jueves, 19 de octubre de 2017

CRÍTICA | EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (WONDERSTRUCK), de Todd Haynes


Fábula a dos tiempos (y a medio gas)
EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (WONDERSTRUCK)
Festival de Cannes: Sección oficial. Festival de San Sebastián: Sección Perlas
EE. UU., 2017. Dirección: Todd Haynes Guión: Brian Selznick, a partir de su novela homónima Música: Cartel Burwell Fotografía: Edward Lachman Reparto:  Oakes Fegley, Julianne Moore, Michelle Williams, Amy Hargreaves, Cory Michael Smith, Marko Caka, James Urbaniak, Hays Wellford, Morgan Turner, Jaden Michael, Ekaterina Samsonov, Raul Torres, Millie Simmonds, John P. McGinty, Mark A. Keeton Género: Fantasía. Drama Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 02/03/2018


¿De qué va?: Años 20. Rose quiere estar junto a su madre, que trabaja como actriz. Años 70. Ben quiere saber qué se esconde tras la muerte de su padre. Ella lee un artículo en el periódico y él encuentra un libro en el desván de su casa. Las pistas de ambos les llevarán a Nueva York.


Como acreditan sus treinta años de carrera, Todd Haynes es uno de los directores que mejor ejecuta el cine de época y que en sus historias inserta con mayor eficacia referencias de la cultura popular, ya sea ésta de naturaleza conceptual, visual o musical. Su pericia se demuestra una vez más en los fotogramas de El museo de las maravillas, fábula que une los caminos de dos niños sordos en dos tiempos distintos que desean encontrar las respuestas de su pasado familiar en pleno bullicio de la ciudad de Nueva York. Haynes hace suya la ingenuidad de sus protagonistas y filma el universo que se despliega ante sus ojos con fascinación, saltando intermitentemente del blanco y negro a los colores chillones de los 70, de músicas ya existentes a cortes instrumentales de finalidad atmosférica. El ejercicio de estilo es notable, estamos también ante un producto único en su especie, y aún así da la sensación de que Haynes apenas llega a contagiarnos la festiva fantasía que debería irradiar la película. Incluso comete uno de los errores más graves posibles: dejar una de sus líneas narrativas a la deriva más absoluta (la trama de la década de los años 20 discurre apenas como complemento de la historia central). Torpezas que confluyen en un final que, tras sumirnos en una gramática silente, opta por sobreexplicar las relaciones de los personajes, cayendo incluso en terrenos lacrimógenos. ¡Hasta los niños resultan por momentos antipáticos! En resumen, y sin poder considerar El museo de las maravillas una mala película, sí supone una pequeña involución en el compendio delicado y sinestésico que es la filmografía de Haynes, aunque el cinéfilo encontrará un amplio catálogo de hallazgos para disfrutarla (quien escribe destaca su cita al cine mudo, la visita al museo científico o esos títulos de crédito con lenguaje de signos). Singular y meritoria, pero, a la postre, anecdótica.

 
Para alimentar el niño que llevamos dentro.
Lo mejor: Tiene una de las direcciones artísticas más interesantes de la temporada.
Lo peor: Sus quince minutos finales.



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miércoles, 18 de octubre de 2017

CRÍTICA | HANDIA (AUNDIYA), de Jon Garaño y Aitor Arregi


La altura del cine vasco
HANDIA (AUNDIYA)
Festival de San Sebastián: Premio especial del jurado
España, 2017. Dirección: Jon Garaño y Aitor Arregi Guión: Jose Mari Goenaga, Andoni de Carlos, Jon Garaño y Aitor Arregi Fotografía: Javier Agirre Música: Pascal Gaigne Reparto: Ramón Agirre, Eneko Sagardoy, Joseba Usabiaga, Aia Kruse, Iñigo Aranburu, Iñigo Azpitarte Género: Drama histórico Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 20/10/2017
¿De qué va?: Al regresar del frente de la Primera Guerra Carlista, Martín descubre que su hermano Joaquín es mucho más alto de lo normal. La curiosidad que despierta el "gigante de Gipuzkoa" llevará a los hermanos por distintos lugares de España y del extranjero, una experiencia que cambiará su vida. Basada en hechos reales.


Con Loreak, la cinematografía vasca alcanzó una cima indiscutible. Correspondía, por lo tanto, a los directores de esa joya ampliar todavía más los horizontes del cine hablado en euskera y con capacidad para llegar a todo tipo de públicos, un reto que se materializa ahora en esta Handia (Aundiya), la producción más elaborada, al menos en términos de factura técnica, que haya tenido jamás la ficción vasca. Garaño y Arregi conjugan a modo de cuento la historia de un gigante en pleno siglo XIX, una narración que se desarrolla en distintas capas: es, en esencia, la historia de dos hermanos y sus circunstancias, una bonita metáfora sobre la intransigencia de una sociedad empobrecida e incluso una trama que, en sus reivindicaciones sociales e idiomáticas, tiende distintos puentes con la actualidad de nuestro país (sirvan de ejemplos el paródico encuentro con la reina Isabel y la constante reivindicación del gigante Joaquín de sus raíces, cuestiones que esconden ramificaciones muy complejas, más contemporáneas de lo que podría parecer a simple vista). A pesar de contar con un presupuesto muy medido, y aunque el guión salta constantemente de tiempos y escenarios, hay que aplaudir la credibilidad y la belleza que Garaño y Arregi imprimen a todos los fotogramas de la película, sin que el espectador pueda intuir la tramoya o el artificio propio de cualquier producción de época. Tan sólo resta a Handia, paradójicamente, cierto complejo de "gigantismo", como si la historia, consciente de sus complejidades, quisiera abarcar demasiado y dejar intuir mucho más. Handia no siempre resulta todo lo convincente o sutil que debería, aunque el cómputo global nos deje una cinta estimable, la representante de un cine malentendido como "periférico" que reclama toda nuestra atención. Disensiones aparte, y en sentido estricto, Garaño y Arregi han expandido su nómina de méritos: ahí está el Premio especial del jurado del último Festival de San Sebastián y su excelente dirección artística, merecedora de todos los Goyas que se tercien. El futuro dirá qué lugar ocupa Handia en la pujante trayectoria del audiovisual vasco, aunque tiene las sobradas virtudes como para convertirse en un hito de nuestro cine.


Para amantes de las fábulas exquisitamente rodadas.
Lo mejor: Su envoltorio técnico.
Lo peor: La suma de sus partes no siempre está cohesionada. 


Más información sobre HANDIA en PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 2

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EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

lunes, 16 de octubre de 2017

OSCARS 2018 | MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA (II)


FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 12
VIEJO CALAVERA, de Kiro Russo (Bolivia)
Proyectada en los Festivales de Hamburgo, Locarno y San Sebastián 2016 | Sinopsis: Después de la muerte de su padre, Elder Mamani se ve obligado a vivir con su abuela en las afueras de la pequeña ciudad minera de Huanuni. Su padrino Francisco le consigue trabajo en la mina, pero él no demuestra el más mínimo interés y se la pasa bebiendo y metiéndose en problemas constantemente | Tráiler: Link
Dato: Bolivia concurre a los Academy Awards desde el año 1995, hasta el momento, no ha conseguido la nominación. Viejo calavera, ópera prima de Kiro Russo es la novena representante del país sudamericano en los Óscar. 

domingo, 15 de octubre de 2017

CRÍTICA | EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ, de Lynne Ramsay


La noche de la bestia
EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ
Festival de Cannes: mejor actor y guión. Festival de San Sebastián: sección Perlas
Reino Unido, 2017. Dirección: Lynne Ramsay Guión: Lynne Ramsay, a partir de la novela de Jonathan Ames Fotografía: Tomas Townend Música: Jonny Greenwood Reparto: Joaquin Phoenix, Alessandro Nivola, John Doman, Judith Roberts, Alex Manette, Ekaterina Samsonov, Kate Easton, Jason Babinsky, Frank Pando, Ryan Martin Brown, Scott Price, Dante Pereira-Olson, Jonathan Wilde, Leigh Dunham, Vinicius Damasceno Género: Thriller. Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 24/11/2017

sábado, 14 de octubre de 2017

CRÍTICA | THE DISASTER ARTIST, de James Franco


Magistralmente malo
THE DISASTER ARTIST
Festival de San Sebastián: Concha de oro. Festival de Sitges: Sesión sorpresa
EE. UU., 2017. Dirección: James Franco Guión: Scott Neustadter y Michael H. Weber, a partir del libro homónimo de Greg Sestero Música: Dave Porter Fotografía: Brandon Trost Reparto: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron, Sharon Stone, Bryan Cranston, Kate Upton, Ari Grayner, Hannibal Buress, Jacki Weaver, Nathan Fielder, Jerrod Carmichael Género: Comedia. Cine dentro del cine. Biopic Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 26/01/2018
¿De qué va?: Tommy Wiseau y Greg Sestero se conocen en una escuela de interpretación. Hartos de recibir la negativa de sus profesores, deciden irse a Los Ángeles para encontrar suerte en la meca del cine. Una vez allí se les vuelven a cerrar todas las puertas, pero Tommy encuentra un plan B: él mismo dirigirá, producirá, escribirá y protagonizará su propia película junto a su amigo. Todo, ¿con qué talento? Y... ¿con qué dinero?


Franco (James, ¿cuál si no?) conoce muy bien Hollywood. Ha sido su chico guapo y su bicho raro, presentador de los Óscar y nominado en una misma noche. Capaz de todo, incluso de dirigir. Sabíamos de su sentido del humor, intuíamos su talento, pero nada nos podía preparar para esta The Disaster Artist, su broma definitiva. Franco cuenta qué sucedió durante el rodaje de The Room, una de las películas más desastrosas de todos los tiempos, convertida por una minoría selecta en objeto de culto y cachondeo. Pero, sobre todo, lo que importa es explorar la psique de Tommy Wiseau, la mente extravagante que dio forma a ese engendro audiovisual y que ahora, con el gesto impostado y tronchante de Franco, promete ser más célebre si cabe. The Disaster Artist funciona por dos motivos: en primera instancia, es una (auto)parodia de la industria, con los cameos, la ración de gags y las salidas de tono habituales para meterse al público en el bolsillo; y en segundo lugar, porque también reflexiona sobre eso tan volátil llamado éxito y las artimañas que unos y otros activan para conseguirlo, y lo hace siguiendo el orden cronológico de todo proyecto, desde la escritura del guión a la première final en salas. Franco se ríe de Wiseau, pero en el fondo le rinde tributo. Con gracia y respeto. Un sentido reverencial y desenfadado que convierte este artista desastroso en una de las sorpresas más agradables de la temporada, se sea o no conocedor del despropósito ya legendario que fue The Room. Es imposible que nadie que sienta una mínima atracción por el séptimo arte, sus secretos y sus frivolidades no se lo pase en grande con este ejercicio amargo y festivo de cine dentro del cine. Una Concha de oro de apariencia extravagante, pero sumamente acertada.


Para cinéfilos (en el sentido más amplio del término).
Lo mejor: En rodaje en la falsa azotea y la comparación de escenas antes de los títulos de crédito.
Lo peor: Tras verla dan ganas de visionar The Room... y el film de Wiseau es un auténtico dolor de ojos.


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viernes, 13 de octubre de 2017

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 3X03 - CINE ESPAÑOL '17: Abracadabra, Verónica, Tadeo Jones 2, Converso, DVD y series catalanas


Programa nº 60 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 6º audio mensual dedicado al cine español. Reseñamos los estrenos Abracadabra, Verónica, Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas, La niebla y la doncella y Converso; hablamos de los lanzamientos en dvd Órbita 9, Casi leyendas y Cantábrico; y analizamos las segundas temporadas de Nit i dia, Cites y El crac.




Guía del programa
1' Presentación - 3' Abracadabra - 8' Verónica - 14' Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas - 18' La niebla y la doncella - 22' Converso - 27' Órbita 9 - 31' Cantábrico - 35' Casi leyendas - 39' Nit i dia - 45' Cites - 50' El crac - 55' Despedida y canción: "Yo, también", de La casa azul. 

Estrenos del mes


Cine español


Especiales CINE DE LOS 90:
Puedes escuchar todos los podcasts del blog en IVOOX y ITUNES
 
Contacta con nosotros: cinoscararities@gmail.com

miércoles, 11 de octubre de 2017

OSCARS 2018 | MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA (I)


FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 01
A LETTER TO THE PRESIDENT (Namai ba rahis gomhor), de Roya Sadat (Afganistán) 
Proyectada en el Festival de Locarno Sinopsis: Una mirada a la dura realidad que enfrentan las mujeres en el Afganistán de hoy, la película sigue a Soraya, una humilde funcionaria pública que ha luchado por mantener la ley en Afganistán. Cuando Soraya decide salvar a una mujer de las antiguas reglas tribales que la condenan a un brutal castigo, ella es arrestada y una carta al presidente es su única esperanza de justicia | Tráiler: Link
Dato: Afganistán concurre a los Óscar desde el año 2001, después de la caída del anterior gobierno talibán del país. Hasta la fecha ha presentado 12 películas pero nunca ha conseguido la nominación. Su candidata más destacada fue Osama cinta que a pesar de no obtener la nominación a los Óscar de 2004, ganó el Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa, imponiéndose a títulos como El regreso, de Andrei Zvyagintsev y Las invasiones bárbaras, de Denys Arcand (la cual ganó el Óscar a Mejor película de habla no inglesa ese mismo año).

martes, 10 de octubre de 2017

CRÍTICA | 120 PULSACIONES POR MINUTO, de Robin Campillo


Los años negros del SIDA
120 PULSACIONES POR MINUTO (120 BPM)
Festival de Cannes: Premio especial del jurado. Festival de San Sebastián: Perlas
Francia, 2017. Dirección y guión: Robin Campillo Fotografía: Jeanne Lapoirie Reparto: Adèle Haenel, Yves Heck, Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois, Emmanuel Ménard, Antoine Reinartz, François Rabette Género: Drama Duración: 140 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/12/2017

lunes, 9 de octubre de 2017

CRÍTICA | THE FLORIDA PROJECT, de Sean Baker


Érase una vez, al lado de Disney World
THE FLORIDA PROJECT
Festival de Cannes: Quincena de realizadores. Festival de San Sebastián: Perlas
EE. UU., 2017. Dirección: Sean Baker Guión: Sean Baker y Chris Bergoch Fotografía: Alexis Zabe Reparto: Willem Dafoe, Caleb Landry Jones, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian, Lauren O'Quinn, Brooklynn Prince, Giovanni Rodriguez, Bria Vinaite, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan, Valeria Cotto, Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross Género: Tragicomedia social Tráiler: Link Duración: 110 min. Fecha de estreno en España: 09/02/2018


¿De qué va?: Una niña de 6 años y sus amigos pasan el verano en un motel cerca de Disney World. Mientras los pequeños juegan, la madre malvive de lo que gana vendiendo colonias robadas y prostituyéndose.


Sean Baker, fenómeno indie gracias a Starlet y Tangerine, firma en The Florida Project su consagración como una de las voces más atrevidas del cine estadounidense. Baker sitúa la acción de su película más redonda en las inmediaciones de Disney World, un espacio marginal con tintes de irrealidad. En ese entorno, que para unos funciona como lugar de paso y para otros de purgatorio extravagante, un grupo de niños hacen y deshacen a su antojo, con una espontaneidad y una ingenuidad que Baker filma con una verdad inconmesurable, rayando incluso el estilo documental. The Florida Project es, por lo tanto, el retrato de unos pillos, una sucesión de travesuras, juegos, idas y venidas entre luces de neón, piscinas vacías, descampados, fuegos artificiales y edificios teñidos de amarillo y púrpura. También, en su resolución, un descenso a los infiernos que su director, cómplice de la desdicha de sus personajes, mitiga con un plano final precioso, un ejercicio escapista que reivindica la fantasía aun cuando apremia la realidad más desfavorable. The Florida Project consigue dibujarnos una amplia sonrisa sin obviar las aristas más tristes de su historia, con un dominio de la luz, los tonos pastel y la dirección de actores al alcance de pocos superdotados. Con momentos, además, que se quedan grabados en la memoria del espectador: destacamos el concurso de eructos, la discusión que termina con una compresa pegada en el cristal o el helado que los niños chupetean y comparten entre tres. En resumen, una película energética y elegíaca que, irremediablemente, se gana el afecto de todos, como esas personas que afrontan sus problemas con una sonrisa de boca a oreja, o como ese árbol caído que sigue creciendo y que, a la postre, se convierte en el símbolo de toda la ficción, incluso de los Estados Unidos artificiales y airados que preside el señor Trump, hermanados con los que veíamos en la American Honey de Andrea Arnold.


Para seguir indagando en la cara oculta del American Dream.
Lo mejor: Bria Vinaite y Brooklynn Prince, madre e hija, ambas sublimes.
Lo peor: Puede cuestionarse su abuso de "escenas con niño".


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domingo, 8 de octubre de 2017

CRÍTICA | EL SECRETO DE MARROWBONE, de Sergio G. Sánchez


La monotonía del miedo
EL SECRETO DE MARROWBONE
Festival de San Sebastián: Sección oficial fuera de concurso
España, 2017. Dirección y guión: Sergio G. Sánchez  Música: Fernando Velázquez Fotografía: Xavi Giménez Reparto: Anya Taylor-Joy, George MacKay, Mia Goth, Charlie Heaton, Matthew Stagg, Kyle Soller Género: Thriller psicológico. Terror Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/10/2017
¿De qué va?: Tras la muerte de su madre, cuatro hermanos permanecen en la granja familiar, aislados de la civilización. Pronto descubrirán que tras las paredes de la casa se esconde un terrible secreto.


Confesémoslo: en España sabemos hacer cine de terror. No es cuestión de chovismo, pero hay que reconocer lo evidente. La tradición fantástica, además, viene de largo. Y, en consonancia con esa habilidad, es coherente que nuestras películas intenten acceder a los mercados internacionales, incluso ceder a parte de los imperativos de la industria para poder llegar al mayor número de públicos y pantallas posibles. Ya nos hemos acostumbrado a que películas locales estén habladas en inglés, con repartos formados por estrellas extranjeras y con códigos visuales propios del cine norteamericano. Lo que cabe preguntarse es si en ese ascenso de las llamadas superproducciones españolas no hemos perdido parte de nuestra esencia. La duda surge con más fuerza tras visionar El secreto de Marrowbone, una película caligráficamente perfecta, pero carente de inventiva, concebida y distribuida al calor de una moda que corre el riesgo de devenir pasajera. Aunque Sergio G. Sánchez haya demostrado en el pasado su pericia a la hora de trazar universos turbios, ese talento brilla por su ausencia en una ópera prima que sólo se alimenta de clichés, ruidos ensordecedores y un guión que lleva sus imposibles hasta el extremo, con una resolución que a muchos, más que pavor, nos causa auténtica risa. Hay talento, pero sobre todo apatía. Y al final, y lo que sigue no tiene ni un ápice de malicia, la intuición es que estamos ante un título que busca únicamente hacer mella en cartelera. El cine reducido a "ese thriller revientataquillas" que exige la cinematografía local y sus agentes. En esta ocasión, como defendimos muchos de manera muy vehemente en el Festival de San Sebastián, ni la magia de Mediaset podrá llenar tanto vacío. Nótese, además, que en estas líneas no se desvela el secreto de este Marrowbone, pero creednos: el descubrimiento del misterio es la mar de decepcionante. Que cada uno decida si quiere pasar por caja y ser víctima de esta mezcla desatinada de Los otros, El orfanato y similares.


Para asustadizos que quieren estar al día de esa película de la que habla todo el mundo.
Lo mejor: Cuenta con un diseño de producción muy digno.
Lo peor: Que ese envoltorio técnico no esté sustentado por un guión a la altura.

Más información sobre EL SECRETO DE MARROWBONE en PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 5


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EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

sábado, 7 de octubre de 2017

CRÍTICA | ALBA, de Ana Cristina Barragán


ALBA
Representante ecuatoriana a los premios Óscar 2018
Ecuador, 2016. Dirección y guión: Ana Cristina Barragán Fotografía: Simon Brauer Reparto: Macarena Arias, Pablo Aguirre, Amaia Merino, Isabel Borje, María Pareja, Mara Appel, Maisa Herrera  Género: Drama Duración: 98 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Alba es una niña de 11 años que tras la grave enfermedad de su madre debe ir a vivir con su padre, un hombre al que casi no conoce. La ausencia de su madre, la convivencia en un entorno ajeno al acostumbrado, su actitud introvertida y su paso de la niñez a la adolescencia en medio de todo ese caos, son parte de los conflictos internos y externos de la historia de Alba.



Alba es uno de los estrenos más comentados y laureados del cine ecuatoriano reciente, la ópera prima de la también actriz Ana Cristina Barragán. La historia se centra en el personaje de Alba (Macarena Arias), una niña que está transitando su paso de la niñez a la adolescencia y con ello los inevitables cambios físicos y emocionales propios de esa edad que será especialmente difícil para Alba, debido a que tiene que lidiar con la grave enfermedad de su madre, y el hecho de tener que ir a vivir con su padre, un hombre un tanto raro y solitario a quien ella apenas conoce. Alba es una niña introvertida e inocente que está descubriendo el mundo y descubriéndose a sí misma e intenta encajar en su entorno. A lo largo del metraje los diálogos son mínimos pero la historia fluye sin ningún problema, tal vez porque en cierta manera es fácil identificarse con ese ‘viaje’ que emprende Alba, pero también hay que reconocer cierta destreza en la novel directora a la hora de narrar a través de imágenes sin usar demasiados diálogos; porque estamos ante una película que se expresa a través de sus imágenes, de los gestos, de las miradas y de los largos silencios.



Alba es una obra intimista y de mirada femenina. Un drama de dolor contenido, el cual se narra desde la perspectiva de la inocencia y curiosidad de una niña que empieza a descubrir el mundo y los momentos buenos y malos que este nos ofrece, historia sencilla y de tema universal que sabe calar en el espectador. Sin duda, un pilar importante de la cinta es la destacable interpretación de Macarena Arias (a Barragán le valió la pena buscar entre más de 600 niñas, porque dio con la correcta), junto a la pequeña, la actriz española Amaia Merino en el personaje de la madre enferma y ausente pero en cierto modo muy "presente" a lo largo de la trama, dejando protagonismo al personaje de Igor (Pablo Aguirre), el solitario y silencioso padre que deberá cuidar de Alba, y con quien la pequeña apenas interactúa o tiene alguna conversación, pero que incluso sin palabras en cada escena juntos dicen mucho. Cabe mencionar también que la cinta no tiene música, pero sí una canción, el éxito setentero Eres tú de Mocedades, que sin duda junto a la historia, las interpretaciones y la acorde fotografía de la cinta logra crear una atmósfera de nostalgia, primero en una de las escenas y luego en los títulos de créditos tras la escena final, donde en una especie de recordatorio y despedida afloran en los personajes los sentimientos y emociones hasta ese momento reprimidos. En resumen, Alba es una película de fondo sencillo, puede que también le sobra alguna escena, pero fuera de eso, en su forma y conjunto logra dejar un estilo diferente en el cine ecuatoriano, una historia entrañable.


Escucha toda la información de los PREMIOS ÓSCAR 2018 en

jueves, 5 de octubre de 2017

CRÍTICA | MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO, de Gustavo Salmerón


La madre que nos parió
MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO
Festival de Karlovy Vary: Mejor documental. Festival de San Sebastián: Zabaltegi-Tabakalera
España, 2017. Dirección y fotografía: Gustavo Salmerón Guión: Gustavo Salmerón, Raúl de Torres y Beatriz Montañez Música: Nacho Mastretta Reparto: Julita Salmerón, Gustavo Salmerón Género: Documental Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 15/12/2017
¿De qué va?: Julita ha cumplido todos sus sueños. Se casó, tuvo muchos hijos, adoptó un mono y se fue a vivir a un castillo. Años después, ya mayor y víctima de la crisis, debe abandonar el inmueble, una situación que genera un sinfín de situaciones surrealistas.


Quince años después de ganar el Goya al mejor cortometraje por Desaliñada, el intérprete Gustavo Salmerón vuelve a ponerse detrás de la cámara para filmar una de las películas españolas más sorprendentes del curso. Muchos hijos, un mono y un castillo es la crónica de la propia familia del director, una prole que controla una matriarca, Julita Salmerón, que se convierte, seguramente a su pesar y para divertimento de la audiencia, en la gran estrella de la función. Salmerón se sirve de videos caseros para contarnos el devenir de sus padres y la ruina que, por culpa de la crisis, obliga a abuelos, hijos, nueras y nietos a abandonar el castillo donde han vivido muchos años. Durante la mudanza, Salmerón saca a relucir la personalidad inabarcable de su madre, el Síndrome de Diógenes que sufre la anciana, su obsesión con la comida y la búsqueda, macguffin premeditado de la "docuficción", de las vértebras de sus antepasados. El director, coprotagonista junto a sus allegados, no tiene miedo a enseñar sus propias miserias, a la vez que no rehuye el recuerdo de un pasado ingrato y guerracivilista que la película evoca desde el esperpento festivo, pero también con dureza. Ahí reside la magia de esta pequeña gran obra: Muchos hijos, un mono y un castillo es una broma privada de espíritu exhibicionista, y al mismo una historia de decrepitud. Tan cutre como adictiva. De una espontaneidad estudiadísima. Tremendamente divertida y de regusto profundamente amargo. Julita Salmerón, que abre la película sentada mientras come con fricción un vaso de leche con galletas, cierra la película tumbada en su nueva cama, con un monólogo que parece retar al olvido y a la muerte. Ella es la gran revelación de nuestro cine. La nueva Carmina, si se quiere. El corazón de una rareza cinematográfica, tan sigular como su título, que arrancará la carcajada y se ganará el cariño de una amplia mayoría. 


Para interesados en el surrealismo ibérico.
Lo mejor: La apertura de las cajas en el trastero familiar.
Lo peor: Le sobra un poco de metraje.


Más información sobre MUCHOS HIJOS... en PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 6

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EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

martes, 3 de octubre de 2017

CRÍTICA | LA LLAMADA, de Javier Calvo y Javier Ambrossi


Si esto es fe...
LA LLAMADA
Festival de San Sebastián: Gala RTVE
España, 2017. Dirección y guión: Javier Calvo y Javier Ambrossi Música: Leiva Reparto: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo, Richard Collins-Moore, María Isabel Díaz, Secun de la Rosa, Esti Quesada Género: Comedia musical Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno: 29/09/2017
¿De qué va?: Dos adolescentes escapan del campamento cristiano La Brújula para asistir a un concierto de electro-latino. A su regreso, la nueva madre superiora y una de las monjas más veteranas castigan a las jóvenes durante todo el fin de semana. En ese tiempo, una de las chicas descubrirá la llamada del Señor.


LA LLAMADA. Con el musical La llamada, Javier Calvo y Javier Ambrossi, hasta hace poco conocidos únicamente por su actividad como intérpretes, consiguieron una enorme repercusión en los circuitos madrileños. Con la episódica Paquita Salas, "los Javis" (ya, por lo tanto, con una denominación propia) revalidaron su popularidad convirtiéndose en los principales representantes de la nueva comedia local, con códigos apegados a la cultura popular, y por ello concentrando su radio de influencia en redes sociales, webs especializadas y otras esferas. La fama de la obra teatral abría la senda hacia una adaptación cinematográfica que ahora se concreta en esta homónima La llamada, una película que, de nuevo, se sirve de todas las constantes vistas con anterioridad por sus artífices: léxico deslenguado, referencias pop, citas a la liberación sexual, una irreverencia muy medida y la complicidad de un reparto "de la casa" (Castillo, Cuesta, García y Olayo). Con esta cronología de logros, el reto presente de "los Javis", entronizados por una minoría, es ampliar su nómina de adeptos, muy concretamente apelando a aquellos que no tuvieron acceso a la obra original o que nunca llegaron a visionar su webserie. En breve sabremos si el dúo de directores (para más señas, pareja sentimental en la vida real) consigue ese respaldo de crítica y público, aunque nuestro cometido es abordar La llamada en paralelo a todo el entusiasmo que levantó y levantará entre sus adeptos. En esencia: determinar si el estreno que ahora nos llega es, en verdad, una buena película o, al menos, un título capaz de marcar tendencia en el panorama cómico patrio. Escribiendo desde la fe, pero con el escepticismo propio de cualquier postura prudente. 


LA FE. Desde el primer fotograma, La llamada apela directamente a una generación teen. Calvo y Ambrossi se reconocen y al mismo tiempo se ríen de esos millenials que toman el reggeaton, la telerrealidad, la sitcom, el youtube y el smartphone como símbolos de su identidad, su manera de entender el mundo y de relacionarse con los demás. Si Bigas Lunas filmaba a su Juani desde la curiosidad sociológica (también, colateralmente, con cierta distancia que lastraba los méritos de dicha película), "los Javis" interactúan con Susana y María (o "Suma Latina") desde la espontaneidad, el "tú a tú", la "verdad" de una juventud choni que, en el fondo, es "todo impostura". Esa frescura dota a La llamada de una personalidad única, respetuosa además con los sustratos de la "españolada" y el "almodovarismo". No pretende ser una rúbrica de Ocho apellidos vascos, aunque en el fondo incida en temas tan enraizados como las diferencias regionales. No es una actualización de El otro lado de la cama, por mucho que se trate del intento más firme por renovar el cine musical español desde el título de Martínez-Lázaro. Tampoco un producto de perfil bajo que se limita a llevar a la gran pantalla las formas de internet y la televisión: la ambición de sus cineastas es, precisamente, convertirse en "cineastas". Por todo lo dicho, La llamada es una película curiosa, única en su especie, con todos los ingredientes para convertirse en una obra de culto y, sobre todo, con cuatro actrices que, sin salir de su zona de confort interpretativo, consiguen ponerse a la audiencia en el bolsillo. 


EL ESCEPTICISMO. Dicho esto, confieso que el fenómeno teatral de La llamada me resultó bastante ajeno, a la vez que, reconociendo el "target" al que se dirigen "los Javis", asumo no formar parte de esa órbita privilegiada. Aprecio, en definitiva, los méritos de la película, pero no me identifico con su mundo ni con su humor. No creo que esté especialmente bien dirigida (los insertos musicales suelen ser de una ejecución efectiva pero modesta), ni tan siquiera defiendo su supuesta originalidad (de nuevo, el estilo de "los Javis" tiene más de "reciclaje" que de estricta invención). Incluso me resulta sospechoso la participación en la producción de algunos nombres clave del "famoseo" (¡Jorge Javier Vázquez!), algo que explicaría la visibilidad no siempre merecida que está teniendo la película. En definitiva, mi postura ante La llamada es la de mero observador. Funciona, brilla de forma intermitente, y poco más. Tiene escenas amenas, otras más deslucidas, y en todo momento se mueve en una extroversión que a algunos nos saca de quicio. La llamada, vaya, "no me llama". Así que, puestos a apelar a Whitney Houston, siempre nos quedará el ya mítico plano de Toni Erdmann. Y si se trata de desmontar las bases religiosas, nada supera todavía la mala leche de Entre tinieblas. Pero este espacio seguirá atento a todos los futuros proyectos de Calvo y Ambrossi. Sigo a la espera de formar parte de su lista de "creyentes". Ojalá en un futuro cercano haya más llamadas, igual de festivas, y con suerte más convincentes.


Para amantes de la comedia, en todas sus vertientes (a poder ser, de menos de 30 años).
Lo mejor: Belén Cuesta, protagonista "moral" de la función.
Lo peor: A veces acumula tantos guiños y referencias de otros que se olvida de contar una historia propia.


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EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

lunes, 2 de octubre de 2017

CRÍTICA | MORIR, de Fernando Franco


Cuando la vida es sólo muerte
MORIR
Festival de San Sebastián: Sección oficial fuera de concurso
España, 2017. Dirección y guión: Fernando Franco Fotografía: Santiago Racaj Música: Maite Arrotajauregi Reparto: Marián Álvarez, Andrés Gertrudix Género: Drama Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 06/10/2017
¿De qué va?: Luis sufre una enfermedad terminal. Marta, su pareja, ha pedido una excedencia laboral para poder cuidarlo. Él no quiere que nadie de su entorno sepa de su estado de salud, una situación que pondrá a prueba la estabilidad de ambos.


En La herida, Fernando Franco seguía a su protagonista tras romper una relación sentimental. La cinta nunca llegaba a explicar qué había sucedido para que Ana, aquejada de Transtorno límite de personalidad, dejara a su novio, o más bien qué acontenció para que él decidiera distanciarse de ella. Morir, de nuevo pivotada sobre la influencia de la enfermedad en el seno de una pareja, se presenta ante el espectador como complemento a aquello que en la ópera prima de Franco quedaba velado; aunque, como hiciera la cinta de hace ahora cuatro años, el estreno que nos ocupa no plantea discursos fáciles, y por lo tanto no presenta respuestas. Más bien es la descripción precisa de un abismo. Tan duro que no admite anestesias. Tan real que incomoda. 


Haciendo honor a su título, Morir es una película desnuda y directa. Una historia de muerte, pero sobre todo una crónica de lo que va pereciendo mientras se produce el lento deterioro del ser más querido. También de sacrificio, de entrega, de paciencias infinitas y amores que batallan contra múltiples adversidades. Franco prefiere moverse entre interiores, si bien, como le sucede a Álvarez en la ficción, necesita interactuar con unos espacios naturales que, por rocosos y decembrinos, se imponen como metáforas del estado de ánimo de los personajes y del tempo que marca toda la narración. Una opción arriesgada que, como la ópera prima de Franco, hiere poco a poco, en silencio, hasta estallar en un final premeditadamente austero y, por ello, tremendamente impactante.


Con esta descripción, queda claro que Morir no es una película de masas, ni tan siquiera una apuesta relativamente cómoda para aquella cinefilia que se concentra en ciertos circuitos de cine de autor y proyecciones en versión original. Franco indaga en cuestiones tan espinosas que el espectador, en función de su aguante y de su bagaje, puede desvincularse de la historia. Pero el cine no sólo es entretenimiento, sino también un reflejo de lo que fuimos, somos y seremos. No siempre el séptimo arte puede describirse en términos acomodaticios, y películas como Morir reivindican el soporte audiovisual como una manera de sintetizar la vida, aun cuando ésta sólo puede describirse en términos de muerte. Una pequeña gran joya de nuestra cinematografía reciente. Una película que se queda grabada a fuego en la memoria. La herida era la promesa de un gran cineasta: Morir es la confirmación de un autor superlativo.


Para espectadores valientes.
Lo mejor: Sus actores sustentan la película con un verismo increible.
Lo peor: Su dureza puede espantar a los espectadores.


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Más información sobre Morir en el PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 5

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domingo, 1 de octubre de 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | PALMARÉS


Programa nº 70 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities terminamos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos la película La buena esposa (The Wife) y analizamos todo el palmarés de la edición. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!