Crítica de BURIED (ENTERRADO)

Esta reseña contiene datos del argumento y desarrollo del film. 

SOBRE LA SOLEDAD Y LA BUROCRACIA

Uno de los miedos más arraigados del hombre moderno es la soledad. El humano se pierde en la inmensidad del mundo y teme no ser recordado. Más aterrador es pensar que el espacio del que disponemos es mínimo, como lo que le ocurre a Paul Conroy en la nueva película de Rodrigo Cortés. Realmente no estamos en un ataúd: más bien en un todo que a la vez es nada, en una perfecta metáfora del vacío existencial que asfixia, aquí también en su sentido literal, a todos los habitantes del planeta. Buried tiene las formas de una pesadilla, pero se vive con la claridad de lo que sólo puede ser real. Peter Conroy repite en varias ocasiones su nombre y al salir de la sala el espectador sólo conoce su nombre. Eso es lo que importa: saber su identidad, ese caso personal que también es el de toda una colectividad. Y asusta. Peter Conroy está avisando al mundo exterior que existe. Llama con un teléfono móbil pidiendo ayuda. El resultado es escalofriante: recibe la incomprensión de todos, y la poca solidaridad de sus interlocutores se mezcla con una lucha por la supervivencia, lo más humano y al mismo tiempo lo más salvaje que se pueda imaginar. Peter Conroy es un hombre ahogado por la burocracia. Los trámites que tiene que realizar para salvarse son muchos. Reivindica que es 'uno más', que no es un soldado norteamericano, que simplemente estaba en el lugar y en la hora más desafortunada. Peter Conroy es el hombre que trabaja, el que lucha, el que intenta integrarse. Peter Conroy está sólo ante el peligro. Él es el héroe moderno: no tiene poderes especiales, es vulnerable y se parece demasiado a la gente que conocemos. Pero lo excepcional se esconde en lo normal: todo apunta a que ya luchaba por sobrevivir cuando transportaba camiones con comida en suelo irakí (el otro escenario del desastre). 'Usted no es el primero en ser secuestrado y enterrado', dice una voz desde el otro hilo telefónico a Peter. Los caminos que toma Buried, estilísticos y narrativos, se insertan a la perfección con la esencia del relato: es el sistema quien ha dejado bajo tierra a Peter. Hay que asegurar la empatía del espectador con el personaje, y Cortés se sitúa en un límite que muy pocos han logrado cruzar: conseguir que el sufrimiento de Peter sea durante hora y media nuestra agonía. Eso es cine, paralelamente a cualquier metáfora o cábala intelectualoide. De ahí el vacío que supone salir de la sala tras la tortura. Buried podría emparentarse con las propuestas más radicales de la dècada (desde Mulholland Drive hasta Antichrist, todas ellas obras sombrías y suicidas), y también funciona como producto menos sivarita, cine de acción que desconstruye (o más bien desnuda) el cine de acción. Porque Buried es thriller, terror, drama y comedia negrísima al mismo tiempo. También la película más antibelicista de la actualidad (aunque paradójicamente no cuente con ninguna escena de guerra). Habla de la precariedad laboral y la falsa moral de las grandes empresas de forma mucha más descarnada que, por ejemplo, El jardinero fiel. Buried urga en el cine de antes para apuntar al futuro: a un cine que aspira a ser una experiencia y que no precisa de 3D para ver a todo tamaño los dientes, las lágrimas, los ojos y las frustraciones que esconde ese rostro de Ryan Reynolds. Un cine que no puede ser contado, sólo visto. Un cine vivido desde el mismo rodaje, con una lucidez desbordante capaz de mantener la tensión a cuotas de infarto. En otras palabras, imágenes que son también patadas en el estómago, bofetadas capaces de sacudir el alma.

SOBRE LA MEMORIA Y LOS RECUERDOS

Otro de los temas que aborda Buried es el de la memoria. Paul tiene que recordar ciertos números de teléfono si quiere salir con vida. Le piden que recuerde lo que le pasó antes de ser encerrado, a lo que poco o nada puede contestar. Su grito es claro: recuerden que estoy aquí, que sigo vivo y que no tengo mucho tiempo. Paul actúa como el muerto que pide ser recordado desde los infiernos. Los recuerdos son tan volátiles como frágil parece nuestra existencia. En uno de sus momentos más desesperados, Paul llama a su madre que está en una residencia de ancianos. Ella no recuerda a su hijo porque padece Alzheimer. No padece quien olvida, sino el que no es recordado. Esta lucha a contrareloj es un viaje hacia la vida, hacia la luz y también hacia la memoria. Como el buceador que se impulsa rápido hasta la superfície para evitar quedarse en medio del mar. En eso se basan nuestras relaciones o interacciones con los demás: por eso Paul llama antes que nadie a su esposa y a sus hijos, sus únicos referentes, los únicos que al final lo recordarán. Queremos ser útiles, que lo que hagamos y sentimos importe a alguien. Peter se está reivindicando a sí mismo, y en este pulso contra el olvido participan factores que no puede controlar: desde ese gobierno que tiene que pagar 5 millones de dólares hasta los secuestradores, que llaman sin avisar (Paul encarna la figura del eterno manipulado). La amenaza es más interesante cuando se sugiere que cuando se explicita (véase los sonidos que Paul oye y que le llevan a pensar que está en una mezquita). Aquí no hay asesinos, al menos en su versión más física. Cortés coge una de las bases del cine de Haneke (por citar un ejemplo de 'contar mucho con pocos recursos') y zarandea su ficción hasta convertirla en la vibrante seguidora de Hitchcock (cuya influencia se hace palpable desde los títulos de crédito) o incluso Spielberg (el director dijo que quería explicar una nueva Indiana Jones en escasos metros cuadrados, y no existe definición más acertada para describir Buried). Incluso en este apartado el film abraza la memoria: quiere ser recordado como rareza inclasificable, y el tiempo seguramente le dará la razón.  Paralelamente Marc White, otro civil enterrado en Irak, es la metáfora del gran olvidado. Por ello el final (que no desvelaremos) relaciona a Paul Conroy con Marc White. Los dos acaban siendo la misma persona: irónicamente Marc es el muerto que vuelve a la vida al ser desenterrado y Peter es el vivo a punto de morir. Buried se sitúa precisamente en ese lapso de tiempo que diferencia lo pasado de lo futuro: es una película contemporánea que habla del aquí y del ahora, pero que seguramente podría aplicarse a cualquier momento histórico. Lo que ocurre con las buenas películas, esas que siempre ganan la batalla contra el olvido. Paul Conroy, se interprete como se interprete la última escena, sigue vivo.

La interpretación: Ryan Reynolds en el papel que debería hacerlo célebre. Un papel que es un asedio físico y psíquico en toda regla. Pocos actores se prestarían a tanto trote, a interpretar mediante jadeos o gritos. Felicidades, Reynolds.

El logro: Cortés ilumina su rectángulo con varias luces. Lograr que la película cambie de estética cada diez minutos, que sorprenda también a nivel visual es todo un acierto. Cortés ejerce de director y montador, algo lógico porque una película de estas características se rueda verdaderamente en la sala de montaje. La disposición de las piezas es excelente. Felicidades, Cortés.

La escena: Peter habla con un hombre que se empeña en grabar la conversación. Cuando averiguamos sus verdaderas motivaciones, la pantalla enmudece. Brutal.

Nota: 8'5

LA ACTRIZ DE LA DÉCADA: ENCUESTA IV

La actriz de la década acaba de anotarse un récord. La anterior encuesta registró 330 votos, una cifra que este blog no pensaba superar. Poco a poco están consiguiendo que el trabajo que hice este verano tenga sentido, o sea que muchas gracias. Y lo mejor de todo: hay debate sobre quién ganará el concurso. Vamos avanzando en el abecedario y hoy toca empezar por la F de Foster. Antes, un vistazo al pasado:

- Penélope Cruz es la actriz más votada de lo que va de concurso. La española sube hasta los 208 votos y lidera nuestro ranking. Ahora bien: Cate Blanchett sigue teniendo mayor porcentaje de apoyo (un 75%, en contra del 63% conseguido por Cruz).

- La segunda finalista es miss Judi Dench con 165 votos y un equitativo 50%  de apoyos. 1 de cada 2 votantes la eligieron y durante la primera semana llegó incluso a superar a Cruz. Las actrices de Nine brillan en La actriz de la década.

- Vera Farmiga se queda en la zona de Backstage con 47 votos y un 14%. Up in the air sigue en la mente de los cinéfilos y el reciente pase televisivo de El niño con el pijama de rayas ha podido favorecer a la actriz. Han quedado eliminadas Lola Dueñas (la cuarta, un puesto dignísimo con 36 votos), Cameron Díaz y Viola Davis, ambas igualadas a 28 votos. No han entusiasmado las propuestas francesas: Emmanuelle Devos (de la que servidor es devoto) suma 6 votos, Cécile de France sólo 7, incluso la gran Catherine Denueve se queda en la cuneta con 26 papeletas. Cotillard, al menos en La actriz de la década, sólo hay una.

31. FOSTER, JODIE (19/11/1962; Los Ángeles, California, EE. UU.)

Foster es el claro ejemplo de actriz reputada que siempre quiere distanciarse del bullicio y el ritmo frenético que impone Hollywood. Aunque nació en Los Ángeles, lugar donde recogió sus dos Oscar, es difícil encontrársela por el Paseo de la fama y eventos cinematográficos. A cambio, parece que Foster ha firmado un contrato con el diablo para seguir igual de joven y realizar una película al año, a poder ser un thriller: La habitación del pánico, La peligrosa vida de los Altar Boys, Largo domingo de noviazgo, Plan de vuelo: desaparecida, Plan Oculto, La extraña que hay en tí y La isla de Nim ha sido su legado en 10 años. Foster inaugurará los 50 años con tranquilidad y verla en la gran pantalla siempre será una alegría, aunque sea para recordar sus trabajos pasados en Nell, El silencio de los corderos, Acusados o Taxi Driver.

Máximo logro: Nominación al Globo de oro a la mejor actriz de drama por La extraña que hay en tí. Reconocimientos y homenajes varios por su carrera.
La veremos en: The Beaver, título que también dirigirá (será su tercera incursión como directora tras El pequeño Tate y A casa por vacaciones). Se rumorea su aparición en Flora Plum y Cockeyed.
Curiosidades: Fue una niña precoz: grabó sus primeros anuncios a los 2 años y la nominación al Oscar por Taxi Driver la obtuvo con 14 años. Graduada en Literatura por la Universidad de Yale. Le gusta hacer ejercicio, hablar italiano y la comida orgánica. Tiene dos hijos. Fue considerada hasta el último momento para protagonizar Pretty Woman y Shakespeare in love. Su personaje de Clarice en El silencio de los corderos ocupa la posición número 6 entre el ranking de héroes cinematográficos por la American Film Institute. Domina de tal forma el francés que se dobla a sí misma en las versiones francesas de sus películas. Recientemente confesó su homosexualidad.

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32. GAINSBOURG, CHARLOTTE (21/07/1971; Londres, Reino Unido)

La hija del cantautor Serge Gainsbourg dió sus primeros pasos en el cine a finales de los 80 y pronto ganaría el César a la mejor actriz revelación. Con el tiempo ha sabido defender su apellido con honor, tanto en su faceta de actriz como de cantante (esta década nos ha obsequiado con dos excelentes cds: 5:55 e IRM, bajo la batuta de Air y Beck respectivamente). Tímida, retaída, rara, bella a su manera. Gainsbourg desprende una magia extraña, una calidez en forma de susurro (así es su voz), una atracción indescriptible. Tuvo que desnudarse en cuerpo y alma para protagonizar Anticristo, el experimento más radical y polémico del danés Lars Von Trier. Pero Gainsbourg odia lo normal: defendió La ciencia del sueño de Gondry, fue la pareja del fallecido Heath Ledger en I'm not there, viajó hacia un Nuovomondo, pesó los 21 gramos de Iñárritu y fue víctima de un Lemming inquietante. Persécution, Mi mujer es una actriz, Félix et Lola o la tragicomedia L'un part, l'autre reste completa la filmografía más reciente de esta diva singular.

Máximo logro: Sant Jordi, Bodil y Palma de oro a la mejor actriz por Antichrist (Anticristo). Nominada al César por Prête-moi ta main.
La veremos en: The three, que clausuró Cannes 2010. Melancholia, el nuevo film de Lars Von Trier que se estrenará en Cannes 2011.
Curiosidades: Tiene dos hijos con el actor francés Yvan Attal. Un diálogo suyo en la película The cement garden inspiró las primeras líneas de la canción What it feels like for a girl de Madonna, incluida en su cd Music (2000). Sufrió un derrame cerebral como consecuencia de un grave accidente de coche: esta experiencia la inspiró a la hora de componer muchas de las canciones y los ritmos de IRM... y también para conectar anímicamente y entregarse a la tortura que supuso filmar Antichrist. Le propusieron protagonizar Gainsbourg e interpretar a su propio padre. Al final rechazó el proyecto.

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33. GAY HARDEN, MARCIA (14/08/1959; La Jolla, California, EE. UU.)

Muerte entre las flores (1990) fue su primer proyecto, un dato que ya avecinaba el éxito de una actriz secundaria única. Parece que Harden tiene olfato para escoger los títulos que después se ven recompensados con premios: el caso de Pollock, Mystic River y Hacia rutas salvajes. Pero Harden no es una actriz convencional: combina series (episodios de Damages, Royal Pains y Ley y orden) con telefilms notables (Hate, In from the night, Felicity, The tower, The courageous heart of Irena Sendler). Y sólo una actriz de naturaleza ecléctica como ella aceptaría aparecer en Whip it, Home, Tardes con Gaudí, The dead girl o American Dreamz. Más comerciales fueron La gran estafa y La niebla, esta última con una gran interpretación de Harden. Imposible de describir.

Máximo logro: Oscar a la mejor actriz secundaria por Pollock. Nominación al Oscar por su rol secundario en Mystic River. Saturn Award por La niebla. Tony a la mejor actriz por la obra teatral God of Carnage.
La veremos en: If I were you y Noah's Ark. Tiene pendiente de estreno en España Whip It.
Curiosidades: Es una gran excepción dentro del círculo de premios porque ha cursado dos veces por el Oscar sin estar nominada previamente ni al Bafta ni al Globo de oro ni al SAG. Su padre era militar y vivió una larga temporada en Grecia. Tiene tres hijos.

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34. GYLLENHAAL, MAGGIE (16/11/1977; Lower East Side, Nueva York, EE. UU.)

Cecil B. Demente nos recordó que Maggie, en ese momento un nuevo rostro, era la pequeña de una estirpe cinematográfica de excepción. En los últimos años ha sido capaz de hacer sombra a su propio hermano Jake (ella es tres años, un mes y tres días mayor que él) con la saga de éxito Batman Begins y El caballero oscuro. Con Sherrybaby se ganó el respeto de la crítica, un trato que vivió su particular cumbre hace unos meses con la nominación al Oscar por Crazy Heart. Combina títulos de mayor alcance (World Trade Center, La niñera mágica y el Big Bang, 40 días y 40 noches, La sonrisa de Mona Lisa; puso su voz en Monster House) con otros más minoritarios (Casa de los Babys, Ellos y ellas, Más extraño que la ficción, Un lugar donde quedarse, París: je t'aime), algunos de ellos auténticos tótems y títulos de culto del new indie american cinema (Secretary, Donnie Darko, Adaptation: el ladrón de orquídeas). Y si con 32 años ya tiene este carrerón, esperen a ver qué le depara la nueva década. Sigue siendo una gran promesa, aunque ahora ya conocemos de sus variados registros y sus grandes dotes interpretativas.

Máximo logro: Nominada al Oscar y al Globo de oro a la mejor actriz secundaria por Crazy Heart (Corazón rebelde). Sherrybaby le dió su primera nominación al Globo de oro y Secretary la llenó de nominaciones a premios varios.
La veremos en: Se rumorea su aparición en Batman 3, de Christopher Nolan (para más datos, consulten el blog de Sean Bauer).
Curiosidades: Su primera incursión como actriz fue en 1992... dirigida por su propio padre Stephen Gyllenhaal en Waterland. Tiene una hija con Peter Sarsgaad, que trabajó con su cuñado Jake Gyllenhaal en Jarhead: el infierno espera (y Maggie también ha trabajado con Sam Mendes en Un lugar donde quedarse: el círculo se completa). Dejó de fumar hace años, ama los musicales y es muy respetada en Sundance, festival donde ha exhibido sus películas e incluso ha actuado como presidenta del jurado. ¿Saben que Maggie (Crazy Heart) y Jake (Brokeback Mountain) son los únicos hermanos de la década nominados al Oscar? En los dos casos supuso su primera nominación al premio y en los dos casos fueron por papeles secundarios (y ninguno de los dos ganó). Lo que ha unido la familia, que no lo separe Hollywood.

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35. HATHAWAY, ANNE (12/11/1982; Barrio de Brooklyn, Nueva York, EE. UU.)

Den la bienvenida a la más joven de la encuesta. Y con honores, porque para algo es la Princesa por sorpresa de Disney y la Reina Blanca de Alicia en el país de las maravillas. Es elegante porque sabe que El diablo viste de Prada y porque puede ser diabólica en Guerra de novias (competía por el ramo de flores con Hudson, presente también en la lista). El nombre de Hathaway estuvo asociado a la etiqueta de 'tragicomedia tontorrona' (allí figuran Hechizada, La joven Jane Austen, Superagente 86, Historias de San Valentín, Al otro lado del cielo) hasta que llegó la Kym de La boda de Rachel (en Guerra de novias era la novia, y aquí era la invitada más rebelde del convite). Demme hizo magia y Hathaway pasó de musa teen a gran promesa del cine norteamericano. Luego recordamos que también formaba parte del cast de Brokeback Mountain y Passengers. Y finalmente sucumbimos: es la mejor actriz de su generación. De niña a mujer, de la revelación a la consagración en escasos diez años. ¿Quién da más?

Máximo logro: Nominada al Oscar, al Globo de oro, al Independent Spirit Award y al SAG por su papel protagonista en La boda de Rachel. Premios y menciones por La boda de Rachel y Brokeback Mountain.
La veremos en: Love and other drugs, en la que comparte pantalla con Jake Gyllenhaal (película que suena para los Oscar 2011)  y One day. Hará un cameo en Ass Backwards. Pondrá voz a Rio.
Curiosidades: Ha puesto su voz al servicio de Los Simpson y Padre de familia, sin olvidar la película animada Neko no ongaeshi. Su actriz favorita es Meryl Streep, precisamente su madrina en El diablo viste de Prada. Creció en Nueva Jersey, no en su Nueva York natal. Tuvo que ser la periodista de Nine, pero Kate Hudson, su competidora en Guerra de novias, le 'robó' el papel. Ha sido la imagen publicitaria de Lancome. Es amiga de Sienna Miller, la primera actriz que se planeó para interpretar su personaje de Brokeback Mountain. Y respecto a La boda de Rachel: ¿nadie se confundió al pensar que ella era la Rachel del título?

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36. HAWKINS, SALLY (17/04/1976; Dulwich, Londres, Reino Unido)

Hawkins ha participado en algunas de las producciones inglesas más importantes de la década, algo que no ha pasado desapercibido para la crítica, la cinefilia y el panorama festivalero, que la valoran como una de las artistas europeas emergentes más interesantes. El secreto de Vera Drake puso fin a unos inicios televisivos (entre ellos, la famosísima serie Little Britain) y Leigh la tomó como musa en Todo o nada y Happy-go-lucky. An education, Flor del desierto, El velo pintado y Layer Cake, ya sea en su isla o en terreno americano, forman parte de su filmografía selecta. Ha trabajado con Woody Allen en El sueño de Cassandra y tiene media docena de proyectos futuros. No sería raro que Hawkins esté próximamente nominada al Oscar, seguramente para compensar que su profesora excéntrica premiada en Berlín no tuvo suerte. Pero ella sigue happy porque Hawkins tiene una de las sonrisas más bonitas del cine. Veremos.

Máximo logro: Globo de oro (comedia o musical) y Oso de oro a la mejor actriz por Happy-go-lucky, por la que estuvo nominada al EFA. Fue favorita para los Oscar 2008 hasta el final de la carrera, pero no resultó nominada.
La veremos en: Never let me go, una de las favoritas para los Oscar 2011. Jayne Eyre, It's a Wonderful Afterlife, The Rouring Girl, Love Birds, Made in Dagenham, Submarine y Down and Little Pictures. ¡Toma ya!
Curiosidades: Asegura que es una persona alegre, casi como su personaje en Happy-go-lucky. Creció en Londres capital. Su película favorita es del 2007: El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford. Su padre era ilustrador de libros para niños, mientras que, cuando Sally era pequeña, tenía auténtica devoción por las películas americanas de los años 40 en blanco y negro. De casta le viene al galgo.

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37. HAYEK, SALMA (02/09/1966; Coatzacoalcos, Veracruz, México)

Si revisamos la filmografía de Salma Hayek no encontraremos obras maestras, más bien comedias e intrascendencias que la han convertido en la mexicana más popular de los EE. UU. Podemos destacar su corto papel en Traffic y su gran Frida, también sus intervenciones en la serie 30 Rock y su participación en la infravalorada Ugly Betty, donde actuaba como actriz, productora y defensora de un culebrón sudamericano adaptado a los gustos de la audiencia estadounidense. Y si Hayek es empresaria con ojo, ella es la máxima responsable de divertimentos como Bandidas, Pregúntale al viento, El mexicano, Spy Kids 3 y El gran golpe. Más pedigrí tienen Corazones solitarios y Across the universe. A Hayek le gusta bailar, disparar, pegar tortazos y contonear su metro cincuenta y siete. Ya saben: la bailarina de Abierto hasta el amanecer ha dado mucha guerra esta década... Incluso dirigió una película poco conocida: El milagro de Maldonado. Desparpajo a raudales. Niños grandes es su último estreno.

Máximo logro: Nominada a la mejor actriz por Frida en los Oscar, Globos de oro, SAG y Satellite Awards del 2003.
La veremos en: Puss in Boots (voz). Se rumorea su aparición en 5 películas, entre ellas Here Comes the Boom y Wild Roses, Tender Roses.
Curiosidades: 'Salma' en árabe significa 'paz', 'calma'. No estuvo nada calmada el día que le tocó anunciar los nominados a los Oscar 2007: celebró la nominación de su amiga Penélope Cruz y se emocionó al ver tantas menciones para sus compatriotas mexicanos (repetimos: el trío Iñárritu-Del Toro-Cuarón). Su madre es cantante de ópera. Es diabética, le encantan los perros y aún arrastra problemas de dislexia desde su niñez.

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38. HENSON, TARAJI P. (11/09/1970; Washington, EE. UU.)

Pocos saben que detrás de la mejor actriz de El curioso caso de Benjamin Button se esconde una dura historia de superación y penurias. Se quedó embarazada de su hijo Marcel cuando estudiaba Arte Dramático en la universidad. El padre del bebé murió en una reyerta y Henson, entre ayudas gubernamentales y el apoyo de su entorno, logró licenciarse, asistir a la audición del musical Dreamgirls (película que no hizo) y convertirse en una de las actrices más queridas por la comunidad afroamericana. No es para menos porque 'Taraji' es 'esperanza' en swahili y porque ha intervenido en Noche Loca y The Karate Kid (estrenos de este año), sin olvidar Ases Calientes, Baby Boy, Cuatro hermanos, Hustle & Flow, Something New, Hurricane Season, Separados por accidente o Talk to me. También la hemos visto en episodios de House, Eli Stone, C.S.I., Boston Legal, Se ha escrito un crimen y The division. Le deseamos mucha suerte.

Máximo logro: Nominada al SAG y al Oscar a la mejor actriz secundaria por El curioso caso de Benjamin Button. Menciones por Hustle & Flow y Baby Boy.
La veremos en: Once Fallen, The good doctor, Peep World y Larry Crowne.
Curiosidades: Ha trabajado con los actores afroamericanos más importantes de la década: Forest Whitaker, Don Cheadle, Chiwetel Ejiofor, Terrence Howard y Ving Rhames. Considerada una de las actrices afroamericanas más sexys del panorama actual. Es una gran cantante (actuó en los Oscar 2005 interpretando la canción nominada de Hustle & Flow)

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39. HUDSON, JENNIFER (12/09/1981; Chicago, Illinois, EE. UU.)

Pocas actrices han tenido como carta de presentación un reality show tan popular como American Idol, concurso que no ganó pero que la lanzó a la fama. Destacamos su actividad en las bandas sonoras de Dreamgirls, Sexo en Nueva York (1 & 2) o Fama: ¡a bailar! entre otras. Como buena fan del R & B, Hudson fue escogida para la versión cinematográfica del musical de Broadway Dreamgirls y logró llevarse la estatuilla en su film de debut (la última en lograr tal proeza fue Anna Paquin por El piano). Tercera persona de tez negra en aparecer en la portada del Vogue norteamericano (tras Halle Berry y Oprah Winfrey), Hudson ha aparecido en Sexo en Nueva York, Fragmentos y La vida secreta de las abejas. Su cantante favorita es Céline Dion, Whitney Houston es su influencia musical y forma parte de los AMPAS: mezcla explosiva. Hudson apunta a hacer historia: hacer sombra a la diva Beyoncé lo vale.

Máximo logro: Oscar, Bafta, Critic Choice Award, Globo de oro y SAG en un mismo año por su rol secundario en Dreamgirls.
La veremos en: Winnie.
Curiosidades: Su película favorita es Sister Act 2. Se presentaron 782 actrices para su papel de Dreamgirls... y resultó elegida. Es famoso su gran sentido del humor: sólo ella podría poner a sus perros los nombres de 'Oscar', 'Dreamgirl' y 'Grammy'.

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40. HUDSON, KATE (19/04/1979; Los Ángeles, California, EE. UU.)

Kate Hudson desprende energía positiva. Cae (nos cae) bien, vaya. Y es una cachonda. Eso intuímos teniendo en cuenta tanta comedia como Adam y ellas, El Dr. T. y las mujeres, Alex & Emma, Le divorce, Tú, yo... y ahora Dupree, Una novia para dos , Mamá a la fuerza y Guerra de novias. Y si son malas no pasa nada porque ahí está la cabellera rubia de Hudson para animar el cotarro y, si hace falta, embaucar a un maromo como Conaughey en Cómo perder a un chico en 10 días y Como locos... a por el oro (las dos número 1 de taquilla en los EE. UU.). La reina de la intrascendencia bailó en Nine, tembló en La llave del mal, se puso seria en Fragmentos, se vistió de época en Las cuatro plumas y logró su mejor papel en Casi Famosos, la mejor película de Cameron Crowe. Ahora que Winterbottom ha contado con ella para El asesino dentro de mí, la carrera de Hudson puede abrirse a nuevos papeles, nuevas posibilidades. La década venidera dirá.

Máximo logro: Globo de oro y Satellite Award a la mejor actriz secundaria por Casi famosos, película por la que optó al Bafta, Oscar, MTV Award y SAG. Y, cosas de la vida, nominada al Razzie a la peor actriz por Como locos... a por el oro.
La veremos en: Earthbound, Big Eyes, Ass Backwards y Something Borrowed. Tiene pendiente de estreno en España El asesino dentro de mí.
Curiosidades: Hija de Goldie Hawn. Hudson considera como un padre a Kurt Russel, novio de Hawn durante mucho tiempo. Toca la guitarra y el piano, hace yoga, habla francés y su mejor amiga es la actriz Liv Tyler. Con unos padres actores, ya tenía clara su profesión desde muy joven. Para los amigos es Katie.

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REPASO A LAS MEJORES INTERPRETACIONES DEL 2004
(actrices no presentes en la lista de las 100 elegidas)

ABRIL, Victoria (El 7º día)
AGHDASHLOO, Shohreh (Casa de arena y niebla)
ALCHE, María (La niña santa)
BARDEM, Pilar (María querida)
BASINGER, Kim (Una mujer difícil, Cellular)
CASTLE-HUGUES, Keisha (Whale Rider)
CERVERA, Mónica (Crimen Ferpecto)
DALLAS HOWARD, Bryce (El bosque)
DELPY, Julie (Antes del atardecer)
HANNAH, Daryl (Kill Bill Vol. 1 & 2)
KEKILLI, Sibel (Contra la pared)
MITCHELL, Radha (Melinda y Melinda)
OZORES, Adriana (Héctor)
P. HALL, Irma (Ladykillers)
PASCUAL, Mirella (Whisky)
RUEDA, Belén (Mar Adentro)
RYAN, Meg (En carne viva)

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ACTRICES SEMIFINALISTAS

1. PENÉLOPE CRUZ (208 votos, 63%)
2. CATE BLANCHETT (173 votos, 75%)
3. JUDI DENCH (165 votos, 50%)
4. MARION COTILLARD (126 votos, 53%)
5. AMY ADAMS (70 votos, 30%)
6. HELENA BONHAM CARTER (66 votos, 28%)

BACKSTAGE

1. JULIETTE BINOCHE (63 votos, 27%)
2. JENNIFER CONNELLY (56 votos, 23 %)
3. VERA FARMIGA (47 votos, 14%)

ELIMINADAS

Toni Collette (49 votos), Abigail Breslin (45), Annette Bening (43), Sandra Bullock (39), Lola Dueñas (36), Kathy Bates (35), Emily Blunt (34), Patricia Clarkson (32), Viola Davis y Cameron Díaz (28), Catherine Deneuve (26), Halle Berry (23)

Total votos: 229 + 234 + 330 = 793

Crítica de LA OTRA HIJA (THE NEW DAUGHTER)

La otra hija podrá verse en el Festival de Sitges y seguramente la presencia de Ivana Baquero, la angelical protagonista de El laberinto del fauno, hará olvidar a la prensa que la película que nos ocupa se estrenó directamente en dvd en los Estados Unidos. Aunque La otra hija no es ninguna maravilla, nos llegan al año incontables títulos de terror mucho peores que éste. Al misterio de su carrera comercial se le añade el del propio argumento, otra incursión en el día a día de una familia que se muda a una casa con un pasado turbio. El padre es Kevin Costner, un escritor recién divorciado al que la tarea de cuidar de sus dos hijos le sobrepasa. El personaje hace lo que puede, y Costner también: es difícil eliminar los prejuicios que rodean su carrera tras tantos desatinos, pero aquí se merece un aprobado (y habla un espectador con especial tírria hacia el responsable de Bailando con Lobos).  A partir de esta premisa, cliché donde los haya, la cinta se las ingenia para mezclar un conflicto familiar con ecos fantásticos: algo extraño habita en el bosque que rodea la casa, y sea lo que sea ese ente ha poseido a la hija del título. El director hubiera podido resolver la ecuación de forma rápida y más o menos certera (la sorpresa de la audiencia es, obviamente, mínima: hemos visto tropocientas veces tropocientas películas como ésta), pero se entretiene buscando un clímax final que se hace de rogar. Pero llega. Y es en esos últimos diez minutos cuando la película recobra toda la energía que no tenía. Y sorprende. Su final enigmático no salva los vaches del camino, pero al menos logra que La otra hija, aparentemente carente de atractivos, resulte una película simpática (a efectos prácticos, el prometedor arranque de Luis Berdejo como realizador y de la joven Ivana Baquero como actriz internacional). La verán y la olvidarán, pero no tendrán la sensación de haber perdido el tiempo. Algo que, a juzgar por las penosas reseñas leídas y por leer, ya es mucho.

La interpretación: Ivana Baquero, afianzándose una carrera que puede ser brillante

La escena: Un Kevin Costner dispuesto a resolver el enigma del montículo. Con tanto barro y seres extraños es imposible no recordarse de El laberinto del fauno. 

El director: Luis Berdejo, uno de los guionistas de REC, rueda su ópera prima fuera de España.  

El dato negativo: ¿A nadie se le ocurrió un título más pegadizo?

Nota: 6

Crítica de MANOLETE

Daba pereza ver Manolete. Y tras haberla visto, da pareza escribir sobre ella. Aunque uno nunca debe abrazar los extremos, las convicciones de un servidor le llevan a considerarse antitaurino, con lo que recordar la figura del 'célebre' torero no era precisamente una prioridad. Pero me he llevado una sorpresa. Al director no le ha interesado el Manolete torero y lo ha descrito casi exclusivamente en calidad de enamorado. La dama es Penélope Cruz, y sólo ella justifica el visionado de la película. Manolete no tiene ningún interés, tampoco la anodina interpretación de Adrien Brody (elegido no por sus atributos interpretativos, sino por su relativa semejanza física con el personaje). Al público español le harán gracia las apariciones de Juan Echanove y Santiago Segura, pero ello no supone ningún aliciente. El verdadero atractivo está en Penélope Cruz, y algún iluminado debería rebautizar la película como Lupe, el nombre de la amada amante que encarna la española. Este es su biopic. Ella está guapísima. Tiene la furia del mejor toro. Se bambolea como en las mejores ficciones almodovarianas. El vestuario no sería lo mismo sin su percha para vestir toda esa ristra de modelos. La cámara la persigue. Vaya, que Manolete, una película de cadencia lenta y atractivo cero, remonta el vuelo gracias a nuestra estrella más internacional. No nos importa quién fue Manolete. Muchos dirán que las faenas de Manolete eran arte, pero para quien esto escribe sólo eran matanzas; el verdadero arte lo aporta Penélope Cruz, la diva que estaba escondida. Manolete es una película consciente de su despropósito: la figura que retrata sólo atrae a su director, y por eso se nos brinda al resto de los mortales un nuevo ejemplo de la magia que desprende, la fascinación que despierta, la experiencia que supone ver a una Penélope Cruz en su etapa más productiva y prolífica. Más temperamental e italiana que nunca. Así acabamos contentos y con un 'olé' en la boca.

Nota: 5'5

GOYAS 6: AMANTES (1991)

Título: AMANTES Director: Vicente Aranda Guión: Carlos Pérez Marinero, Álvaro del Amo y Vicente Aranda Género: Thriller melodramático Duración: 115 min. Reparto: Jorge Sanz, Maribel Verdú, Victoria Abril, Enrique Cerro, José Cerro, Mabel Escaño, Alicia Agut, Saturnino García, Gabriel Latorre, Ricard Borràs, Lucas Martín, Jorge Juan García, Cosme Cortázar, Carmen Ibarra, Fernando Hernández, Rafael Serna, Leonor Herreros, Manuel Luque, María Martín, María Valencia, Amado Cruz, Osmundo Colorado Producción: Pedro Costa P.C. Fecha de estreno: 12/04/1991 Nota Filmaffinity: 6'6 Nota IMDB: 7'2 Nota blog: 9 Palmarés: Concha de plata a la mejor actriz (Abril) y nominada al Oso de oro a la mejor película del Festival de Berlín 1991, Mención especial para Maribel Verdú en el Festival Internacional de Ghent, Ondas a la mejor película y actriz (Verdú), Turia a la mejor película y actriz (Abril), Fotogramas de Plata y Sant Jordi a la mejor película española del año, 2 Premios ADIRCAE DVD: Tribunda Pictures Vídeo: Escena final



Sinopsis: Basada en hechos reales. Madrid, 1955. Nuestro protagonista ha acabado el servicio militar y empieza su primer trabajo con mucha ilusión. Se establece en la capital, aunque no olvida a su novia, víctima de un entorno rural y conservador. Las convenciones los obligan a casarse, pero él no lo tiene claro. Y más cuando una extraña mujer, la misma a la que alquila una habitación, empiece a seducirle. Con una conoce el sexo más salvaje, la libertad y el libertinaje. Con la otra conoce la total castidad, la religiosidad, las obligaciones. El pueblo y la ciudad, también a modo de antítesis, serán el escenario de un triángulo amoroso de alto voltaje. Debe elegir a una, no hay duda. Un viaje a Burgos, coincidiendo con la llegada del nuevo año, pondrá fin de forma trágica a una historia de posguerra. 2 premios Goya / 7 nominaciones

Sus competidoras:
Don Juan de los Infiernos, de Gonzalo Suárez 1/7
El rey pasmado, de Imanol Uribe 8/14

Nos representaba al Oscar: Tacones Lejanos
(no obtuvo nominación; elegida el 04/11/1991)

Edición VI de los Premios Anuales de la Academia de las Artes
y las Ciencias Cinematográficas de España
Lectura de nominaciones: 03/02/1992, a cargo de Lorenzo Guirado Sanz
(notario de la Academia)
Gala: 7 de marzo de 1992, Palacio de Congresos de Madrid
Maestros de ceremonias: Aitana Sánchez-Gijón y José Coronado
Presidente de la Academia: Antonio Giménez-Rico

PALMARÉS:
Película: AMANTES
Director: Vicente Aranda, por AMANTES
Actor protagonista: Fernando Guillén, por DON JUAN DE LOS INFIERNOS
Actriz protagonista: Silvia Munt, por ALAS DE MARIPOSA
Actor reparto: Juan Diego, por EL REY PASMADO
Actriz reparto: Kiti Manver, por TODO POR LA PASTA
Director novel: Juanma Bajo Ulloa, por ALAS DE MARIPOSA
Guión original: Juanma Bajo Ulloa y Eduardo Bajo Ulloa, por ALAS DE MARIPOSA
Guión adaptado: Joan Potau y Gonzalo Torrente Malvido, por EL REY PASMADO
Música original: José Nieto, por EL REY PASMADO
Película hispanoamericana: LA FRONTERA (Chile)

Goya de honor: EMILIANO PIEDRA

LA BATALLA DE ARANDA

La historia de los Goya no ha comentado las tensiones entre la Academia y Aranda. Más sonada es la pugna con Almodóvar, pero la de Aranda, en activo desde los años 60, no tiene desperdicio. De hecho, aún da sus últimos coletazos, porque las recientes Luna Caliente, Tirant lo Blanc y Canciones de amor en Lolita's club no han tenido nominación alguna. Cuando El lute: camina o revienta se fue de vacío, la prensa lo consideró 'el gran perdedor' y él alardeó de no formar parte de la Academia (y se ha mantenido fiel a sus postulados: nunca ha asistido a ninguna gala de los Goya a pesar de contar con 12 nominaciones entre apartados de guión y dirección). Su musa ha sido Victoria Abril. Su imaginario se ha caracterizado por un alto contenido erótico, muchas veces a partir de novelas de éxito, incluso Premios Planeta (o contendientes al mismo) como La pasión turca, La muchacha de las bragas de oro o La mirada del otro. Con El amante bilingüe y Si te dicen que caí adaptó a Juan Marsé, su escritor de cabecera. Y con Amantes logró su obra maestra, un relato apasionante y apasionado que volvía a la guerra de Libertarias, a la ambientación histórica (luego vendrían Juana La Loca o Carmen) y al sexo más salvaje. Una trayectoria tan particular debía tener un paso en los Goya no menos especial: Amantes sigue siendo el Goya a la mejor película con menos premios (2 de 7). Y La Soledad, unas cuantas ediciones después, se alzaría como el Goya a la mejor película con menos nominaciones (3 de 3). Porque ni Abril (Oso de Plata a la mejor actriz) ni Verdú ganaron (intuímos una división de votos obvia que benefició a Silvia Munt, la tercera en discordia), tampoco Jorge Sanz o el guión original. Todo en un año muy bueno para el cine español: Tacones Lejanos, otra maltratada, triunfaba en medio mundo (sin ir más lejos, fue el César a la mejor película extranjera del año); Alas de Mariposa lograba un soprendente pleno tras ganar la Concha de oro de San Sebastián; Beltenebros, de Pilar Miró, presumía del Oso de Plata recabado en el Festival de Berlín. Y se cocinó otro record 'goyístico': El rey pasmado, de Imanol Uribe, era y es la película no ganadora a la Mejor película con mayor número de cabezones (un total de 8 de 14 posibilidades). Y el 23 de noviembre de 1991, la Academia concedió la primera Medalla de oro a Fernando Rey.

SEXO ES IGUAL A POLÉMICA

Las publicaciones de la época coincidían en que Amantes y Tacones Lejanos eran las favoritas para representar a España en la carrera al Oscar. Ambas con premios a sus espaldas. Las dos protagonizadas por Victoria Abril. Y con un nexo en común: el sexo. La elegida fue Tacones Lejanos, y Amantes, rebautizada como Lovers para su trayectoria internacional, fue un escándalo en EE. UU. por sus escenas de cama, sobre todo el recordado momento en que Victoria Abril saca un pañuelo del ano de Jorge Sanz en el momento clímax del acto sexual. La mojigatería de los norteamericanos tuvo ese año otro azote y éxito: Instinto Básico, taquillazo veraniego del 1992. Pero si hay que elegir entre el picahielos de Stone y el misterio de Abril, nos quedamos con la española.

CINERANKING 2010: NUEVOS RESULTADOS

El Cineranking 2010 presenta los 10 films más votados. Tres meses nos separan del final del año y poco a poco se va estrechando el número de películas a concurso. Up in the air sigue siendo la película más votada: 30 de 33 concursantes la han votado. Y La cinta blanca continúa con 8 dieces, el récord de esta temporada.

Les recuerdo que:

- Al final, sólo consideraremos las películas que tengan un mínimo de 8 notas. Por lo tanto, muchos nombres que ahora estan en el ranking desaparecerán si no reciben nuevas notas.

- Hay muchas películas que igualan o superan la nota de '8'. Nada está decidido, así que no duden en votar todas los títulos que hayan visto. Si no recuerdan qué películas votaron, para cualquier consulta o para aportar nuevos votos al cuadro, manden su mensaje a xavi_23990@hotmail.com 

Leyenda del post:

1. Posición del ranking. 

2. NOMBRE DE LA PELÍCULA

3. Nombre del director

4. NOTA MEDIA (sobre 10) 

5. Votos recibidos (sobre 33) 

6. Décimas que la película ha ganado / perdido respecto la anterior encuesta.

10. CANINO (KYNODONTAS), de Giorgos Lanthimos

8'13 (8 votos) NUEVA

9. EL ESCRITOR (THE GHOST WRITER), de Roman Polanski

8'17 (12 votos) -0'03

8. TWO LOVERS, de James Gray

8'22 (9 votos) -0'07

7. CIUDAD DE VIDA Y MUERTE (NANJING! NANJING!), de Lu Chan

8'25 (8 votos) +0'08

6. FISH TANK, de Andrea Arnold

8'33 (9 votos) +0'08

5. ORIGEN (INCEPTION), de Christopher Nolan 8'5 (16 votos) -1

empata con THE COVE, de Louie Psihoyos 8'5 (2 votos) NUEVA

4. LA CINTA BLANCA (DAS WEISSE BAND), de Michael Haneke

8'58 (24 votos) =

3. TOY STORY 3, de Lee Unkrich

8'94 (17 votos) +0'06

2. LA VIDA EN TIEMPOS DE GUERRA (LIFE DURING WARTIME), de Todd Solondz

9 (1 voto) NUEVA

1. NE CHANGE RIEN, de Pedro Costa

10 (1 voto) =

CINE ESPAÑOL: Críticas de HABITACIÓN EN ROMA, HIERRO, LUNA CALIENTE Y QUE SE MUERAN LOS FEOS

HABITACIÓN EN ROMA (ROOM IN ROME), de Julio Medem
Habitación en Roma, suerte de revisión personal del film En la cama, ha sido el nuevo proyecto de Medem, un nombre que cada vez parece más decantado hacia un cine no convencional. El halo místico que lo caracteriza sigue entre las cuatro paredes del título, también un culto a la belleza femenina de una planificación técnica exquisita. El cine de Medem ha ido recrudeciéndose con el tiempo. Vacas, Tierra y La ardilla roja estaban diseñadas a modo de paranoias visuales, thrillers intensos, rurales y turbios que llevaban el espectador a otra dimensión. El cine de Medem es un cine que se vive; que, como en una poesía, se disfruta más la forma que el contenido. Hay que conectar con él, y Medem parece empeñado en plantearse más inaccesible y críptico. Ello abre una problemática tanto para la crítica (empeñada en dilapidar al cineasta vasco, posiblemente influida por el revuelo que armó La pelota vasca) como para el público (que vive con incertidumbre cada uno de sus nuevos estrenos, todos ellos muy diferentes entre sí, y sumamente opuestos también al Medem más publicitado de hace unos años). Los amantes del círculo polar continúa siendo su título más accesible, y Lucía y el sexo, para quien esto escribe la mejor jugada de Medem, supo combinar la lírica de la anterior etapa con la radicalidad de la nueva (desnudos cada vez más explícitos y personajes más descarnados, en momentos emocionales límite). Habitación en Roma no cultiva tanto la metáfora como Caótica Ana, y aún así los mejores momentos del film son aquellos en los que Medem juega con la música y el encuadre de sus imágenes (la pesadilla de la bañera es brillante). Paralelamente a su condición de tótem lésbico, de cine más experimental, Habitación en Roma tiene como contrapunto algunos diálogos forzados, otros alicaídos y alguna ñoñería de más. Interesa su exploración de la psique femenina, pero todo se me antoja demasiado artificial (no superficial). Habitación en Roma conserva la fuerza visual del Medem de siempre, pero no pasará a la historia como uno de sus mejores títulos. El viaje es un placer. Hubo, eso sí, otros mejores. Nota: 6'5

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HIERRO, de Gabe Ibáñez

Si de algo puede presumir el cine español es de tener buen cine de ambiente fantástico o terror. Autores como Alejandro Amenábar han acabado siendo una referencia para jóvenes realizadores que ven en el género fantastique una posibilidad para forjar un estilo y darse a conocer a un público que casi siempre se siente atraído por la intriga, el thriller y el terror psicológico. Hierro forma parte de esta nueva hornada de películas pequeñas pero matonas que cuentan mucho y muy bien sin necesidad de grandes medios. Respecto a Francia, donde parieron hace nada unas criaturas tan radicales como Frontière(s) o Martyrs, España parece más arraigada al cine clásico norteamericano, una línea que inicia Hitchcock y que sigue con Spielberg. El seguimiento de una mujer que sufre con nosotros durante todo el metraje ha sido la excusa de grandes obras como las paranoias de Polanski Repulsión y La semilla del diablo. Von Trier dice que es más atractivo ver en pantalla las penurias de una mujer que las de un hombre, no por razones sexuales o sexistas, sino por un mero componente visual directamente relacionado con nuestra cultura o tradición. Hierro toma todo ello para construir su misterio. De hecho, en un acto de ironía cinematográfica, Elena Anaya vuelve a la isla de Lucía y el sexo para vivir su pesadilla definitiva, también para lograr su interpretación más destacable. Hierro cuenta con una atmósfera muy lograda, tiene momentos buenos y tiene una coherencia cromática muy interesante para tratarse de una ópera prima. Y también por tratarse de una película inicial, Hierro carece de la consistencia narrativa de los grandes títulos que homenajea. La anécdota de su argumento basa no siempre con atino una hora y media que se deja ver sin reinventar nada. No es de hierro, pero vale la pena. Nota: 6

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LUNA CALIENTE, de Vicente Aranda

Vicente Aranda empieza a ser recibido por la crítica con desdén casi de forma automática. Los críticos se han cebado en más de una ocasión con uno de nuestros creadores más fructíferos, y Aranda, aunque no esté pasando una de los mejores etapas de su carrera, merece un respeto; y, como resultado, despierta innegablemente interés con cada uno de sus proyectos. Luna Caliente no es ninguna maravilla, tampoco lo eran Canciones de amor en Lolita's Club y Tirant lo Blanc, pero sí estamos hablando de películas coherentes con el estilo y las preocupaciones de su realizador, unidas también por un conservadurismo estético que aquí se resuelve en unas imágenes telefilmescas, imposición seguramente de un presupuesto un tanto apretado. Luna Caliente no deja ninguna huella, tampoco merece figurar entre lo mejor del año y mucho menos de la filmografía de Aranda. Pero a pequeños recursos, pequeños resultados. Y dentro de esa pequeñez tanto monetaria como artística, Aranda logra una vez más esa atmósfera claustrofóbica que tanto le apasiona, definidida, cómo no, por los oscuros designios del deseo y el sexo salvaje. Aranda parece adaptarse a las adversidades y consigue una película que se deja ver; menor, eso sí, si seguimos teniendo en mente Amantes o Juana La Loca. Veo Luna Caliente como un relato breve levemente subversivo, salvado por el hacendoso trabajo de Eduard Fernández. A riesgo de convertirse en el viejo verde por excelencia de nuestra cinematografía, Aranda sigue urgando, investigando, filmando con malsana delectación una carnalidad totalmente podrida, casi mórbida, que muchos considerarán 'demodé'. Luna Caliente, valga el juego de palabras, no calienta, pero sí inquieta. Suficiente para no merecer (otra vez) tantas reseñas negativas. Nota: 5'5

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QUE SE MUERAN LOS FEOS, de Nacho G. Velilla

Al cine español le ha encantado las historias de paletos con gracia, marginados rurales y paletos de campo que viajan a la gran ciudad. Antes teníamos a Alfredo Landa, a Pajares, y sobre todo los geniales frescos costumbristas de Berlanga o Bardem. Ahora tenemos una nuevo ola de comediantes nacidos en el seno de la televisión y que no han tardado en alargar sus guiones (no mejorarlos) para adaptarse a las exigencias de la gran pantalla. Que se mueran los feos goza de ese inmediatez televisiva (cierto toque moderno, no por ello bueno) y de un discurso tan básico como el cine de 'años ha' (su narrativa sobre la belleza y la fealdad es tan básica como un cuento infantil). Nunca películas como ésta, aunque reciban el apoyo del público, pueden ser el paradigma a seguir porque siguen alimentando ese cliché que nuestro cine es rancio y basto. Se estrenó semanas después de Nacidas para sufrir, otra reivindicación local del mundo rural; ésta, en cambio, es una comedia totalmente blanca, entretenida y, afortunadamente, tiene toques con ingenio (ese revival del Eres tú eurovisivo de Mocedades, otro tótem de un frikismo 'adorablemente casposo', en el fondo muy nuestro, es de lo más divertido que hayamos visto este año). Una comedia ibérica que se salva por su reparto: Javier Cámara precisa el Goya y Carmen Machi vuelve a ser la cara secundaria que alegra todo el cotarro (ya lo hizo en Pájaros de papel). Con buenas intenciones pero políticamente (in)correcta (véase la nómina de secundarios: un gitano que aplaude la infidelidad de su hijo, un cura que suelta tacos cada dos por tres, una lesbiana que quiere un hijo a la desesperada, o fauna diversa como 'el chulo' o 'el tonto' del pueblo). Es el título 'cañí' más taquillero del año, para bien o para mal. Se ve y se olvida con facilidad. Logra su objetivo. Y quien sepa rebajar sus expectativas, se encontrará con un divertimento decente. Porque, como los feos, hay un cine 'ejpañó' que nunca morirá. Nota: 6