CRÍTICA | SUSANA (DEMONIO Y CARNE), de Luis Buñuel

SUSANA (DEMONIO Y CARNE), de Luis Buñuel

Nominación al Ariel a la Mejor Actuación Juvenil (Luis López Somoza)

México, 1950. Dirección: Luis Buñuel Guión: Luis Buñuel, Jaime Salvador y Rodolfo Usigli, a partir de una historia de Manuel Reachi Fotografía: José Ortiz Ramos Música: Raúl Lavista Reparto: Fernando Soler, Rosita Quintana, Víctor Manuel Mendoza, Matilde Palou, María Gentil Arcos, Luis López Somoza Género: Drama Duración: 85 min. Tráiler: Link Elección de Shaoran Nox 
¿De qué va?: Aprovechando una noche de tormenta, Susana se escapa del reformatorio en el que fue encerrada quince años atrás. En su errático camino se encuentra con una familia católica que posee una hacienda. La presencia de Susana alterará el devenir de todos los habitantes de la casa.

CRÍTICA XAVIER: Buñuel encadenó el rodaje de Susana (Demonio y carne) con el de Los olvidados, uno de los títulos más recordados y premiados del Cinoscar Summer Festival 2. El film que nos ocupa está lejos de los mejores títulos de su director, pero atesora todas sus credenciales: onirismo, crítica social y una trama plagada de símbolos que remiten al sexo, al machismo, al caciquismo más recalcitrante y a la represión de naturaleza religiosa. Susana (Demonio y carne) suma cine negro con vodevil (o, si se quiere, lo sublime y lo ridículo). Tal vez peca de cierto maniqueísmo, pero Buñuel siempre aminora su radicalismo en pos de una historia y de unos personajes con doble filo, abiertos a infinitos análisis. Lo más atractivo de Susana (Demonio y carne) es su apariencia de cuento envenenado: empieza cual película Disney, avanza provocando a diestro y siniestro, y al final los personajes reencuentran el equilibrio tras haber dejado a la superficie todas sus miserias. "Un mal sueño", que diría la criada beata que observa y mueve hilos en la casa donde habitan todos los protagonistas. Una interesante relectura de la femme fatale. Aunque apenas aparece citada en los estudios de la filmografía de Buñuel, Susana (Demonio y carne) atesora cierto atractivo, y su historia sigue siendo actual y punzante. ¡Ah! Y un consejo para los que tengan su oído acostumbrado al español de España: vean la película con subtítulos. ★★★½

CRÍTICA RONNIE: Buñuel logra un abanico de estereotipos con los personajes de esta película, donde cada uno representa una actitud y reacción frente al sexo opuesto en una historia ambientada en el México postrevolucionario, de las haciendas y los núcleos familiares de antaño. Buñuel muestra un dominio del lenguaje cinematográfico único que usa con destreza para representar su propio estilo. La trama general de la película es interesante y en sus buenos momentos se agradece la denuncia general que realiza del sistema social de la época y que es aplicable hasta nuestros días. Las situaciones representadas como una clásico melodrama se complementan con la ironía y mordacidad de sus resoluciones. Todo el reparto destaca a su manera, pero Fernando Soler y Rosita Quintana manejan holgadamente sus protagonistas cautivando a la audiencia con sus papeles. Quintana, como Susana, representa la falsa inocencia de una mujer conocedora de las provocaciones que su erotismo produce, y sus compañeros de reparto masculinos representan aquella rudeza del hombre macho heterosexual, hambrientos de sexo y disponibles a cualquier cosa para devorar la fragilidad de la fémina. ★★★★

CRÍTICA ISIDRO: Me encanta que el subtítulo de Susana sea Demonio y carne. En Francia le pusieron directamente Susana la impura. Y tiene toda la gracia porque Susana es la misma encarnación del demonio que con sus carnes suntuosas despierta la lujuria de cuantos se encuentra. Y adoro que la única persona que no le baila el agua a la inocente y casta Susana sea la vieja más beatilla del lugar, con sus "Ave María Purísima" y sus vade "restro" Satanás. No es el Buñuel más redondo con el que me he topado, pero se nota toda su habilidad en construir atmósferas malsanas. Susana es como Viridiana (porque las dos acaban en -ana, ejé), pero sus protagonistas son completamente opuestas. Y este díptico refuerza una filmografía que estoy deseoso por descubrir a tope. Buñuel mola, y Susana también. ★★★½

CRÍTICA ALBERTO: Cuando hablamos de Buñuel, nos aborda cierto aire de consagración e intocabilidad, pues la maestría de uno de los genios claves del Séptimo Arte, demostrada a través de numerosas obras maestras, es innegable. Sin embargo, se desconoce la etapa que el realizador de Calanda pasó en México con producciones menores, aunque interesantes, de corte melodramático, muy cercanas a lo folletinesco. En esta carnal Susana advertimos un melodrama intenso, cercano al patetismo y contaminado por otras derivas audiovisuales muy alejadas de la esfera buñueliana y más próximas a la cultura latina. No obstante, entre las trabas de un guión repleto de cojeras y con personajes excesivamente exacerbados, cercanos a un tremendismo innecesario, se deja entrever un notable ejercicio de puesta en escena, así como ciertos anhelos críticos a la ruptura del sistema establecido, fermentado por ciertos patrones derivados de determinados ejes institucionales. Del mismo modo, la dureza de su reparto ayuda a contener las virtudes de unos personajes a veces en exceso caricaturizados, más que definidos de forma realista. El resultado final es dispar, bajo una base insuficiente se levanta un ejercicio bastante sólido, pero que se encuentra muy lejos de la magnificencia de un realizador de esta envergadura. ★★★

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★½ 

CORTOMETRAJE | THE EXTERNAL WORLD, de David O'Reilly

THE EXTERNAL WORLD, de David O'Reilly

Alemania, 2010. Animación satírica, 17 min. ¿De qué va?: Un retrato despiadado y corrosivo del "mundo exterior".

CRÍTICA XAVIER: La parodia de muchos cartoons norteamericanos, la influencia de David Lynch y el gag visual con final violento se dan la mano y se abofetean en The External World, una curiosa visión del mundo en el que vivimos. El corto no deja títere con cabeza y presume de sangre y tacos: es lo que pasa cuando la generación que mamó desde la cuna South Park crece y se anima a dirigir. Tengo sensaciones encontradas con el corto: a ratos creo que se excede, en otros desearía más sorna, y casi siempre me parece más una sucesión de "memes" que un verdadero corto de vocación social. Para muchos, un título de culto. Para otros, palabras gruesas. Quien escribe se sitúa en una posición intermedia. Depende, además, del sentido del humor que se tenga en el momento del visionado. Por lo pronto, creo que ese "mundo externo" no es tan fiero como lo pinta O'Reilly. ★★★

CRÍTICA RONNIE: O’Reilly, todo un referente de la animación europea, cuenta en The External World una historia bastante absurda con matices de humor negro y un surrealismo digital que puede llegar a espantar. Las imágenes utilizadas en este cortometraje funcionan como metáforas de nuestro propio mundo interno en una vida cotidiana. ★★★

CRÍTICA ALBERTO: David O’Reilly combina un serie de referencias culturales determinadas por el ejercicio de la animación y las combina habilidosamente provocando un resultado imperfecto, pero de interesantes repercusiones. Las dosis de humor, la inquietud de sus rarezas y su expresivo imaginario visual hacen de esta pequeña gran película una obra singular. La aceleración de las formas se antoja ácida y refinada para estructurar y pulir un cuento tan complejo, en cuyos hemisferios cómicos aguarda con estilo y solvencia la expresiva verdad de lo que hemos construido, para definir la verdad de nuestros cotidianos y mundanos entretenimientos. ★★★★

CRÍTICA ISIDRO: De David O’Reilly había visto un par de cortos muy cortos y muy bizarros sobre seres cabezones entre adorables y "yuyeantes" a los que les pasaba algo de pesadilla. En The External World se multiplica por 17 la duración, el bizarrismo y la pesadilla. O’Reilly satiriza el mundo actual siguiendo los cánones de la sociedad occidental tecnificada, desvirtuada y amoral: su humor es rápido, directo, violento y hasta zafio. Y mientras tanto Pikachu se pone una máscara de Mickey, los Looney Toons sobreviven como pueden en un asilo y una moza se masturba con un gusanito famoso que sufre de un ataque epiléptico mientras es visto por Internet por un chaval cuyo padre se pregunta si los dibujitos animados ejercen una mala influencia. No deja indiferente, eso seguro. ★★★½

NOTA MEDIA DEL JURADO: ★★★½

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CRÍTICA | HEDWIG AND THE ANGRY INCH, de John Cameron Mitchell

HEDWIG AND THE ANGRY INCH, de John Cameron Mitchell

Premio del público y mejor director del Festival de Sundance. Premio al mejor actor del Festival de Gijón

EE. UU., 2001. Dirección: John Cameron Mitchell Guión: John Cameron Mitchell, a partir del musical teatral homónimo Fotografía: Frank G. De Marco Música: Stephen Trask Reparto: John Cameron Mitchell, Michael Pitt, Miriam Shor, Alberta Watson, Stephen Trask, Theodore Liscinski, Rob Campbell, Michael Aronov, Andrea Martin, Maurice Dean Wint Género: Drama musical Duración: 95 min. Tráiler: Link Elección de Jorge Luis Álvarez
¿De qué va?: Hace unos años, Hedwig abandonó su Berlín natal y se sometió a una operación de cambio de sexo. Ahora es la principal estrella de una banda de rock, aunque su trayectoria ha quedado opacada por el éxito de Tommy Gnosis, quien fuera su amante y protegido. De garito en garito, Hedwig explica su vida en un show musical que no deja a nadie indiferente.

CRÍTICA | BIG BAD WOLVES, de Aharon Keshales y Navot Papushado

BIG BAD WOLVES, de Aharon Keshales y Navot Papushado

Premio al mejor director y mejor banda sonora del Festival de Sitges 2013

Israel, 2013. Dirección y guión: Aharon Keshales y Navot Papushado Fotografía: Giora Bejach Música: Haim Frank Ilfman Reparto: Tzachi Grad, Lior Ashkenazi, Rotem Keinan, Doval'e Glickman, Menashe Noy, Dvir Benedek, Nati Kluger, Kais Nashif, Ami Weinberg, Guy Adler, Arthur Perry Género: Thriller policiaco Duración: 110 min. Tráiler: Link Elección de Elías Michel
¿De qué va?: La desaparición de unas niñas siembra el caos entre la policía. Un detective cree haber detenido al sospechoso, un profesor que ha sido liberado tras un arresto sin pruebas. En el camino de los dos hombres se interpone el padre de una de las víctimas, sediento de venganza.

CRÍTICA RONNIE: Debo reconocer que esta es una de las sorpresas más gratas con las que me he topado en este CSF4. Es una película retorcida, violenta y bastante entretenida. El humor negro me gusta mucho, y el film tiene un humor muy negro. Su crueldad y escenas de tortura recuerdan inmediatamente al cine de Tarantino, pero no es una copia malsana de su cine, si bien Tarantino es conocido por copiar (perdón: mezclar) ideas de muchos lados para construir sus propios mensajes. Sabiendo esto, Big Bad Wolves es una cinta disfrutable para los que tenemos algo de psicópata en la cabeza. Gran parte de este entretenimiento es gracias al reparto, que sorprende con interpretaciones tan variadas en papeles completamente desquiciados. La víctima se convierte en el victimario, el malo en el bueno... y todo envuelto en una tensión perfecta lograda por la música que le acompaña. La dirección emprende el viaje a velocidad conforme avanzamos en la parte final y se concreta en un slow motion que ahoga las palabras. El cine israelí se anota un éxito más con esta producción que absorbe la esencia de los thrillers americanos para crear un paralelismo de gran calidad que en ningún momento se siente una pérdida de tiempo. ★★★★

CRÍTICA XAVIER: Vi Big Bad Wolves en su primera proyección en España. En el Festival de Sitges, los diálogos y las truculencias del film gustaron muchísimo. En ese momento nadie dudaba (quien escribe tampoco) de que la película era una de las más interesantes de la competición y una de las pocas capaces de llegar a las salas comerciales. Ahora vuelvo a Big Bad Wolves, de nuevo por imposiciones festivaleras, y echo mucho de menos no verla con el auditorio entregadísimo de Sitges. La película israelí se disfruta aun sabiendo de antemano sus giros narrativos. Está bien escrita, dirigida con solidez y muy bien interpretada. Con todo, ¿quién querría un thriller tarantiniano (loable, notable) teniendo en el Cinoscar Summer Festival al mismísimo Tarantino, para más inri con su película más representativa? Dicho esto, en este segundo visionado me quedo con aquellas facetas menos dependientes de la influencia del director de Pulp Fiction: me refiero a los preciosos títulos de crédito, casi un cortometraje propio, y a su crítica social, sutil pero muy gamberra. Por algo el citado Tarantino declaró Big Bad Wolves como su película favorita del 2013. Un film que gustará especialmente a los espectadores con tendencia a los desórdenes mentales y a la violencia hiperrealista. O sea: para todos los públicos. ★★★½

CRÍTICA ISIDRO: Violencia por aquí, alguna torturita por allá y algo de humor negro y ea, “se nota la sombra de Tarantino”. Leyendo críticas sobre Big Bad Wolves veo gente comparándola con Tarantino, y a mí me da coraje porque Tarantino no es solo violencia. Sí es verdad que es un hacha haciendo de la violencia un espectáculo pulp y desenfadado, pero reducir su cine a eso me parece poco acertado. Big Bad Wolves tiene poco de Tarantino. O si se han fijado en Tarantino, la copia les ha salido nada más que regular. Big Bad Wolves mola por su propia entidad. Que tampoco es mucha ni muy original, pero mola. Y mola que se atreva en un país donde la violencia no es solo espectáculo y donde hay un odio real hacia el pueblo árabe a presentar a todos los protagonistas como locos redomados y que el único medio cuerdo sea un musulmán que pasaba por ahí montado a caballo. Cine cachondo (aunque menos de lo que me habría gustado), pero con seso y potencia cinematográfica. Eso, mola. ★★★½

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★½ 

CORTOMETRAJE | MESHES OF THE AFTERNOON, de Maya Deren

MESHES OF THE AFTERNOON, de Maya Deren y Alexander Hammid

EE. UU., 1943. Thriller experimental, 14 min. ¿De qué va?: Una mujer llega a una casa y empieza a perder la noción del espacio y tiempo.


CRÍTICA XAVIER: Cumbre del cine experimental, Meshes of the Afternoon es una joya que se presta a infinitos visionados y a numerosas lecturas. Tocada por la magia del surrealismo, la película se despliega como un universo personalísimo. Los objetos y la protagonista se desdoblan y multiplican, se mueven y alteran hasta producir en el espectador una sensación de irrealidad. Maya Deren, con la ayuda de su marido Alexander Hammid, logra que Meshes of the Afternoon sea una clase maestra de cómo llamar la atención del espectador, intrigarlo y llevarlo a la deriva más absoluta. El corto construye escenas para el recuerdo (el ingrávido paseo por las escaleras, la aparición del "hombre espejo", etc.). No me cuesta imaginar a David Lynch viendo una y otra vez Meshes of the Afternoon mientras cavilaba Mulholland Drive. Una de las sorpresas más raras y gratas del festival. ★★★★

CRÍTICA RONNIE: Maya Deren fue, además de precursora del cine experimental, realizadora, poeta, coreógrafa, bailarina y escritora. El surrealismo que utilizaba en sus cintas influyó gran parte en el arte de realizadores de la talla de David Lynch, Luis Buñuel o Jean Cocteau. Meshes of the Afternoon es la cinta más reconocida de Deren y contiene un surrealismo onírico que nos engulle en una pesadilla para explorar dentro de nosotros mismos el miedo al rechazo que siente la propia protagonista. Pero este es solo un significado de tantos: la gran cantidad de simbolismos activa diferentes lecturas y toma diversas. Los sueños siempre son válidos en todas sus presentaciones y el cine permite a realizadores innovadores utilizar este medio de comunicación como un instrumento extraordinario para romper esquemas y racionalidades. De los mejores cortos del festival. ★★★★

CRÍTICA ISIDRO: Tres años antes de que naciera David Lynch llegó Maya Deren y su marido Alexander Hammid y se marcaron una de las obras cumbres de la cinematografía experimental con este Meshes of the Afternoon. Me da un poco de coraje esa etiqueta de “experimental” cuando nos referimos a una obra cinematográfica que se sale de los cánones narrativos. Experimentar en el sentido de buscar nuevos horizontes o romper con lo establecido debería ser una de las máximas de todo artista. Y eso no significa que todo el cine que haya que considerar “arte” se parezca a este corto, ojo. Porque básicamente yo no me he enterado de lo que pasa aquí ni de lo que querían sugerir sus autores hasta que no lo he leído en filmaffinity, pero me han dejado 14 minutos fascinado, testigo de una belleza sobrecogedora, y eso que se me han ido los plomos acordándome de Daenerys en la Casa de los Eternos o de los sincaras de Chihiro. Ea, que mola. ★★★½

CRÍTICA ALBERTO: Como si de una crónica rupturista se tratara, muy al estilo del choque expresivo y dialéctico que en su momento trajo a las artes plásticas la aparición entre otros hitos del lienzo impresionista, este film desecha el retrato realista en pro de un ejercicio de búsqueda de sensaciones y expresiones humanas ante las referencias externas y la propia acción sensorial, en comunión con facetas de definición sociocultural. Referente para otros directores, el film atiende a sus motivos con solvencia dialéctica y técnica y construye un ejercicio de temple, de atmósfera refinada y motivos sólidos. Una muestra que a veces se pierde entre las ambiciones de su propósito, pero que sin duda consigue perpetuar una sensación, una conmoción y sobre todo el interés por desglosar cada una de sus aparentes arbitrariedades. En su rareza está su encanto. ★★★½

NOTA MEDIA DEL JURADO: ★★★★

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CRÍTICA | SECRETOS Y MENTIRAS, de Mike Leigh

SECRETOS Y MENTIRAS (SECRETS & LIES), de Mike Leigh

Palma de oro del Festival de Cannes 1996. 3 premios Bafta y 5 nominaciones al Óscar

EE. UU., 1996. Dirección y guión: Mike Leigh Fotografía: Dick Pope Música: Andrew Dickson Reparto: Brenda Blethyn, Timothy Spall, Phyllis Logan, Marianne Jean-Baptiste, Lee Ross, Claire Rushbrook, Elizabeth Berrington, Lee Ross, Michele Austin, Ron Cook, Lesley Manville, Emma Amos, Hannah Davis Género: Drama Duración: 140 min. Tráiler: Link Elección de Antonio Fernández
¿De qué va?: Al fallecer sus padres adoptivos, Hortense siente la necesidad de conocer a su madre biológica. Lo que no sabe es que su deseo tendrá repercusiones inesperadas en su vida y en la de algunas personas de su alrededor.

CRÍTICA ISIDRO: Secretos y mentiras es una de las siete únicas películas que tengo en DVD original en mi filmoteca física (soy más pirata que los pantalones). Hace seis o siete años la vería en oferta por algún centro comercial y "arramplé" con ella. No la había visto, solo sabía que había ganado la Palma de Oro en Cannes, pero aquello me pilló justo en la etapa cinéfila de mi vida en la que quería empezar a culturizarme/posturizarme. La tuve abandonada durante un par de años, y un día me dio el "avenate" y me la puse. Era la tercera película de Leigh que veía tras Happy-go-lucky y Another Year. Y me conquistó. Me declaro fan de su cine porque sabe escribir diálogos verosímiles, pero con algún segmento más teatrero muy bien insertado, y deja que sus actores brillen como pocos: la ternura y espontaneidad que derrochan sus dos protagonistas, Brenda Blethyn y Marianne Jean-Baptiste es arrolladora, cada gesto, cada mirada es una obra de arte. Y acabo profundamente emocionado sabiendo que he visto algo auténtico y maravilloso. Sabéis lo mal que llevo las películas por la noche, me quedo sopa al momento por mucho que me apasione la película, nunca (bueno, depende) culpo a la cinta. Pues bien, la primera vez que la vi me la puse a las 2 de la mañana. Y la vi enterita sin pestañear. Algo muy poderoso tiene que tener Secretos y mentiras para hacerme verla del tirón a esas horas de la vida. Para el festival he vuelto a hacer el mismo experimento. Me volvieron a dar las 5. Magistral. ★★★★½

CRÍTICA ALBERTO: Entroncar dentro de una corriente a uno de los realizadores británicos más internacionales resulta algo impostado. A pesar de que su obra manifiesta ciertos matices comunes al buen ejercicio de cine social labrado dentro de la esfera independiente británica, la singularidad de su discurso y la verdad de sus guiones entroncan un camino único de difícil comparación. En su obra más laureada, marcada por matices sociales, pero también psicológicos de valor humanista, perfila un ejercicio coral que indaga sobre el valor de la verdad, y más dentro de las esferas de construcción sociocultural como es la familia. La habilidad para perfilar personajes y situaciones consigue admirar una película muy sólida, que deja abrumados a todos aquellos que se deleitan por su perfilado lenguaje y su habilidoso retrato social. Mención aparte para el valiente reparto, en especial ella, imponente e impresionante Brenda Blethyn que arrasa y conmueve con la gran gama de matices que explora y explota. Su composición vibra y queda perpetuada en el recuerdo de las mejores interpretaciones de nuestra contemporaneidad cinematográfica. ★★★★½

CRÍTICA RONNIE: Leigh entrega un extraordinario trabajo que aborda las relaciones humanas y esa fastidiosa dificultad de expresar nuestros sentimientos. El excelente reparto tiene unas interpretaciones geniales y muy creíbles por su gran naturalidad, especialmente Brenda Blethyn, la ganadora del premio a la mejor interpretación femenina en Cannes, con su representación de madre soltera. La dirección y el guión, autoría de Mike Leigh, destacan por su importante reflexión sobre la institución familiar y los problemas de la adopción. La narrativa de la historia se fortalece con unos diálogos tan reales que vuelven la situación común, y el contexto lo dejan al alcance del espectador provocando una empatía ante el conflicto; solo por el simple hecho de saber que así es la vida misma, real y emotiva. El film también nos acerca a la constante mediocridad de todos los seres humanos y es un férreo análisis de las relaciones humanas desde el núcleo familiar. ★★★★½

CRÍTICA XAVIER: Secretos y mentiras es la obra maestra de Mike Leigh. El británico consigue la perfección en todos los registros: la dirección de actores, la austeridad escénica, la medida dirección de fotografía y un guión que acoge para sí el caos tragicómico de la realidad. Leigh desvela su faceta humanista al revestir cada uno de sus personajes con imperfecciones, virtudes y contradicciones reconocibles. Pocas veces el drama estalla en la gran pantalla con tanta potencia y elegancia. Y tras la catarsis, Leigh cierra la película ofreciendo la paz que sigue a la tormenta, una "tensa calma" que permite la confesión, la redención, la identificación y el diálogo entre sus criaturas... y, a la postre, que la vida, ese espectáculo mágico y doloroso, pueda seguir adelante. En la narrativa de Leigh no hay ningún juicio, ningún posicionamiento, ningún amago de "buenismo". De ella queda la vida en toda su desnudez, a borbotones, entre apasionante e insoportable. Hay dos escenas que me llevan directamente al llanto: la confesión peripatética del personaje de Brenda Blethyn en el plano fijo de la cafetería y el grito de Timothy Spall confesando el terrible pesar que le produce ver a las tres mujeres que más quiere envueltas en una maraña de reproches, secretos y mentiras. Se mire por donde se mire, la arquitectura del libreto de Leigh es de una excelencia pocas veces alcanzada. Mapa de las miserias humanas que ahora, visto en pleno 2016, tiene entidad de indiscutible clásico moderno. ★★★★★

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★★½

SEMANARIO 108 | CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2016 (VIII)

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG: ESPECIAL CINOSCAR SUMMER FESTIVAL

Sección oficial a concurso:

Crítica de ROMPIENDO LAS OLAS, de Lars von Trier

Crítica de ALEMANIA: AÑO CERO, de Roberto Rossellini

Crítica de VÉRTIGO (ENTRE LOS MUERTOS), de Alfred Hitchcock

Crítica de ORÍGENES (I ORIGINS), de Mike Cahill

Crítica de COWBOY DE MEDIANOCHE, de John Schlesinger

Otras secciones:

Trabajo novel: DAVID CHÁNATOS IN MANIAC MANSION, de David Chánatos

Trabajo novel: BASURA VALIOSA, de Keven Uribe

Trabajo novel: NOSTALGIA, de Luis Lobato

Corto: EU NAO QUERO VOLTAR SOZINHO, de Daniel Ribeiro

Largo: POPEYE, de Robert Altman

TRABAJOS NOVELES | BASURA VALIOSA, de Keven Uribe

Cinoscar Summer Festival 2016: Trabajos noveles a concurso

Entrevista a Keven Uribe, director de Basura Valiosa

1. ¡Bienvenido al Cinoscar Summer Festival, Keven! Nos complace contar con tu participación y con Basura Valiosa. Antes de hablar de tu corto, nos gustaría conocerte un poco a ti. ¿Qué te apetece compartir con nuestros lectores y espectadores de tu trayectoria en la realización de cortometrajes? ¿Puedes contarnos tu experiencia en el mundo del cine?
Muy humildemente les agradezco su gran atención y pues me presento ante ustedes, mi nombre es Keven, tengo 18 años, soy mexicano y soy un estudiante de cine por lo que mi trayectoria en la realización tal vez no sea tan larga sin embargo antes de estudiar cine ya había realizado algunos cortometrajes, el más importante de ellos creo yo es un llamado Sin rumbo, los ojos de un viajero de primera y tal vez éste tiene cierto parentesco temático con Basura Valiosa solamente que es con una angulación muy diferente. 

2. En los títulos de crédito leemos que te has encargado de la dirección, el guión, el montaje y la fotografía de Basura Valiosa. Puede decirse que has formado parte de todo el proceso creativo del corto. ¿Cuál de todas esas facetas has disfrutado más como artista? ¿Qué aspecto técnico fue el más difícil de superar durante la preparación, el rodaje y el montaje final de tu trabajo?
Cada una de las facetas las disfruto muchísimo, esto de hacer cada uno de los procesos me acerca más a mi objetivo y podría decirse que es más fácil de plasmar lo que había imaginado ya que al trabajar con más personas el proceso se convierte en una debate de interpretaciones, sin embargo sé perfectamente que el cine en la mayoría de ocasiones es un trabajo colaborativo y también es otro proceso de trabajo que me gusta pero en este cortometraje preferí realizarlo de este modo para transmitir la mayor parte de la idea original. En cuanto al aspecto técnico, creo que lo más difícil fue el diseño sonoro ya que en la filmación el proceso fue más cercano a la improvisación por lo que mientras grababa le daba indicaciones a Zair de lo que pensaba su personaje, qué debía hacer y qué estaba a punto de suceder; en pocas palabras, lo estaba dirigiendo mientras la cámara y el sonido corrían, así que todo el sonido del cortometraje fue recreado a excepción de una parte en la que pide unas tortillas y es por esto que fue tan difícil esta parte.

3. Basura Valiosa no cuenta con diálogos: los ruidos y el silencio de fondo son los protagonistas de la historia. Imaginamos que lograr todo ello en pleno set de rodaje no ha sido fácil. ¿Tienes alguna anécdota de esa filmación que te apetezca contarnos? ¿Cómo planificaste un guión… sin diálogos o palabras? Imaginamos que un rodaje a la intemperie, con limitaciones de luz, fue bastante complicado…
Algo que aprendí en este rodaje es: ¡No hables mientras estás grabando audio! Es en serio, como les acabo de contar es un gran problema en la edición de sonido y si vas a hacerlo, que no haya dialogo, creo que es bastante obvio; sin embargo, yo estaba experimentando y para eso sirven los experimentos, para aprender. El guión parecía más bien un pequeño cuento. El actor interpretó el personaje de Cesar y entendió el personaje, y cuando vi el resultado en la pantallita de la cámara era justo lo que había imaginado: su desesperación era el retrato de Cesar que había tenido. Me desvié un poco en cuanto a los diálogos, sonidos y silencios una disculpa, estos fueron recursos que igualmente venían implícitos en el guión (los sonidos), no es que vinieran indicaciones como “y de fondo se escuchan unos cuantos pájaros de fondo” sino que en el relato decía “Una mañana en un barrio de los suburbios de la ciudad de México”, entonces esto ya nos indicaba qué escenario en imágenes veríamos y junto con él vendría por supuesto el sonido, que lo utilizamos para retratar el lugar. En cuanto a los diálogos vienen indicadas solamente acciones, no quise hacer uso de diálogos al menos en este corto, quería que el personaje hablara por sí mismo, que sus acciones nos revelaran qué tipo de persona era, comprender porque era y más que nada compartir su intimidad, algo que creo que los silencios ayudan…Era un vagabundo que se dedica sólo a vagar, valga la redundancia. 

4. El actor Zair Uribe es la base de Basura Valiosa: aguanta con mucha estoicidad primerísimos planos muy difíciles de ejecutar. ¿Qué relación tienes con Zair? ¿Qué indicaciones le diste a tu intérprete? ¿Cómo trabajaste con él las miradas, los gestos y los andares que vemos en el video?
Zair es mi hermano, por lo que la comunicación con él no fue difícil, además de que ya me ha ayudado a realizar otros proyectos y creo que ya he encontrado la manera de estimularlo y pedirle qué quiero de él. Las indicaciones que le di fueron indicaciones inmediatas, me refiero a que en la grabación le hablaba como si yo fuera una voz interior, lo cuestionaba, le hacía preguntas que él respondía con gestos y algo que me ayudó muchísimo es que él conocía muy bien a César, así que cada movimiento fue muy coherente conforme al personaje. Muchas miradas, por ejemplo, fueron producto de él sin que yo se lo indicara y es algo que agradezco mucho de su entrega. 

5. Basura Valiosa es uno de los trabajos más experimentales de toda la sección a concurso. Propones un reto al espectador, pero también un misterio en forma de fotografías y una atmósfera de constante tensión. ¿Qué sensaciones, sentimientos o reflexiones querías incitar en el espectador? Antes de visionarlo, ¿cómo presentarías el corto a los espectadores? ¿Te atreves a esbozar una breve sinopsis de Basura Valiosa?
Primeramente tenemos que entender la situación de nuestro personaje. Es un vagabundo muy joven que se dedica a limpiar las calles; al ser un personaje muy joven creo que sensibilizamos más a los espectadores, es más empático; luego vemos cosas que parecen basura, este chico las recoge y las admira como si fueran pequeños tesoros y aquí reside el primer mensaje: debemos apreciar lo que tenemos, lo que para unos es basura para otros es algo valioso. A pesar de que la historia no trate ni se esmere en recalcar este mensaje me parece que es importante notar lo que tenemos y apreciarlo, no hablo sólo de lo material sino de las personas que nos rodean. El resto del corto fue algo más sensorial, quería que el espectador sintiera ese estado de paranoia en donde no vemos si alguien pone estas fotos o si son encontradas al azar, es por eso que la profundidad de campo es muy corta ya que el fondo desenfocado da más curiosidad sobre ¿qué hay más allá? Ese era nuestro principal objetivo, desesperar al espectador con la sensación de que alguien o en este caso algo nos sigue. En este corto veremos a César, un chico que desde hace unos años se ha dedicado a limpiar donde ni siquiera está sucio y colecciona objetos que para él son su tesoro, lo acompañaremos en uno de sus tantos días cotidianos en los que este particular chico vive, solo que este día no es tan común, este día encontrará algo que cambiara su vida...o algo peor. 

6. Basura valiosa es un thriller desasosegante, pero también un drama social. Centras tu cámara en las clases más desfavorecidas: tras esa opción, ¿se esconde algún amago de crítica? ¿Hasta qué punto intentas reflejar una realidad de tu país: México?
Ciertamente tiene una inclinación a mostrar un sector específico de nuestra sociedad mexicana y es algo que personalmente me llama más la atención ya que es la realidad de la mayoría de las personas de nuestro país, es como darle importancia a lo que no recibe mucha atención por parte no sólo del gobierno sino del otro porcentaje de población que no voltea a ver la realidad por estar ensimismados. 

7. Sin desvelar muchos datos de la trama, sí podemos decir que en la historia son muy importantes unas fotografías en blanco y negro. ¿Cómo realizaste esas imágenes? ¿Qué historia esconden esas fotografías?
Son parte de una serie fotográfica que realicé hace aproximadamente dos años en el centro histórico, en la cual trate de retratar los aires viejos que guarda una ciudad de constante cambio y seleccioné 3 de ellas que tuvieran algo que ver una con la otra y curiosamente en todas ellas había un señor de la tercera edad, no el mismo, porque sino yo mismo me hubiera perturbado, pero eso era el factor común, y para la última parte quería escoger otra foto que fuera lo bastante fuerte para cerrar y que le diera sentido al mismo final, entonces en esa misma serie había una muy peculiar en cuanto a composición y contraste de blancos y negros, y que aparecía un personaje muy emblemático de México (la catrina), ya que daba un motivo suficiente para terminar como terminó el corto. 

8. En tu canal de Youtube están disponibles diferentes cortometrajes. De cara a futuras ediciones del festival, nos encantaría contar con tus nuevos trabajos. ¿Estás trabajando en algún otro proyecto? ¿Te planeas dar el salto al largometraje?
Actualmente estoy en la preproducción de otro cortometraje titulado La llorona en el cual tengo muchas esperanzas, y tengo otros 3 cortometrajes escritos que espero poder producir en un futuro cercano. En cuanto a largometrajes, estoy en la realización del guión, el cual espero poder filmarlo entre este año y el siguiente y espero poder presentarlo en su festival. 

9. ¡Muchas gracias por atenderá nuestras cuestiones! Te deseamos muchísima suerte en esta cuarta edición del certamen. Finalmente, te damos la posibilidad de promocionar tu corto y de animar a la comunidad del festival a que visionen y voten por Basura Valiosa. ¿Qué deben saber los espectadores antes de darle al play a tu vídeo? ¡Saludos!
Muchas gracias a ustedes por su agradable atención y espero que le haya gustado y que a los que están por verlo igualmente les cree dudas o respuestas, sensaciones, reflexiones, críticas y opiniones sobre este pequeño corto. En cuanto lo que deben saber sobre el video…creo que antes de ver un corto no deben saber nada, solo deben verlo, sin contaminación de opiniones para apreciarlo en su forma más pura. Espero que lo disfruten, muchas gracias.

TRABAJOS NOVELES | NOSTALGIA, de Luis Lobato

Cinoscar Summer Festival 2016: Trabajos noveles a concurso

Entrevista a Luis Lobato, director de Nostalgia

1. ¡Saludos, Luis! Bienvenido al Cinoscar Summer Festival. Al tratarse de tu primera incursión en el certamen, nos gustaría que te presentaras a los lectores del blog. ¿Cuál es tu vinculación con el mundo del cine? ¿Es Nostalgia tu primer trabajo como realizador?
¡Hola Xavier! Primero que nada gracias por tu atención, es un gran movimiento de ideas lo que nos permite el festival. Para mi, ir al cine es el espacio seguro donde puedo acercarme con facilidad a otra realidad retratada en pantalla. Hacer cine es volver como cuando era niño a descubrir que nuevas historias contare con lo que contiene mi baúl de juguetes. Usar la realidad para crear una ficción con momentos extremistas. Ahora estudio Cine en México D.F. constantemente realizo nuevos proyectos como Nostalgia. Antes de Nostalgia realicé mi primer corto hace ya unos 3 años. De ahora en adelante, mi foco está en seguir narrando historias usando la poesía del cine. 

2. Nostalgia es una historia de amor y de culpabilidad, con un personaje que no puede dejar de hablar y otro que no puede articular ni una sola palabra. ¿De dónde nace la idea de Nostalgia? ¿Te inspiraste en alguna experiencia personal o en algún referente cinematográfico?
El desahogo. Para mi la culpa es algo que en realidad no existe pero lo asociamos con ese malestar en la garganta donde queremos escupir el enorme atormento de una consecuencia que estoy por hacer o que ya la he tomado. El personaje que no puede hablar incrementa la culpa del personaje reiterando que en realidad estamos solos y solo nosotros somos los que podemos perdonarnos. Nació de una experiencia personal, una emoción que llevaba dentro del estómago, con la que cargaba por mucho tiempo. Para mi hacer esta puesta en escena fue el desahogo que yo necesitaba. 

3. Háblanos de tus dos actrices. ¿Contaban con experiencia interpretativa antes del rodaje de Nostalgia? ¿Se conocían antes de la filmación? ¿Qué tipo de ensayos o indicaciones realizaste con ellas?
Ellas dos no se conocían hasta el día de rodaje. El personaje de la anciana, Esperanza, no es actriz. Es una señora con gran experiencia de vida que con tan solo contarle su situación de personaje ¨sufrir la enfermedad de Alzheimer¨ entró en el personaje. La otra chica, Ana Lilia, es una grandiosa actriz. Tuvimos una sesión previa de trabajo de mesa para construir el personaje. A mi me gusta trabajar con el inconsciente del ser humano para lograr encontrar el motor que necesitan los personajes. La noche anterior de la filmación mi actriz pidió un sueño para revelarle el tema de su personaje. Al día siguiente analizamos el sueño, las imágenes oníricas estaban relacionadas a una experiencia personal de Ana Lilia, usamos ese material para llevarlo al arco emocional del personaje, y obtuvimos un resultado fascinante. 

4. Una de esas actrices aguanta con muchísima profesionalidad unos primerísimos planos realmente complicados a nivel interpretativo. ¿Cómo enfocaste el diseño de esas escenas? Seguro que puedes contarnos alguna anécdota al respecto.
Me gusta jugar con el tiempo real. Las tomas largas. Darle al botón rojo para registrar las imágenes, y que la magia suceda. Los planos cerrados su intención fue acercarnos a la verosimilitud del personaje. Adentrarnos a su alma a través de sus ojos. Un desafío entre ser el personaje y sentir como el para convencer al publico de la verdad de la situación. Un desafío que Ana logró. 

 5. La música es un protagonista más de la historia: podría ser una metáfora del tiempo que ya pasó, del afecto que quedó o de las palabras que la anciana no puede verbalizar. ¿Cómo diste con esa canción? ¿Qué te motivó a incluirla en el cortometraje? ¿Qué efectos buscabas con esa elección musical?
Me parece que la canción es un gran retrato de época para la cultura Mexicana. La pieza Flor de azalea cantada por Elsa Aguirre es una canción que Esperanza ha escuchado con mucho cariño a lo largo de su vida. Me pareció un bonito detalle rodear la esencia del personaje de la anciana con esta bella melodía. 

6. Aunque cuentas con pocos elementos escenográficos, todos los objetos que muestras (las fotografías, las flores, la mesa) ayudan a confeccionar un ambiente ambiguo y al mismo tiempo muy femenino. ¿Cómo elegiste todos esos elementos? ¿Te resultó difícil, técnicamente hablando, ejecutar el barrido de cámara con el que se abre el cortometraje?
Son elementos de la vida de Esperanza, una verdad que la ayudó a repasar su vida y convencerla que estaba en casa. Las fotografías remite la nostalgia del vago recuerdo de quien solía ser. El lindo barrido que abre el cortometraje fue hecho por mi gran amigo Mauricio Avendaño un barrido que con gran facilidad ejecuto.

7. Sorprende que en Nostalgia haya mucha luz. De hecho, puede verse cómo en el salón donde sucede la trama entran los rayos del sol. Incluso la anciana, por la posición en la que está sentada, parece querer capturar toda la luz azulada que entra del exterior. ¿Cómo trabajaste el aspecto lumínico del corto?
Me encanta trabajar con Luz natural. La Luz es la fuente creadora. La anciana estaba consciente de esto. Así que me acerque al ventanal del lugar y con gusto, juntos, recibimos esta grata Luz. 

8. ¿Cómo fue el proceso de escritura del guión? ¿Llegaste a escribir los sucesos que acontecen antes y después de lo que vemos en Nostalgia? ¿Te planteas rescatar a tus personajes en futuros cortos?
No escribí los sucesos del antes y después como guión. Pero esos sucesos se los dije a mis actrices para que pudieran estar en el aquí y el ahora conociendo de donde venimos y a donde vamos. Me resulta fascinante tu idea de rescatar estos personajes en mis futuros cortos. 

9. Nostalgia nos lleva a un cine intimista, pequeño y muy humano. Es casi imposible no relacionarlo con muchas películas que están surgiendo en la actualidad en Latinoamérica. Como director, ¿cómo ves el éxito que está teniendo el cine mexicano y suramericano en todo el mundo? ¿Crees que hay algunos aspectos del universo femenino que deberían contarse y que todavía no han sido abordados en la gran pantalla? 

El universo Latinoamericano cada día que pasa se vuelve más fuerte como el pueblo en su historia. Es una lucha por identificación, por etnicidad, cuando veo este tema reflejados en películas de Latinos me atrapa, ya que la narrativa es una verosimilitud que nos acerca a conocer un poco mas acerca de la condición humana. Como te decía agradezco este festival porque es una oportunidad para la gente que quiere expresarse y llevar su cultura a todos los rincones del mundo. La banda Mexa han logrado cosas inimaginables en la pantalla, ahora mas que nunca este contenido esta siendo visto por una gran audiencia. Para mi la mujer es la Diosa de las emociones. La mujer es mi musa, mi puente a centrarme en mis proyectos para encontrar la llave que abre la emoción del personaje. La mujer es única y divina, si la pones en una gran pantalla no dudo que puede sacudir a la audiencia y hacer consciente al publico. 

10. ¡Muchas gracias por responder a nuestras cuestiones! Te deseamos mucha suerte. Para terminar, te invitamos a que dirijas unas palabras al público y al jurado del festival. ¿Qué nos cuenta Nostalgia? ¿Por qué la comunidad del certamen debe visionarlo y votarlo? ¡Saludos!
Nostalgia es una tragedia melodramática que se sostiene justo en la línea de la verosimilitud por la gran interpretación de Ana Lilia Nucamendi. Nostalgia es un fragmento del que podemos relacionarnos, la pérdida de memoria, el miedo a vernos al espejo y no reconocernos, el miedo a no poder amar a la persona que le di vida porque me he olvidado de ese día. Todo mundo quiere contar historias, yo creo que ese es nuestro propósito en este mundo desconocido. Los invito a que tomen cualquier herramienta que registre imágenes, utilicen esta espada y hagan su historia. ¡Sigamos creciendo, vencedores! ¡Gracias!

CRÍTICA | POPEYE, de Robert Altman

POPEYE, de Robert Altman

Nominación al Saturn Award a la mejor película fantástica

EE. UU., 1980. Dirección: Robert Altman Guión: Jules Feiffer, a partir del cómic de E. C. Segar Fotografía: Giuseppe Rotunno Música: Harry Nilsson Reparto: Robin Williams, Shelley Duvall, Paul L. Smith, Ray Walston, Paul Dooley, Donald Moffat, Richard Libertini, Bill Irwin Género: Fantasía. Comedia musical Duración: 110 min. Tráiler: Link Elección de David Chanatos
¿De qué va?: Popeye "el marino" abandona su vida en altamar para estar al lado de Olivia y su hijo. Con el paso de los años, Popeye deberá volver a la aventura para evitar los planes de Bruto, un marinero con malas pulgas.

CRÍTICA DAVID CHANATOS: Popeye es uno de los personajes más emblemáticos del cómic. Empezó a hacerse popular a finales de los años 20 de la mano del dibujante Elzie Crisler Segar, más conocido como E.C. Segar. El éxito del personaje en las tiras cómicas fue tal que a mediados de los años 30 aproximadamente se empezaron a hacer películas animadas de corta duración. Puesto que allá por el año 1938 E. C. Segar falleció, el personaje empezó a ser dibujado en tiras cómicas a través de la mano de otros dibujantes: Ralf Stein, Don Winner y Tom Sims entre otros. Pero en esta crítica no pretendo centrarme ni en los cómics ni en las películas y/o series animadas de Popeye, sino en una película de imagen real del personaje en cuestión que se estrenó en 1980 de la mano de Robert Altman y producida por Walt Disney Pictures y Paramount Pictures. Del film yo quitaría las canciones cantadas por los propios actores. Hay algunas que son algo pegadizas, pero "estorban". La película os parecerá entretenida para verla una sola vez a menos que seáis fanáticos de Popeye y no os importe lo mas mínimo saltaros algunas partes en donde vemos a los actores cantar. La idea de ver cantar a actores en una película que se supone que debería ser una comedia entretenida y no un musical no me ha gustado. ★★½

CRÍTICA XAVIER: No recuerdo haber visto de pequeño las series de Popeye, por lo que asistí al visionado del largometraje que nos ocupa sin apenas información. Con todo, en los primeros minutos de la película me di cuenta que sí conocía a los personajes. Pero eso fue lo de menos. Porque primero me pregunté: ¿el film es de Robert Altman? ¿el mismo director de Gosford Park? Y mi asombro no dejó de dispararse: ¿qué hace Robin Williams dando a vida a Popeye con unas prótesis de brazos y piernas tan pobres? ¿y la mujer de El resplandor disfrazada de Olivia? ¿y por qué cantan unas canciones tan feas? ¿quién dobló esta película al castellano? ¿por qué a alguien se le ocurrió hacer una versión de carne y hueso del héroe vegetariano por excelencia? Y al final, embargado por cierta sensación de vergüenza ajena, consulté la Wikipedia y leí que el film había sido un rotundo fracaso de taquilla. No es para menos. Popeye es uno de esos proyectos que sólo pueden admitir un sustantivo: fiasco. Una mala idea, bastante mal ejecutada. ★½

CRÍTICA MAYRA MEZA: Uno de los dibujos animados que recuerdo haber visto mucho cuando era pequeña es Popeye el marino. Sí, crecí escuchando eso de "cómete las espinacas para que crezcas y seas fuerte como Popeye", pero yo, menos fácil de manipular que los personajes de Compliance (pequeño spoiler de mi próxima reseña), nunca hice caso. La verdad desconocía que existiera una película de acción real sobre Popeye, así que de alguna manera el hecho de que alguien la eligiera y me permitiera descubrirla se agradece. No es que la película sea buena, que para nada lo es, tiene muchos errores y casi ningún acierto. Puede que el gran problema sea que algunas películas y series de animación no deberían convertirse en películas y series de acción real (otro ejemplo de ello: las desastrosas películas en live action de Los Picapiedra). Cada cosa en su lugar, y Popeye no daba para tanto. Con todo, me resulta un film regular (tal vez por la nostalgia de mi infancia), eso sí, prescindible. ★★

CRÍTICA | COWBOY DE MEDIANOCHE (MIDNIGHT COWBOY), de John Schlesinger

COWBOY DE MEDIANOCHE (MIDNIGHT COWBOY), de John Schlesinger

3 Óscar y 6 Baftas, incluyendo premio a la mejor película

EE. UU., 1969. Dirección: John Schlesinger Guión: Waldo Salt, a partir de la novela de James Leo Herlihy Fotografía: Adam Holender Música: John Barry Reparto: Dustin Hoffman, Jon Voight, Brenda Vaccaro, Sylvia Miles, John McGiver, Ruth White, Bob Balaban, Barnard Hughes Género: Drama Duración: 110 min. Tráiler: Link Elección de Andrés Borja
¿De qué va?: El ingenuo Joe Buck viaja a Nueva York con el objetivo de prosperar. Tras unos inicios como chico de compañía, el joven conoce a Rico, un estafador de poca monta con el que entabla una particular amistad.

CRÍTICA XAVIER: Cowboy de medianoche recibió injustamente la calificación de 'film X' y posteriormente se redimió gracias a su triunfo en el seno académico. John Schlesinger, realizador curtido en el Free Cinema británico, regaló a Hollywood un 'baño de realidad', y éste respondió con el Óscar a la mejor película más rompedor de la historia. Su director explora la marginalidad con un estilo que todavía ahora resulta experimental, tan doloroso como un bofetón en toda la cara. Y a su vez, es imposible no ver en Cowboy de medianoche una síntesis del cine y la sociedad de su época: simbólicamente, el vaquero inocentón que da vida Voigh se abre a la psicodelia del momento, protagoniza una historia de amistad con doble lectura homoerótica, representa la muerte del western (el film se inicia con el plano de una pantalla en blanco) e inaugura un cine urbano que retrata las callejuelas más tenebrosas de una ciudad tan mitificada como Nueva York (ver a alguien moribundo al lado del escaparate de Tiffany's es una de las provocaciones más lúcidas que se le pueden hacer a la mentalidad yanki). Muchos de sus temas y de sus formas siguen escociendo como el primer día. Para quien escribe, Cowboy de medianoche marca un antes y un después en la historia del séptimo arte. Es incómoda y lapidaria, pero también esperanzadora. Aquel año el Óscar interpretativo fue para John Wayne, pero la manera de ver el mundo y el cine ya había cambiado. Una buddy movie de parias con bondad que emociona con sólo recordarla. ★★★★

CRÍTICA ISIDRO: Un vaquero abandona su Texas natal para ir a Nueva York a probar suerte como gigoló con toda la chulería del mundo. El tío es tonto como solo un falso vaquero tejano tonto puede ser, y al poco, como no podría ser de otra manera, se da cuenta de que no se puede ser tan cateto por la vida. Y de querer comerse el mundo acaba comiéndose otras cosas. Pero por suerte se apaña un llavero lisiado y se hace su amiguito para afrontar junto a él las miserias de la ciudad de las oportunidades. Schlesinger, que parece que no hizo nada más interesante en toda su carrera, trata esta historia con toda la sensibilidad que yo no le he puesto a la sinopsis anterior, y el retrato de la amistad entre estos dos seres derrotados por la vida, con sus sueños rotos y las ilusiones perdidas le queda muy bien y conmueve. También celebro el expresivo montaje de la cinta, con ese primer "chingamiento" con la vieja de 28 años que alterna imágenes de la televisión y culmina con un chorreo de monedas, metáfora nada sutil pero muy acertada. Una peli muy convincente. ★★★½

CRÍTICA RONNIE: Cowboy de medianoche es la única cinta en toda la historia de los premios Óscar que ha recibido la estatuilla de mejor película siendo clasificada X debido a los temas que plantea. No es que hoy en día dichos temas sean fáciles de contar, pero, para la época en la que esta cinta vio la luz, era valiente hablar de la pérdida de la inocencia y de la necesidad de afecto, incluso con una persona de tu mismo sexo. Jon Voight, un lavaplatos tejano, sale de su pueblo un día a buscar fortuna, con su cuerpo como medio de explotación y lucro, pero pronto descubre que en la gran ciudad no será otra cosa más que un paria de la sociedad, un rechazado; y ahí, entre los de sus clase, se encuentra con Dustin Hoffman, un estafador de cuarta, un ratero que muere de tuberculosis. Entre ambos personajes maltrechos surge una amistad “esperanzadora” que lastima a la audiencia por su profunda sinceridad como crítica social. La cinta trasciende la esencia de lo que vemos en pantalla: ya no sólo se trata de hablar del sexo por dinero o los estereotipos del bajo mundo, sino de hablar del aprendizaje por el que todos caminamos, sobreviviendo en territorio hostil, donde todo tiene un precio. ★★★½

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★★ 

CRÍTICA | ORÍGENES, de Mike Cahill

ORÍGENES (I ORIGINS), de Mike Cahill

Mejor película del Festival de Sitges 2014

EE. UU., 2014. Dirección y guión: Mike Cahill Fotografía: Markus Förderer Música: Will Bates y Phil Mossman Reparto: Michael Pitt, Brit Marling, Astrid Bergès-Frisbey, Steven Yeun, Archie Panjabi, Kashish, Cara Seymour, William Mapother, Venida Evans, Ako, Dorien Makhloghi, Charles W. Gray, John Schiumo, Farasha Baylock, Christopher Santamaria, Sebastian Santamaria, Rhonda Ayers, Crystal Anne Dickinson, Venida Evans Género: Drama romántico. Ciencia ficción Duración: 110 min. Tráiler: Link Elección de Anaís Medina
¿De qué va?: Ian es un biólogo molecular que estudia los estadios de la evolución del ser humano. Una noche en una fiesta se enamora de una mujer. De ella sólo recuerda los ojos. Ese será el inicio de un descubrimiento científico y místico que cambiará su vida e incluso la de toda la humanidad.

CRÍTICA XAVIER: Voy a contaros un secreto. Vi Orígenes en el Festival de Sitges... y durante la sesión me dormí unos diez minutos. Que si el cansancio de ver tantas películas seguidas al día, que si el aire acondicionado de la sala... En ningún caso culpo a la obra de Mike Cahill. La cabezada fue corta, así que no me perdí nada relevante del film. Me gustó, pero no aplaudí su premio porque, tras ver unas cuarenta obras de terror puro y duro, la de Cahill me pareció una versión bastante "light" y "hipster" del género, la típica película de ciencia ficción para aquellos públicos que no suelen transitar ficciones de corte fantástico. Ahora he revisionado el film con los ojos bien abiertos, algo gracioso tratándose de una ficción en la que la visión ocupa un papel muy importante de la trama. Y me reafirmo en aquello que pensé al salir del Auditori sitgense. Orígenes tiene estilo, es interesante y entretenida, invita a pensar sobre aspectos imperceptibles de nuestro día a día... pero en ella intuyo algo postizo. Como si el film quisiera desarrollar una tesis que luego no es capaz de refutar. Como si en cada fotograma su director quisiera demostrarme lo "guay" que es y al mismo tiempo no pudiera esconder su impostura. Como si a una película de Spike Jonze le quitases el ingenio y te quedaran los travelings a cámara lenta, cuatro frases molonas y la típica banda sonora new age con canción de Radiohead como colofón final. Y aún así, valoro su originalidad, aplaudo su diferencia. Así que no me hagáis mucho caso, visionad la película y juzgad por vosotros mismos. Orígenes no deja indiferente: esa es su gran virtud. ★★★½

CRÍTICA RONNIE: Cahill ganó el premio a la mejor película en el Festival de Sitges por este film que aborda el debate filosófico entre la ciencia y la fe. El realizador se esmera en representar los temas científicos y espirituales con gran equilibrio y neutralidad, permitiendo la reflexión en el espectador y aligerando el conflicto con una historia romántica de aquellas que gustan tanto al público: las de amor a primera vista. Michael Pitt tiene secuencias bien actuadas que dan veracidad al punto de vista que su personaje defiende ante la idea del misterioso número 11 o los cuestionamientos científicos que discuten una fe dogmática. La primer parte de la película tiende a tener un planteamiento más redondo o coherente, mientras que la segunda parte poco a poco cede a una propuesta objetada desde el saber religioso. Esta situación podría resultar incómoda o pesada para algunos espectadores, pero fuera de nuestros interrogantes morales o espirituales puedo decir que la película maneja buenas dosis de tensión y tiene muy a su favor el poder de la reflexión. Orígenes nos invita a ampliar los horizontes de nuestra mente para tener en cuenta otros puntos de vista. El filósofo prusiano Immanuel Kant decía que no podemos conocer las cosas como realmente son en sí mismas, porque nuestra percepción tiene que superar el filtro de nuestros sentidos, y por lo tanto habrá quien no tenga determinados sentidos o habrá quien tenga algunos otros demasiado potencializados por lo que la realidad y la experiencia tienden a ser muy distintas la una de la otra. ★★★

CRÍTICA ISIDRO: Me gusta mucho la ciencia ficción, eso lo sabéis de sobra, y además Brit Marling, artista guapa, talentosa y polifacética donde las haya, me tiene enamoradito perdido desde Otra Tierra, el anterior trabajo de Mike Cahill. Estaba bien predispuesto, pues, a ver esta película. Otra Tierra me pareció guay sobre el papel, pero el producto final me acabó resultando más churretoso de la cuenta; en esta Orígenes, en cambio, se nota cierta madurez en la dirección, o por lo menos Cahill sabe dejar la cámara quieta más rato, pero esta vez, en tema guión, no me convence. Con otro enfoque esta historia de patrones de iris que se repiten tendría su miga, pero tal y como lo cuentan aquí me parece una estupidez. Primero, porque me resulta muy inverosímil, por tonto, que alguien enfoque su tesis doctoral en refutar la existencia de una divinidad superior (Dios, que llamamos). Y segundo, porque que parta de ello para realizar la enésima batalla entre ciencia y religión con un personaje escéptico que cree en lo que ve hasta que presencia un milagro, con la excusa de enseñarnos la retahíla de siempre de que no hay que ser tan cerrado de mente y creer en algo superior e intangible, llámalo Dios, llámalo X, me parece una gilipollez soberana. Por mucho que pretendas, Cahill, tu película sigue siendo ficción, ese milagro te lo has inventado tú como guionista y, por lo tanto, no pruebas nada, no me demuestras nada y no me enseñas ninguna lección. Con todo, la peli me parece guay hasta cierto punto, y volviendo a los orígenes… Brit, ¿quieres casarte conmigo? ★★½

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★