el racionamiento de los alimentos, el descubrimiento del cine y los conflictos con sus hermanos mayores. Todo ello está presente en una película como Voces distantes, un título que, sin ser autobiográfico, sí es un film rodado bajo el influjo de unas vivencias muy personales. 

Dividida en dos partes (la primera, marcada por el peso de un padre despótico en el seno de la familia protagonista; la segunda, coincidiendo con la marcha de los hijos de la casa familiar y la asunción de nuevos roles), el film concatena reminiscencias, imágenes y sensaciones pretéritas. Davies conjuga su obra en pasado, y sus fotogramas atesoran las tonalidades sepias de la época. Incluso las caras de sus actores parecen talladas por un artesano de antaño. Además, el director inserta constantes canciones clásicas que los personajes entonan para exorcitar fantasmas y situar al espectador en un contexto histórico muy concreto (un recurso interesante: el film consigue con todo ello ser un documento de su tiempo sin necesidad de apelar a la magnificencia técnica del género histórico). 

Todo ello convierte Voces distantes en una película que sabe equilibrar el drama personal con el colectivo: la familia protagonista no deja de ser el prototipo de otras tantas, y al mismo tiempo cada personaje tiene su espacio en la trama, su personalidad y su evolución. Tal vez el film puede resultar excesivamente contemplativo: su narrativa es muy particular, y el espectador puede mostrarse impávido ante el tono melancólico de la cinta. Efectivamente, el film une voces que parecían disipadas en la lejanía, y su ternura o frialdad dependerá de la paciencia y de la sensibilidad de cada espectador. Quien escribe empatiza sólo en parte, pero lo suficiente como para celebrar la valentía de estas Voces distantes. Para bien o para mal, un film único en su especie. 

Para los que miran al pasado con una mezcla de cariño y contrariedad.

Lo mejor: Dean Williams: su rostro es inolvidable.

Lo peor: Le sobra ceremoniosidad y le falta una pizca de emoción.

CRÍTICA | FINDING VIVIAN MAIER, de John Maloof y Charlie Siskel

Fotografías que esconden grandes historias

FINDING VIVIAN MAIER, de John Maloof y Charlie Siskel

Nominación al Óscar, Bafta y Satellite Award 2014 al mejor documental

EE. UU., 2013. Dirección y guión: John Maloof y Charlie Siskel Música: J. Ralph Fotografía: John Maloof Reparto: Documental Género: Biopic documental Tráiler: Link

¿De qué va?: Murió sin que nadie supiera su nombre, pero ahora todos conocen su producción fotográfica. Vivian Maier, una mujer excéntrica de la que se tienen datos de todo tipo, entre contradictorios y oscuros, dejó como testamento una montaña de negativos y de fotografías. Años después, un joven rescata todo ese material en una subasta y empieza a publicar las imágenes por internet.

CRÍTICA | EX MACHINA, de Alex Garland

Atracciones robóticas

EX MACHINA, de Alex Garland 

5 nominaciones a los Bafta y 2 a los EFA. Premio Óscar a los mejores efectos visuales

Reino Unido, 2015. Dirección y guión: Alex Garland Fotografía: Rob Hardy Música: Geoff Barrow y Ben Salisbury Reparto: Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Oscar Isaac, Sonoya Mizuno, Corey Johnson, Chelsea Li, Tiffany Pisani Género: Ciencia ficción. Thriller. Terror Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/02/2015
¿De qué va?: Caleb, un informático de 26 años, es invitado por su jefe, un programador excéntrico y multimillonario, para formar parte de un experimento de alto secreto. Caleb debe testar a Ava, una robot capaz de hablar y moverse de forma autónoma. Encerrado en una gran mansión que se encuentra en mitad de la nada, Caleb deberá poner a prueba a la androide, pero las habilidades de Ava harán que la prueba tome derroteros inesperados.

CRÍTICA | EL SECRETO DE UNA OBSESIÓN, de Billy Ray

El remake, esa maldita condena

EL SECRETO DE UNA OBSESIÓN (SECRET IN THEIR EYES), de Billy Ray

EE. UU., 2015. Dirección: Billy Ray Guión: Billy Ray, a partir de la novela El secreto de sus ojos de Eduardo Sacheri Fotografía: Daniel Moder Música: Emilio Kauderer Reparto: Chiwetel Ejiofor, Julia Roberts, Nicole Kidman, Dean Norris, Michael Kelly, Lyndon Smith, Zoe Graham, Don Harvey, Frankie Sims, Patrick Davis, Jahmilla Jackson, Amir Malaklou, John Pirruccello, Alessandro Cuomo Género: Thriller Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 15/04/2016

¿De qué va?: Tras 13 años desvinculado del FBI, Ray se reencuentra con dos antiguas compañeras, Jess y Claire, para informarles que tiene una nueva prueba que puede arrojar luz al asesinato de la hija de Jess. La revelación abrirá antiguas heridas y destapará una verdad incómoda para sus tres implicados.

Guillermo Francella, en la excelente El secreto de sus ojos, explicaba en un interesante monólogo cómo los humanos nos podemos desasir de absolutamente todo menos de nuestras pasiones. Altas o bajas, pero pasiones al fin y al cabo. Esa cita aparece, así como otras tantas escenas ya míticas del film argentino, en El secreto de una obsesión, el remake norteamericano que el mismo Juan José Campanella se ha encargado de producir. Fidelidades aparte, los cambios que aporta esta nueva versión son sustanciales. En esta ocasión, la trama sucede en el Nueva York posterior a los atentados del 11-S, un escenario recurrente que vincula el drama del triángulo protagonista con la subrepticia descripción de un estamento policial y jurídico superado por las circunstancias. El contexto tiene su enjundia, pero en El secreto de una obsesión falla el texto. A la película no sólo le cuesta arrancar, sino que en todo momento discurre errática, como si fuera incapaz de sumar el romanticismo melancólico de su referente con el thriller policial típicamente norteamericano. Parte del naufragio se debe a una narración a dos tiempos que no aporta ni un ápice de tensión o misterio. Aparece el clímax en el campo de futbol, la confesión airada del culpable en los juzgados o el descubrimiento final, pero todo se antoja artificial, postizo, forzado. Por ello, es normal que uno se acuerde de Francella y de su parlamento sobre las pasiones y debilidades de nuestra especie. A El secreto de una obsesión le pueden sus debilidades y le falta encender la llama de la pasión. La única que parece tomarse la película en serio es Julia Roberts, pero el esfuerzo de que fuera reina de la comedia yanki no es suficiente. Un pequeño gran desastre.

Para cinéfilos curiosos que quieran saber cómo han adaptado en Estados Unidos 

una de las películas más importantes del último cine iberoamericano.

Lo mejor: Julia Roberts.

Lo peor: Su languidez.

OSCARS 19: SPOTLIGHT (2016)

Eran las 6 de la madrugada (hora española) cuando Morgan Freeman, al abrir el sobre del Óscar a la mejor película, dio el giro más inesperado de los últimos años. Spotlight se imponía con sólo 2 estatuillas (mejor película y guión original), el primero y el último galardón de la noche. Para encontrar un caso similar hay que remitirse al año 1952 y a la victoria de El mayor espectáculo del mundo. Sin duda, la resolución más emocionante desde que una década atrás se impusiera Crash a la favorita Brokeback Mountain. Tras una temporada de premios caótica (el PGA defendió La gran apuesta, y los Globos de oro y los Bafta fallaron en favor de El renacido), Spotlight se impuso como la película del consenso. El voto preferencial de los Óscar provoca un efecto colateral evidente: no sólo gana el film con más seguidores, sino aquel que reúne menos detractores. Spotlight brilló como ya hiciera en los Critics Choice, los Independent Spirit y los SAG. Pero la noche dejó muchos más datos y momentos para el recuerdo: los comentamos a continuación.

LXXXVIII PREMIOS ÓSCAR 2016 | PALMARÉS

Ritmo ágil, palmarés con sorpresas y un Chris Rock que se ha reído con inteligencia y 'fair play' de la ausencia de negros en la terna de nominados. Spotlight, con sólo 2 Óscar, se convierte en una de las ganadoras con menos premios en su haber (para ver un caso similar, hay que remitirse a los años 40 y Rebeca o a los 50 y El mayor espectáculo del mundo). Mad Max: Furia en la carretera ha barrido en categorías técnicas: ha sumado 6 oros. El renacido se conforma con 3, pero todos ellos históricos: DiCaprio recibe por fin su medalla, Iñárritu se convierte en el tercer director con dos Óscar consecutivos a la mejor realización y Lubezki se convierte en el primer artista en ganar tres años seguidos el rubro de mejor fotografía. En breve podréis leer el análisis completo de la gala en el blog.

SEMANARIO 100 | LOS POSTS DE LOS ÓSCAR 2016

Resumimos en un solo post todos los artículos que Cinoscar & Rarities ha dedicado a los Premios Óscar 2016. Mañana estará disponible en la página en análisis completo de la gala. ¡Feliz noche de Óscars!

ÓSCARS 2016: QUINIELA NOMINACIONES

 ÓSCARS 2016: NOMINACIONES

ÓSCARS 2016: QUINIELA PALMARÉS

GLOBOS DE ORO 2016: PALMARÉS

SAG 2016: PALMARÉS

CINERANKING ÓSCARS: TOP 10 DE LOS LECTORES

PODCAST: ESPECIAL PREMIOS ÓSCAR 2016

Crítica: 45 AÑOS, de Andrew Haigh

Crítica: BROOKLYN, de John Crowley

Crítica: CAROL, de Todd Haynes 

Crítica: CINCUENTA SOMBRAS DE GREY, de Sam Taylor-Johnson

Crítica: CREED. LA LEYENDA DE ROCKY, de Ryan Coogler

Crítica: JOY, de David O. Russell

Crítica: LA CHICA DANESA, de Tom Hooper

Crítica: LA GRAN APUESTA (THE BIG SHORT), de Adam McKay

Crítica: LA HABITACIÓN (ROOM), de Lenny Abrahamson

Crítica: LA JUVENTUD (YOUTH), de Paolo Sorrentino

Crítica: LOS ODIOSOS OCHO, de Quentin Tarantino

Crítica: SPOTLIGHT, de Thomas McCarthy

Crítica: STAR WARS: EL DESPERTAR..., de J. J. Abrams

Crítica: STEVE JOBS, de Danny Boyle

Crítica: THE HUNTING GROUND, de Kirby Dick

Crítica: TRUMBO, LA LISTA NEGRA DE..., de Jay Roach

Crítica: EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, de Ciro Guerra (Colombia)

Crítica: EL HIJO DE SAÚL, Lázló Nemes (Hungría)

Crítica: KRIGEN (A WAR), de Tobias Lindholm (Dinamarca)

Crítica: MUSTANG, de Deniz Gamze Ergüven (Francia)

Crítica: THEEB, de Naji Abu Nowar (Jornadia)

Crítica: ANOMALISA, de Charlie Kaufman y Duke Johnson

Crítica: DEL REVÉS, de Pete Docter y Ronnie del Carmen

Crítica: EL NIÑO Y EL MUNDO, de Alê Abreu 

Crítica: EL RECUERDO DE MARNIE, de Hiromasa Yonebayashi

 Crítica: LA OVEJA SHAUN, de Richard Starzak y Mark Burton

Crítica: AMY (LA CHICA DETRÁS DEL NOMBRE), de Asif Kapadia

Crítica: CARTEL LAND, de Matthew Heineman

Crítica: WHAT HAPPENED, MISS SIMONE?, de Liz Garbus

Crítica: WINTER ON FIRE, de Evgeny Afineevsky

QUINIELA | LXXXVIII PREMIOS ÓSCAR 2016

A muy pocas horas para que dé comienzo la gala número 88 de los Premios Óscar de la Academia de Hollywood, Cinoscar & Rarities cierra la temporada de premios con su QUINIELA y preferencias de cara al palmarés. El renacido con 6 premios y Mad Max: Furia en la carretera con 4 serían las grandes ganadoras de esta edición. En los próximos días podréis leer en el blog una crónica pormenorizada de todo lo que acontezca la madrugada del domingo al lunes. 

LISTA | LAS MEJORES PELÍCULAS DE LOS PREMIOS ÓSCAR 2016

Un año más, Cinoscar & Rarities ha convocado a sus lectores y oyentes para elegir la MEJOR PELÍCULA DE LOS ÓSCAR 2016. 44 cinéfilos nos han mandado su Top 10: este es el resultado. Podréis consultar el ranking completo en el próximo programa de El podcast de Cinoscar & Rarities, disponible a partir del domingo 6 de marzo. ¡Feliz fin de semana de Óscars!

10. MARTE (THE MARTIAN), de Ridley Scott

77 puntos

Es la película favorita de 1 votante

Crítica: Link (podcast)

CRÍTICA SERIES | MOZART IN THE JUNGLE (Temporadas 1 y 2)

Sexo, drogas y música clásica

MOZART IN THE JUNGLE, de Roman Coppola, Jason Schwartzman y Paul Weitz

EE. UU., 2014. 2 temporadas de 10 episodios cada una. Webserie de Amazon Studios (en España, disponible en Canal + Series) Género: Comedia dramática Duración: 25-30 min. por episodio Tráiler 1ª temporada: Link Tráiler 2ª temporada: Link
Reparto: Gael García Bernal, Lola Kirke, Saffron Burrows, Malcolm McDowell, Peter Vack, Hannah Dunne, Bernadette Peters, Mark Blum, Jennifer Kim, Debra Monk, Margaret Ladd, John Miller, Joel Bernstein, Nora Arnezeder, Makenzie Leigh, John Anderson
El dato: La serie ha ganado 2 Globos de oro: premio a la mejor serie de comedia/musical del año y mejor actor en serie de comedia/musical para Gael García Bernal. Es la segunda victoria consecutiva en los Globos de oro para una webserie de Amazon Studios: el 2014 la ganadora fue Transparent. La tercera temporada se estrenará las próximas navidades.

CRÍTICA | 99 HOMES, de Ramin Bahrani

Las dos caras de la crisis

99 HOMES, de Ramin Bahrani

Nominada al Globo de oro, Gotham, SAG, Independent Spirit y Critics Choice Award al mejor actor secundario (Michael Shannon)

EE. UU., 2015. Dirección y guión: Ramin Bahrani Fotografía: Bobby Bukowski Música: Antony Partos Reparto: Michael Shannon, Andrew Garfield, Laura Dern, Noah Lomax, J.D. Evermore, Tim Guinee, Deneen Tyler, Donna Duplantier, Nicole Barré, Nadiyah Skyy Taylor Género: Drama social. Thriller Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 17/06/2016

¿De qué va?: Un joven padre de familia intenta capear la crisis realizando pequeños trabajos de carpintería. A pesar de pedir una prórroga para conservar su vivienda, un hombre extraño y dos policías le instan a abandonar la casa en la que vive con su madre, peluquera ocasional, y su hijo pequeño. Con un par de objetos personales, su camioneta y un montón de incertidumbres, se traslada a un hotel de carretera. A la mañana siguiente, se marca como objetivo recuperar su casa.

99 Homes suma una nueva ficción sobre la crisis, y lo hace con compromiso social, sin macroeconomías de por medio. El centro de atención de 99 Homes lo ocupa un padre de familia en lucha constante por recuperar su casa. El protagonista, por avatares del destino, pasa a ser una víctima del sistema (desahuciado, malviviendo en un motel de mala muerte con su madre y su hijo pequeño) a uno de los principales beneficiados del desastre inmobiliario (con la ayuda de un hombre de negocios sin escrúpulos, saca una cuantiosa tajada de todas las casas sobre las que pesa una orden de embargo). La lectura es evidente: si la víctima puede llegar a ser verdugo, si quien sufrió una injusticia aprende a inmunizarse ante la desdicha de sus semejantes, la corrupción más difícil de erradicar no atañe a las cifras, sino a las personas.

El mensaje puede que resulte demasiado obvio, la relación (laboral, de sumisión, paternofilial) que se establece entre los personajes protagonistas no es novedosa, pero el valor de 99 Homes reside tanto en lo que cuenta (actual, incluso necesario) como en aquello que evoca (la carnívora 'ley del más fuerte' a la que nos han llevado nuestros hábitos capitalistas). En resumen, 99 Homes parte de una premisa esquemática para acabar ofreciendo una elaborada reflexión de nuestro tiempo. Andrew Garfield se deja la piel. Michael Shannon cincela un villano con muchos matices. El guión maneja con habilidad tanto sus sorpresas como sus obviedades. Una película que gustará más o menos, interesará en mayor o menor medida, pero a la que nadie podrá negar atractivo, relevancia y honestidad. Uno de los títulos indie más importantes de la temporada.

Para los que piensan que todavía quedan cosas que contar sobre la crisis.

Lo mejor: Su mensaje llega alto y claro, algo que no puede decirse de obras coetáneas como La gran apuesta.

Lo peor: Que Shannon quedara fuera de la lista de nominados al Óscar. El personaje de Dern queda un tanto desdibujado.

CRÍTICA | CINCUENTA SOMBRAS DE GREY, de Sam Taylor-Johnson

Porno para todos los públicos

CINCUENTA SOMBRAS DE GREY, de Sam Taylor-Johnson
Nominación al Óscar a la mejor canción original. 6 nominaciones a los Razzies, incluyendo candidatura a la peor película del año

EE. UU., 2015. Dirección: Sam Taylor-Johnson Guión: Kelly Marcel, a partir de la novela homónima de E. L. James Música: Danny Elfman y VV. AA. Fotografía: Seamus McGarvey Reparto: Dakota Johnson, Jamie Dornan, Max Martini, Eloise Mumford, Luke Grimes, Marcia Gay Harden, Jennifer Ehle, Rita Ora, Andrew Airlie, Victor Rasuk, Callum Keith Rennie, Anthony Konechny, Dylan Neal, Emily Fonda, Jason Cermak Género: Drama erótico Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 13/02/2015

¿De qué va?: Anastasia Steele, una estudiante de Literatura Inglesa a punto de graduarse, entrevista a Christian Grey, un millonario de tan sólo 27 años, para un proyecto de su universidad. La química entre ambos durará más allá de su primer encuentro. Con todo, las inesperadas prácticas eróticas de Christian harán que Anastasia dude sobre la relación.

CRÍTICA | EL RECUERDO DE MARNIE, de Hiromasa Yonebayashi

Mi otro yo

EL RECUERDO DE MARNIE (OMOIDE NO MÂNI, WHEN MARNIE WAS THERE), de Hiromasa Yonebayashi 

Nominación al Óscar a la mejor película de animación. 3 nominaciones a los Premios Annie

Japón, 2015. Dirección: Hiromasa Yonebayashi Guión: Niwa Keiko y Ando Masahi, a partir del libro Cuando Marnie estuvo allí de Joan G. Robinson Música: Takatsugu Muramatsu Género: Fantasía. Animación Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 18/03/2016

¿De qué va?: Anna no tiene amigos, se siente sola y día a día se distancia más de sus padres. Para cambiar de aires y aclarar sus ideas, la chica se traslada a la casa de sus tíos, que viven en una zona rural muy tranquila. Un día, Anna descubre una extraña casa en mitad de un pantano. Cada noche, al subir la marea, la casa queda rodeada de agua. En esa mansión conoce a Marnie, una chica de su edad que se convierte en su mejor amiga. Marnie guarda muchos secretos que llevarán a Anna a bucear en su pasado y a recuperar la entereza perdida para seguir adelante.

Tal y como hiciera con Arrietty y el mundo de los diminutos, el cineasta japonés Hiromasa Yonebayashi vuelve a adaptar un libro infantil de la literatura británica en El recuerdo de Marnie, la nueva película del Studio Ghibli. El film arranca con el traslado de una adolescente con problemas anímicos a la casa de sus tíos en mitad del campo, y lo que sigue es una historia con toques de fantasía gótica y drama de autoexploración. Todo, como no podía ser de otra manera, aderezado con una animación preciosa, una equilibrada banda sonora y un guión eficaz que va desvelando sus capas sin prisa pero sobre todo sin pausa. El recuerdo de Marnie alcanza sus mejores momentos, tanto técnicos como emotivos, en las visitas de la protagonista a la casa fantasmagórica que habita Marnie, una chica rubia con extraños poderes. En su tramo final, la historia se complica más de lo debido, pero en términos generales la película resuelve su misterio de forma satisfactoria, completando el ciclo vital de su heroína. El recuerdo de Marnie, como las mejores películas de la factoría, tiene el encanto de un viaje sensorial, cargado de metáforas y con una clara defensa de la naturaleza y de los buenos sentimientos. Le falta la riqueza de El viaje de Chihiro y la sencillez de Mi vecino Totoro, pero retiene de ambas las grandes virtudes del cine de Miyasaki: la sensibilidad, la honestidad y la capacidad de embelesar a pequeños y a adultos. Una pequeña joya.

Para los que no se pierden las maravillas animadas de ojos rasgados.

Lo mejor: La casa en mitad del lago, uno de las grandes aportaciones del Studio Ghibli.

Lo peor: Le falta capacidad de síntesis en su segundo tramo.

CRÍTICA | TRUMBO: LA LISTA NEGRA DE HOLLYWOOD, de Jay Roach

Hollywood, según Hollywood

TRUMBO: LA LISTA NEGRA DE HOLLYWOOD, de Jay Roach

Nominación al Óscar, Globo de oro y Bafta al mejor actor protagonista. 3 nominaciones a los SAG

EE. UU., 2015. Dirección: Jay Roach Guión: John McNamara Fotografía: Jim Denault Música: Theodore Shapiro Reparto: Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, John Goodman, Elle Fanning, Louis C.K., Michael Stuhlbarg, David James Elliott, Roger Bart, J.D. Evermore, Mark Harelik, Peter Mackenzie, Toby Nichols, Becca Nicole Preston, Elijah Miskowski Género: Drama biográfico. Cine dentro del cine Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 22/04/2016
¿De qué va?: En los convulsos años 40, el reputado guionista Donald Trumbo fui incluido en la lista negra por sus idearios comunistas. En una industria dividida en dos, Trumbo decide firmar con pseudónimo el libreto de Vacaciones en Roma. Tras pasar unos meses en la cárcel junto a otros compañeros, Trumbo teme caer en el ostracismo, pero su talento le llevará a escribir algunos de los guiones más importantes del cine de los años 50 y 60.

CRÍTICA | WINTER ON FIRE: UKRAINE'S FIGHT FOR FREEDOM, de Evgeny Afineevsky

'Euromaidán' al descubierto

WINTER ON FIRE: UKRAINE'S FIGHT FOR FREEDOM, de Evgeny Afineevsky

Festival de Toronto: mejor documental. Nominación al Óscar a la mejor película documental

Ucrania, 2015. Dirección y guión:  Evgeny Afineevsky Fotografía: VV. AA. Género: Política. Temática social. Documental Duración: 100 min. Tráiler: Link

¿De qué va?: El 20 de noviembre de 2013, el Gobierno de Ucrania suspendió la firma de dos acuerdos que debían acercar el país a la Unión Europea. El 21 de noviembre de 2013, un grupo de espontáneos se reunió en una de las plazas de Kiev para mostrar su desacuerdo. La concentración, de carácter nacionalista y europeísta, duró varios meses y acabó con la dimisión del presidente Víktor Yanukóvich, que pidió asilo en la Rusia de Puttin. Durante esos días, las fuerzas policiales actuaron con una fuerza despiadada ante los jóvenes que iniciaron una revolución pacífica. Esta es la crónica de todo lo que sucedió. 

CRÍTICA | PAULINA (LA PATOTA), de Santiago Mitre

(In)justicias

PAULINA (LA PATOTA), de Santiago Mitre

Festival de Cannes: Mejor película y Premio FIPRESCI de la sección Semana de la Crítica. Festival de San Sebastián: Premio Jurado de la Juventud, Premio Otra Mirada y Mejor película de la sección Horizontes Latinos. Premio Fénix: mejor actriz

Argentina, 2015. Dirección: Santiago Mitre Guión: Santiago Mitre y Mariano Llinás Fotografía: Gustavo Biazzi Música: Nicolás Varchausky Reparto: Dolores Fonzi, Oscar Martínez, Esteban Lamothe, Cristian Salguero, Verónica Llinás, Laura López Moyano Género: Drama social. Thriller Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/11/2015
¿De qué va?: Paulina está a punto de terminar su tesis doctoral. A pesar de contar con un brillante futuro como abogada, decide trasladarse a la periferia y acepta un trabajo como profesora en un proyecto humanitario. Una noche, Paulina es violada por un joven de la zona. A partir de ese momento, su vida dará un vuelco inesperado.

CRÍTICA | EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, de Ciro Guerra

Cine chamánico

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, de Ciro Guerra

Festival de Lima y Mar de Plata: Mejor película. Festival de Cannes: Quincena de Realizadores. Festival de San Sebastián: Horizontes latinos. Nominación al Óscar y al Independent Spirit Award a la mejor película de habla no inglesa

Colombia, 2015. Dirección: Ciro Guerra Guión: Ciro Guerra y Jacques Toulemonde Fotografía: David Gallego Música: Nascuy Linares Reparto: Brionne Davis, Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Nicolás Cancino, Yauenkü Migue, Luigi Sciamanna Género: Aventuras Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 19/02/2016
¿De qué va?: Karamakate, un chamán indígena, fue testigo de la destrucción de su pueblo y ahora se esconde en las profundidades de la selva amazónica. Evan, un etnobotánico occidental, recurre a su ayuda para encontrar la yakruna, una planta de propiedades mágicas. Ambos se embarcan en una travesía fluvial que les permitirá reencontrarse contigo mismos. En paralelo, conoceremos las aventuras del último explorador que décadas atrás inició el mismo viaje en busca de la yakruna.

CRÍTICA | NIÑOS DEL PARAÍSO (CHILDREN OF HEAVEN), de Majid Majidi

La dignidad y los objetos

NIÑOS DEL PARAÍSO (CHILDREN OF HEAVEN, BECHAHA-YE ASEMAN), de Majid Majidi

Irán, 1998. Dirección y guión: Majid Majidi Fotografía: Parviz Malekzade Música: Keivan Jahanshahi Reparto: Amir Naji, Amir Farrokh Hashemian, Bahare Sediqi Género: Drama Duración: 85 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 08/10/1999
¿De qué va?:  Zhore espera que su hermano le traiga sus zapatos. Ali pierde los zapatos por el camino, y a partir de ese momento los dos niños se ven obligados a compartir calzado. En su lucha por recuperar los zapatos extraviados y por esconder el secreto a sus padres, los niños conocerán las injusticias de su entorno. Ali nunca da su brazo a torcer y está dispuesto a cualquier cosa para que su hermana pueda ir a la escuela con unos zapatos nuevos.

Niños del paraíso contribuyó a situar en el mapa de festivales y premios el hasta ese entonces desconocido cine iraní. Abbas Kiarostami, Majid Majidi y la familia Makhmalbaf sorprendieron a la comunidad cinéfila de los 90 con películas austeras, historias aparentemente mínimas que bebían de la contemplación, la cotidianidad y la crítica social de un Neorrealismo tardío. Majidi, con todo, impuso su sello con una apuesta de 'ternurismo' moderado que años después ampliaría en El color del paraíso: describe los crueles mecanismos de la miseria a partir de la hazaña de dos hermanos pequeños, Ali y Zhore, que se ven obligados a compartir unos zapatos por culpa de la pobreza imperante. Niños del paraíso repara en la importancia de aquellos objetos que en el primer mundo pasarían por insignificantes, pero sobre todo maravilla por la relación de complicidad, benevolencia y empatía que se establece entre sus dos pequeños protagonistas. Majidi no es ni hiriente ni explícito, tampoco propone parapetos que atenúen la carga dramática del guión: aboga por la lucha, y ese detalle convierte el film en un emotivo e inteligente cuento sobre la importancia de cultivar los buenos sentimientos, de pelear por aquello que creemos y queremos. Los puristas que defienden a De Sica dirán que Niños del paraíso atesora demasiada esperanza, que en ciertos puntos dulcifica el cine de la corriente italiana, pero de la propuesta iraní hay que valorar la belleza de sus miradas y gestos, sus recurrentes diálogos y silencios, la inteligencia de Majidi por contar tanto por omisión como sirviéndose del subrayado (en este último apartado, cabe apuntar la relantizada carrera final, tal vez la parte más efectista del film y, paradójicamente, uno de sus pasajes más emocionantes). Quien escribe, defiende los rostros de Ali y Zhore como auténticos mapas del dolor y la tenacidad, así como el espléndido plano final, que sustituye la victoria material y moral de Ali y Zhore por una estampa más realista: la imagen de unos peces lamiendo las heridas de un héroe cotidiano. Una película que reconcilia, que hace reflexionar y que apela tanto a nuestro lado sensible como crítico. Ensancha el corazón y abre la mente.

Para saber en qué mundo vivimos (y para empezar a cambiarlo).

Lo mejor: Pocas veces el cine ha retratado una relación fraternal tan bonita.

Lo peor: ¿Por qué nos cuesta conectar con las películas que creen en el ser humano?

CRÍTICA | THE HUNTING GROUND, de Kirby Dick

Acoso sexual en el campus

THE HUNTING GROUND, de Kirby Dick

Nominación al Satellite y Critics Choice Award a la mejor película documental. Nominación al Óscar a la mejor canción

EE. UU., 2015. Dirección y guión: Kirby Dick Fotografía: Thaddeus Wadleigh Música: Miriam Cutler Género: Documental. Temática social Duración: 100 min. Tráiler: Link

¿De qué va?: Distintas estudiantes que fueron violadas durante su estancia en varias universidades de los Estados Unidos crean una red de víctimas de abusos sexuales para destapar ante la opinión pública una realidad que muchos centros educativos prefieren silenciar. Este es el relato de cómo el complejo sistema universitario norteamericano encubre de forma descarada unos hechos terribles que ponen en riesgo la seguridad de sus alumnas.

CRÍTICA | GOING CLEAR: SCIENTOLOGY AND THE PRISON OF BELIEF, de Alex Gibney

Fe ciega

GOING CLEAR: SCIENTOLOGY AND THE PRISON OF BELIEF

Nominación al Critic Choice y Satellite Award al mejor documental

EE. UU., 2015. Dirección: Alex Gibney Guión: Alex Gibney y Lawrence Wright Música: Will Bates Fotografía: Samuel Painter Reparto: Leah Remini, Mimi Rogers, Riley Keough, Priscilla Presley, Jason Beghe, Paul Haggis, Lisa Marie Presley, Neil Gaiman, Diana Canova, Tom Cruise, John Travolta (documental) Género: Religión. Documental Duración: 120 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Se ha hablado mucho de la Cienciología, pero nunca antes habíamos podido conocer su funcionamiento desde dentro. Gibney entrevista a distintas personas que por distintos motivos abandonaron la iglesia en el pasado. Sus testimonios revelan un entramado con conexiones con la literatura de ciencia ficción, la Segunda Guerra Mundial, Hollywood, invasiones alienígenas y muchas más sorpresas.

CRÍTICA | 45 AÑOS, de Andrew Haigh

Secretos de un matrimonio

45 AÑOS, de Andrew Haigh

Mejor actor y actriz en el Festival de Berlín 2015. Mejor actriz en el Festival de Valladolidad 2015 y en los Premios del Cine Europeo. Nominación al Satellite Award y Óscar a la mejor actriz.

Reino Unido, 2015. Dirección: Andrew Haigh Guión: Andrew Haigh, a partir del relato de David Constantine Fotografía: Lol Crawley Reparto: Charlotte Rampling, Tom Courtenay, Geraldine James, Dolly Wells, David Sibley, Sam Alexander, Richard Cunningham, Rufus Wright, Hannah Chalmers, Camille Ucan Género: Drama Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 18/12/2015
¿De qué va?: A pocos días para celebrar su aniversario de bodas, Kate se entera de un secreto que su marido ha guardado en silencio durante cinco décadas. La revelación tambaleará las bases del matrimonio.

CRÍTICA | BROOKLYN, de John Crowley

El Nueva York irlandés

BROOKLYN, de John Crowley

6 nominaciones a los Bafta, 5 a los Critics Choice Awards y 3 a los Óscar

Irlanda, 2015. Dirección: John Crowley Guión: Nick Hornby, a partir de la novela de Colm Toibin Fotografía: Yves Bélanger Música: Michael Brook Reparto: Saoirse Ronan, Emory Cohen, Domhnall Gleeson, Julie Walters, Jim Broadbent, Michael Zegen, Mary O'Driscoll, Eileen O'Higgins, Emily Bett Rickards, Paulino Nunes, Eve Macklin, Maeve McGrath, Jenn Murray, Aine Ni Mhuiri, Nora-Jane Noone Género: Drama Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno: 26/02/2016

¿De qué va?: Años 50. Eilis Lacey deja su Irlanda natal y se traslada a Nueva York. La joven empieza a trabajar en unos grandes almacenes. Tiempo después, conoce a un chico italiano con la que hace planes de futuro. Al recibir malas noticias de su casa, Eilis decide regresar a Irlanda, aunque no sabe que ese viaje puede marcar para siempre su futuro.

En El sueño de Ellis, el director James Gray retrataba los bajos fondos del Nueva York de los años 20 a partir de la mirada de una inmigrante polaca. Dispuesta a modo de reverso romántico de esa película, Brooklyn, dirigida por uno de los artífices de la cuestionada segunda temporada de True Detective, cuenta la epopeya emocional de una joven irlandesa en la eterna ciudad de las oportunidades. Si Gray se fijaba en el duro contexto social de la historia, Crowley se sitúa en el terreno de la fábula amable. La protagonista de Brooklyn consigue hacer frente a las adversidades a la vez que atesora cierta inocencia, como si su recorrido fuera el de una heroína romántica cortada por los patrones más clásicos. Un punto de partida (y regreso) que sonaría a melodrama rosa si no fuera por la notable recreación de época y por la sutil interpretación de Saoirse Ronan, aunque su trabajo esté muy por debajo del aplomo que demanda el Óscar. Brooklyn, en definitiva, no cuenta nada nuevo, a duras penas dejará huella en la temporada de premios que nos ocupa, pero está tocada por un encanto 'vintage' bastante loable. Un cuento sin pretensiones ni altisonancias que ha gustado entre las filas de los académicos entrados en años. Nostalgia cinematográfica que se ve a gusto, aunque en el fondo no estemos demasiado lejos de una versión sofisticada de El diario de Noa y otras tontunas 'pseudorománticas'.

Para los que buscaban una película que guste igualmente a abuelas, madres e hijas.

Lo mejor: Julie Walters, a pesar de sus contadas escenas.

Lo peor: En su segundo tramo pierde fuelle.

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EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES: ESPECIAL PREMIOS ÓSCAR 2016

CRÍTICA | LA VERDAD DUELE (CONCUSSION), de Peter Landesman

Érase una vez en América

LA VERDAD DUELE (CONCUSSION), de Peter Landesman

Nominación al Globo de oro y Satellite Award al mejor actor

EE. UU., 2015. Dirección y guión: Peter Landesman Música: James Newton Howard Fotografía: Salvatore Totino Reparto: Will Smith, Gugu Mbatha-Raw, Alec Baldwin, Eddie Marsan, David Morse, Stephen Moyer, Luke Wilson, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Albert Brooks, Bitsie Tulloch, Matthew Willig, Paul Reiser, Richard T. Jones, Mike O'Malley, Arliss Howard Género: Drama Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/02/2016
¿De qué va?: Bennet Omalu es un forense muy particular que descubre un caso de conmoción cerebral que afecta a jugadores de fútbol americano. Tras publicar su investigación, su descubrimiento generará una polémica inustada.

En La verdad duele (Concussion) conviven dos planos argumentales: por una parte, tenemos la historia del neuropatólogo forense de origen nigeriano que dió a conocer la existencia de un síndrome cerebral entre los jugadores de fútbol americano; y por otra, se despliega el relato de cómo los intereses de la comunidad médica y deportiva intentaron silenciar ese descubrimiento científico. Simplificando, la película muestra el eterno conflicto entre el individuo y el colectivo. Con todo, en esas dos tramas siempre se impone una misma idea: América. O mejor: Estados Unidos. El héroe sigue fiel a su verdad porque así le impulsa su aplomo patriótico, y la comunidad se repliega para defender sus símbolos. Ambos bandos, en definitiva, actúan con razones y toman medidas más que justificadas, al menos para el guión del film. Y, como resultado, la película acaba en tablas: el protagonista, tras sufrir un escarnio público y privado, acepta la importancia, incluso la supuesta belleza, que encierra el fútbol y sus partes interesadas, a la vez que la sociedad responde con un reconocimiento a sus labores como investigador y como ciudadano norteamericano. Tranquilos: lo dicho parece un spoiler, pero no lo es.

La verdad duele (Concussion), en definitiva, es una película tramposa, nada parcial y sumamente rancia. Uno de esos monumentos a la 'americanidad' más retrógrada, cortada a patrón para el disfrute de gentes como Donald Trump. Y si su execrable mensaje ya sería suficiente como para denostarla, a nivel formal cabe citar la exagerada interpretación de Will Smith o los constantes sinsentidos de su libreto (el protagonista va a misa, es de una integridad risible y sus contrarios lo atacan con una gratuidad más que patosa). Sí: hay que reconocerle cierto sentido del ritmo y una factura con el suficiente empaque como para garantizar dos horas de evasión. Pero América, como 'conjunto de estados' y como 'estado mental', suena a tierra ya conquistada y a película ya vista. La verdad duele (Concussion) es de un triunfalismo tan falso que debería encender las alarmas de cualquier espectador y ciudadano con criterio. Porque, seamos francos: la lucha entre los intereses propios y los ajenos nunca se resuelven con tanta facilidad. Un apunte que, si me permitís la coda final, me reafirma en la idea de que la película que mejor ha capturado la esencia 'yanki' de los últimos años ni se rodó en Estados Unidos ni viene firmada por un director norteamericano: se llama Dogville, la dirige Lars von Trier y, esa sí, es cine de altísimo voltaje. Y esto, claro está, tampoco es un spoiler.

Para creyentes del 'american dream'.

Lo mejor: David Morse y Alec Baldwin, dos grandes actores recuperados a tiempo.

Lo peor: En su guión se mencionan más veces las palabras 'América' y 'americano' que en todo el texto de la Constitución de los mismísimos Estados Unidos.