lunes, 13 de noviembre de 2017

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL S. XXI (III) | ITALIA

Como parte de los podcasts especiales de Cine del S. XXI, En Cinoscar & Rarities estamos realizando una lista con 150 películas poco conocidas del siglo, todas ellas de visionado obligado, de temáticas y autores muy diferentes. Agrupamos los films en 30 listas de 5 nombres según su nacionalidad. Las 30 películas más votadas en el grupo de facebook Cine del S. XXI competirán en la 6ª edición del Cinoscar Summer Festival 2018.

Nº 11 LOS CIEN PASOS (Italia, 2000)


¿De qué va?: Retrato de un mafioso, desde su infancia hasta la edad adulta, y sus vinculaciones con la clase política y periodística de la Italia de los años 50, 60 y 70.
¿Quién la dirige?: Marco Tullio Giordana, nombre capital de la escena alpina, si bien sus títulos han tenido una difusión muy reducida fuera de Italia. Con La mejor juventud, miniserie convertida en dos largometrajes, logró el respeto internacional, incluyendo premio en Cannes.
¿Cuál es su palmarés?: Mejor guión del Festival de Venecia. 4 premios David di Donatello y 10 candidaturas, entre ellas nominación a la mejor película. Aspirante al Globo de oro a la mejor película de habla no inglesa.
¿Por qué hay que verla?: Es una película clave para entender el cine de mafia cuya moda llegó a su máximo exponente con Gomorra. Es un nombre recurrente en cualquier lista de las mejores películas europeas de lo que va de siglo. En España tuvo una distribución anecdótica y merece una segunda oportunidad.

sábado, 11 de noviembre de 2017

CRÍTICA SERIES | POR TRECE RAZONES

POR TRECE RAZONES (13 REASONS WHY)
EE.UU, 2017. 1 temporada de 13 episodios (Netflix). Género: Drama Duración: 60 min. por episodio Tráiler: Link Opening Titles: Link Director: Brian Yorkey (Creator),  Tom McCarthy,  Kyle Patrick Alvarez,  Gregg Araki, Carl Franklin,  Jessica Yu y Helen Shaver Guión: Brian Yorkey, Elizabeth Benjamin, Diana Son, Thomas Higgins, Nathan Jackson, Nic Sheff y Hayley Tyler, a partir de la novela de Jay Asher Reparto: Dylan Minnette,  Katherine Langford,  Christian Navarro,  Alisha Boe,  Brandon Flynn, Justin Prentice,  Miles Heizer,  Ross Butler,  Devin Druid,  Amy Hargreaves, Derek Luke,  Kate Walsh,  Michele Selene Ang,  Brian d'Arcy James,  Sosie Bacon, Steven Weber,  Mark Pellegrino,  Ajiona Alexus,  Henry Zaga,  Steven Silver, Tommy Dorfman,  Robert Gant,  Keiko Agena,  Uriah Shelton,  Brandon Larracuente, Timothy Granaderos,  Josh Hamilton,  Giorgia Whigham,  Anne Winters,  Bryce Cass, Allison Miller,  Samantha Logan,  Kelli O’Hara,  Ben Lawson

jueves, 9 de noviembre de 2017

CRÍTICA | THE SQUARE, de Ruben Östlund


De artistas y farsantes
THE SQUARE
Festival de Cannes: Palma de oro. Festival de San Sebastián: Zabaltegi-Tabakalera
Suecia, 2017. Dirección y guión: Ruben Östlund Fotografía: Fredrik Wenzel Reparto: Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, Christopher Læssø, Marina Schiptjenko, Elijandro Edouard, Daniel Hallberg, Martin Sööder, Linda Anborg, Emelie Beckius, Peter Diaz, Sarah Giercksky, Jan Lindwall Género: Comedia dramática Duración: 140 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 10/11/2017
¿De qué va?: Christian dirige uno de los principales museos de arte contemporáneo de Estocolmo. Su equipo está a punto de abrir al público The Square, una exhibición que pretende hacer reflexionar a los visitantes sobre los valores humanos. El robo de su cartera, su relación con una periodista, el regreso de sus hijos pequeños y la desastrosa campaña publicitaria del evento pondrá contra las cuerdas a Christian. 

miércoles, 8 de noviembre de 2017

OSCARS 2018 | MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA (V)

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 45
UNDER THE TREE (Undir trénu), de Hafsteinn Gunnar Sigurðsson (Islandia)
Hamptons Film Festival 2017: Mejor película | Sinopsis: Los conflictos matrimoniales de un hombre lo llevan de regreso a casa de sus padres, mientras lucha por la custodia de su hija de cuatro años, se ve progresivamente introducido en una disputa entre sus padres y sus vecinos a propósito de un viejo y hermoso árbol | Tráiler: Link
Dato: Islandia concurre a los Óscar desde 1980, su primera representante fue Land and songs. Hasta la fecha no ha ganado el Academy Award a Mejor película de habla no inglesa, pero sí obtuvo una nominación en 1992 con el film Hijos de la naturaleza y logró llegar a la shortlist del año 2013 con el film The Deep

lunes, 6 de noviembre de 2017

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL S. XXI (II) | FRANCIA

Como parte de los podcasts especiales de Cine del S. XXI, En Cinoscar & Rarities estamos realizando una lista con 150 películas poco conocidas del siglo, todas ellas de visionado obligado, de temáticas y autores muy diferentes. Agrupamos los films en 30 listas de 5 nombres según su nacionalidad. Las 30 películas más votadas en el grupo de facebook Cine del S. XXI competirán en la 6ª edición del Cinoscar Summer Festival 2018.

Nº 06 LA CIUDAD ESTÁ TRANQUILA (Francia, 2000)


¿De qué va?: Personajes de distintas edades, profesiones y circunstancias coinciden en Marsella. Corre el año 2000, un tiempo de revueltas laborales, huelgas y la incertidumbre del cambio de milenio.
¿Quién la dirige?: Guédiguian, maestro del cine vecino, claramente asociado a un cine social militante, de gran calado poético. Estamos ante una de sus cintas más premiadas, de nuevo con su esposa Ariane Ascaride como cabeza de cartel.
¿Cuál es su palmarés?: Premio FIPRESCI de los Europan Film Awards. Espiga de oro y mejor actriz del Festival de Valladolid.
¿Por qué hay que verla?: Muy probablemente estamos ante la última gran película de Guédiguian, aunque paradójicamente fue una de las menos vistas en nuestro país tras el boom de Marius y Janette. Su estructura social y coral la convierten en una cinta especialmente recurrente: nunca es tarde para reivindicarla.

sábado, 4 de noviembre de 2017

CRÍTICA | UNA MUJER FANTÁSTICA, de Sebastián Lelio


UNA MUJER FANTÁSTICA
Chile, 2017. Dirección: Sebastián Lelio Guión: Sebastián Lelio y Gonzalo Maza Música: Matthew Herbert Fotografía: Benjamín Echazarreta Reparto: Daniela Vega, Francisco Reyes, Luis Gnecco, Aline Küppenheim, Amparo Noguera, Sergio Hernández, Erto Pantoja Género: Drama Tráiler: Link  Duración: 104 min. Fecha de estreno en España: 12/10/2017
¿De qué va?: Marina (Daniela Vega) es una joven camarera aspirante a cantante, y Orlando (Francisco Reyes), un hombre veinte años mayor que ella es su pareja. Ellos planean un futuro juntos, pero repentinamente Orlando muere y Marina deberá hacer frente al dolor de su pérdida y los prejuicios de su entorno.

viernes, 3 de noviembre de 2017

CRÍTICA | MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKIO, de Isabel Coixet


Especial ISABEL COIXET Nº 03
MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKIO (MAP OF THE SOUNDS OF TOKYO)
España, 2009. Dirección y guión: Isabel Coixet Fotografía: Jean-Claude Larrieu Reparto: Rinko Kikuchi, Sergi López, Min Tanaka, Manabu Oshio, Takeo Nakahara, Hideo Sakaki Género: Drama romántico. Thriller Duración: 100 min. Tráiler: Link


En su constante viajera, Coixet visitó Japón y consiguió presencia en Cannes con Mapa de los sonidos de Tokio. La génesis de este mapa está en un viaje de Coixet a Tokio. Un día, durante una visita a un mercado local, a Coixet le llamó la atención la reacción de una trabajadora al no querer ser fotografiada por ningún turista. De vuelta a su apartamento, en el metro, la directora empezó a imaginar una historia para esa mujer, y poco a poco fue tejiendo el que terminaría siendo el argumento de Mapa de los sonidos de Tokio. En la imaginación de la cineasta, la tímida pescadera se convirtió en una asesina a sueldo, y a su alrededor construyó una trama de amor y dolor según las características del cine 'made in Coixet'.


La película condensa el apego y la admiración de Coixet por la cultura japonesa y, aunque nunca cede al cine turístico de Hollywood, se permite el lujo de incluir pequeños detalles y excentricidades que ayudan a configurar la atmósfera triste y exótica que preside la película: ahí están, por ejemplo, recursos como esas citas callejeras improvisadas (de las que la protagonista, por cierto, nunca participa), la estatua humana en forma de seto que vemos en el metro, la mujer que saca a pasear a su perro con dos paraguas o la presencia de comida japonesa como el ramen y los pastelillos salados que la protagonista come a todas horas. Y en paralelo, con el personaje de Sergi López, Coixet mezcla lo oriental con la identidad mediterránea, por lo que la película consigue un juego de culturas y de texturas muy interesante. 


La película, a pesar de sus virtudes, no acaba de conmover o de impactar al nivel de los anteriores trabajos de Coixet. Con todo, la directora regala a su público imágenes muy bellas, como la comida inicial a modo de ‘sushi humano’ o los diferentes encuentros sexuales que los protagonistas mantienen en un hotel de inspiración parisina (un detalle que también se puede entender como una reminiscencia del fragmento que Coixet rodó para el largo Paris, je t’aime). La crítica quiso ver en Mapa de los sonidos de Tokio la repetición de una fórmula, y seguramente por ello Coixet, a partir de ese momento, la directora intentó reinventarse con cada proyecto nuevo (a cada uno menos convincente: ahí están Ayer no termina nunca y Mi otro yo). Una pequeña injusticia, porque este mapa de silencios, sonidos y sentimientos contiene momentos de cine en estado puro.



Más información y reseñas del cine de ISABEL COIXET en
EL PODCAST DE C&R: Especial ISABEL COIXET

jueves, 2 de noviembre de 2017

SEMANARIO 118 | Especial 65º FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN (DONOSTIA ZINEMALDIA 2017)


¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de Cinoscar & Rarities. En el margen derecho del blog, en la sección 'Semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

miércoles, 1 de noviembre de 2017

OSCARS 2018 | MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA (IV)


FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 34
SCARY MOTHER (Sashishi Deda), de Ana Urushadze (Georgia)
Premio a la Mejor Película del Sarajevo Film Festival 2017 | Sinopsis: Narra la historia de Manana, una ama de casa de 50 años, la cual tiene un gran dilema: debe escoger entre su vida familiar y su pasión por la escritura, la misma que ha reprimido durante años | Tráiler: Link
Dato: Desde 1996 Georgia ha presentado un total de dieciséis films como candidatos a los Óscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa. La primera representante fue A chef in love cinta con la que obtuvo también su primera y única nominación hasta la fecha. Con el film Corn Island llegó a la shortlist (2014). Scary Mother, será el undécimo intento consecutivo de Georgia por alcanzar su segunda nominación a los Óscar.

lunes, 30 de octubre de 2017

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 3X06 | ESPECIAL CINE DEL 2000 + CINE DE TERROR


Programa nº 73 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 1º audio dedicado al Cine del S. XXI. 1. Hablamos del cine estrenado en España durante el año 2000. 2. Desvelamos las cintas ganadoras de la encuesta Las mejores películas del 2000. 3. Analizamos EL SEXTO SENTIDO y repasamos los mejores títulos de terror de los últimos años. ¡Gracias por darle al play! 



Guía del programa
1' Presentación - 4' Estrenos 00 - 10' Bandas sonoras 00 - 17' Taquilla 00 - 21' TV y series 00: Queer as Folk - 27' Premios y festivales 00 - 32' Obituario 00 - 35' Cine español 00 - 50' Encuesta: Las mejores películas de 2000 - 58' Especial EL SEXTO SENTIDO - 79' Monográfico: Cine de terror del S. XXI (España, Francia, Europa, Asia y EE. UU.) - 100' Despedida y canción: You'll Be In My Heart, de Phil Collins

Estrenos del mes


Cine español


Especiales CINE DE LOS 90s y 00s:
Puedes escuchar todos los podcasts del blog en IVOOX y ITUNES
 
Contacta con nosotros: cinoscararities@gmail.com

domingo, 29 de octubre de 2017

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL S. XXI (I) | ESPAÑA

Como parte de los podcasts especiales de Cine del S. XXI, En Cinoscar & Rarities estamos realizando una lista con 150 películas poco conocidas del siglo, todas ellas de visionado obligado, de temáticas y autores muy diferentes. Agrupamos los films en 30 listas de 5 nombres según su nacionalidad. Las 30 películas más votadas en el grupo de facebook Cine del S. XXI competirán en la 6ª edición del Cinoscar Summer Festival 2018.

Nº 01 EN CONSTRUCCIÓN (España, 2001)


¿De qué va?: En un barrio de Barcelona, la construcción de un bloque de edificios impulsa un cambio en el paisaje urbano. Homenaje y radiografía de una ciudad, sus habitantes y el inevitable paso del tiempo.
¿Quién la dirige?: José Luis Guerín, uno de los autores clave del documental y experimental europeo, aunque poco conocido entre el gran público. 
¿Cuál es su palmarés?: 2 premios del Festival de San Sebastián, Goya al mejor documental. Fotogramas de plata a la mejor película española del año 2001.
¿Por qué hay que verla?: Es el documental español más relevante de lo que de siglo. Títulos como Los otros o Lucía y el sexo la ensombrecieron en taquilla: ahora toca reivindicarla.

sábado, 28 de octubre de 2017

CRÍTICA | LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS, de Isabel Coixet


Especial ISABEL COIXET Nº 02
LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS (THE SECRET LIFE OF WORDS)
España, 2005. Dirección y guión: Isabel Coixet Fotografía: Jean-Claude Larrieu Reparto: Sarah Polley, Tim Robbins, Javier Cámara, Sverre Anker Ousdal, Steven MacKintosh, Julie Christie, Eddie Marsan, Daniel Mays, Dean Lennox Kelly, Danny Cunningham, Emmanuel Idowu, Reg Wilson, Leonor Watling Género: Drama Duración: 120 min. Tráiler: Link


El Deseo, Coixet y Polley tenían muy complicado superar el éxito y el dramatismo de Mi vida sin mí, pero lo consiguieron. Coixet, que había viajado a Centroeuropa para filmar los estragos de la guerra de los Balcanes en el documental Viaje al corazón de la tortura, quiso contar la historia de una víctima de la guerra, pero desde una perspectiva muy personal. El resultado fue La vida secreta de las palabras, el título que la encumbró en la cima del cine español con 4 premios Goya.


La película cuenta la colisión de dos mundos y de dos personajes marcados por el dolor. Polley da vida a Hannah, una trabajadora modélica que, al tener un mes de vacaciones, no sabe qué hacer. De forma inesperada, encuentra trabajo como enfermera en una plataforma petrolífera como enfermera para cuidar a un hombre que, tras un accidente, ha quedado malherido y parcialmente ciego. Entre ellos, en tan sólo cuatro semanas, se entabla una relación que cambiará la vida de ambos, hasta el punto de destapar episodios del pasado que parecían enterrados. 


Coixet traslada su historia a una plataforma petrolífera, tal y como hizo Lars Von Trier en la celebrada Rompiendo las olas, y en este caso el espacio condiciona las relaciones y las conductas de todos los personajes, que viven en una especie de burbuja que poco a poco va explotando. Coixet nunca cuenta una historia de guerra: de hecho, no conocemos el pasado de Hannah hasta casi el final de la película, pero desde el minuto uno podemos sentir el desgarro que acalla el personaje. La directora cuenta por omisión y consigue su película más misteriosa y atmosférica.


Aunque el final del film puede parecer ligeramente propagandístico al desvelar la actividad de la ONG que dirige el personaje de Julie Christie (y que existe en la vida real), La vida secreta de las palabras habla de cómo el amor puede abrir las alas más insospechadas del alma y sanar. El film es tan romántico como A los que aman y tan doloroso como Mi vida sin mi, pero su historia es más arriesgada y, a la postre, más convincente. Puede decirse incluso que uno no ve el film: está dentro de él, y eso es gracias al portentoso trabajo de guión y ambientación de Coixet (fotografía, música y guión funcionan con una solvencia casi mágica, muy pocas veces igualada por el cine español de los últimos años). Una obra maestra para atesorar.



Más información y reseñas del cine de ISABEL COIXET en
EL PODCAST DE C&R: Especial ISABEL COIXET

viernes, 27 de octubre de 2017

LISTA | LAS MEJORES PELÍCULAS DEL AÑO 2000

Cinoscar & Rarities y El podcast de Cinoscar & Rarities ha encuestado a sus seguidores para decidir cuáles son las mejores películas del S. XXI. 112 cinéfilos nos han aportado sus tops, y con todos los resultados estamos elaborando un conjunto de listas y podcasts especiales. A continuación resumimos los resultados del curso cinematográfico del 2000 (año de producción). Nota: en caso de empate, el ranking se ordena alfabéticamente. 



jueves, 26 de octubre de 2017

CRÍTICA | EL AMANTE DOBLE, de François Ozon



Ozon al cuadrado
EL AMANTE DOBLE
Festival de Cannes: Sección oficial
Francia, 2017. Dirección: François Ozon Guión: François Ozon y Philippe Piazzo, a partir de la novela de Joyce Carol Oates Música: Philippe Rombi Fotografía: Manuel Dacosse Reparto: Marine Vacth, Jérémie Renier, Jacqueline Bisset, Myriam Boyer, Dominique Reymond, Fanny Sage, Jean-Édouard Bodziak, Antoine de La Morinerie, Jean-Paul Muel, Keisley Gauthier, Tchaz Gauthier, Clemence Trocque, Guillaume Le Pape, Benoît Giros Género: Thriller erótico Tráiler: Link Duración: 105 min. Fecha de estreno en España: 08/09/2017
¿De qué va?: Convencida de que sus dolores de estómago tienen un motivo psicológico, Chloé, una joven frágil e inestable, visita a Paul, psicoanalista, del que se enamora. Meses después, ambos deciden irse a vivir juntos. Cuando Chloé descubre la doble identidad de Paul, la joven vuelve a caer enferma.

miércoles, 25 de octubre de 2017

OSCARS 2018 | MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA (III)

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 23 
QUIT STARING AT MY PLATE (Ne gledaj mi u pijat), de Hana Jušić (Croacia)
Festival de Venecia y Fedeora | Sinopsis:  Una chica encuentra una vía de escape a su rutina manteniendo relaciones sexuales con extraños | Tráiler: Link | 
Dato: Como país surgido en la década de los 90 como resultado de la "reordenación europea balcánica", la andadura de Croacia es muy corta y, hasta la fecha, sin logros a destacar. Esta es su participación número 26 y nunca ha conseguido la candidatura.

martes, 24 de octubre de 2017

CRÍTICA | MI VIDA SIN MI, de Isabel Coixet


Especial ISABEL COIXET Nº 01
MI VIDA SIN MI (MY LIFE WITHOUT ME)
España, 2003. Dirección: Isabel Coixet Guión: Isabel Coixet, a partir del cuento de Nanci Kincaid Música: Alfonso de Vilallonga Fotografía: Jean-Claude Larrieu Reparto: Sarah Polley, Scott Speedman, Mark Ruffalo, Amanda Plummer, Leonor Watling, Deborah Harry, Maria de Medeiros, Alfred Molina Género: Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link



Mi vida sin mí marcó un antes y un después en la carrera de Coixet. Un día, Coixet buscaba un libro en un centro comercial de Nueva York y se encontró por casualidad con un volumen de los relatos de la escritora norteamericana Nanci Kincaid. Al leer el relato Pretending the bed is a raft, que podría traducirse como Simulando que la cama es una canoa, la cineasta decidió adaptar esa historia breve en el que terminaría siendo el guión definitivo de la película. Esther García y los hermanos Almodóvar, los máximos responsables de la productora El Deseo, quedaron prendados por el libreto de Coixet y se pusieron manos a la obra para convertir el texto en imágenes. Y el resultado es conocido por todos: el film obtuvo críticas excelentes, recaudó casi 10 millones de dólares en todo el mundo y seguramente fue la película que más lágrimas consiguió derramar en las salas ese 2003, sin olvidar sus nominaciones a los premios del cine europeo y sus dos premios Goya.


Mi vida sin mí inicia la ‘Trilogía del dolor’ de Coixet, a la que seguirían La vida secreta de las palabras y Mapa de los sonidos de Tokio. Ann, una joven de veintipocos años, vive en una caravana con sus dos hijas y su marido. Por la noche limpia las instalaciones de una universidad, mientras que por la mañana ejerce de madre, esposa e hija. Un día descubre que tiene un cáncer incurable, y a partir de ese momento su vida cambia radicalmente. En contra de lo esperado, Ann no quiere condicionar la vida de sus más allegados y oculta su enfermedad para dedicar sus pocos meses de vida a hacer las cosas que nunca tuvo tiempo de hacer, una decisión que la llevará a conocer personajes, protagonizar situaciones y experimentar sentimientos que nunca había creído posibles.


Coixet logra una película llena de riesgos que es casi un cuento de hadas sobre la muerte, aunque con mucha vida y esperanza. El film sacude al espectador casi desde el minuto uno y consigue algunas de las escenas y de las frases más brillantes del cine de Coixet. Estamos, en resumen, ante una historia que fácilmente hubiera podido caer en la exageración, en el tremendismo o la encrucijada moral, pero que por el contrario resulta conmovedora y muy humana. Coixet, además, se sirve de voces en off, escenas ralentizadas, colores saturados y una gran banda sonora para convertir el film en un cóctel de emociones que sacude a todo tipo de audiencias, sin importar su edad y su bagaje tanto vital como cinéfilo. Una de las mejores películas (tal vez la mejor) de Coixet.



Más información y reseñas del cine de ISABEL COIXET en
EL PODCAST DE C&R: Especial ISABEL COIXET

lunes, 23 de octubre de 2017

CRÍTICA | EL TERCER ASESINATO, de Hirokazu Koreeda


Culpable inocente
EL TERCER ASESINATO
Festival de Venecia: Sección oficial a concurso. Festival de San Sebastián: Perlas
Japón, 2017. Dirección y guión: Hirokazu Koreeda Música: Ludovico Einaudi Fotografía: Mikiya Takimoto Reparto: Masaharu Fukuyama, Koji Yakusho, Suzu Hirose, Yuki Saito, Kotaro Yoshida, Shinnosuke Mitsushima, Izumi Matsuoka, Mikako Ichikawa, Isao Hashizume Género: Thriller, drama Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno: 27/10/2017
¿De qué va?: Un abogado debe defender a un hombre de los cargos de asesinato del que se le acusan. El detenido se declara culpable y ya cumplió condena tres décadas atrás por otro delito. A medida que desentraña el caso e interroga a los distintos testimonios, el abogado empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente.

domingo, 22 de octubre de 2017

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 3X04 - CINE ESPAÑOL '17: Festival de San Sebastián: La llamada, Morir, Handia y Marrowbone


Programa nº 71 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 7º audio mensual dedicado al cine español. Valoramos todo el cine español proyectado en la 65ª edición del Festival de San Sebastián, con reseñas de los estrenos La llamada, Morir, Handia (Aundiya), El secreto de Marrowbone y La cordillera entre otros. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play! 



Guía del programa
0' Presentación - 2' Festival de San Sebastián 2017: valoración - 22' La llamada - 33' Morir - 40' Handia (Aundiya) - 49' El secreto de Marrowbone - 56' El autor, Muchos hijos, un mono y un castillo, La vida y nada más, Inmersión (Submergence), Las hijas de Abril, Una especie de familia - 65' Premios Goya 2018 y Resumen Festival de San Sebastián - 79' Despedida y canción: "La llamada", de Leiva 

sábado, 21 de octubre de 2017

CRÍTICA | ESAS NO SON PENAS, de Anahí Hoeneisen y Daniel Andrade

ESAS NO SON PENAS
Ecuador, 2007. Dirección: Anahí Hoeneisen y Daniel Andrade Guión: Anahí Hoeneisen Música: Xavier Muller Fotografía: Daniel Andrade Reparto: Amaia Merino, Anahí Hoeneisen, Francisca Romeo, Paquita Troya, Carolina Valencia, Juan Martín Cueva, Milagros Andrade, Nicolás Andrade, Sebastián Burbano, Paulino Camacho, Gustavo Corral, María Del Mar Espinoza, Coca Ponce, Mauricio Samaniego Género: Comedia, Drama Duración: 90 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Cinco mujeres amigas de la adolescencia deciden volver a reunirse luego de catorce años. 

Muchos recordaremos a Anahí Hoeneisen por su destacable interpretación en el film La llamada (ópera prima de David Nieto Wenzell), pero lo cierto es que antes de dicha obra, Hoeneisen había realizado la labor de guionista y directora en la  película Esas no son penas, la cual dirigió al alimón con Daniel Andrade, y donde además interpretó uno de los personajes. La cinta fue realizada y estrenada cuando el panorama de la cinematografía ecuatoriana era mucho menos alentador que el panorama actual (debido a que aún no existía la ley de cine instaurada en el año 2006), por tanto, Esas no son penas se sitúa entre esas obras sin demasiados medios, con estreno tardío y escasa difusión que, emergían para dar a conocer una historia sencilla y sin pretensiones. La trama se desarrolla en la ciudad de Quito: narra la historia de cinco mujeres de clase media quienes fueron compañeras de colegio y grandes amigas, pero con el pasar de los años cada una tomó su camino y, a pesar de vivir en la misma ciudad de apoco perdieron el contacto, catorce años después una de ellas decide retomar el contacto con las demás y vuelven a reunirse. A partir de esta premisa Esas no son penas recurre a situaciones cotidianas para desarrollar una comedia dramática y de mirada femenina que, de a poco nos lleva a conocer sus personajes: una mujer divorciada, una joven de vida algo disoluta, una actriz de teatro con conflictos amorosos, una madre que ha dejado aparcada su vida sentimental y una mujer que se está recuperando de cáncer. Un nostálgico reencuentro donde sus personajes entre lágrimas y risas hacen remembranza y hablan del paso del tiempo y los avatares de la vida. Una historia intimista y sencilla aunque posiblemente algo escueta, pero logra proveer al espectador la suficiente información como para disfrutar la atmósfera amena y divertida que se gesta a lo largo de los 90 minutos que dura el metraje. Además, ofrece unas interpretaciones muy acordes donde el reparto sin duda funciona muy bien.


Frase Favorita
“Si las fotos duraran un poco más, la gente no se vería ni tan tranquila, ni tan feliz.”

jueves, 19 de octubre de 2017

CRÍTICA | EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (WONDERSTRUCK), de Todd Haynes


Fábula a dos tiempos (y a medio gas)
EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (WONDERSTRUCK)
Festival de Cannes: Sección oficial. Festival de San Sebastián: Sección Perlas
EE. UU., 2017. Dirección: Todd Haynes Guión: Brian Selznick, a partir de su novela homónima Música: Cartel Burwell Fotografía: Edward Lachman Reparto:  Oakes Fegley, Julianne Moore, Michelle Williams, Amy Hargreaves, Cory Michael Smith, Marko Caka, James Urbaniak, Hays Wellford, Morgan Turner, Jaden Michael, Ekaterina Samsonov, Raul Torres, Millie Simmonds, John P. McGinty, Mark A. Keeton Género: Fantasía. Drama Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 02/03/2018


¿De qué va?: Años 20. Rose quiere estar junto a su madre, que trabaja como actriz. Años 70. Ben quiere saber qué se esconde tras la muerte de su padre. Ella lee un artículo en el periódico y él encuentra un libro en el desván de su casa. Las pistas de ambos les llevarán a Nueva York.


Como acreditan sus treinta años de carrera, Todd Haynes es uno de los directores que mejor ejecuta el cine de época y que en sus historias inserta con mayor eficacia referencias de la cultura popular, ya sea ésta de naturaleza conceptual, visual o musical. Su pericia se demuestra una vez más en los fotogramas de El museo de las maravillas, fábula que une los caminos de dos niños sordos en dos tiempos distintos que desean encontrar las respuestas de su pasado familiar en pleno bullicio de la ciudad de Nueva York. Haynes hace suya la ingenuidad de sus protagonistas y filma el universo que se despliega ante sus ojos con fascinación, saltando intermitentemente del blanco y negro a los colores chillones de los 70, de músicas ya existentes a cortes instrumentales de finalidad atmosférica. El ejercicio de estilo es notable, estamos también ante un producto único en su especie, y aún así da la sensación de que Haynes apenas llega a contagiarnos la festiva fantasía que debería irradiar la película. Incluso comete uno de los errores más graves posibles: dejar una de sus líneas narrativas a la deriva más absoluta (la trama de la década de los años 20 discurre apenas como complemento de la historia central). Torpezas que confluyen en un final que, tras sumirnos en una gramática silente, opta por sobreexplicar las relaciones de los personajes, cayendo incluso en terrenos lacrimógenos. ¡Hasta los niños resultan por momentos antipáticos! En resumen, y sin poder considerar El museo de las maravillas una mala película, sí supone una pequeña involución en el compendio delicado y sinestésico que es la filmografía de Haynes, aunque el cinéfilo encontrará un amplio catálogo de hallazgos para disfrutarla (quien escribe destaca su cita al cine mudo, la visita al museo científico o esos títulos de crédito con lenguaje de signos). Singular y meritoria, pero, a la postre, anecdótica.

 
Para alimentar el niño que llevamos dentro.
Lo mejor: Tiene una de las direcciones artísticas más interesantes de la temporada.
Lo peor: Sus quince minutos finales.



Escucha nuestra reseña de EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS en

miércoles, 18 de octubre de 2017

CRÍTICA | HANDIA (AUNDIYA), de Jon Garaño y Aitor Arregi


La altura del cine vasco
HANDIA (AUNDIYA)
Festival de San Sebastián: Premio especial del jurado
España, 2017. Dirección: Jon Garaño y Aitor Arregi Guión: Jose Mari Goenaga, Andoni de Carlos, Jon Garaño y Aitor Arregi Fotografía: Javier Agirre Música: Pascal Gaigne Reparto: Ramón Agirre, Eneko Sagardoy, Joseba Usabiaga, Aia Kruse, Iñigo Aranburu, Iñigo Azpitarte Género: Drama histórico Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 20/10/2017
¿De qué va?: Al regresar del frente de la Primera Guerra Carlista, Martín descubre que su hermano Joaquín es mucho más alto de lo normal. La curiosidad que despierta el "gigante de Gipuzkoa" llevará a los hermanos por distintos lugares de España y del extranjero, una experiencia que cambiará su vida. Basada en hechos reales.


Con Loreak, la cinematografía vasca alcanzó una cima indiscutible. Correspondía, por lo tanto, a los directores de esa joya ampliar todavía más los horizontes del cine hablado en euskera y con capacidad para llegar a todo tipo de públicos, un reto que se materializa ahora en esta Handia (Aundiya), la producción más elaborada, al menos en términos de factura técnica, que haya tenido jamás la ficción vasca. Garaño y Arregi conjugan a modo de cuento la historia de un gigante en pleno siglo XIX, una narración que se desarrolla en distintas capas: es, en esencia, la historia de dos hermanos y sus circunstancias, una bonita metáfora sobre la intransigencia de una sociedad empobrecida e incluso una trama que, en sus reivindicaciones sociales e idiomáticas, tiende distintos puentes con la actualidad de nuestro país (sirvan de ejemplos el paródico encuentro con la reina Isabel y la constante reivindicación del gigante Joaquín de sus raíces, cuestiones que esconden ramificaciones muy complejas, más contemporáneas de lo que podría parecer a simple vista). A pesar de contar con un presupuesto muy medido, y aunque el guión salta constantemente de tiempos y escenarios, hay que aplaudir la credibilidad y la belleza que Garaño y Arregi imprimen a todos los fotogramas de la película, sin que el espectador pueda intuir la tramoya o el artificio propio de cualquier producción de época. Tan sólo resta a Handia, paradójicamente, cierto complejo de "gigantismo", como si la historia, consciente de sus complejidades, quisiera abarcar demasiado y dejar intuir mucho más. Handia no siempre resulta todo lo convincente o sutil que debería, aunque el cómputo global nos deje una cinta estimable, la representante de un cine malentendido como "periférico" que reclama toda nuestra atención. Disensiones aparte, y en sentido estricto, Garaño y Arregi han expandido su nómina de méritos: ahí está el Premio especial del jurado del último Festival de San Sebastián y su excelente dirección artística, merecedora de todos los Goyas que se tercien. El futuro dirá qué lugar ocupa Handia en la pujante trayectoria del audiovisual vasco, aunque tiene las sobradas virtudes como para convertirse en un hito de nuestro cine.


Para amantes de las fábulas exquisitamente rodadas.
Lo mejor: Su envoltorio técnico.
Lo peor: La suma de sus partes no siempre está cohesionada. 


Más información sobre HANDIA en PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 2

Escucha nuestra reseña de HANDIA en
EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

lunes, 16 de octubre de 2017

OSCARS 2018 | MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA (II)


FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 12
VIEJO CALAVERA, de Kiro Russo (Bolivia)
Proyectada en los Festivales de Hamburgo, Locarno y San Sebastián 2016 | Sinopsis: Después de la muerte de su padre, Elder Mamani se ve obligado a vivir con su abuela en las afueras de la pequeña ciudad minera de Huanuni. Su padrino Francisco le consigue trabajo en la mina, pero él no demuestra el más mínimo interés y se la pasa bebiendo y metiéndose en problemas constantemente | Tráiler: Link
Dato: Bolivia concurre a los Academy Awards desde el año 1995, hasta el momento, no ha conseguido la nominación. Viejo calavera, ópera prima de Kiro Russo es la novena representante del país sudamericano en los Óscar. 

domingo, 15 de octubre de 2017

CRÍTICA | EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ, de Lynne Ramsay


La noche de la bestia
EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ
Festival de Cannes: mejor actor y guión. Festival de San Sebastián: sección Perlas
Reino Unido, 2017. Dirección: Lynne Ramsay Guión: Lynne Ramsay, a partir de la novela de Jonathan Ames Fotografía: Tomas Townend Música: Jonny Greenwood Reparto: Joaquin Phoenix, Alessandro Nivola, John Doman, Judith Roberts, Alex Manette, Ekaterina Samsonov, Kate Easton, Jason Babinsky, Frank Pando, Ryan Martin Brown, Scott Price, Dante Pereira-Olson, Jonathan Wilde, Leigh Dunham, Vinicius Damasceno Género: Thriller. Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 24/11/2017