Crítica de RHINO SEASON, de Bahman Ghobadi

El cineasta Bahman Ghobadi es uno de los pocos autores que ha ganado dos veces consecutivas la Concha de oro a la mejor película del Festival de San Sebastián: las logró con Las tortugas también vuelan y Media luna, dos películas muy interesantes, humanistas y complejas, si bien el mérito también se debió a cierta tendencia festivalera todavía vigente de galardonar un cine exótico a la par que comprometido (decisión, ni qué decirlo, no siempre acertada que suele afectar especialmente a los palmarés del certamen vasco). Nadie sabe nada de gatos persas, premiada en Cannes, obligó a Ghobadi a huir de Irán y a exiliarse, en lo personal y en lo artístico, a la vecina Turquía, desde donde ideó Rhino Season, el film que nos ocupa. Rhino Season también estuvo en Donosti, pero para aquel entonces Ghobadi ya no era el mismo. En el film puede intuirse el sufrimiento y la rabia del autor a partir de la historia de Sahel Farzan, un poeta kurdo aprisionado injustamente durante la revolución iraní cuya familia lo creyó muerto durante más de tres décadas. Ghobadi establece por primera vez un puente entre las imágenes y su propia persona, mientras que hasta la fecha sus estampas acogían lo simbólico para levantar desde lo humano la bandera de la denuncia social. Rhino Season, en definitiva, se rige por otras intenciones, sigue otro estilo y elabora un discurso totalmente diferente al que Ghobadi nos tenía acostumbrados. Por desgracia, el film es una confusa concatenación de fotogramas decembrinos, cielos ámbar que recuerdan el cine estático de Bilge Ceylan y poemas narrados en voz en off que pretenden aportar un dramatismo que no termina de funcionar. Rhino Season, embotada por las vivencias personales y por el homenaje a la figura de Farzan (y con ella a la de todos los presos políticos), ni tiene personajes ni concreta sus intenciones: no se sabe si Ghobadi quiere contarnos la culpabilidad del verdugo, el dolor de la víctima, la desazón de la 'viuda', el peso del pasado en un presente poco alentador o la afectación de todo ello al rico imaginario del poeta, representado con imágenes surrealistas peligrosamente cercanas a los fotogramas inconexos de un videoaficionado. Rhino Season es una de esas películas en cuyo corazón se intuye la negrura más absoluta, la desolación en grado máximo, un dolor tan punzante que sólo se puede expresar mediante gritos ahogados, con sombras antes que con cuerpos, con sensaciones y no con hechos. El problema es que Ghobadi ni tan siquiera nos permite asomarnos a todo ese mundo, y Rhino Season, que debería invocar nuestra furia y afectar a nuestra sensibilidad (aquello que lograban sus anteriores largometrajes), acaba por resultar la locura de un cineasta sumido en un estado de confusión y depresión. Rhino Season, en resumen, es un Ghobadi con forma pero sin semántica, perdido en todos los sentidos; y es una lástima, no solo por esa tercera Concha que no fue, sino porque los temas que quería tratar Ghobadi merecían un alegato cinematográfico de primera categoría.

Para exploradores del dolor que esconden los libros de Historia.

Lo mejor: El rostro sufriente de Bellucci.

Lo peor: La inconsistencia de todo el conjunto.

Nota: 4'5

SAN SEBASTIÁN 2013 | DÍA 2 | LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI, LE WEEK-END Y FUNERAL AT NOON

Las brujas de Zugarramurdi

La tarde de la segunda jornada del festival ha estado marcada por Las brujas de Zugarramurdi, que mañana se verá en Kursaal. Cola larguísima para ver la última locura de De la Iglesia. A falta de Escribir una reseña completa, si podemos decir que tiene unos títulos de créditos flipantes, los requisitos para ser una obra de culto y un repartazo inmejorable. El público ha reído mucho: seguramente estamos ante la hora y media más intensa de nuestro cine desde Blancanieves y ante los efectos especiales más lúcidos desde El laberinto del fauno. El problema es que el film no da tregua, va mil por hora y termina descontrolada. Un film desbocado, demasiado incluso para tratarse de una cinta de De la Iglesia.

 

Le Week-end

Le Week-end, film a concurso, es una suerte de Julie Delpy bajo el influjo de la trilogía de Linklater. Solo dos personajes, una pareja de ancianos británicos de vacaciones en París, defiende un largometraje repleto de mala baba, humor inglés y rifi-rafes sentimentales. La platea ha aplaudido con entusiasmo, pero es un film que ya hemos visto mil veces. Nada nuevo bajo el sol, aunque el guion aspira a la Concha. 

Funeral at Noon

Y finalmente, ya con cierto cansancio por las horas de metraje visionado, hemos asistido a la proyección de la israelí Funeral at Noon. La hora de la sesión no ha beneficiado a este cuento de planos sosegados y personajes a la espera de que algún detalle trastoque sus vidas y les despierte del letargo. La trama es de cuento y se sintetiza en apenas un minuto, pero es un film con misterio, atmósfera y más flecos de los que parece a simple vista. Sin duda, tras el trajín donostiarra, la obra merece un revisionado, siempre y cuando no caiga antes en un olvido que ya avecinamos injusto.

Mañana más. 

SAN SEBASTIÁN 2013 | DÍA 2 | DE TAL PADRE, TAL HIJO y PELO MALO

Los flashes de esta segunda jornada del Festival de San Sebastián han sido para Denis Villeneuve y la actriz Sarah Gordon, director y coprotagonista de Enemy, la sesión más madrugadora del Kursaal. Aunque nosotros ya la pudimos ver ayer, sólo hace falta escuchar con atención el runrun de público y acreditados para darse cuenta que es uno de los títulos del festival. En la rueda de prensa, Villeneuve ha hablado con elegancia de su trabajo, abierto a multitud de interpretaciones. Los entrevistadores también han sido de lo más formales: seguramente eso no hubiese sucedido si Jake Gyllenhaal, más mediático, hubiese estado entre los presentes.

Zipi y zape y el club de la canica se ha estrenado en la sección Velódromo, pero su prueba de fuego será esta tarde durante su puesta de largo en el famoso 'cubo' donostiarra. El equipo entero se ha desplazado a la ciudad, y de su acogida aquí dependerá seguramente parte de su éxito cuando llegue a las salas la primera semana de octubre. En las taquillas de prensa nos han regalado canicas de la película: ¡que no falte merchandising!

Like Father, Like Son (De tal padre, tal hijo), de Hirokazu Koreeda (sección Perlas)

Dentro de las salas, las protagonistas han sido dos películas que tratan desde visiones y culturas diferentes el tema del cuidado de los hijos, la unión familiar y la educación de los pequeños. De tal padre, tal hijo de Hirokazu Koreeda, Perla que ganó el Premio del jurado en Cannes, es la película que más aplausos ha recibido hasta la fecha. El film empieza con un drama: los padres protagonistas descubren que su hijo fue cambiado al nacer, algo que les ata a otra familia con la que pronto empezarán a compartir tardes, charlas y procedimientos legales. Pero el director nipón no se queda aquí: al presentar sus secundarios, la película investiga los lazos y los funcionamientos de esa extraña institución llamada familia, respetando la personalidad de los mayores y la jovialidad de los pequeños. La película termina por sobreexplicar todo el proceso legal y personal que sufren los personajes: si Still Walking era un homenaje a los abuelos, De tal padre, tal hijo es una carta de amor a los pequeños, concretamente el poema que Koreeda dedica a su retoño. Por ese motivo, Koreeda prefiere acabar con una escena de unión-perdón y no con un interrogante. Es una gran película, pero sería más rica y sugerente si el metraje terminase en la bella escena al lado del río. Después del festival haremos un análisis más detallado: la película lo merece.

Por su parte, Pelo Malo es una película venezolana bastante interesante. Mientras la población reza para que Chávez se recupere de su enfermedad, conocemos la historia de una madre y sus dos hijos que viven casi en la miseria, en un gran bloque de pisos filmados a modo de colmenas. La película funciona por la frescura de sus jóvenes intérpretes, pero no termina de convencer la relación madre-hijo, como tampoco queda dibujada con precisión el ambiguo papel de la abuela. Sea como sea, del film queda la sensación de haber estado durante hora y media en la Venezuela de la contradicción, atada a un gobierno que no tiene en cuenta las necesidades de la población y que al mismo tiempo siente una tremenda afición por cuestiones tan pueriles como los concursos de belleza. En este sentido, el pelo del título es una metáfora de la resistencia: de ahí que Pelo Malo, aun con sus defectos, sea un film de atmósfera, realismo y reflexión. No sería extraño, en definitiva, que su nombre se colase en el palmarés.

Dos países (Japón y Venezuela) y dos visiones diferentes de la familia y educación. Afortunadamente, la distensión pronto vendrá de la mano de un director que juega en casa y fuera de concurso: el señor De la iglesia. Esta tarde es el turno de Le Week-end, británica que aspira a la Concha, y Las brujas de Zugarramurdi, cuyo cartel sigue luciendo en el paseo colindante al Teatro Victoria Eugenia. En breve os contamos más.

Pelo Malo, de Mariana Rondón. Sección oficial a concurso

SAN SEBASTIÁN 2013 | DÍA 1 | LA MIRADA DEL AMOR, ENEMY y THE ZERO THEOREM

La segunda jornada del primer día del Festival de San Sebastián ha venido marcada por los problemas de identidad, las dobles identidades y en general la cuestión de la difusa identidad del hombre moderno. 

Mientras en el Kursaal deshacían el plástico que cubría la alfombra roja para recibir a las estrellas de la Gala de Inauguración, veíamos Enemy, primera obra de la sección oficial a concurso. Una obra firmada por Denis Villeneuve, cineasta que ya demostró un gran interés por la cuestión identitaria en la sublime Incendies. Enemy es un ejercicio kafkiano en el que se entiende poco se intuye un poco más. Una película que ha sido recibida con encendidos aplausos y algún abucheo. Si las arañas, los arándanos y los monstruos interiores del personaje (tranquilos: se trata de que no entiendan nada) tienen o no sentido es una cuestión que se discutirá muchísimo en los próximos meses. Retengan su nombre: Enemy ya es una de las películas del festival, sea para amarla o para odiarla. En lo personal, el film me interesa al inicio, luego pienso que es un cortometraje estirado, y al final llego a la conclusión que necesito verla otra vez 'sí o sí'. Entre lo ridículo y lo fascinante. Sea como sea, es difícil no sentir interés por una película que pone el rostro y el cuerpo de Gyllenhaal por partida doble en un mismo plano.

The Face Of Love (La mirada del amor) propone algo parecido: la duplicación de cuerpos. La película tiene suficientes virtudes para ser uno de los éxitos adultos de la temporada cuando llegue a las salas. Y ese es justamente el adjetivo más adecuado para la película: 'adulto'. Trata un tema adulto como es la vida que existe después de la muerte del ser querido. Tiene a dos actores adultos que han hecho de cada arruga un plus de experiencia: Ed Harris y Annete Benning están espectaculares, aunque sus papeles, intuimos, están lejos del dramatismo desgarrado que pide la Academia de Hollywood. Y está narrado de forma adulta, con un humor elegante, un halo poético no llevado al extremo y unos diálogos solventes. No convence por entero, básicamente porque el film no sabe resolver el conflicto sobre el que pivota la trama, pero es una película francamente estimable. Lo más destacado: las risas de la platea cada vez que aparecía en pantalla Robin Williams.

Y la jornada ha terminado con The Zero Theorem, lo nuevo del incansable pero sí fatigoso Terry Gilliam. Lo mejor que se puede decir de ella es que no decepciona; o sea, es tan extravagante, indescifrable y deficiente como esperábamos. Mesianismos, grafismos a todo color, muletillas visuales que terminan cansando y un Waltz ultravitaminado. No es un 'trash' puro y duro, pero poco le falta. Al menos a un servidor le mantuvo atento y mínimamente interesado a lo largo de sus 100 minutos. Mejor revisionar Brazil o volver a los intrincados mundos de Holy Motors.

La vida de Adèle de Abdellatif Kechiche, Premio Fipresci a la mejor película del año.

SAN SEBASTIÁN | DÍA 1 | FUTBOLÍN, THE WIND RISES, NARCO CULTURA y LA VIDA DE ADELE

Futbolín de Juan José Campanella. Film inaugural fuera de competición.

La edición número 61 del Festival de San Sebastián ha arrancado con Futbolín de Juan José Campanella, la primera película de animación que inaugura el certamen vasco. Y mientras el Kursaal acogía la primera rueda de prensa y colas, el teatro Victoria Eugenia se ha llenado de otros cartoons maravillosos: los de Hayao Miyasaki y su film de despedida The Wind Rises.

The Wind Rises recuerda al primer Miyasaki con las señas del Ghibli de toda la vida: buenos sentimientos, personajes buenos y una gran capacidad para aunar los sueños infantiles con la triste realidad (de nuevo estamos ante un potente alegato antibelicista). En conjunto, la película se resiente de un metraje excesivo, pero funciona como compendio de todo lo bueno (que no es poco) del cine de Miyasaki. No es una obra maestra, pero tiene los suficientes alicientes como para ganarse a los fans de siempre. De hecho, al final de la proyección, se podían ver caras de solemnidad, silencio y alguna lagrimilla. Incluso el cielo donostiarra, lleno de nubarrones, se ha despejado: ¿será la magia del cine?

Para la prensa la jornada ha empezado con Narco Cultura, un documental sobre la influencia de los cárteres dedicados al crimen y al tráfico de drogas. Una película cruda que explica la fascinación social y al mismo tiempo el dolor que producen estas gentes sin ley en Ciudad Juárez, a escasos kilómetros de la frontera con Texas. Cinta de testimonios y de casos reales filmados con fuerza para potenciar la incredulidad de la platea. Y un descubrimiento: los narcocorrillos o canciones populares que convierten a los delincuentes en héroes del populacho.

La tarde seguirá con The Face Of Love: Annette Benning ya está en la ciudad para presentar esta Perla. Enemy será la primera película de Villeneuve que se verá en Donosti. Y La vida de Adèle recibirá el Premio Fipresci en la gala de inauguración presentada por Unax Ugalde y Cayetana Guillén Cuervo. ¡En breve os contamos más!

Enemy de Denis Villeneuve. Sección oficial a concurso.

Crítica de FOXFIRE, de Laurent Cantet

1. Foxfire es una historia de personajes. En la Norteamérica de los 50, unas adolescentes que comparten clase se revelan contra el orden establecido. Primero se reúnen para vengarse de un profesor, pero luego sus acciones terminan derivando en pequeños delitos. El grupo acaba convertido en sociedad secreta: se definen con el apodo de Foxfire, sus miembros se identifican con el logotipo de una llama, y Legs, una de las chicas más activas, se convierte en cabecilla de la formación. Con estas señas, y como ya hiciese el director francés Laurent Cantet en títulos de vocación coral como La clase, la película describe con bastante solvencia las relaciones de todas las chicas protagonistas, en la línea de muchas otras propuestas que pretenden describir las pulsiones, los deseos y los miedos de la adolescencia. Por ello, resulta bastante chocante que el jurado de San Sebastián decidiese premiar únicamente a la actriz Katie Coseni, en representación pero sobre todo en detrimento de todo el reparto femenino de la cinta. Ese fallo del jurado donostiarra tiene, pese a todo, un mínimo sentido, ya que la maquillada pelirroja que da vida Coseni es la narradora de la historia, y por lo tanto la base que confiere al relato cierta entidad como historia de evocación melancólica, de tiempo pasado y utópico, de inocencia iniciática que no volverá: lo mismo se puede decir, con diferencia de formas y tonos, de películas declinadas en teen y en femenino como Las vírgenes suicidas, Criaturas celestiales o Cracks, todas ellas, además, más interesantes y compactas que Foxfire.

2. Pero, por encima de todo, Foxfire es una película de tesis. A Cantet no le interesa mostrar un drama de época o describir un tiempo histórico concreto, algo que tiene todo el sentido del mundo a juzgar por su trayectoria: al fin y al cabo, Foxfire es su primer proyecto fuera de Francia y hablado en inglés. Por lo tanto, Foxfire se centra en mostrar la revolución adolescente con una supuesta frescura y sobre todo con el compromiso ingenuo propio de la edad, perfil acorde con las otras obras de Cantet. Con todo, si en Recursos humanos estábamos en el terreno del naturalismo comprometido y nada maniqueo, Foxfire, al querer ser el enésimo retrato universal de jóvenes rebeldes, acaba por resultar bastante típica y tópica. Los personajes, y con ellos las excelentes actrices que los interpretan, poco pueden hacer para salvar una película cuyas posturas ideológicas se intuyen desde el primer momento. Todo ello hace de Foxfire una cinta que se ve con curiosidad, pero que a la hora y cuarto no tiene nada nuevo que ofrecer. En resumen, un metraje demasiado dilatado para una idea inicial bastante reducida que termina cayendo en repeticiones inútiles. Foxfire, con sus bondades, es la peor aportación hasta fecha del pese a todo interesante cineasta Laurent Cantet.

Para rebeldes con causa que buscan redimirse.
Lo mejor: La fuerza de sus intérpretes.
Lo peor: Duración y contenido están en notable desequilibrio.

Nota: 5

QUINIELA: NOMINACIONES A LOS PREMIOS EFA 2013

Los Premios del Cine Europeo son imposibles de predecir. Unos premios, además, muy criticados por su poca repercusión mediática y su discutible sistema de votación. Con todo, sus nominaciones son casi siempre una muestra del cine hecho en Europa más interesante, el que más ha dado que hablar en los distintos festivales y el que ha contado con mayor presencia en las distantes carteleras. Este año, sin La vida de Adèle entre las 46 películas aspirantes, se abre un amplio abanico de posibilidades. 2013 no tiene favoritas y muchas de las películas mejor situadas ya las hemos visto en los cines. A partir de lo que hemos visto, imaginando aquello que no ha llegado a España y tomando la temperatura a los distintos palmarés del año, esta es nuestra apuesta sobre los próximos EFA. Conoceremos las candidaturas el día 9 de noviembre. ¿Qué título sucederá a Amor de Michael Haneke?

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

BLANCANIEVES, de Pablo Berger (España)

CHILD'S POSE, de Calin Peter Netzer (Rumanía)

EN LA CASA, de François Ozon (Francia)

KON TIKI, de Joachim Ronning y Espen Sandberg (Noruega)

LA MEJOR OFERTA, de Giuseppe Tornatore (Italia)

Posibles nominadas:

ANNA KARENINA, de Joe Wright (Reino Unido)

EAT SLEEP DIE, de Gabriela Picher (Suecia)

LA GRANDE BELLEZZA, de Paolo Sorrentino (Francia)

LO IMPOSIBLE, de J. A. Bayona (España)

PARAÍSO: FE, de Ulrich Seidl (Austria)

THE DEEP, de Baltasar Kormákur (Islandia)

MEJOR DIRECTOR EUROPEO

 PABLO BERGER, por Blancanieves

GIUSEPPE TORNATORE, por La mejor oferta

CALIN PETER NETZER, Child's Pose

FRANÇOIS OZON, por En la casa

ULRICH SEIDL, por Paraíso: Fe

Posibles nominados:

J. A. BAYONA, por Lo imposible

AGNIESKA HOLLAND, por Burning Bush

JOE WRIGHT, por Anna Karenina

JOACHIM RONNING & ESPEN SANDBERG, por Kon Tiki

PAOLO SORRENTINO, por La grande bellezza

JAN TROELL, por Dom over död men

MEJOR GUIÓN EUROPEO

Baltasar Kormákur, por THE DEEP

 Calin Peter Netzer, por CHILD'S POSE

François Ozon, por EN LA CASA

Peter Skavlan, por KON TIKI

Giuseppe Tornatore, por LA MEJOR OFERTA

Posibles nominados:

Pablo Berger, por BLANCANIEVES

Gabriella Picher, por EAST SLEEP DIE

Rama Burshtein, por FILL THE VOID

S. Sánchez y M. Belón, por LO IMPOSIBLE

MEJOR ACTOR EUROPEO

JOHAN PHILIP ASBAEK, por A Hijacking

JAN BIJVOET, por Borgman

ÓLAFUR DARRI ÓLAFSSON, por The Deep

GEOFFREY RUSH, por La mejor oferta

TONI SERVILLO, por La grande bellezza

Posibles nominados:

ANDRZEJ CHYRA, por In The Name Of

EDWARD HOGG, por Imagine

TOM HOLLAND, por Lo imposible

TOBY JONES, por Berberian Sound Studio

FABRICE LUCHINI, por En la casa

MEJOR ACTRIZ EUROPEA

MARIA HOFSTÄTTER, por Paraíso: Fe

NERMINA LUKAC, por Eat Sleep Die

BARBARA SUKOWA, por Hannah Arendt

NAOMI WATTS, por Lo imposible

HADAS YARON, por Fill The Void

Posibles nominadas:

LIKA BADLUANI, por In Bloom

MARIA BOKERIA, por In Bloom

KEIRA KNIGHTLEY, por Anna Karenina

ALEXANDRA MARIA LARA, por Imagine

MARIBEL VERDÚ, por Blancanieves

MEJOR FOTOGRAFÍA

ANNA KARENINA

BLANCANIEVES

LO IMPOSIBLE

Posibles nominadas:

KON TIKI

LA GRANDE BELLEZA

ONLY GOD FORGIVES

MEJOR BANDA SONORA

ANNA KARENINA (Dario Marianelli)

EN LA CASA (Phillipe Rombi)

LA MEJOR OFERTA (Ennio Morricone)

Posibles nominadas:

BLANCANIEVES (Alfonso de Vilallonga)

KON TIKI (Johan Söderqvist)

LO IMPOSIBLE (Fernando Velázquez)

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

ANNA KARENINA

LA MEJOR OFERTA

LO IMPOSIBLE

Posibles nominadas:

BLANCANIEVES

LA GRANDE BELLEZA

HANNAH ARENDT

KON TIKI

MEJOR MONTAJE

ANNA KARENIA

LA GRANDE BELLEZZA

LO IMPOSIBLE

Posibles nominadas:

BLANCANIEVES

EN LA CASA

KON TIKI

Crítica de ELYSIUM, de Neill Blomkamp

Neill Blomkamp se convirtió en la gran promesa del cine fantástico con Distrito 9, película cuya estrategia consistía en adoptar formas propias de otros géneros y llevarlas al terreno de la ciencia ficción: de esa mezcla resultó un interesante cruce entre el documental, el drama social y el relato futurista. Toda esa fórmula artesanal y personal desaparece en Elysium, el segundo proyecto de un Blomkamp que ya trabaja dentro de la industria: el presupuesto de la cinta tiene varios ceros más que el de ese Distrito 9, y en la conversión también se pierde parte de la frescura y la energía de esa ópera prima. Elysium, por lo tanto, es una película totalmente consciente de sus referentes y de su terreno de juego, algo que por sí sólo no debería actuar en contra del film pero que desgraciadamente lo desarma hasta dejarlo muerto en combate. Elysium pretende unir la ciencia ficción con la moda de tramas apocalípticas, y del cosmos resultante nos encontramos ante un futuro diseñado a propósito con numerosos parecidos con la actualidad, o por lo menos con aquello que la situación actual nos obliga a vislumbrar como 'futuro inminente': las injusticias sociales, la pobreza, el poder de la tecnología y las duras políticas laborales son el marco del film, situado en el Los Ángeles del año 2159. La premisa es tan similar a otros largometrajes fronterizos que Elysium busca a la desesperada un lugar propio en el conjunto de futuros desangelados a toda costa, y lo hace incluyendo una historia de ricos y pobres, de opresores y oprimidos, propia de un alumno de primaria, o sea, totalmente previsible, esquemática y ramplona. Por el camino, Blomkamp, seguramente embebido de todas las posibilidades que tenía a su alcance a nivel técnico, nos ofrece un continuo disparatado de explosiones, peleas, tiroteos y persecuciones que, aunque fueron diseñadas para fascinar al espector, acaban produciendo narcolepsia. Elysium, en definitiva, es un ejemplo de película vigoréxica, con muchos gadgets externos y mínima autonomía y funcionalidad en su interior. Se ha escrito que Elysium es un Loach llevado al espacio, pero es difícil pensar en sus ramificaciones críticas cuando los efectos especiales se yuxtaponen hasta el disparate. Tan dificil es crear, aun situándonos en bandos distintos, una buena cinta de acción que una buena reflexión de ambientación futurista: Elysium no es ninguna de las cosas. Esperemos que Blomkamp pueda superar la novedad de Distrito 9 y confirmar aquello que ahora ponemos en duda: su capacidad para dar nueva vida a un cine fantástico cuya comercialidad no traicione la libertad autoral.

Para ver buenos efectos visuales con la compañía de un 'combo' de palomitas y refresco.

Lo mejor: Foster no atina película, pero sí personaje: su malvada tiene suficiente fuerza como para dejar cierta huella.
Lo peor: Que se hace tremendamente larga.

Nota: 3'5

Crítica de THE PURGE: LA NOCHE DE LAS BESTIAS, de James DeMonaco

En estos tiempos de teleseries express y videojuegos hemoglobínicos priman más las premisas argumentales potentes, el gancho que sirve de reclamo para determinada audiencia, que el desarrollo concienzudo de esa idea de base. Esto es lo que le ocurre a The Purge: La noche de las bestias, una película con ciertas dosis de terror, apocalipsis y crítica social. Una vez al año, el gobierno estadounidense da carta blanca para que durante una noche sus ciudadanos puedan perpetrar cualquier crimen sin repercusiones judiciales, una forma de controlar los impulsos violentos de la población y de eliminar de forma controlada el aumento de personas que 'entorpecen' el sistema, ya que durante la purga sólo consiguen salvarse aquellos que pueden permitirse un buen sistema de seguridad en sus casas. Una ejecución que parece ideada como un cruce entre el terror extremo francés de los últimos años (Frontière(s), Martyrs y A l'intérieur tenían doble lectura política) y el Battle Royale nipón. A todo ello hay que sumarle un malo rubio de mirada pérfida (eco, quién sabe, del Funny Games hanekiano) que está dispuesto a amargar la velada a una 'familia bien'. Hechas las presentaciones, aunque también podría describirse como un mix entre Halloween y La habitación del pánico, The Purge: La noche de las bestias, éxito absoluto en las taquillas estadounidenses, es la película que parece ser, algo que no es ni bueno ni malo. Como crítica social, el film es de moral distraída y discutible: si los personajes pueden ejecutar a placer, que no nos quiten el gusto de asistir desde la platea a la matanza. Como film de terror, cojea: si a estas alturas alguien se asusta por los atronadores ruidos que salen de los bafles de la sala, los pasillos a oscuras y una dirección de fotografía con tendencia al desencuadre y a los planos cortos, sin duda necesita consejo médico. Y como renovación del género, su aportación es tímida: de nuevo, una idea potente no se traduce en una buena historia. Sigo preguntándome qué aporta el personaje del novio de la hija, por qué el niño necesita regular en todo momento sus constantes vitales, por qué las verjas de protección parecen compradas en los chinos y por qué la casa tiene una habitación con billares y pinballs. Aunque lo confieso: en plena pelea, The Purge: La noche de las bestias resulta hasta catártica, como si estuviésemos destruyendo a mazazo limpio la casa de esa persona a la que no podemos ver ni en pintura. Crítica cero a la violencia: ¡viva la carnicería! Porque el film sólo consigue que como consumidores del cine de terror y como humanos reprimamos nuestras ansias de dar un bofetón al primero que encontramos a la salida del cine. No tiene muchas luces, pero cumple como entretenimiento veraniego.

Para los que no olvidan sus viejas rencillas con los vecinos.
Lo mejor: Sus momentos destroyer.
Lo peor: Hay cuerda para segundas partes.

Nota: 6

ESPECIAL: FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2013

Los analistas tienen por costumbre tomar la temperatura del cine mundial a partir de los films proyectados en los festivales de categoría A, con Cannes a la cabeza. Con todo, las ventanas de proyección y distribución de cine son tan amplias que ese ejercicio podría hacerse yendo directamente a la cartelera de los multicines, al catálogo de las distintas plataformas de visionado legal o incluso investigando qué films circulan por los inframundos de la red. Los festivales de cine, en ese contexto, tienen la obligación de ser un referente para la comunidad cinematográfica y cinéfila, y deben tener la capacidad de ordenar toda esa heterogeneidad, no solo para dar a conocer los títulos que serán los referentes del futuro, sino para potenciar el diálogo con relación al séptimo arte.

Concretamente, el Festival de San Sebastián debe renovar un año más su condición de bastión festivalero del ámbito español: de lo que se proyecte del 20 al 29 de septiembre en Donosti dependerá en gran medida la oferta de mostras paralelas, más pequeñas pero igualmente importantes, así como la oferta de la temporada otoño-invierno. Por eso, hay que mirar la programación del certamen como el 'menú' que muchos verán en sesiones encadenadas y a ritmos frenéticos, pero también entendiendo que en la suma de particularidades y de títulos se esconde el latir de gran parte del cine que se rueda a lo largo y ancho del planeta.

Carmen Maura, Premio Donostia 2013

Por ello, y viendo todos los films que concurren en las distintas secciones de esta edición número 61, puede decirse que San Sebastián sigue ganando terreno a festivales como Venecia con un muestrario interesantísimo de estrenos exclusivos. Un logro mayor todavía si pensamos que la directiva del festival cambió hace poco y que los presupuestos se han reducido considerablemente. Y a su vez, todo esto hace de éste un festival más interesante: seguramente mucho de lo que se proyecte no volverá a exhibirse nunca más en España, y las dificultades que sufre el mundo del cine y de la cultura en general sirve para defender con más fuerza si cabe a San Sebastián como el gran festival de cine de nuestro territorio.

SECCIÓN OFICIAL

La sección oficial de este año se mueve en tres constantes: la confirmación de un cine español interesante que posteriormente copará la temporada de premios local, una muestra del cine europeo más prometedor a punto de estrenarse y una demostración más de que, cine aparte, el festival sigue fiel a cierto glamour con la visita de grandes estrellas y la inclusión en la categoría reina de títulos de corte más comercial.

La herida, de Fernando Franco

En el primer punto, cabe destacar la repetida presencia en los palmarés de títulos españoles, algo totalmente coherente que convierte a San Sebastián, a falta de una mayor proyección internacional de nuestro cine, en el gran escaparate del cine que se rueda al sur de los Pirineos. San Sebastián acogió las últimas ganadoras del Goya (Pa negre, No habrá paz para los malvados, Blancanieves), así como títulos importantes como Aita, El muerto y ser feliz, El artista y la modelo o la Concha de oro Los pasos dobles. En ese camino, tenemos Caníbal como la gran promesa local del 2013, La herida como el debut más esperado del año, Vivir es fácil con los ojos cerrados como la enésima variación del cine de David Trueba, Las brujas de Zugarramurdi como el 'film evento' del 2013 sin abandonar el terreno del cine de autor, y Enemy (Enemigo), con coproducción canadiense, como demostración del cine español pensado para traspasar fronteras. Club Sádwich y Pelo Malo también representarán el cine hispano de la hermana Latinoamérica, así como la inauguración con Futbolín, el regreso de Campanella al festival tras quedarse a las puertas del palmarés con El secreto de sus ojos.

En el segundo apartado, la influencia y el buen sabor de boca que dejó En la casa, la última y justa Concha de oro, ha hecho que el cine francés viva una segunda juventud en el certamen vasco. Veremos lo nuevo de Tavernier (Quai D'Orsay), Dupeyron (Mon âme par toi guérie) o Jeunet (L'extravagant voyage du jeune et prodigieux Spivet) en sección oficial, 9 mois ferme de Albert Dupontel clausurará la sección Perlas, y el mismo Ozon volverá fuera de concurso con Jeune et Jolie, ya estrenada en Cannes. Egoyan, Jasmila y Spielman completan la lista, todos ellos nombres de primera fila.

The Railway Man (Un largo viaje), de Jonathan Teplitzky

Y el tercer apunte abarca The Railway Man o Le Week-end, así como muchos de los films que conforman la sección Perlas. Hugh Jackman, que presentará fuera de concurso Prisoners, recibirá el Premio Donostia en consonancia a la idea de traer a la Concha la atmósfera de un pequeño Hollywood que convive con las improntas enteramente españolas, o lo que es lo mismo, el justísimo premio honorífico que recibirá Carmen Maura.

NUEVOS DIRECTORES

En paralelo a una sección oficial más popular, el festival reúne una sección para diferentes óperas primas. El sello 'Nuevos directores' abarca films de Islandia, Rumanía, Ucrania, Lituania, Turquía, Bélgica, Georgia, China, España, Chile, México o Estados Unidos, una heterogeneidad de discursos y una polifonía de voces que seguro deparará más de una sorpresa.

PERLAS

The Face Of Love (La mirada del amor), de Arie Posin

 

Un año más, las 'Perlas' sirven para acercar al público español los títulos que han llenado los titulares de otros certámenes y que en su mayoría no tienen asegurada su distribución entre nosotros. El teatro Victoria Eugenia se llenará de la flor y nata de Berlín (Gloria, Child's Pose), Cannes (Like Father, Like Son, A Touch of Sin), Venecia (Gravity, The Wind Rises) o Sundance (Narco Cultura, Dallas Buyers Club, Fruitvale Station). Y en la gala de inauguración del viernes día 20, La vida de Adèle, Palma de oro 2013, recibirá el Premio Fipresci a la mejor película del año y será motivo de una única proyección en el Kursaal 2.

OTROS

Heli, de Amat Escalante

El Festival se completará con 'Horizontes Latinos', apartado dedicado a dar a conocer los títulos más importantes del otro lado del charco hablados en español. La mexicana Heli es sin duda el nombre más esperado. 'Zabaltegi' volverá a acoger títulos variadísimos, algunos de inminente estreno como el documental Serrat y Sabina: El símbolo y el cuate. 'Culinary Zinema' confirma la relación entre cine y gastronomía: en el menú figuran títulos muy curiosos como Make Hummus Not War hasta pequeños clásicos recientes como Como agua para chocolate. 'Animatopia' dedica numerosas proyecciones al cine de animación más innovador, algo que también hará el próximo Festival de Sitges: Chico y Rita, Metropia, Princess, Arrugas, De profundis o Paprika podrán verse o volver a verse junto a otros nombres de reciente factura. 'Made in Spain' permitirá conocer algunos de los títulos locales más destacados a curiosos y extranjeros: los últimos trabajos de Coixet, Almodóvar, Calparsoro o Querejeta, todos ellos ya en dvd, vivirán sus últimas proyecciones en pantalla grande. Y finalmente, el especial temático de este año homenajea al realizador japonés Nagisa Oshima, fallecido a principios de este año: más de 25 películas y una cincuentena de proyecciones para acercar lo mejor del cine nipón a donostiarras y visitantes.

Puppy Love, de Delphine Lehericey

Cinoscar & Rarities cubrirá por primera vez el Festival de San Sebastián. A partir de este viernes, os ofreceremos crónicas diarias de todo lo que el blog pueda visionar, y posteriormente, dentro de las secciones semanales de la web, os ofreceremos reseñas de todas las películas del Festival. En el especial del blog también incluiremos reseñas y escritos especiales sobre las cintas que fueron el centro del foco en anteriores ediciones. Os invitamos a seguir el blog para saber todo lo que se cuece en el festival y, cómo no, para conocer antes que nadie las películas de las que hablaremos durante los próximos meses. ¡Bienvenidos, desde la pantalla del ordenador o desde los diferentes auditorios del certamen, al festival de festivales!

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