GOYAS 4: EL SUEÑO DEL MONO LOCO (1989)

Título: EL SUEÑO DEL MONO LOCO Director: Fernando Trueba Guión: Fernando Trueba, Manuel Matji y Menno Meyjes, a partir de la novela homónima de Christopher Frank Género: Thriller Duración: 100 min. Reparto: Jeff Goldblum, Miranda Richardson, Anemone, Liza Walker, Daniel Flet, Dexter Fletcher, Daniel Ceccaldi, Jerome Natali, Arielle Dombasle Producción: Iberoamericana Films Internacional, French Production, International Production, Sofica Valor Fecha de estreno: 24/01/1990 (estreno limitado en diciembre del 1989) Nota Filmaffinity: 5'6 Nota IMDB: 5'6 Nota blog: DVD: Warner Bros Video Tráiler: Link


Sinopsis: Dan Gillis es un guionista inglés que vive en París. Tiene un hijo pequeño y su mujer acaba de dejarle. Cuando menos se lo espera, le propondrán escribir el guión de la ópera prima de un joven y extrañísimo director cuyo primer cortometraje, una pieza experimental en blanco y negro protagonizada por la hermana del realizador, ganó bastantes premios. Dan descubrirá que el chico esconde algo. Mientras, se centra en la escritura del libreto. Su título: El sueño del mono loco. 6 premios Goya / 11 nominaciones

Sus competidoras:
El mar y el tiempo, de Fernando Fernán-Gómez 2/10
El niño de la luna, de Agustí Villaronga 3/10
Esquilache, de Josefina Molina 2/12
Montoyas y Tarantos, de Vicente Escrivá 2/7

Nos representaba al Oscar: Montoyas y Tarantos (no obtuvo nominación)

Edición IV de los Premios Anuales de la Academia de las Artes
y las Ciencias Cinematográficas de España
Gala: 10 de marzo de 1990, Palacio de Congresos de Madrid
Maestros de ceremonias: Carmen Maura y Andrés Pajares
Presidente de la Academia: Antonio Giménez-Rico

PALMARÉS:
Película: EL SUEÑO DEL MONO LOCO
Director: Fernando Trueba, por EL SUEÑO DEL MONO LOCO
Actor protagonista: Jorge Sanz, por SI TE DICEN QUE CAÍ
Actriz protagonista: Rafaela Aparicio, por EL MAR Y EL TIEMPO
Actor reparto: Adolfo Marsillach, por ESQUILACHE
Actriz reparto: María Asquerino, por EL MAR Y EL TIEMPO
Director novel: Ana Díez, por ANDER Y YUL
Guión original: Agustín Vilallonga, por EL NIÑO Y LA LUNA
Guión adaptado: Fernando Trueba, Manuel Matji y Menno Meyjes, por
EL SUEÑO DEL MONO LOCO
Música original: Paco de Lucía, por MONTOYAS Y TARANTOS
Película animada: LOS CUATRO MÚSICOS DE BREMEN
Película hispanoamericana: LA BELLA DEL ALHAMBRA (Cuba)
Goya de honor: VICTORIANO LÓPEZ GARCÍA

LA EXTRAÑA GANADORA

Pocos recuerdan El sueño del mono loco, la película más extraña de Fernando Trueba y que el director catalogó en su momento como 'su película más personal'. La estrategia, por segundo año consecutivo, de tener 5 nominadas en cada categoría tuvo sus frutos: las 5 elegidas tenían un buen puñado de nominaciones y al final nadie se fue a casa de vacío (hubo empate en la categoría de 'actor de reparto' y figuraban 6 candidatos). Trueba había pisado el Festival de Venecia con la película, aprovechando la tirada comercial de Jeff Goldblum y la renovada atención que suscitaba el cine español tras la experiencia veneciana un año atrás de Mujeres al borde de un ataque de nervios. Trueba abandonaba la comedia, a la que luego volvería con Belle Époque y La niña de tus ojos, después de sus Ópera prima, Sé infiel y no mires con quien y El año de las luces. 'Muchas gracias por la vergüenza que me estáis haciendo pasar esta noche', dijo, sin saber que volvería a ganar el cabezón muchas veces más. Fue la primera triunfadora hablada en inglés, con actores no españoles y no rodada en España. Compitió en San Sebastián, al igual que su competidora en los Goya Si te dicen que caí (nuevo descalabro de Aranda en los premios). Y para asegurar su presencia en los Goya, la película tuvo que estrenarse a mediados de diciembre en Salamanca, aunque su estreno oficial no fue hasta enero del 1990.

SUEÑOS Y RECUERDOS

Con el tiempo, parece que El sueño del mono loco ha envejecido de forma prematura. Es una película demasiado críptica, incluso pesada. No es de extrañar, por eso, que de ese año recordemos el momento cómico de Martes y 13, el beso de Andrés Pajares en las tetas (!) de Loles León o la reconciliación entre Maura y Almodóvar (Maura, copresentadora de la gala, se quedó sorprendida cuando Almodóvar, al presentar un premio, mostró un trozo del recién caído Muro de Berlín para, según él, 'destruir el muro que hay entre nosotros'). Y ahora, veinte años después, se recuerdan más títulos como Demasiado viejo para morir joven (ópera prima de Isabel Coixet), Amanece que no es poco (nominada a 3 premios) o Bajarse al moro que ese sueño extraño con toques de pesadilla.

TODO LO QUE TÚ QUIERAS 8'5 / 10

Achero Mañas empieza a perfilar un discurso propio en Todo lo que tú quieras, que bien podría resumirse como un cómputo de lo mejor de El bola y algunos tics (no todos buenos) ya detectados en la controvertida Noviembre. Todo lo que tú quieras es, en parte, el reverso esperanzador de El bola: si la anterior era la crónica de un padre que maltrataba a su retoño, aquí se filma el amor incondicional de un padre hacia su hija pequeña de 4 años tras la muerte de Alicia, su esposa y madre de la criatura. Y Todo lo que tú quieras, también en parte, sigue fabulando desde el idealismo de Noviembre, desde un espectro poco explorado en el cine español que fusiona el cuento con la crítica social, lo esperpéntico con lo verista, el mundo circense con el laboral. Todo lo que tú quieras llega a ser en algunos momentos ñoña, incluso podría ponerse en duda la decisión que toma el protagonista (que no desvelaremos; o más bien cómo la trata Achero Mañas, al que a veces le pierden las referencias fáciles). Juega con elementos reales y su desarrollo cae en la inverosimilitud más naïf. Pero me niego a considerar el tercer largometraje de Mañas una mala película: la conexión y empatía del espectador con la historia funciona, sabe filmar unos momentos de intimidad y entrega increibles, contiene una de las muertes más estremecedoras que se recuerdan en la gran pantalla (después, quizás, de la de La soledad), Juan Diego Botto afronta su personaje más complejo y nos regala su interpretación con más matices, incluso el rostro redondo y angelical de la niña Lucía Fernández es uno de los aciertos de cásting más estimulantes en años, y más teniendo en cuenta que los pequeños actores de nuestro cine casi nunca dan la talla. Al final no hay que interpretar la película ni en su sentido más verista ni en su vertiente más fantástica, más bien como una fusión de estilos e intenciones bastante solvente que hará llorar a más de un espectador. Está condenada a recibir reseñas de todo tipo. La llamarán fácil, izquierdista, gay friendly o bobalicona. También valiente, original, hermosa e intimista. El blog no da la razón a nadie. Y si hay que mojarse, interpreten esta crítica como positiva: servidor no ha podido evitar conmoverse con ese final tan poético, aplaudir la reivindicación de las geniales Ana Risueño y Najwa Nimri, y fruncir la frente ante algún truco de más (la mayoría relacionados con el transformista que interpreta José Luis Gómez).

La película empieza en unos juzgados. Una pareja discute en la que parece una sesión para decidir la custodia de un menor. El protagonista, uno de los abogados implicados, está harto de tanta pelea y quizás por ello aplica una lógica muy diferente en su relación familiar. Mañas nos dice que la identidad y la entidad familiar se ha perdido. El amor que un día fue acaba dando lugar a un enfrentamiento que no beneficia ni a los adultos ni a los pequeños. Uno de los clientes del protagonista discute por qué las mujeres reciben por sistema la patria y potestad de sus hijos en detrimento de la figura paternal. No es extraño que en un contexto así las peripecias de Leo, el padre protagonista, sean tan puras como descabelladas; locas, pero no más que ese mundo demasiado preocupado por discutir y crispar. No estamos ante una defensa clásica de la familia: la inclusión de Álex, un hombre gay que realiza espectáculos de varietés todas las noches en un club, nos recuerda que la familia siempre ha aceptado más de un modelo, matices, excepciones, notas a pié de página. Y al final Todo lo que tú quieras es un ejercicio de tolerancia y superación. No existe el manual del buen padre, pero nadie está en el derecho de decir a otro cómo tiene que educar a su hijo. De la misma forma que existen hijos pequeños, también hay padres sin experiencia que se inician en su paternidad sin saber a lo que atenerse, desconociendo las reglas del juego. Como se dice en un momento clave de la trama, al padre lo motiva la felicidad del hijo a pesar del sufrimiento y los esfuerzos que ésta conlleva. Todo ello cosas trilladas (o no) que parecemos haber obviado. Todo lo que tú quieras las recupera, sin convencionalismos y con una idea argumental que se interpreta como un salto a una piscina sin agua. Sea más o menos brillante, estamos ante una película que piensa y siente (y que hace pensar y sentir), que nos reconcilia con ese cine español con alma que tanto echábamos de menos. Una delicia tras tantos meses de sequía. Reivindíquenla antes de que desaparezca de las salas porque, si se hace justicia, la cinta recibirá un par de nominaciones en los próximos Goya. No dejará a nadie indiferente, y eso es un síntoma de que Mañas ha dado en el clavo con una de las películas del 2010.

Crítica de LOPE

Menos publicitada que Alatriste pero mucho más mediatizada respecto la mayoría de películas españolas, Lope ha sacado su pluma y su florete en las salas para levantar la cuota de pantalla de nuestro cine. Si la película de Agustín Díaz-Yanes era un ejercicio de buen cine de época pero con una narrativa plúmbea, Lope se muestra más intrascendente, más graciosa, con un metraje considerablemente más corto y las mismas exquisiteces técnicas que se podían esperar de un producto de tales características. Eso se debe a que Lope nunca quiere ser un biopic encorsetado y muchos menos fiel al autor de Fuenteovejuna o El perro del hortelano. Lope no disimula su descaro al utilizar un personaje reconocido y reconocible en pos de una historietas de faldas y pequeñas afrentas, en otras palabras lo que espera el público de una superproducción local con ambientación renacentista. El problema de Lope no es que esté mal interpretada (que no lo está), que esté mal hecha (que no lo está), ni siquiera que sea una mala película (que no lo es). Su verdadero defecto es que no aporta nada nuevo. Que ya la hemos visto. Y que esa mezcla de pasiones y luchas armadas nunca es lo suficientemente intensa como para merecer tanto despliegue de medios. No es una obra en el sentido estricto; es un entremés que se digiere bien, pero también se olvida con bastante facilidad. Mientras sus fotogramas pasan por la pantalla uno no puede evitar pensar cosas tan intrascendentes como 'qué haré de cena esta noche' o 'qué trabajo tengo que hacer mañana'. Vaya, que entretiene pero no evade. Afortunadamente no opta por una estética televisiva, y aún así es igual de pulcra e inane que un capítulo de Águila Roja. Se queda, por desgracia, y como viene siendo habitual, en la corrección de los productos que quieren llegar a todas las audiencias sin preocuparse por filmar nada memorable. A corto plazo, la vemos con algún Goya técnico y protagonizando alguna proyección para los alumnos de lengua y literatura castellana de la ESO. Algo muy noble. También insuficiente.

Lope vuelve de la guerra y regresa a Madrid. Al morir su madre, las deudas lo acuciarán y no tendrá más opción que vivir de las obras que escribe. Un mecenas lo contrata, y será en las bambalinas de ese teatro de corral donde se enamorará de dos mujeres muy diferentes. Entre medio veremos a Luis Tosar con la coronilla de la época y a un Miguel Ángel Muñoz que da pura tírria. Juan Diego quiere otro Goya a actor de reparto y Antonio de la Torre sigue sorprendiendo por su cantidad tanto de películas como de registros. Pilar López de Ayala me parece tan fría como siempre y Leonor Watling debería dejarse ver más en la gran pantalla (sin desdeñar sus aptitudes vocales como miembro del grupo Marlango). Y Amman, que hace un año no conocíamos, apunta a nuevo ídolo del cine español. Aquí juega a ser sex symbol, fugitivo, descarado, espadachín y escritor. La película también juega a ser un título de copete, pero sólo se queda con un divertimento para el populo de ahora y siempre. Lope contradice la cita literaria porque pasa y no queda. Otra vez será.

Nota: 5'5

Crítica de CARANCHO

Carancho es una película que sorprende. Nunca cumple el prototipo de película argentina, al menos ese cliché de cine dialogado y con tintes sociales que tenemos en España. Y destacar que estamos en lados diferentes del charco, esperemos que no opuestos, es importantísimo porque Carancho conecta con una realidad ché que el resto de espectadores sólo podemos ver desde cierta comprensión y exotismo. Pablo Trapero, que sigue empeñado en reinventar el thriller hispano (o más bien inventarlo: Leonera fue su primer asalto), se confirma con su nuevo trabajo como un autor complejo que filma desde las entrañas para, de paso, sacar a la luz las vísceras más oscuras de su país. Cine comprometido que aspira también a ser 'pochoclero', como dirían nuestros amigos. En un tiempo en el que triunfan programas televisivos tan mentirosos como Callejeros, Carancho aporta esa cuota inaudita de verismo que tanto esperábamos, unas imágenes que el proyector escupe y que la pantalla recoge para incomodar al personal. Hay que dejar las cosas claras: por muchas películas de acción yanki que se estrenen este año, nada podrá igualar la tensión, la amargura, la brutalidad de muchas escenas de este Carancho teñido de marrón, rojo y negro y diseñado a modo de planos secuencia que cortan la respiración (la escena final es, simplemente, sublime). En ningún momento sabemos qué va a pasar. Y la desazón es absoluta con sus dos protagonistas, llenos de capas, secretos y sutilezas que despistan y atrapan al espectador. Carancho habla de corrupción en un contexto de cine negro con una pareja clásica y una resolución totalmente sorprendente. Sentirán en sus carnes el trabajo de un servicio nocturno de Urgencias y su unidad móbil, y descubrirán los entresijos más tétricos de los accidentes de tráfico, sus víctimas y los buitres que se nutren de la desgracia ajena. Habrá que añadir el término 'carancho' a nuestro diccionario cinéfilo, y habrá que olvidar ciertos clichés respecto el cine hispanoamericano. Es críptica, incluso a ratos cuesta adentrarse en su atmósfera (y más si, en nuestro caso, se suma la complicación del acento sudamericano). Es la película argentina más local y a la vez más americana en años. Para espectadores que no hagan ascos a películas radicales, incómodas, vivísimas.

La interpretación: Ricardo Darín, que por una vez no hace de 'Ricardo Darín'. Le toca lidiar con un personaje súmamente contradictorio. Él es el héroe y el antihéroe. 

La escena: La huida final, un logro técnico que ya querría para sí el mejor Tarantino.

El momento: Darín rompe la pierna de su cliente con una bara en mitad de un descampado y en la oscuridad de la noche. 

El dato técnico: Una fotografía muy cuidada. Véase la escena en la que la pareja protagonista almuerza en un bar: la cámara recoge el momento desde el exterior y va acercándose a medida que avanza la acción. 

Nota: 7'5

¿QUÉ PELÍCULA REPRESENTARÁ A ESPAÑA EN LOS OSCAR 2011?

Un año más toca decidir qué película nos representará en los venideros Oscar 2011, cuyas nominaciones se harán públicas el próximo 25 de enero. Cada edición cuenta con más países participantes, y cada edición parece más necesario elegir una buena película que represente a todo el colectivo del cine español fuera de nuestras fronteras. Una vez más, porque toda la dinámica de premios obedece a unas fechas y rutinas, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha trampeado las normas establecidas por otra Academia, la de Hollywood. Pero hecha la ley, hecha la trampa. También la lluvia ha sido elegida y, aunque no se verá hasta octubre (inaugurará la Seminci vallisoletana) y no se estrenará hasta principios de enero, los académicos la han preferido por encima de otros títulos. Como declaró la directora Icíar Bollaín, la película se estrenará en un cine siete días para cumplir las bases que se necesitan. España también titubea con la descalificación con Celda 211, que intentó colarse en la terna del año pasado y que ahora, con 8 Goyas en el regazo y el dvd en las tiendas, aspira a conseguir su último y más preciado oro. Parece que estas triquiñuelas sólo son cosa nuestra, pero estamos seguros que los demás países también esquivan los preceptos de la Academia para elegir su película representante según conveniencias varias. La elección de nuestra Academia es, por lo tanto, totalmente válida. Y hay que ser positivos: tras sumar premios en Cannes y Venecia, el cine patrio podría despedir la década de la mejor forma posible (o sea, con un Oscar en la estanteria de méritos).

Pelean por el título tres películas sumamente diferentes, casi diametralmente opuestas, cuyo nexo en común es el actor Luis Tosar: él las protagoniza y él mismo, con una mueca humorística, fue el encargado de darlas a conocer en una sesión que la Academia organizó el pasado miércoles 15 a las 11h. de la mañana en su sede madrileña. Compite el thriller contra la superproducción de época y el drama intimista. La curiosidad enfrenta también a las televisiones productoras: La Uno defiende a También la lluvia, Telecinco sigue fiel a Celda 211 y Antena 3 tiene una de sus pocas opciones de Oscar con Lope. La vicepresidenta de la Academia ve nominada a También la lluvia, y el portugués Andrucha Waddington aparece como el invitado de honor. Una película del pasado (Celda 211), una del presente (Lope, en cartelera) y otra del futuro (También la lluvia). Analizamos los pros y los contras de cada una de ellas. Atrás quedaron nombres como Pájaros de papel o La vida empieza hoy, y sobre todo películas aún no estrenadas que podían entrar en la lucha: hablamos de Balada triste de trompeta, Amador, Los ojos de Julia o Ambrosia. Sea como sea, estos nombres, apelando a las mismas trampas, podrán representarnos el año que viene. Ahora toca hablar del presente.

1. CELDA 211, de Daniel Monzón

A favor: 

- Pocas veces existe consenso con una película española y Celda 211 ha conquistado a crítica y público. Los cinéfilos y críticos suelen olvidar que el cine se dirige a los espectadores, a una mayoría con sus exigencias y características; Celda 211, por lo tanto, sería la elección popular y vendría a representar la realidad tanto social como cinematográfica que ha eclipsado España durante los últimos meses. 

- Celda 211 tiene un pulso narrativo directamente emparentado con el modo americano de ver, hacer y entender el cine. Es una historia policíaca que va al grano y que rinde homenaje a las mejores obras del cine carcelario, un género con solera en los Oscar. 

- Aunque la memoria académica vuelva a El profeta francés, la película gala no gustó en Norteamérica y nuestra candidata podría erigirse como la verdadera alternativa, mucho más entretenida que la anterior. 

- Sólo una pequeña parte del cómputo global de académicos se encarga de ver todas las películas extranjeras que optan a premio. Reciben las cintas en su casa y deben visionar más de 80 cintas en pocas semanas. Guste más o menos, Celda 211 enganchará y los académicos aguantarán la trama hasta el final, aunque sea por mera curiosidad. A veces es más importante el hecho de 'darse a conocer' o 'ser visto' que estar verdaderamente nominado al Oscar.

- La Academia parece que en sus últimas ganadoras escoge a las películas foráneas con mayor futuro comercial en los EE.UU. ( y si no, véase el ejemplo del año pasado con la victoria de El secreto de sus ojos por encima de la muy superior La cinta blanca). Celda 211, por sus atributos, podría conseguir excelentes cifras si llegara a estrenarse en territorio yanki.

En contra:

- La Academia española suele utilizar la excusa del Oscar para lanzar comercialmente sus películas estrella. Celda 211 ya no necesita más halagos. Si la Academia duda de la nominación, podría elegir a otra película para igualar la balanza de la taquilla y favorecer a otros. 

- La película ya se ha estrenado en muchos países y no en todos ha recibido reseñas buenas. De hecho, no cuenta con ningún premio internacional. Además, el factor 'tiempo' puede mermar las posibilidades del film: cada día son más los que creen que Celda 211 se ha sobredimensionado y puede recibir votos negativos a modo de castigo.

- Celda 211 es un thriller de acción... y los norteamericanos están hartos de un género que ellos mismos ruedan y consumen a granel año tras año. Su aspecto digital, su bajo presupuesto o incluso representar una etiqueta de cine de acción que nunca se ha considerado oscarizable son puntos que los académicos de uno y otro lado del océano pueden tener en cuenta.

- La Academia pocas veces rescata para los Oscar a películas de temporadas pasadas. Recientemente ocurrió algo similar con Siete mesas de billar francés. Elegir para el Oscar una película estrenada en noviembre de 2009 esconde una lectura subliminal que los académicos deberían evitar: el hecho de que ninguna película de la temporada actual haya merecido o merezca optar a un logro tan importante. Si la Academia piensa en el futuro, deberá dejar aparcada a su Celda 211.

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2. LOPE, de Andrucha Waddington

A favor:

- Lope es la única película que explica una pequeña parte de la historia y de la literatura española. En un sentido estricto, los votantes pueden ver en Lope su opción más castiza, incluso la más patriótica. Demostrar a Hollywood que una cinematografía como la nuestra puede levantar producciones de época tan competentes como Lope también puede influir en el orgullo académico.

- Lope se estrenó hace poco. Si tenemos en cuenta que no todos los votantes asisten a los pases oficiales (y privados) que organiza la Academia española en Madrid y Barcelona, ésta será la película que muchos tengan más fresca y viva en el recuerdo. Septiembre es el mes comercial de Lope y las fechas la benefician. Además, muchos académicos ya han expresado su cariño por la película de Waddington.

- Aunque está comprobado que el cine español casi nunca triunfa con sus opciones de época, la Academia siempre ha admirado ese género. Soldados de Salamina, Obaba y Los girasoles ciegos nos representaron en ediciones anteriores, muestra definitiva de que a nuestra Academia le gusta mirar al pasado cuando se trata de los Oscar. Con el añadido de que Lope, más juvenil que éstas, puede conseguir apoyos de las filas más jóvenes de la Academia.

- No sólo votan directores y actores. Los gremios técnicos podrían apoyar unánimemente a Lope y utilizar la película como símbolo de las exquisiteces visuales de las que es capaz el cine español.

En contra:

- Es la opción menos aplaudida por la crítica. 

- Si la Academia no eligió a Alatriste, película de corte similar a ésta, es muy posible que esta vez tampoco opte por Lope. De hecho, la película ha pisado festivales internacionales fuera de competición, casi como invitada de lujo. Muchos la tacharán de vacía e intrascendente, palabras que siguen aún muy recientes y que lograron que la película no liderase la taquilla nacional durante su primer fin de semana en los cines. 

- Los académicos pueden entender que Hollywood necesita miradas nuevas. Lope hubiera encajado mejor hace una o dos décadas, pero ahora es la opción más desfasada. Todos la daban por candidata pero nadie la sitúa como ganadora. 

- Tampoco hay que olvidar que la película está dirigida por un artista no español. Dejar que Portugal tenga, además de su propia candidata, otra participante en la carrera por la estatuilla sería demencial. Ningún país dejaría que su representante estuviese dirigida por un nombre español y la Academia no debería estar dispuesta a ceder favores que nunca tendrán compensación.
- No ha sido elegida para representarnos al Ariel mexicano, honor que sí han recibido sus competidoras. Ello podría hacer pensar que la terna es cosa de dos y que Lope es la que tiene menos posibilidades de llegar a la meta.

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3. TAMBIÉN LA LLUVIA, de Icíar Bollaín

A favor:

- Es la película de la vicepresidenta de la Academia. Y no hablamos de posibles favoritismos, pero sí de respeto a una persona que representa y defiende como nadie el cine español. De ser nuestra candidata, sería la primera vez que una mujer directora española puede ganar el Oscar. Todo esto en un contexto en el que Hollywood, más moderna que nunca, acaba de dar el primer Oscar al mejor director a una mujer. Después de que nos representasen Almodóvar, Amenábar, Aranda o Garci, es hora de que Norteamérica conozca parte de la obra de uno de los nombres clave de nuestro cine. Porque Bollaín es la más veterana de la terna.

- Se sabe que la categoría de Mejor película de habla no inglesa la dirige la parte más conservadora de la Academia. También la lluvia es cine social, cine de época y cine con vocación crítica. Ser la más comprometida y ecléctica de las tres la puede beneficiar. El retrato de La guerra del agua y la Conquista de América gustará a los mismos que siempre nominan cintas bélicas o de corte histórico. Lope, en contra, resultará más trillada.

- Quienes la han visto dicen que la cinta emociona y que muchos salen de la sala de proyección con los ojos vidriosos. Algunos foros ya hablan maravillas del film, y su presencia en el Festival de Londres (octubre) será una oportunidad de lujo para relanzar la andanza comercial y de premios de la película. El cine español es poco dado a mezclar escenarios y tiempos históricos, por lo que También la lluvia podría abrazarse como la película del cambio.

- Los académicos conocen a Gael García Bernal, actor protagonista del film; a Alberto Iglesias, compositor de su banda sonora; y a Paul Laverty, guionista habitual de Ken Loach y marido de Icíar Bollaín que firma el libreto del film. ¿Por qué no aspirar a más nominaciones en más categorías?

- A la espera por saber si Los ojos de Julia será ese taquillazo que todos predicen, o si de las fantásticas Agnosia y Verbo serán éxitos sorpresa, el cine español no quiere cerrar caja en números rojos. Le interesa que se hable mucho y muy bien (y durante bastante tiempo) de una película de postín. También la lluvia es la opción de prestigio y necesita la candidatura al Oscar para sobrevivir en enero, cuando llegue a las salas en medio de estrenos navideños y títulos norteamericanos con posibilidad de estatuilla. Si los Goya 2011 están entre el presidente y la vicepresidenta de la Academia (o sea, entre ésta y Balada Triste de Trompeta), los votantes deberían ser coherentes y apoyar desde ya uno de los títulos clave del cine español.  

- También la lluvia recibirá el apoyo sudamericano (rodaje en Bolivia, García Bernal en el reparto, rodaje con indígnas reales) y parece la perfecta sucesora del boom hispano de El secreto de sus ojos y La teta asustada.

- Si Celda 211 es a priori la favorita, También la lluvia podría recibir más votos de los esperados. Algo que podríamos llamar 'efecto rebote': los votantes apuestan por una película dando de antemano que la elegida será otra.

En contra: 

- No tenemos apenas información ni imágenes de la película. Una película que va tan atrasada en su proyección nacional, acceder de la noche a la mañana a Hollywood podría ser un lastre demasiado pesado. No sólo se trata de 'ser nuestra representante', sino de llevar consigo una 'campaña cuidada y calibrada al detalle'. Los académicos locales pueden entender que la película debería hacer demasiados esfuerzos para conseguir la nominación y elegir otra candidata. Aunque, a decir verdad, ninguna película de las elegidas por otros países parece contar con los medios suficientes como para destacar por encima de las demás participantes.

- También la lluvia narra las peripecias de un director de cine en tierra extraña. Pocas veces las tramas de 'cine dentro del cine' apasionan en Hollywood.

- Muchos de los votantes directamente ni la verán. Es la última en llegar a la carrera y sufrirá las consecuencias.

Este blog elegiría a : TAMBIÉN LA LLUVIA

Este blog cree que la elegida será: CELDA 211

CINE Y LITERATURA: LA CHICA QUE SOÑABA CON UNA CERILLA Y UN BIDÓN DE GASOLINA

EL LIBRO (Stieg Larsson, 2005)

Stieg Larsson era un amante de la novela negra. Sentía auténtica pasión por su trabajo como periodista. Supo qué era dirigir la redacción de una revista, cómo funcionaban las relaciones entre los diversos estamentos de poder. Larsson era un humanista y su trilogía Millenium, que él diseñó como una decalogía, son su legado como pensador y escritor con intención de llegar a las masas. La trilogía Millenium nunca será un éxito cualquiera porque parece que entre sus personajes se esconde una parte de verdad. La corrupción aflora en cada una de sus páginas, y lo hace con un estilo directo, sin florituras ni lirismos. Larsson va al grano y se muestra sorprendentemente explícito a la hora de escribir los momentos de mayor violencia (no son unos libros literarios, pero sí visuales). Es en esta segunda parte, la larga La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, cuando Larsson demuestra su hábil control de la tensión literaria. Larsson se divierte enredando la maraña, presentando nuevos personajes y estableciendo un juego oscuro, inverosímil, tremendamente adictivo. Nos imaginamos a Larsson, que escribía sus novelas de noche y en secreto, como un alquimista consciente de la carga subversiva de sus historias. También un niño que juega conectando situaciones, rizando el rizo, enervando al lector hasta sorprenderlo con un final desconcertante. La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina es un castillo de naipes de dimensiones estratosféricas, y no sólo por sus más de 750 páginas. Larsson despliega en esta entrega una investigación policial con varios frentes, narrada de forma sincopada, racionando la información con el mayor mimo posible. Larsson repite datos y nombres, pero el truco parece un trance necesario para que el lector no se pierda ante tanto derroche imaginativo. Por ello, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina es Larsson elevado al cubo, en todo su esplendor y también con sus pequeños defectos. Y que nadie se deje engañar por su apariencia de best seller: ésta es una novela que pone en jaque los cinco sentidos del lector, que juega con la paciencia del personal y que acaba justo en el momento que la lectura es más frenética. Necesitarán parar unos minutos, remirar la enigmática portada y pensar: esto es un libro. La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina sube la presión arterial y no deja uñas sin morder. Tan dura y tan bella como una patada en la boca del estómago.

Ni qué decir que la protagonista de Millenium es Lisbeth Salander, heroína de la modernidad. Un ser tan contradictivo como genial. Larsson sabe que distan muy pocos centímetros entre ser víctima y verdugo, y Lisbeth es las dos cosas. Ruda y tierna. Apasionante por todo lo que esconde e imprevisible en cada una de sus reacciones. Después de aprovechar la fortuna que sacó tras el caso Wenneström, Lisbeth vuelve a Suecia para reordenar su vida. Poco imagina que Bjurman, el abogado que en su día la violó, planea vengarse de ella. Un detalle que acabará conectando con el rey del tablero: un desconocido Zala. Y con Millenium y sus dos nuevos investigadores: Dag Svensson y Mia Bergman. Y con Mikael Blomkvist, que no ve a Lisbeth desde hace un año. Y con Armanskij, el director de la empresa de seguridad donde Lisbeth demostró sus dotes como investigadora y hacker. Vaya, con un sinfín de detalles, recuerdos, asesinatos y secretos que el lector conocerá página a página hasta caer en las redes del astuto Larsson. Todo podría ser más simple pero la ecuación debe ser así de extensa, con sus cifras y paréntesis, tan enrevesadas como le gustan a Lisbeth. Cuando el lector llegue a la última página correrá hasta la librería más próxima para adquirir el tercer tomo y sabrará describir a cada personaje con sus complejidades, como si Larsson hubiera destapado parte de la intimidad de una familia tarada, oscura, venida del frío. Un divertimento que roza lo malsano y deja a la genial Los hombres que no amaban a las mujeres en un simple preludio de algo mayor. Léanla de día: corren el riesgo de pasarse muchas noches en vela. Y si no han podido resistir la tentación de escribir el nombre de los personajes y realizar pequeños esquemas en folios a parte, no se apuren: este bloggero lo ha hecho. Una vez encendida la cerilla, ya no se apaga. Lo que se dice un vicio, una adicción. Nota: 8'5

LA PELÍCULA (Daniel Alfredson, 2009)

Un libro de la complejidad narrativa de La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina no se presta a una adaptación cinematográfica fácil. Alfredson ha tenido que lidiar con muchos escollos. Ha heredado el éxito y la trama del film de Niels Arden Oplev. Sin olvidar las más de 700 páginas que la industria, casi por obligación, ha querido reducir a unas dos horas de metraje. El mundo de Millenium se presta más a un formato más voluble como el de la miniserie y Alfredson lo sabe porque cuenta la historia con cautela, orden y suma fidelidad al libro. La película sabe sus limitaciones, tanto estilísticos como, intuimos, de presupuesto. Todo ello se resuelve en una estética fría, digital, casi a modo de un telefilm de lujo. Alfredson sintetiza la maraña, mantiene las raíces y elimina los tallos de adorno. Aun así, esta segunda parte dista de ser una buena película. Es, otra vez, una adaptación que sabe a ilustración, y es aquí donde estará el principal reto (y por parte del espectador, el principal reclamo) de la nueva saga rodada por David Fincher. De momento, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina es, a diferencia de su predecesora, una película diseñada por y para los miles de lectores que sólo compraron la entrada para ver lo que en su día leyeron expectantes. En el camino se pierde parte de la emoción y grandes dosis de frescura. Noomi Rapace sigue siendo lo mejor del espectáculo y el personaje de Lisbeth ya va asociado a su cara. Pero Michael Nyqvist es un Mikael Blomkvist insuficiente: frío, hierático, duro en exceso. Alfredson deja los mismos interrogantes que en su día dejó Larsson y no quiere liar a su audiencia; sólo eso explica que la trama policial, la verdadera protagonista de la novela, quede reducida aquí a meras notas a pie de página. Larsson supo dotar de personalidad y protagonismo a todos sus secundarios, porque todos, en conjunto y por separado, formaban parte de su juego. La película no lo consigue y dadas las dimensiones de la historia era muy difícil de lograr. No hay que pedir peras al olmo...

La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina parece un film de la televisión sueca que por imposición de la moda literaria ha tenido que rebautizarse a modo de estreno a gran escala. Si algo demuestra esta entrega es que Millenium debería tener muchas más versiones en la gran pantalla, como si el material de Larsson incluyese micro y macrorelatos con grandes posibilidades fílmicas. No sabemos nada o casi nada del cine policíaco nórdico y no podemos estudiar la película dentro de ninguna corriente. De la película no quedará rastro, sí del libro. En defintiva, el binomio libro-película es aquí del todo prescindible, incluso desilusiona ver la cara que los responsables de la cinta han asignado a personajes como 'el gigante rubio', el repetido 'Zalachenko' o la policía Sonia Modij. Otra vez será. Nota: 5'5

Crítica de MILLENIUM 1: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

Cine y literatura: MILLENIUM 1: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

GOYAS 3: MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS (1988)

Título: MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS Director: Pedro Almodóvar Guión: Pedro Almodóvar Género: Tragicomedia romántica Duración: 85 min. Reparto: Carmen Maura, María Barranco, Antonio Banderas, Julieta Serrano, Fernando Guillén, Rossy de Palma, Kiti Manver, Chus Lampreave, Loles León, Guillermo Montesinos, Ángel de Andrés López, Francisca Caballero, Agustín Almodóvar, José Antonio Navarro, Juan Lombardero, Ana Leza, Eduardo Calvo, Gabriel Latorre, Eva González, Joaquín Climent, Chema Gil, Imanol Uribe Producción: El Deseo S.A. Fecha de estreno: 25/03/1988 Nota Filmaffinity: 7 Nota IMDB: 7'6 Nota blog: 10 Palmarés destacado: Mejor actriz y mejor guión en el Festival de Venecia 1988, Premio del público del Festival de Toronto, Fotogramas de plata al mejor actor (Banderas) y actriz (Maura) del año, Premio EFA a la mejor actriz y mejor artista joven; Nominada al Oscar, Globo de oro y Bafta a la mejor película de habla no inglesa, National Board of Review y Críticos de Nueva York a la mejor película de habla no inglesa, David de Donatello al mejor director extranjero, Sant Jordi a la mejor película española del año DVD: Cameo Media (Edición Remasterizada) Tráiler: Link



Sinopsis: Iván y Pepa son actores de doblaje. Él ha dejado de quererla y ella espera que él vaya a recoger sus últimas maletas. Pepa está desesperada, deprimida; la noche anterior mezcló gazpacho con somníferos y ahora despierta desorientada. El teléfono ha sonado. Por culpa de los medicamentos no ha podido hablar con Iván. Su intención es llegar hasta el aeropuesto de Barajas y retener a Iván. No quiere que su último recuerdo de él sea un frío mensaje en el contestador. En su día más loco sabrá que Iván había querido y había sido querido por otras mujeres. Su portera se enterará del naufragio emocional de su vecina. Y el céntrico piso de Pepa se llenará de personajes pintorescos, entre ellos, una amiga suya que huye de su novio terrorista. Para desquiciarla aún más, Pepa sabrá que está embarazada. Está al borde de un ataque de nervios... y su particular vodevil, comedia de enredos y drama existencial acaba de empezar. 5 premios Goya / 16 nominaciones

Sus competidoras:
Diario de invierno, de Francisco Regueiro 1/4
El túnel, de Antonio Drove 0/2
Espérame en el cielo, de Antonio Mercero 1/7
Remando al viento, de Gonzalo Suárez 6/13 (Tráiler)

Nos representaba al Oscar: Mujeres al borde de un ataque de nervios
(obtuvo nominación)

Edición III de los Premios Anuales de la Academia de las Artes
y las Ciencias Cinematográficas de España
Lectura de nominaciones: Lunes 07/02/1989
Gala: Martes 22 de marzo de 1989, Palacio de Congresos de Madrid
Maestros de ceremonias: Verónica Forqué y Antonio Resines
Presidente de la Academia: Antonio Giménez-Rico

PALMARÉS:
Película: MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS
Director: Gonzalo Suárez, por REMANDO AL VIENTO
Actor protagonista: Fernando Rey, por DIARIO DE INVIERNO
Actriz protagonista: Carmen Maura, por
MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS
Actor reparto: José Sazatornil, por ESPÉRAME EN EL CIELO
Actriz reparto: María Barranco, por
MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS
Guión original: Pedro Almodóvar, por
MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS
Guión adaptado: Manuel Gutiérrez Aragón
y Antonio Giménez Rico, por JARRAPELLEJOS
Música original: Carmelo Bernaola, por PASODOBLE
Película hispanoamericana: No se cedió
Goya de honor: IMPERIO ARGENTINA

LAS MUJERES AL PODER: PREGOYAS

En noviembre de 1987 empezaba el que sería el periplo almodovariano por excelencia. En ese momento, Mujeres... se rodaba en Madrid y alrededores con bastante expectación mediática. A su paso por el Festival de Venecia 1988, la película fue la sensación del certamen y el manchego pasó a ser el hombre de moda. El 27 de noviembre de 1988, Maura y Almodóvar viajaron hasta Berlín para recoger sus 2 premios EFA. A partir de su elección para los Oscar, muchas voces atacaron a Almodóvar. José Luis de Vilallonga dijo que Almodóvar en América haría y sería 'el ridículo'. Pero en marzo de 1989 se alzó con 5 Goyas, convirtiéndose para la historia en la película de Almodóvar con más nominaciones y sin duda la más popular. Perdió 'mejor director', pero ganó 'mejor guión original' (paradójicamente, el único guión almodovariano con el Goya; por primera vez, los Goya dividían la categoría de mejor guión en dos apartados: libreto original y adaptado). Imperio Argentina, Premio de Honor, fue la más ovacionada. Y había 5 candidatos por categoría; además, Antonio Giménez-Rico, Presidente de la Academia, tomó la decisión de que los votantes no opinaran sólo sobre su especialidad, y éstos votaron en todos los apartados con el fin de evitar posibles gremialismos (la piedra angular de los problemas que muchos han achacado a los Goya). Días después, Alejandro Capuano escribió en El país que se había impuesto el marketing al razonamiento en los terceros premios de la Academia. 'No es justo que se relegue a un papel secundario a Remando al viento', decía, y optaba por rebautizar a la ganadora como 'Película al borde de un atracón de premios'.  Las mujeres estuvieron al poder, no sin desatar cierta polémica.

LAS MUJERES AL PODER: POSTOSCARS

Si bien es verdad que Remando al viento había gustado más a la crítica que Mujeres... (mientras Mujeres... ganaba los Fotogramas de Plata a mejor actor y actriz, Remando al viento lo hacía en Mejor película), nadie se acordaba del film de Gonzalo Suárez el 29 de marzo de 1989, la noche de los Oscar. No había ninguna derrota del cine español que supiese tanto a victoria: todo el mundo daba por hecho que Pelle el Conquistador, Palma de oro de ese año y también nominada a la estatuilla a mejor actor (Max Von Sydow), daría el segundo Oscar consecutivo para Dinamarca, pero nuestras Mujeres... habían ganado en prestigio, atención de medios y apoyo del público. Barranco dijo que 'con esta película, a mí me ha tocado la lotería'. El 3 de junio de 1989 el premio David de Donatello italiano al mejor director extranjero ponía el broche de oro a un palmarés inmejorable. Jane Fonda empezó a hablar de remakear la película, que ella misma quería protagonizar. En una de esas fiestas, los periodistas dijeron que Madonna quería ligar con Antonio Banderas (luego, pareja protagonista de Evita). Empezó la tensión entre Carmen y Pedro: las malas lenguas dijeron que la actriz no tenía entrada  reservada en el patio de butacas de los Oscar. Y en ese verano de 1989, rodando ¡Átame!, el director dijo: 'En mi cine, ha acabado la era Maura y ha comenzado la era Abril' (tras tanto revuelo, ¡Átame!, antes de finalizar su rodaje, ya estaba vendida en toda Europa y en el mercado anglohablante). En 1990, la industria hizo sus cuentas anuales: Sexo, mentiras y cintas de vídeo y Mujeres al borde de un ataque de nervios fueron las 2 cintas independientes más taquilleras en los EE. UU., y el efecto 'boca a oreja' logró que el manchego fuera el cineasta no norteamericano independiente más rentable. Honores que veinte años más tarde sigue defendiendo. A día de hoy, el gazpacho con somníferos o el colirio, el terrorista chiita o los pendientes en forma de cafetera forman parte del imaginario de toda una generación. Y Almodóvar es 'el director de mujeres' por excelencia desde Los Ángeles hasta Tokio. Las mujeres siguen al poder.

LA ACTRIZ DE LA DÉCADA: ENCUESTA I

La semana pasada empezamos con la PRESENTACIÓN del nuevo concurso de Cinoscar & Rarities. El post pudo leerse por Premios Oscar 2011 y Mundo Cinefilia, y la primera encuesta ya suma más de 100 votos. Antes de repasar la filmografía de las 10 primeras participantes, deben tener en cuenta que:

- Pasarán a semifinales LAS 2 ACTRICES MÁS VOTADAS

- La tercera actriz con más votos irá al BACKSTAGE, y podrá pasar a semifinales en una futura encuesta

- Todas las actrices finalistas y en Backstage, así como los votos de éstas, podrán verse en el margen derecho de Cinoscar & Rarities a partir de la semana que viene

- Las encuestas se activarán en viernes y finalizarán en miércoles. De esta forma, todas las encuestas estarán activadas 12 días, otro sistema para no favorecer ni perjudicar a ninguna participante.

- Si son fans de una actriz o quieren defender a su artista favorita (haya o no aparecido en nuestras encuestas), pueden, como se hizo en La película de la década, enviar un ESCRITO DE APOYO (máxima extensión: un párrafo) defendiendo a tu actriz favorita. Hazlo vía comentario en el blog o mail en xavi_23990@hotmail.com

PARTICIPANTES 1ª ENCUESTA DE LA ACTRIZ DE LA DÉCADA

1. ADAMS, AMY (Avino, Italia; 20/08/1974)

Esta década ha visto nacer y crecer a Amy Adams, una de las actrices más versátiles y portentosas de su generación. Aunque su carrera se remonta a finales de los noventa, fue Spielberg y Atrápame si puedes (2002) quien la situó en el mapa. Dama de la comedia, Adams ha demostrado su desparpajo en producciones como Julie & Julia y Sunshine Cleaning, ha sido prototipo de buen cine familiar con Encantada y Noche en el museo 2, y tampoco reniega de unos inicios un tanto insustanciales: Colgado de Sara, El día de la boda, Leap year, Pasado de vueltas o La última corrida (sí, no es un gazapo). En La guerra de Charlie Wilson pudo codearse con Julia Roberts, tal vez para sustituirla como dama de la elegancia y la comedia con chispa. Pero su máximo logro tuvo otra madrina de excepción: Meryl Streep y su monja ingenua de La duda. Secundaria de excepción como pudo demostrarse en la excelente Junebug, Adams espera sus primeros papeles protagonistas. Su rostro pelirrojo aún nos deparará muchas sorpresas.

Máximo logro: Dos nominaciones al Oscar a la mejor actriz secundaria por La duda y Junebug.
La veremos en: Encantada 2, Once fallen (con Ed Harris y Taraji P. Henson) y The fighter (con Mark Walhberg y Christian Bale). En el camino (On the Road), lo nuevo de Walter Salles.
Curiosidades: Ha intervenido en capítulos de series como Embrujadas, Providence, The office, Smallville, Buffy Cazavampiros o El ala oeste de la Casablanca.

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2. ALLEN, JOAN (Rochelle, Illinois, EE. UU.; 20/08/1956)

Tan alta y guapa como en los 90 (su década), Joan Allen intenta destruir la maldición que asegura que las actrices de su edad no tienen cabida en Hollywood. Ha sido secundaria en títulos nada memorables que la han confirmado como figura de las cintas románticas (El diario de Noa, Más allá del odio, Siempre a tu lado) y los productos de acción (El mito de Bourne, El ultimátum de Bourne, Death Race). Lejos del atino de Nixon, La tormenta de hielo o El crisol, Allen ha sido fiel a la televisión, formato y medio con que se intrujo en la industria. Su papel más remarcable obtuvo nominación al Globo de oro y tiene nombre propio: Georgia O'Keeffe, sin olvidar su presencia en la también televisiva Las nieblas de Ávalon. Ojalá veamos su belleza en nuevos proyectos y gane de una vez ese Oscar o Globo de oro al que ya ha optado 3 veces.

Máximo logro: Nominada al Oscar a la mejor actriz protagonista por Candidata al poder.
La veremos en: Good Sharma y In defiance of gravity.
Curiosidades: Es la más joven de la familia y tiene dos hermanas y un hermano. A falta de la estatuilla, sí presume del Tony, el Stage Award y el Emmy.

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3. BARRAZA, ADRIANA (Toluca, México; 05/03/1956)

Su nani en Babel ha sido suficiente para incluir a Barraza entre nuestras 100 elegidas. Actriz muy querida entre la comunidad bloggera, Barraza empezó su carrera ya mayor y tiene tablas en el terreno televisivo. Acabó la pasada década con Amores Perros, papel secundario que funcionaría de preludio de su gran trabajo en Babel, también de Iñárritu. Barraza disfruta de su nueva fama con El milagro de Henry Pole, Rage, Arrástrame al infierno y apariciones en series como CSI o Urgencias. Secundaria de lujo, su físico cercano y su capacidad para el drama la convierten en un valor en alza: de ello dan fe sus incontables películas que tiene pendiente de estreno. Pocas actrices sudamericanas han conseguido opción a la estatuilla: sólo por eso, Barraza ya pasará a la historia.

Máximo logro: Nominación al Oscar a la mejor actriz secundaria por Babel.
La veremos en: Burning Palms, Thor, From Prada to Nada.
Curiosidades: Ha superado dos ataques de corazón. En el año 2007, México consiguió más nominaciones que nunca en los Oscar gracias a Hijos de los hombres, El laberinto del fauno y Babel. Barraza era la única nominada en un apartado interpretativo.

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4. BATES, KATHY (Memphis, Tennessee, EE. UU.; 28/06/1948)

Con más de 60 años, Bates ya no tiene que demostrar nada. Su ficha en IMBD da fe de sus 99 proyectos: siempre se ha caracterizado por ser una artista prolija. Bates sabe lo que es ganar el Oscar y esta década ha colaborado en proyectos sumamente dispares: comedias (Ratas a la carrera, La vuelta al mundo en 80 días, Amor por contrato), títulos comerciales (Ultimátum en la Tierra, La brújula dorada), cine de época (El puente de San Luis Rey, Chéri), cine romántico (Postdata: te quiero, Dragonfly, Historias de San Valentín), incluso en 10 capítulos de la estupenda serie A dos metros bajo tierra (ella era Bettina, la vecina-amiga de la hermana de Ruth Fisher). Sus mejores proyectos han sido Revolutionary Road y The blind side, ambos con presencia en los Oscar. Bates es grande, en todos los sentidos. Ni hablar de jubilación anticipada.

Máximo logro: Nominación al Oscar a la mejor actriz secundaria por A propósito de Schmidt.
La veremos en: Earthbound, Midnight in Paris (de Woody Allen), You may not kiss the bride.
Curiosidades: Bates forma parte del ADN de todo cinéfilo. ¿Cómo olvidar Titanic, Misery, Primary Colors o Tomates verdes fritos? Demostró no tener ningún tipo de complejo al desnudarse en la escena más divertida de A propósito de Schmidt. Es fiel a la Academia de Hollywwod y ha sido en varias ocasiones la encargada de pronunciar las nominaciones al Oscar.

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5. BAYE, NATHALIE (Mainneville, Eure, Francia; 06/07/1948)

Lleva trabajando desde 1970, con lo que a nadie le extraña el número de veces que ha optado al César francés. Debe ser por eso que nunca ha querido hacer carrera en Estados Unidos. Mon fils à moi le dió la Concha de plata, Una relación pornográfica le valió la Copa Volpi, La flor del mal la unió a Chabrol y disfruta siendo la protagonista de comedias como La clienta, Ne le dis à personne o Ensemble, c'est trop. Le petit leutenant es su título estrella de la década, aunque el film sigue inédito en España. Primera francesa de nuestras seleccionadas, Baye es sinónimo de clase y grandes interpretaciones. Veterana, pero joven.

Máximo logro: César y Concha de oro en una misma década.
La veremos en: Soins complets, Small World.
Curiosidades: Es la única actriz que ha ganado el César tres años consecutivos: 1981, 1982 y 1983 por Sauve qui peut (la vie), Une étrange affaire y La balance.

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6. BELLO, MARIA (Norristown, Pennsylvania, EE. UU.; 18/04/1967)

Bello es el modelo de actriz norteamericana poco convencional. No hace ascos a las grandes superproducciones (La momia 3, World Trade Center, Asalto al distrito 13), pero su actividad se centra en papeles secundarios en cintas indies (algunas muy recordadas como Silver City, Gracias por fumar, The cooler, Downloading Nancy o The private lives of Pippa Lee). Aunque no es muy conocida por el gran público, Bello intentó labrarse una carrera como protagonista en la fallida The dark. Y a falta de papeles más importantes, su excelente trabajo en Una historia de violencia le valió su segunda nominación al Globo de oro y el honor de ser una 'chica Cronenberg'. ¿Aún la recuerdan por ser la propietaria de El bar coyote? Niños grandes es su último estreno.

Máximo logro: 5 asociaciones de críticos la consideraron la mejor actriz secundaria del 2005 por Una historia de violencia.
La veremos en: St. Vincent, Abduction, The Company Men, Beautiful Boy, La momia 4, Wild Oats.
Curiosidades: De orígen polaco e italiano, Bello ha vivido en Venecia y presume de ser la mejor amiga de Carrie-Anne Moss, vista en la trilogía Matrix o Memento.

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7. BENING, ANNETTE (Topeka, Kansas, EE. UU.; 29/05/1958)

Como su competidora Joan Allen, Annette Bening ha sido 3 veces nominada al Oscar. Y es una de esas opciones, Conociendo a Julia, su papel más célebre de la década. Se prodiga bastante poco y algunos le dan la culpa a Warren Beatty, ganador del Oscar por Rojos, su marido y padre de sus cuatro hijos. Parece que, como ama de casa precavida, selecciona al detalle cada uno de sus proyectos: de su ojo clínico han surgido sus colaboraciones en Open Range, Running with scissors, The women y la muy comentada Mother and child. No la vemos mucho en la gran pantalla, pero siempre que aparece deslumbra. Una gran artista.

Máximo logro: Nominación al Oscar a la mejor actriz protagonista por Conociendo a Julia.
La veremos en: State of the Union, The Kids Are All Right, Hemingway & Fuentes.
Curiosidades: Ha perdido dos veces la estatuilla ante Hilary Swank. Teniendo en cuenta que la actriz de Million dollar baby también está seleccionada, ¿cumplirá Benning su particular revancha en LADLD?

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8. BERRY, HALLE (14/08/1966; Cleveland, Ohio, EE. UU.)

Pocos han olvidado el Oscar a la mejor actriz más largo, divertido, sentido y pintoresco de la década. Dos actores de color ganaban la estatuilla en una misma noche y Berry vió relanzada su carrera cinematográfica gracias a Monster's ball. Su rostro ya nos sonaba de Los picapiedra y la saga X-men, aunque en esta década el apellido Berry ha ido asociado a thrillers de distinto calado: Operación Swordfish, Gothika y Seduciendo a un extraño lo demuestran, incluso el título de sexy chica Bond en Muere otro día. Con Cosas que perdimos en el fuego quiso reconquistar el terreno del drama y con Catwoman recogía un Razzie muy comentado. Protagonista de portadas, siempre considerada una de las damas más guapas del planeta, Berry sigue en el candelero a la espera de otro éxito.

Máximo logro: Oscar y Oso de oro a la mejor actriz por Monster's ball
La veremos en: Dark Tide, Frankie and Alice, The Surrogate.
Curiosidades: Ha sido miss, es diabética, se ha divorciado dos veces y tiene el Emmy y el Globo de oro por la miniserie Introducing Dorothy Dandrige.

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9. BINOCHE, JULIETTE (09/03/1964; París, Francia)

Binoche se ha convertido poco a poco en la actriz francesa por excelencia, el rostro galo más internacional y activo de la actualidad cinematográfica. A diferencia de otras actrices europeas, Binoche nunca ha abandonado su país de origen y su filmografía se nutre de numerosas rarezas. Binoche es sinónimo de calidad y sólo ha viajado a los EE. UU. para rodar las inclasificables La huella del silencio, Como la vida misma, In my country y Breaking and entering (la última película de Anthony Minghella, responsable de su Oscar en el año 1996 por El paciente inglés). Nadie puede presumir de haber trabajado en diez años con Haneke (Caché, Código desconocido), Hsiao-Hsien (Le voyage du ballon rouge), Ferrara (Mary), Klapisch (París), Leconte (La viuda de Saint-Pierre), Assayas (Las horas del verano) y Kiarostami (Copie Conforme, Shirin). Como buena parisina, participó en Paris, je t'aime. Recibió su octava nominación al César francés por Jet lag. Nous aimons Juliette.

Máximo logro: Nominación al Oscar a la mejor actriz por Chocolat. Palma de oro a la mejor actriz por Copie Conforme.
La veremos en: Sponsoring, Relative Insanity y The Son of No one. En España tiene pendiente de estreno Shirin y Copie Conforme.
Curiosidades: Binoche puede considerarse una de las actrices más completas al haber ganado premio en los Oscar (El paciente inglés), Berlín (El paciente inglés), Cannes (Copie Conforme) y Venecia (Tres colores: azul). Muchas hablan de ella como 'La Binoche', ha estado relacionada sentimentalmente con Leos Carax, Olivier Martinez y Benoît Magimel... ¡incluso el presidente Mitterand confesó haber soñado que la besaba!

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10. BLANCHETT, CATE (14/05/1969; Melbourne, Victoria, Australia)

En quince años ha realizado más de 35 películas. Blanchett no sabe lo que es estar sin trabajo y más después de su descubrimiento en Elizabeth (1997). Ahora su filmografía es inabarcable y algunos ya la comparan con Meryl Streep. Emuló a Katharine Hepburn y ganó el Oscar, premio al que estuvo nominada por Diario de un escándalo, Elizabeth: la edad dorada y I'm not there (estas dos últimas en un mismo año). Trabajó con Tom Twyker en Heaven, con Hällstrom en Atando Cabos, con Raimi en Premonición, con Ron Howard, Wes Anderson, Jim Jarmusch, Barry Levinson, Steven Soderbergh, Ridley Scott... Y por si fuera poco, ella era lo mejor de títulos como Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal y El curioso caso de Benjamin Button. No le hace ascos a las grandes superproducciones (fue elfa en la trilogía de El señor de los anillos), pero tampoco a los títulos indie (Little Fish, Almas perdidas), incluso acepta papeles terciarios a pesar de su caché en alza (Babel). ¿Alguien da más?

Máximo logro: Cuatro nominaciones al Oscar, una de ellas con premio por El aviador.
La veremos en: Hanna, el nuevo film de Joe Wright. Se rumorea su aparición en El hobbit. Indian Summer y The Last Time I Saw Michael Gregg.
Curiosidades: Tuvo fama de buena estudiante, aparece en la lista de las actrices más bellas de la década y su padre murió cuando sólo tenía 10 años. Le propusieron el papel de Clarice en Hannibal, pero al final la elegida fue Julianne Moore. La relación se completa porque Moore y Blanchett son las dos únicas actrices de la década que han conseguido dos nominaciones al Oscar en un mismo año (en categoría principal y como secundarias).

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REPASO A LAS MEJORES INTERPRETACIONES DEL 2001
(actrices no presentes en la lista de las 100 elegidas):

ABRIL, Victoria (Sin noticias de Dios)
ALEANDRO, Norma (El hijo de la novia)
ASCARIDE, Ariane (¡Al ataque!, La ciudad está tranquila)
BELLUCCI, Monica (Malena)
CLOSE, Glenn (102 Dálmatas)
HUNT, Helen (Cadena de favores, El Dr. T y las mujeres, En qué piensan las mujeres, La maldición del Escorpión de Jade)
GIRARDOT, Annie (La pianista)
MACDOWELL, Andie (Enredos de sociedad, Las flores de Harrison)
MORANTE, Laura (La habitación del hijo)
MOSS, Carrie-Anne (Chocolat, Memento)
PAREDES, Marisa (El espinazo del diablo, Salvajes)
WEAVER, Sigourney (Las seductoras)

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