miércoles, 10 de agosto de 2016

CRÍTICA | CHICAS MALAS, de Mark S. Waters


CHICAS MALAS (MEAN GIRLS), de Mark S. Waters
Nominación al Critics Choice Award a la mejor actriz joven
EE. UU., 2004. Dirección: Mark S. Waters Guión: Tina Fey, a partir de la novela de Rosalind Wiseman Fotografía: Daryl Okada Música: Rolfe Kent y VV. AA. Reparto: Lindsay Lohan, Rachel McAdams, Tina Fey, Tim Meadows, Amy Poehler, Amanda Seyfried, Ana Gasteyer, Lacey Chabert, Lizzy Caplan, Daniel Franzese, Neil Flynn, Jonathan Bennett Género: Comedia juvenil Duración: 95 min. Tráiler: Link Elección de Andrés Ricaurte
¿De qué va?: Tras pasar toda su vida en África, Cady pisa por primera vez un instituto para completar sus estudios. Su escuela de Illinois poco tiene que ver con la sabana, pero Cady encuentra parecidos más que razonables. Una de sus tácticas de supervivencia consiste en hacer migas con las chicas más populares de su promoción, pero la tarea no será fácil.


CRÍTICA JESÚS ONIEVA: Siento bastante recelo hacia las comedias juveniles norteamericanas, y más aún si cuentan con Lindsay Lohan en el reparto. Craso error el mío. Chicas malas es, probablemente, la obra cumbre de este denostado género, debido en grandísima parte a un libreto firmado por Tina Fey, que convierte a la película en algo más auto-consciente y con bastante más mala uva de lo que puede parecer a primera vista. Por supuesto, todo esto se quedaría en una película fallida si no estuviera respaldado por unos carismáticos personajes, pero no es el caso. Rachel McAdams encarna a uno de esos villanos que nos encanta odiar: la en el fondo insegura Regina. Sus secuaces también ofrecen escenas que ya forman parte de la cultura popular, como las que protagoniza una primeriza Amanda Seyfried. Se podrá criticar que en el último tercio la película deviene en algo más convencional y hasta moralista, pero opino que esta coda es necesaria, para no convertir la película en demasiado ácida. En resumen, recomendada para hacer las paces con ese tipo de cine que jamás pensamos que nos podría gustar, o, al menos, para echarse unas buenas risas. ★★★½


CRÍTICA ISIDRO MOLINA: Rara vez he deseado el mal o he sido malo con alguien. Como diríamos en mi tierra, soy “to güena ente”. La única vez que he hecho el mal a alguien fue en parvulitos, que me gustaba echarme la arena del parque por la cabeza porque me daba gustirrinín al lavarme el pelo por la noche y, consciente de lo malito que tenía que parecer, armado de mis dotes actorales, culpaba ante las maestras a otros niños, que acababan resultando castigados. Ya en plena pubertad volví a ser malo, pero involuntariamente: una anécdota trivial sobre un par de profesores que me contó mi hermana acabó convirtiéndose en una acusación seria por parte del padre amargado de un amigo mío que interpretó lo que yo le conté como le salió de los huevos. Y sobre mentiras, rumores, inquinas y puñaladas en el instituto va esta Chicas malas, película chorra reconvertida en título de culto. Siempre he tenido curiosidad por ver a Rachel McAdams a lo pija rubia cabrona (siempre hace de uno de las tres cosas o de un combo de dos, pero las tres juntas... eso no lo había visto nunca). Partiendo de todos los tópicos sexistas que te puedas echar a la cara, el guión de Tina Fey va desmontándolos y ridiculizándolos hasta hacer de la película un alegato feminista nada sutil, tan poco sutil como las tetas de Amanda Seyfried que predicen la lluvia cuando ya está lloviendo. Tiene mala baba y buenos gags, y para ser "una de adolescentes americanos en un instituto", acaba la peli y no tienes ganas de cortarte las venas, pero echo de menos algo más de riesgo y me sobran malvaviscos. Para echar el rato cumple muy bien, pero... ¿hay algún parque con arenilla por aquí? ★★★


CRÍTICA XAVIER VIDAL: Chicas malas se ha convertido con el paso de los años en una película de culto con un nutrido grupo de seguidores. A ello ha contribuido la pujante carrera de las humoristas Tina Fey y Amy Poehler, así como de las actrices Amanda Seyfried y Rachel McAdams, todas ellas presentes en el film mucho antes de convertirse en las estrellas que son en la actualidad. También el hecho de que la cinta de Waters, aunque parezca una comedia teen al uso, se asemeje más a la ironía crítica de Election, American Beauty o Las reglas del juego que a las sitcom juveniles de los últimos años. Una inteligente parodia del cine "de instituto" en la que cualquier espectador, sin importar su edad, encontrará una notable descripción de las relaciones humanas, la falsedad y el mundo de las apariencias. Los púbers de colegio convertidos en animales de la sabana más salvaje. Si en su día aspiraron al Óscar los guiones de Mi gran boda griega o La boda de mi mejor amiga, ¿por qué no reivindicar, aunque sea de forma tardía, la candidatura para los diálogos chispeantes de Chicas malas, uno de los mejores libretos cómicos de lo que va de siglo? Film generacional y placer culpable donde los haya. ★★★½

CRÍTICA | MISS VIOLENCE, de Alexandros Avranas

 
MISS VIOLENCE, de Alexandros Avranas
Festival de Venecia: Mejor director y actor
Grecia, 2013. Dirección y guión: Alexandros Avranas Fotografía: Olympia Mytilinaiou Reparto: Themis Panou, Eleni Roussinou, Chloe Bolota, Kostas Antalopoulos, Yiota Festa, Rafika Chawishe, Maria Kallimani Género: Drama social. Thriller Duración: 95 min. Tráiler: Link Elección de Kosti Bgy
¿De qué va?: Una niña de 11 años salta al vacío. Todo para indicar que la pequeña se ha suicidado. El fallecimiento tendrá unas consecuencias terribles para sus más allegados.


CRÍTICA RONNIE VALENCIA: Un drama doméstico que tiene su fuerte en la dirección "novel" de Avranas y en un guión recio que se encarga de diseccionar la aparente tranquilidad y normalidad de una familia sumida en un ambiente claustrofóbico. La cinta tiene un inicio sublime que irrumpe sin preámbulo alguno en la historia y pone la trama en el punto en el que es necesario ir despojando capa a capa la incertidumbre que se plantea. Un cuestionamiento social que pone el foco en nuestras propias perversidades y barbaridades, incluso aquellas que inconscientemente nos esforzamos en negar. La trama es molesta y enfermiza, merecedora del León de Plata en el Festival de Venecia de su año. La crudeza y frialdad del metraje le da el impacto necesario para conseguir algún efecto en el morbo del público. Todo esto que les digo, claro está, visto por alguien a quien la cinta le ha gustado, pero si por el contrario el cine efectista y lento como nubes de mayo no es de vuestro agrado, creo que Miss Violence no será la escapada perfecta para una tarde de películas, ni con la pareja ni mucho menos a solas. A mí me ha parecido excepcional.



CRÍTICA MAYRA MEZA: Pensaba que la escena de la decisión final de Tommen Baratheon en Juego de tronos era un momento muy bien realizado que pillaba por sorpresa al espectador... eso, hasta que vi Miss Violence. Sus primeros minutos hacen que formule en mi cabeza esta pregunta: ¿qué lleva a una persona que aparentemente está bien a suicidarse? Y si bien el desarrollo del metraje no contesta mi pregunta, ni se adentra demasiado en el tema del suicidio, sí explica lo sucedido al personaje del film. Una historia psicológicamente violenta, a ratos la violencia también es física, aunque la mayor parte del tiempo todo ocurre a "puerta cerrada" y el espectador sólo debe intuir. Un reconocido crítico de cine, cuando reseñó esta película, dijo que no tenía ni el cuerpo ni el espíritu para ser testigo de una sordidez tan excesiva. Puede que sea una obra de sordidez excesiva, pero de vez en cuando el cine es salir de nuestra "zona de confort" y ver todo eso que nos resulta reprochable y que a veces pensamos que no existe, pero que de alguna manera puede ser la realidad de cualquier rincón del mundo. Miss Violence es la descarnada historia de una familia que guarda en silencio un dolor que corroe y al que se han acostumbrado algunos, pero del que otros intentarán escapar a su manera. ★★★½

martes, 9 de agosto de 2016

CRÍTICA | ENAMORADA, de Emilio Fernández


ENAMORADA, de Emilio Fernández
Premio Ariel a la mejor película
México, 1946. Dirección: Emilio Fernández Guión: Emilio Fernández, Íñigo de Martino y Benito Alazraki Fotografía: Gabriel Figueroa Música: Eduardo Hernández Reparto: María Félix, Pedro Armendáriz, Fernando Fernández, José Morcillo, Miguel Inclán, Eduardo Arozamena, Manuel Dondé, Eugenio Rossi, Norma Hill, Juan García Género: Drama romántico Duración: 90 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Coincidiendo con el avance de las tropas zapatistas en México, una mujer rica y un revolucionario se enamoran, un hecho que pone en jaque a todo su entorno.


CRÍTICA RONNIE VALENCIA: Hablar de Enamorada es hablar de una de las cintas más icónicas y sagradas del cine nacional mexicano, gran pilar de la Época Dorada del Cine Nacional, dirigida por uno de los realizadores más representativos del panorama mundial (Fernández) y con dos de las más grandes estrellas que hemos visto brillar en el firmamento (Armendáriz y Félix). Ganadora del Ariel de Oro a la Mejor Película en 1946, además de los de sonido, actor, actriz, argumento original fotografía para el Maestro Gabriel Figueroa y edición, fue nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes en 1947. La historia narra las hazañas de las tropas zapatistas del General José Juan Reyes (Pedro Armendáriz) y la toma de la ciudad de Cholula en Puebla, al centro de México. Es un melodrama de pasiones intensas mezclado con comedia de enredos, el General Reyes se enamora de Beatriz Peñafiel (María Félix, con ese par de hermosos ojos y el semblante de la Félix era inevitable enamorarse) hija del hombre más acaudalado de Cholula y a quien debe confiscar sus bienes en pro de la causa caudillista. Como dato curioso, tras el éxito obtenido con Enamorada, Fernández tendría la oportunidad de dirigir la versión gringa de la época contando de nuevo en el protagónico con Armendáriz y sustituyendo a la Félix por Paulette Goddard, la esposa de Charlie Chaplin: la cinta se tituló The Torch, y el mérito del “remake” fue la nueva oportunidad de grabación en el mismo municipio de Cholula. ★★★★½


CRÍTICA MAYRA MEZA: María Félix y Pedro Armendáriz, dos habituales en la filmografía de Emilio Fernández y en la época de oro del cine mexicano, protagonizan este film que habla del amor en tiempos de revolución. Enamorada es la historia de un revolucionario, José Juan Reyes (Pedro Armendáriz), que en medio del conflicto conoce a Beatriz, una joven de la que se enamora perdidamente pero que no le corresponde: he ahí el conflicto mayor de este film que de alguna manera contiene un trasfondo histórico en cuanto a la revolución mexicana. La trama se desarrolla entre el drama (no tanto como se esperaría) y el romance, con algunos momentos cómicos muy "made in México". Si bien la historia es sencilla, las interpretaciones son destacables, especialmente el personaje de Beatriz que interpreta María Félix, el cual tiene un carácter impetuoso y desafiante, aunque tal vez termina opacado por un final demasiado complaciente que deja salir el lado machista de aquello época. Muy bonita la escena de "la malagueña". ★★★

CRÍTICA | THE TEMPTATION OF ST. TONY, de Veiko Õunpuu



THE TEMPTATION OF ST. TONY, de Veiko Õunpuu
Mejor película del Festival REC de Tarragona. Nominación al EFA al mejor diseño de producción
Estonia, 2009. Dirección y guión: Veiko Õunpuu Música: Ülo Krigul Fotografía: Mart Taniel Reparto: Taavi Eelmaa, Ravshana Kurkova, Tiina Tauraite, Sten Ljunggren, Denis Lavant, Hendrik Toompere Jr., Katariina Lauk, Rain Tolk, Harri Kõrvits, Taavi Teplenkov, Marika Barabanstsikova Género: Drama experimental Duración: 110 min. Tráiler: Link Elección de Xavier Vidal
¿De qué va?: Un ejecutivo vaga por unos paisajes surrealistas. Sólo y siempre con el mismo atuendo, el hombre empezará a perder la noción de la realidad.


CRÍTICA MAYRA MEZA: Termino el visionado de The Temptation of St. Tony y me doy cuenta que no entendí mucho; vamos, mejor dicho, casi nada, y sin embargo me ha gustado. Estamos ante un guión surrealista, onírico y muy singular (hablando de esta última década), que me recuerda al cine de Tarkovski, pero menos lento y filosófico, aunque también en blanco y negro y con ciertas referencias religiosas. En The Temptation of St. Tony contemplamos la vida de Tony, un hombre bien trajeado y de carro lujoso a quien no le importa meterse en el fango, y que al parecer tiene ciertos dilemas existenciales. Un personaje que carece de muchos diálogos pero que logra miradas, gestos y acciones que hacen de él un individuo interesante. Puede que la película carezca de una historia en formato convencional, pero eso no quiere decir que estemos ante una mala película, cada escena a lo largo del metraje es lo suficientemente interesante como para mantener al espectador atento a su desenlace. Como diría Tony: “Una buena obra, de esas que te hacen pensar.” ★★★½


CRÍTICA ISIDRO MOLINA: Los diferentes episodios en los que el demonio tentó a San Antonio en el desierto han sido objeto iconográfico en todas las artes desde la Edad Media. Ahí están las pinturas de El Bosco o Dalí. Y completamente sui generis también ha llegado al cine de la mano de este director estonio de nombre raro que rebautiza al santo como tu cuñado: Toni. The Temptation of St. Tony, película inédita en España, es la paranoia de un señor que ni él sabe lo que cuenta ni para qué, pero que tiene el suficiente poder de fascinación como para mantenerte atento todo el metraje. Entre sus fotogramas de curas viejos andando por las paredes y cristos decapitados me vienen flashes al cine de un buen puñado de cineastas europeos, ninguno de ellos estonio: encuentro ramalazos del esperpento de Kusturika, de Von Trier, del Andersson de las dos eses, de Tarkovski, del Bergman de El séptimo sello... y cuando estoy pensando que también de Carax, aparece Dénis Lavant, que siempre me da miedo. Quizá encuentro aquí más lo que me desespera de toda esta macedonia de directores que lo que me apasiona de ellos, pero aún así el visionado es siempre interesante. Y al final, con todo este potaje en blanco y negro, acabamos descubriendo a un nuevo autor. El estonio del nombre raro, Veiko Ôunpuu, que ya podría llamarse Antonio. Le seguiremos la pista.


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lunes, 8 de agosto de 2016

CRÍTICA | EXÓTICA, de Atom Egoyan


EXÓTICA (EXOTICA), de Atom Egoyan
Premio FIPRESCI del Festival de Cannes. Espiga de Plata del Festival de Valladolid
Canadá, 1994. Dirección y guión: Atom Egoyan Fotografía: Paul Sarossy Música: Mychael Danna Reparto: Mia Kirshner, Bruce Greenwood, Elias Koteas, Arsinée Khanjian, Don McKellar, Victor Garber, David Hemblen, Sarah Polley Género: Drama. Thriller Duración: 105 min. Tráiler: Link Elección de Pedro Bernadas
¿De qué va?: Un inspector de Hacienda con un pasado turbulento, un homosexual que regenta una tienda de animales, una adolescente que finge tocar el piano en casa de su tío, un disc-jockey enamorado de una compañera de trabajo y la bailarina más sensual de Exótica, un club nocturno muy particular, se dan cita en una historia de rarezas e intimidades.


CRÍTICA MAYRA MEZA: Exótica es una cinta que se desarrolla en una atmósfera turbia de obsesiones con lo que no fue y con lo que ya no será. Historias entrecruzadas de personajes que sufren cada uno a su manera, y otros que sólo son espectadores de tragedias. La cinta juega con los tiempos, nos sitúa en el presente de los personajes pero por momentos nos lleva a indagar en su pasado a través de flashbacks. Exótica es un drama sobre la vida, sobre el amor, sobre el dolor, sobre las incertidumbres propias de nuestra existencia. Egoyan nos relata la historia de sus enigmáticos y lúgubres personajes a cuentagotas, es pausado moviendo los hilos de la trama, nos hace especular y después nos muestra apenas lo necesario para medio entender lo que estamos viendo, una historia sencilla pero que mientras se desarrolla te sumerge en su singular encanto, aunque al terminar te deja la sensación de que nos dieron un puzzle interesante al que le faltaban piezas, o puede que sea lo contrario. De cualquier manera, es una obra muy interesante. ★★


CRÍTICA RONNIE VALENCIA: Egoyan dirige esta pelicula que el paso del tiempo ha convertido en clásico de culto, recurriendo a su destreza para proyectar las amargas consecuencias de la tristeza, la frustración y la muerte en un cine sutil y elegante. Los elementos de Exótica toman valor y forma más allá de sus representaciones, el menudo bar de "nudistas" se convierte en un templo de incitaciones ladinas que nos seducen y excitan con su labia pecadora y morbosa. Especial atención merecen las contorsiones de Mia Kirshner, que forjan una de las secuencias de mayor tensión sexual del cine de los 90. La relación de los proagonistas no se estanca en el razonamiento común como el voyeurismo o la neurosis, sino que trasciende un pacto de empatia que no necesita grandes adornos para darse a entender. Una cinta profunda y cautivadora, sin olvidar su contenido altamente sensual. ★★★


CRÍTICA XAVIER VIDAL: Diferentes personajes se reúnen alrededor de Exótica, un particular club de striptease. Todos los protagonistas esconden un pasado turbulento y actúan movidos por el deseo y la obsesión. Atom Egoyan filma el devenir de sus criaturas con mucho tacto, dejando a la superficie todas las taras y las extravagancias de cada personaje. El resultado de ese ejercicio de estilo es una película cubierta por un velo invisible de extrañeza. Mientras la visionas, Egoyan te desorienta y te atrapa con la precisión de una araña que teje una tupida tela a tus espaldas. Exótica es una de esas películas que te llevan a un estado de ánimo, que te invitan a transitar un espacio entre la pesadilla y la duermevela. A ratos me pregunto qué estoy viendo, pero no puedo sacar los ojos de la pantalla. Tras un primer visionado, reconozco que Exótica me intriga, por momentos me provoca rechazo y en otras me seduce. La considero estrambótica, incluso rocambolesca y un poco burda, pero no me cabe la menor duda que su recuerdo perdurará en mi durante largo tiempo. Escribo esto veinticuatro horas después de descubrirla, como el que despierta de una siesta muy larga y profunda, con un dolor de cabeza terrible y al mismo tiempo con una lucidez extraordinaria. Eso es lo que te produce Exótica, una historia que te altera sin saber muy bien cómo ni por qué. Egoyan firma aquí su gran título de culto, si bien su obra maestra siempre será El dulce porvenir. Puede que os disguste enormemente, pero no dejéis de verla. ★★★

CRÍTICA | ZELIG, de Woody Allen


ZELIG, de Woody Allen
5 nominaciones al Bafta y 2 candidaturas a los Óscar y Globo de oro
EE. UU., 1983. Dirección y guión: Woody Allen Música: Dick Hyman Fotografía: Gordon Willis Reparto: Woody Allen, Mia Farrow, Gale Hansen, Stephanie Farrow, Garrett Brown, Mary Louise Wilson, Sol Lomita, John Rothman, Susan Sontag Género: Comedia. Falso documental Duración: 75 min. Tráiler: Link Elección de Isidro Molina
¿De qué va?: Leonard Zelig salta a la fama por sus sorprendentes habilidades. Bautizado como "el hombre camaleón", una psicóloga y un grupo de expertos investigan las características físicas y psíquicas del hombre, a la vez que somos partícipes de los eventos más importantes de su vida y de la historia reciente de los Estados Unidos.


CRÍTICA XAVIER: Antes de que las series de televisión y el found footage lo eclipsaran todo, acercarse al falso documental en el cine significaba hablar de Zelig de Woody Allen y Fraude de Orson Wells. Nadie le quita a Allen la ruptura que supuso en su día aquella recreación de la vida de Leonard Zelig, así como los cambios narrativos y formales que abrió en el cine ochentero. La cuestión es que nací en el 1990 y visiono ahora Zelig con demasiados referentes en mente. A veces quien escribe debe asumir que, por influencias externas, no puede valorar en su justa medida una obra pretérita, y eso es precisamente lo que me sucede con Zelig. Porque, con ojos de cinéfilo que se pasó media adolescencia visionando las obras del Dogma 95, el film de Allen me parece poco más que un juego, una provocación muy medida, un experimento austero que no acaba de explorar todo su potencial. Le falta mala leche y espíritu crítico. Reconozco el sello de Allen, pero en una versión más rebajada, menos intensa, demasiado estrambótica. Y ya que hablamos de comedia, lo que sigue es decisivo: no me reí en ninguno de los 75 minutos de Zelig. Seguro que el problema lo tengo yo y no el bueno de Woody. Si hay que mojarse, la sitúo muy por debajo de las grandes obras de su director. La filmografía del neoyorkino es tan abultada que las preferencias de cada uno son la mar de diferentes. Firmado: un disidente-simpatizante.


CRÍTICA MAYRA MEZA: Woody Allen hace gala de su ingenio y creatividad y desarrolla a través del curioso formato de falso documental la historia del que es tal vez uno de los personajes más singulares de su filmografía. Leonard Zelig es un hombre que, para agradar a los demás o encajar en la sociedad, cambia su actitud e incluso su físico de manera camaleónica, adaptándose a su entorno. Estamos ante una sutil comedia que, a su manera, habla sobre tener identidad propia, sobre decir lo que pensamos, respetar los gustos de los demás y aceptar los nuestros, después de todo y como diría cierta frase por ahí: "No debe gustarte algo sólo porque otros te dicen que debe gustarte". Por esa misma razón, admito que Zelig no entra en mi lista de films favoritos de Allen. No me hizo reír como en su día lo hizo Scoop, ni me ha fascinado como en su momento me fascinó Match Point, pero aún así, reconozco que es una obra interesante.


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domingo, 7 de agosto de 2016

CRÍTICA | COMPLIANCE, de Craig Zobel


COMPLIANCE, de Craig Zobel
National Board of Review y nominación al Critics Choice e Independent Spirit Award a la mejor actriz secundaria
EE. UU., 2012. Dirección y guión: Craig Zobel Fotografía: Adam Stone Música: Heather McIntosh Reparto: Dreama Walker, Ann Dowd, Pat Healy, Bill Camp, Philip Ettinger, James McCaffrey, Ashlie Atkinson, Ralph Rodriguez, Stephen Payne Género: Terror. Thriller psicológico Duración: 90 min. Tráiler: Link Elección de Marcos Curto
¿De qué va?: Una adolescente que trabaja en un restaurante de comida rápida es sospechosa de haber sustraído dinero a un cliente. La sombra de la sospecha se cierne sobre ella cuando una llamada telefónica la acusa de hechos más graves. 


CRÍTICA SHAORAN NOX: Cuando notamos en pantalla la leyenda “basada en hechos reales”, lo primero que se nos viene a la mente es una historia de superación personal, de esas que nos sacan alguna lágrima y nos dejan una moraleja, como si fueran un cuento de hadas. Sin embargo, Compliance está muy lejos de ser una lección de vida. La ciencia dice que hace más de 100 millones de años apareció el ser humano en la tierra, y que una serie de accidentes nos ha hecho evolucionar hasta convertirnos en lo que somos ahora. Por lo general, creeríamos que evolucionar siempre es para bien, pero en algún momento del camino la naturaleza pierde el toque y crea engendros que hablan, visten y caminan como una persona normal, pero su mente está tan retorcida que parece difícil de creer el nivel de perversiones y de ideas que se le pueden llegar a ocurrir al ser humano. ¿Qué ganarías con llamar a un restaurante de comida rápida haciéndote pasar por policía para acusar a una adolescente, de esas que hay miles en el mundo con un trabajo de medio tiempo, para someterla a un abuso sexual? No lo puedes ver, no lo vives, sólo lo escuchas por teléfono y, sin embargo, te diviertes, gastas dinero y tiempo en humillar a alguien que ni siquiera conoces. Suena tan feo como lo es y Compliance, dirigida por Craig Zobel, cuenta esta historia de una manera honesta, limpia pero brutal, de algo que ni siquiera fue idea de una sola persona, sino que se repitió más de una vez, como si la idea fuera tan divertida como para repetirla más de una vez. Un guión simple, en un pequeño restaurante de comida rápida, con actuaciones honestas. Un filme de apenas 90 minutos que se convierte en algo difícil de digerir, demostrando que a veces lo menos es más. ★★★½


CRÍTICA MAYRA MEZA: Hablar de Compliance me resulta difícil porque, como película de ficción, no me la creo, y como película basada en un hecho real, tampoco. Lo que me hace llegar a la conclusión de que tal vez esta película no sea apta para quienes vamos por la vida siendo demasiado desconfiados... digo esto porque básicamente me cuestiono todas las acciones de los personajes y me pregunto: ¿cómo es que obedecen todo sin rechistar? Es entonces cuando la historia se vuelve poco creíble para mí, aun cuando conozco que se trata de un film basado en hechos reales. Como película en sí, es un thriller ejecutado hábilmente a pesar de tener pocos escenarios, tiene unas interpretaciones correctas y durante la primera media hora entretiene y hasta promete, pero conforme avanza la trama y vemos a los personajes obedecer cual 'Simón dice' sin cuestionar demasiado cada palabra que sale de la voz de un teléfono, el film pierde fuerza. Al final el problema tal vez radica en que hay realidades más cuestionables y difíciles de creer que la ficción. ★★½



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sábado, 6 de agosto de 2016

CRÍTICA | LA CAZA, de Carlos Saura


LA CAZA, de Carlos Saura
Oso de Plata del Festival de Berlín. Premio CEC a la mejor película
España, 1966. Dirección: Carlos Saura Guión: Carlos Saura y Angelino Fons Fotografía: Luis Cuadrado Música: Luis de Pablo Reparto: Ismael Merlo, Alfredo Mayo, José María Prada, Emilio Gutiérrez Caba, Violeta García, Fernando Sánchez Polack, Violeta García, María Sánchez Aroca Género: Drama Duración: 90 min. Tráiler: Link Elección de Alberto Tovar
¿De qué va?: Tres hombres van de caza a un coto que fue escenario de la reciente Guerra Civil. Aunque la jornada se avecina tranquila, pronto saldrán a la superficie viejas rencillas.


CRÍTICA RONNIE VALENCIA: Tercer largometraje en la carrera de Saura, que se convirtió con el paso del tiempo en un clásico del cine español y que recibió el Oso de Plata a la mejor dirección del Festival de Berlín de 1966. Destaca por sobre todas sus cualidades las interpretaciones de Alfredo Mayo, Ismael Merlo, José María Prada y Emilio Gutiérrez Caba, quienes se juntan para cazar conejos entre cuerpos sudorosos y rostros mal encarados, en un sitio en el que alguna vez hubo combates durante la Guerra Civil. La caza es considerada una metáfora de la Guerra Civil debido a la dura crítica que hace a la sociedad adicta al franquismo, raíces tan profundas que generan una tensión que se desarrolla a medida que el largometraje avanza entre la convivencia, saliendo a la luz esas rencillas y tensiones que culminan en un trágico desenlace que resulta impactante. Saura juega con elementos técnicos como enfoques abiertos, narraciones con voz en off o planos detalle muy específicos, que son particularmente novedosos para la época en la que se filmó esta película, dotándola de un aspecto parecido al cine experimental pero que no altera su estructura convencional. Más allá de todo, el mayor mérito del realizador es haber completado una producción de tal magnitud como lo es La caza, aquellos años en la madre patria. ★★★★


CRÍTICA MAYRA MEZA: Más allá del contexto político o histórico que se pueda entender en el argumento de La caza, estamos ante una obra que puede ser vista desde diferentes perspectivas y que puede convertirse en una grata experiencia para cualquier espectador. Con fotografía en blanco y negro asistimos al caluroso reencuentro de viejos amigos, una cita en la que se dan cuenta que ya no son lo que eran. La historia en cierta forma respira tensión y violencia, en primera instancia hacia los animales y luego hacia las personas, la irracionalidad a la que llegan estos personajes (que podría ocurrir a cualquiera) aflora en cada dialogo y escena de este film que, no sé explicar muy bien el por qué pero me ha gustado. La historia es interesante y muy bien desarrollada y además me resultó muy curioso cómo por momentos los personajes hablan mirando a la cámara como dirigiéndose al espectador, y también esos momentos donde quedan al descubierto sus pensamientos usando voz en off. A simple vista podría parecer que esta película no guarda trascendencia, pero esos personajes que deciden ir a cazar conejos en un lugar que fue escenario de la Guerra Civil, sin darse cuenta están librando una ‘guerra’ interior que terminará exteriorizándose entre ellos, y dando pie a una confrontación con un final muy destacable. Una película que realmente merece la pena ser visionada. ★★★½

CRÍTICA | LAS CANCIONES DEL AMOR (LES CHANSONS D'AMOUR), de Christophe Honoré


LAS CANCIONES DEL AMOR (LES CHANSONS D'AMOUR), de Christophe Honoré
Sección oficial del Festival de Cannes 2007. Premio César a la mejor banda sonora original
Francia, 2007. Dirección y guión: Christophe Honoré Fotografía: Rémy Chevrin Música: Alex Beaupain Reparto: Louis Garrel, Ludivine Sagnier, Clothilde Hesme, Chiara Mastroianni, Brigitte Roüan, Jean-Marie Winling, Alice Butaud, Yannick Renier, Grégoire Leprince-Ringuet, Annabelle Hettmann, Esteban Carvajal Género: Drama musical Duración: 100 min. Tráiler: Link Elección de Rafael Mejía
¿De qué va?: Tres amantes en París se encuentran, se desencuentran... y mientras, cantan sus alegrías y sus penas.


CRÍTICA DANIEL BERMEO: Hay cierta belleza que se esconde entre la fascinante música y las poéticas imágenes que se cuecen en el transcurso de los minutos de Las canciones del amor. Un halo místico e irresistible nos hace partícipes de este grupo de seres humanos, tan naturales como cualquiera; tan soñadores como todos; tan humanos que se equivocan y vuelven a empezar. El film va de amor, sí, pero de un amor nacido en la más irónica razón donde lo único capaz de florecer son los sentimientos y emociones de cada uno de sus personajes, y todo esto acompañado de un selecto manjar de canciones que acompasan todo a su alrededor, de una forma muy equilibrada que da gusto. Y en medio de toda esa melancolía que despierta cada pasaje, cada lugar, cada momento, se exhibe el candor y la magia del amor, que en medio de las cenizas de lo perecible renace con fuerza en los corazones que no se rinden. Honoré (el director) se sienta a observar y ver cómo su mano dibuja uno de los mejores homenajes al amor, creado en las noches más bohemias y nostálgicas del siempre solemne París. ★★★★


CRÍTICA RONNIE VALENCIA: Una ópera casual en donde los personajes cantan y exponen sus sentimientos a través de un repertorio musical, que resulta ser lo más memorable de la cinta. Las canciones del amor son canciones de amores espontáneos, melancólicos, frondosos y potentes en los que abundan las ausencias, el vacío y la desesperación; opuestos que reinan el espacio transitorio justo cuando las dudas y el desconcierto se hacen fuertes. Louis Garrel y Ludivine Sagnier son una pareja que se quiere, pero que están entrando en una etapa de experimentación, ya que el primero introduce una mujer a sus vidas, Clotilde Hesme, para armar un trío. Relaciones complejas que suelen presentar más debilidades que fortalezas, un triángulo amoroso que termina en tragedia pura. A los tres actores se les da la oportunidad de poder desenvolverse, evolucionar y resolver sus caminos. El libreto inteligentemente explora la humanidad a través de estos personajes y el medio que les rodea con una crudeza que molesta al espectador por el planteamiento que propone. Y atentos al personaje de Chiara Mastroiani, un papel secundario con mucho jugo. En el ámbito técnico tenemos una banda sonora excepcional que acompaña una fotografía bien trabajada. Las imágenes de Paris bajo la lluvia hacen que su visionado valga la pena.½ 


CRÍTICA MAYRA MEZA: Las canciones del amor es un musical bohemio ambientado en un París contemporáneo y liberal, donde las relaciones homosexuales al igual que las heterosexuales surgen sin ningún prejuicio, donde hacer un trio es la cosa más natural, y donde todo surge sin demasiado conflicto. Una historia de amor y de pedida que, siendo sincera, no llega a conmoverme ni a emocionarme ni un ápice. Las canciones y escenas funcionarían muy bien si se trataran de videoclips musicales, pero como película siento que no termino de conocer a los personajes, y eso no me deja empatizar con ellos. Además, me parece una historia con personajes de apariencia adulta pero de fondo inmaduro cuyo desarrollo resulta demasiado superficial y poco interesante. Una historia sencilla donde sus personajes parecen sufrir ante la pérdida y el desamor, pero en la que todo resulta muy frívolo. Como dice aquel refrán: "mucho ruido y pocas nueces", canciones y coreografías muy bien dirigidas, pero el resultado final es una historia edulcorada y vacía. ★★

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viernes, 5 de agosto de 2016

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2016 | PALMARÉS (II)

Tras desvelar los primeros ganadores, el Cinoscar Summer Festival 2016 da a conocer todos los premios de la sección Trabajos Noveles. Desde el certamen queremos felicitar y agradecer a los 21 realizadores que han concurrido con uno de sus trabajos: desde este blog les deseamos la máxima de las suertes. El jurado formado por Andrés Borja, Mayra Meza, Guillermo Navarro y Xavier Vidal, tras anunciar sus nominaciones, ha decidido conceder los siguientes galardones:

MEJOR CONTRIBUCIÓN TÉCNICA


MEJOR CONTRIBUCIÓN MUSICAL


MEJOR CARTEL


MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA


MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA


MEJOR REPARTO


MEJOR GUIÓN


MEJOR TRABAJO NOVEL - CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2016


La breve historia: Mentiras, de Inés Pintor y Pablo Santidrián gana el Premio del jurado al mejor trabajo novel del Cinoscar Summer Festival 2016. A su vez, el jurado ha decidido conceder una mención especial al mejor trabajo novel a las 3 obras nominadas en la categoría de Mejor Trabajo Novel: nos referimos a Director's Cut, de Pol González, Jueves por la tarde, de Diego Ulloa, y Bohemia, de Daniel Farriol. A su vez, el corto de Farriol ha sido el más premiado al recibir un total de 3 condecoraciones.


¡Felicidades a todos los ganadores! En breve recibiréis vuestra imagen acreditativa por mensaje privado.

El PALMARÉS de la sección TRABAJOS NOVELES queda de la siguiente manera:

Mejor trabajo novel: LA BREVE HISTORIA: MENTIRAS, de Inés Pintor y Pablo Santidrián
Menciones especiales: BOHEMIA, de Daniel Farriol; DIRECTOR'S CUT, de Pol Diggler; y JUEVES POR LA TARDE, de Diego Ulloa
Mejor guión: BOHEMIA, de Daniel Farriol
Mejor cartel: SUBLIMINAL, de Anaís Medina y Tony Navarro
Mejor reparto: DIRECTOR'S CUT, de Pol Diggler
Mejor interpretación masculina: Alejo Endara, por JUEVES POR LA TARDE
Mejor interpretación femenina: Ana Lidia Nucamendi, por NOSTALGIA
Mejor contribución técnica: NO MUERAS POSIBILIDAD, de José Miguel Portugués
Mejor contribución musical: BOHEMIA, de Daniel Farriol

La semana que viene conoceremos el PREMIO DEL PÚBLICO al MEJOR TRABAJO NOVEL, así como el palmarés al completo de la sección oficial. ¡Os esperamos!

miércoles, 3 de agosto de 2016

CRÍTICA | IT FOLLOWS, de David Robert Mitchell


IT FOLLOWS, de David Robert Mitchell
Sección oficial de Cannes (Semana de la crítica) y Sitges 2014. 3 nominaciones a los Independent Choice Awards
EE. UU., 2014. Dirección y guión: David Robert Mitchell Fotografía: Michael Gioulakis Música: Disasterpeace Reparto: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe, Linda Boston, Caitlin Burt, Heather Fairbanks, Aldante Foster, Ruby Harris, Christopher Hohman, Bailey Spry, Rich Vreeland Género: Suspense. Thriller psicológico Duración: 100 min. Tráiler: Link Elección de Anaís Medina
¿De qué va?: Tras mantener su primera relación sexual, Jay, una chica de 18 años, es perseguida por distintos espectros. Acosada de forma constante y al borde de la locura, Jay pedirá la ayuda de sus amigos para poner fin a su pesadilla.


CRÍTICA ERNESTO MILLÁN: It Follows es un film de terror alejado de la tónica habitual en la que se embarcan la mayoría de las películas del genero de los últimos años: no se vale solamente de sustos repentinos, sino de un terror que va “in crescendo” conforme avanza la historia; no de una realización embrollada, sino de un elegante dominio de la cámara; no de una utilización casi “pornográfica” de la sangre, sino de la contención como su recurso más importante. El susto en It Follows sugiere más de lo que muestra: la paranoia de sus protagonistas, con los que tarde o temprano se empatiza, es la base principal del terror, un terror hacia lo desconocido, hacia lo impalpable. A la par de estas virtudes en su realización, la película cuenta con personalidad (¿propia?) gracias a su atmosférica banda sonora y a su impecable fotografía. Queda decir que probablemente It Follows deje un punto y aparte en la realización de films de terror, en la industria de terror indie estadounidense de los próximos años. Sin embargo he de decir que me ha parecido algo falta de cohesión en sus momentos finales, y que perdía fuerza en sus momentos finales. ¿Pero me ha gustado? Más de lo que esperaba. ¿Como para revisionarla? Por supuesto. ½

CRÍTICA ISIDRO MOLINA: Durante un tiempo he sido una persona muy maniática, al borde del "toc", con bastantes paranoias rondándome por la cabeza. Desde que tengo uso de razón un pensamiento que inconscientemente ha perturbado mi cerebro durante años era el siguiente: siempre que estaba encerrado en una habitación en la que nunca había estado, localizaba la entrada, ubicaba mi posición y la de las otras personas que estuvieran en la sala e intentaba adivinar en qué orden me tocaría morir si alguien repentinamente entrara por la puerta con una escopeta pegando tiros. Llevo unos cuantos meses que ese pensamiento me ha abandonado, y lo celebro, porque parece ser que ahora estoy menos loco. En It Follows se desarrolla una paranoia en la misma línea (que por suerte a mi mente atormentada nunca se le ocurrió): la impotencia de no poder deshacerte de un ser demoníaco que no deja de perseguirte. Y te persigue para hacerte, evidentemente, pupa, no solo porque sea un "pesao". Y no se puede negar que It Follows es un éxito, porque dentro de un género tan trillado sabe crear un argumento de horror que parece fresco, que plantea unas nuevas normas que rompe a su antojo y que consigue dar "canguelo" no por cuatro efectos de sonido cutres, sino gracias a una dirección elegante y modernita que crea tensión y sabe ser estéticamente guay. ¡Y qué banda sonora! Una pasada de película. Muy recomendable. ½


CRÍTICA MAYRA MEZA: Había leído muy buenos comentarios de It Follows. Prometía ser una propuesta muy singular en su género, y por tal razón habían posibilidades de que me gustara. Sí, ya saben que no soy muy fan del cine de terror. Sin embargo, esta película, sin encantarme, ha llegado a parecerme una propuesta muy original y bien ejecutada. It Follows nos traslada a un mundo de adolescentes donde varios de sus personajes serán perseguidos por un espectro que, se podría decir, se "transmite" por el contacto sexual, y que se manifiesta cual "zombie tortuga" persiguiendo a sus víctimas para acabar con ellos. Tanto la ejecución como las interpretaciones están muy correctas, además de una banda sonora que ayuda a crear esa atmósfera de miedo y tensión que engancha al espectador a lo largo del metraje. Desde la tailandesa Shutter que no veía una película de terror que captara mi atención y me agradara tanto. Sí, también se agradece que no sea una "peli" tan gore, lo confieso: no tengo estómago para eso. ½

Escucha la crítica de Cinoscar & Rarities AQUÍ

martes, 2 de agosto de 2016

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2016 | LOS TOPS DEL JURADO


TOP 10: Xavier Vidal

Tras varias ediciones marcadas por los grandes clásicos del séptimo arte, este CSF4 ha destacado por su selección de obras contemporáneas. Películas que han desbancado a nombres sagrados en las preferencias de jurado y público. El siguiente top es un reflejo de ello. También del gran nivel de las 45 cintas a concurso. ¡Gracias a todos por ofrecernos este festín de cine mayúsculo! Os esperamos en el Cinoscar Summer Festival 2017, dedicado al cine de la década de los 90.

1. La vida de Adèle
2. Secretos y mentiras
3. Pulp Fiction
4. Rompiendo las olas
5. Las horas
6. Annie Hall
7. Cadena perpetua
8. Cowboy de medianoche
9. Hacia rutas salvajes
10. Una nueva amiga


TOP 10: Isidro Molina

Por segundo año consecutivo he vuelto al CSF como miembro del jurado de la sección oficial. Mi objetivo en ambas ediciones fue el mismo: tener una excusa para recuperar esa afición de escribir sobre cine (o lo que yo entiendo por escribir sobre cine) y tener una excusa maravillosa para obligarme a ver ese otro cine que no estamos tan acostumbrados a ver. El CSF4 me ha permitido descubrir obras desconocidas, bucear más en las filmografía de algunos cineastas que todavía tengo algo verdes y rememorar algunas de las películas que más me han marcado en mi corta existencia cinéfila. Mi top 10 este año recoge más esto último, porque, chavales, no os habéis cortado un pelo, habéis seleccionado algunas de las películas más míticas de la historia del cine esta edición: Pulp Fiction y El club de la lucha son dos de mis películas favoritas de siempre, pero celebro especialmente esos descubrimientos inesperados que te regala el festival: Los idiotas, Hedwig and the angry inch o Harakiri. Ha sido un placer volver a formar parte del CSF.  

1. Pulp Fiction
2. El club de la lucha
3. Annie Hall
4. Secretos y mentiras
5. La vida de Adèle
6. Harakiri (Seppuku)
7. 12 hombres sin piedad
8. Chinatown
9. Los idiotas
10. Hedwig and the angry inch


Top 10: Ronnie Kruczynski

Terminamos la cuarta edición del Cinoscar Summer Festival con 45 películas a concurso que nos han hecho vivir historias tan dispares entre sí como interesantes en su propuesta. Ha sido un gran trabajo visionar y reseñar todas las películas, pero en lo que a mi concierne les aseguro que fue un gran placer poder formar parte de este gran viaje. Cinematografías de distintos puntos del planeta, visiones de realizadores consumados y propuestas nuevas que nos enseñan una cosa en particular: el cine es un arte en constante movimiento y con diversos medios de confección. En el festival hemos disfrutado de grandes títulos que siguen una estructura tradicional, aquellos que ya han sido consagrados en la industria con premios de la crítica y el reconocimiento del público en general. A su vez, hemos visionado propuestas más libres con producciones tan eclécticas y fascinantes que han supuesto en su momento puntos de quiebro en el razonamiento social de su época y su ausencia de convencionalismos. Al final recuerden que lo más importante del festival es seguir disfrutando del cine en todas sus vertientes y hacerlo sin prejuicios.

1. Las horas
2. Pulp Fiction
3. Network (Un mundo implacable)
4. Harakiri (Seppuku)
5. Cadena perpetua
6. Old Boy
7. Hedwig and the Angry Inch
8. Cabaret
9. La vida de Adèle
10. Vértigo (De entre los muertos)

lunes, 1 de agosto de 2016

CRÍTICA | CARTA A TRES ESPOSAS, de Joseph L. Mankiewicz


CARTA A TRES ESPOSAS, de Joseph L. Mankiewicz
Óscar al mejor director y mejor guión. DGA al mejor director
EE. UU., 1949. Dirección y guión: Joseph L. Mankiewicz Fotografía: Arthur Miller Música: Alfred Newman Reparto: Kirk Douglas, Ann Sothern, Linda Darnell, Paul Douglas, Jeffrey Lynn, Jeanne Crain, Florence Bates, Thelma Ritter, Celeste Holm Género: Drama Duración: 100 min. Tráiler: Link Elección de Atticus Cabiria
¿De qué va?: Tres mujeres reciben una extraña carta. Al unirse intentan descifrar el misterio de la misiva, a la vez que replantean sus relaciones de pareja.


CRÍTICA PEDRO BERNADAS: A partir de una historia de la revista Cosmopolitan. Joseph L.Manckiewicz desarrolla un guión que junto a la maestría que demuestra en la dirección de actores le valdrá sendos Oscars en la ceremonia de entrega realizada en 1950 (galardones que volvería a repetir con ‘Eva al desnudo’). La carta del título escrita (-y leída en voz en off-) será la excusa para mostrarnos la relación de tres parejas amigas, en una ciudad provinciana con ínfulas de gran ciudad. Destacan por encima de todo los papeles femeninos: las 3 esposas, Deborah Bishop (Jeanne Crain), mujer acomplejada al sentirse inferior al círculo de su marido (es la única ajena a él), Rita Phipps (Ann Sothern), la mujer triunfadora, que escribe guiones radiofónicos y Lora Mae Hollingsway (Linda Darnell), una mujer que sabe lo que quiere y dispuesta a todo para lograrlo. 2 secundarias, una sirvienta que está presente en toda la película (la gran Thelma Ritter -curiosamente sin acreditar-) y la jefa de Rita, la clásica mujer provinciana anodina que ha conseguido un status en base a no se sabe muy bien qué. Pero planeando está la figura de Addie Ross, amiga de los 3 hombres (la voz en off que nos acompañará matizando todo el film -Celeste Holm-) y su misteriosa carta, la cual hará replantearse a las esposas sus relaciones de pareja. Los personajes masculinos, muy bien trazados con sólo 4 líneas, acompañan la trama como pieza esencial: la de maridos. Un joven Kirk Douglas es George Phipps, es un intelectual, profesor de instituto, que valora lo importante de la vida, y al cuál no le importa que su mujer Rita gané más que él. Se ve la simpatía en el trato de Mankiewicz a este personaje. Porter Hollingsway (Paul Douglas) es el marido de Lorna Mae, además de su jefe previo a la boda, bastante mayor que ella y Brad Bishop (Jeffrey Lynn), es el marido de Deborah; se conocieron en el ejército y es el introductor de la misma al círculo provinciano. Es rico y alegre lo que explica los sentimientos de inferioridad de su mujer. ★★★½


CRÍTICA MAYRA MEZA: Carta a tres esposas tiene un guion muy bien pensado y estructurado, cómico con algún toque dramático un relato muy disfrutable entretenido e interesante. Sin duda lo más aplaudible es el logro de que uno de los personajes más importantes de la trama, nunca aparece realmente en pantalla, la Addey Ross de Mankiewicz es una especie de Rebeca de Hitchcock, un personaje podríamos decir omnipresente, que nunca se muestra físicamente pero sin el cual la película no tendría ningún motivo ni razón de ser. El film a través de una voz en off (la voz de Addey Ross) nos introduce a la vida de esas tres amigas, cada una de ellas en matrimonios tan singulares que encierran cada uno sus propios altibajos, matrimonios que ante la amenaza invisible de una 'perfecta' Addey Ross, se ven sumergidos en intensas dudas e inseguridades que crearan conflictos internos en sus personajes dando paso al desarrollo de una historia interesante muy bien contada y sobre todo bien interpretada. Una película como solo en antaño se solían hacer, simplemente fantástica, aunque claro, de Mankiewicz sigo prefiriendo Eva al desnudo. ★★★½