Cinoscar & Rarities

domingo, 8 de octubre de 2017

CRÍTICA | EL SECRETO DE MARROWBONE, de Sergio G. Sánchez

La monotonía del miedo
EL SECRETO DE MARROWBONE

Festival de San Sebastián: Sección oficial fuera de concurso

España, 2017. Dirección y guión: Sergio G. Sánchez Música: Fernando Velázquez Fotografía: Xavi Giménez Reparto: Anya Taylor-Joy, George MacKay, Mia Goth, Charlie Heaton, Matthew Stagg, Kyle Soller Género: Thriller psicológico. Terror Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/10/2017
¿De qué va?: Tras la muerte de su madre, cuatro hermanos permanecen en la granja familiar, aislados de la civilización. Pronto descubrirán que tras las paredes de la casa se esconde un terrible secreto.

Confesémoslo: en España sabemos hacer cine de terror. No es cuestión de chovismo, pero hay que reconocer lo evidente. La tradición fantástica, además, viene de largo. Y, en consonancia con esa habilidad, es coherente que nuestras películas intenten acceder a los mercados internacionales, incluso ceder a parte de los imperativos de la industria para poder llegar al mayor número de públicos y pantallas posibles. Ya nos hemos acostumbrado a que películas locales estén habladas en inglés, con repartos formados por estrellas extranjeras y con códigos visuales propios del cine norteamericano. Lo que cabe preguntarse es si en ese ascenso de las llamadas superproducciones españolas no hemos perdido parte de nuestra esencia. La duda surge con más fuerza tras visionar El secreto de Marrowbone, una película caligráficamente perfecta, pero carente de inventiva, concebida y distribuida al calor de una moda que corre el riesgo de devenir pasajera. Aunque Sergio G. Sánchez haya demostrado en el pasado su pericia a la hora de trazar universos turbios, ese talento brilla por su ausencia en una ópera prima que sólo se alimenta de clichés, ruidos ensordecedores y un guión que lleva sus imposibles hasta el extremo, con una resolución que a muchos, más que pavor, nos causa auténtica risa. Hay talento, pero sobre todo apatía. Y al final, y lo que sigue no tiene ni un ápice de malicia, la intuición es que estamos ante un título que busca únicamente hacer mella en cartelera. El cine reducido a "ese thriller revientataquillas" que exige la cinematografía local y sus agentes. En esta ocasión, como defendimos muchos de manera muy vehemente en el Festival de San Sebastián, ni la magia de Mediaset podrá llenar tanto vacío. Nótese, además, que en estas líneas no se desvela el secreto de este Marrowbone, pero creednos: el descubrimiento del misterio es la mar de decepcionante. Que cada uno decida si quiere pasar por caja y ser víctima de esta mezcla desatinada de Los otros, El orfanato y similares.

Para asustadizos que quieren estar al día de esa película de la que habla todo el mundo.

Lo mejor: Cuenta con un diseño de producción muy digno.

Lo peor: Que ese envoltorio técnico no esté sustentado por un guión a la altura.

Más información sobre EL SECRETO DE MARROWBONE en PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 5

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EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

sábado, 7 de octubre de 2017

CRÍTICA | ALBA, de Ana Cristina Barragán

ALBA

Representante ecuatoriana a los premios Óscar 2018

Ecuador, 2016. Dirección y guión: Ana Cristina Barragán Fotografía: Simon Brauer Reparto: Macarena Arias, Pablo Aguirre, Amaia Merino, Isabel Borje, María Pareja, Mara Appel, Maisa Herrera Género: Drama Duración: 98 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Alba es una niña de 11 años que tras la grave enfermedad de su madre debe ir a vivir con su padre, un hombre al que casi no conoce. La ausencia de su madre, la convivencia en un entorno ajeno al acostumbrado, su actitud introvertida y su paso de la niñez a la adolescencia en medio de todo ese caos, son parte de los conflictos internos y externos de la historia de Alba.

Alba es uno de los estrenos más comentados y laureados del cine ecuatoriano reciente, la ópera prima de la también actriz Ana Cristina Barragán. La historia se centra en el personaje de Alba (Macarena Arias), una niña que está transitando su paso de la niñez a la adolescencia y con ello los inevitables cambios físicos y emocionales propios de esa edad que será especialmente difícil para Alba, debido a que tiene que lidiar con la grave enfermedad de su madre, y el hecho de tener que ir a vivir con su padre, un hombre un tanto raro y solitario a quien ella apenas conoce. Alba es una niña introvertida e inocente que está descubriendo el mundo y descubriéndose a sí misma e intenta encajar en su entorno. A lo largo del metraje los diálogos son mínimos pero la historia fluye sin ningún problema, tal vez porque en cierta manera es fácil identificarse con ese ‘viaje’ que emprende Alba, pero también hay que reconocer cierta destreza en la novel directora a la hora de narrar a través de imágenes sin usar demasiados diálogos; porque estamos ante una película que se expresa a través de sus imágenes, de los gestos, de las miradas y de los largos silencios.

Alba es una obra intimista y de mirada femenina. Un drama de dolor contenido, el cual se narra desde la perspectiva de la inocencia y curiosidad de una niña que empieza a descubrir el mundo y los momentos buenos y malos que este nos ofrece, historia sencilla y de tema universal que sabe calar en el espectador. Sin duda, un pilar importante de la cinta es la destacable interpretación de Macarena Arias (a Barragán le valió la pena buscar entre más de 600 niñas, porque dio con la correcta), junto a la pequeña, la actriz española Amaia Merino en el personaje de la madre enferma y ausente pero en cierto modo muy "presente" a lo largo de la trama, dejando protagonismo al personaje de Igor (Pablo Aguirre), el solitario y silencioso padre que deberá cuidar de Alba, y con quien la pequeña apenas interactúa o tiene alguna conversación, pero que incluso sin palabras en cada escena juntos dicen mucho. Cabe mencionar también que la cinta no tiene música, pero sí una canción, el éxito setentero Eres tú de Mocedades, que sin duda junto a la historia, las interpretaciones y la acorde fotografía de la cinta logra crear una atmósfera de nostalgia, primero en una de las escenas y luego en los títulos de créditos tras la escena final, donde en una especie de recordatorio y despedida afloran en los personajes los sentimientos y emociones hasta ese momento reprimidos. En resumen, Alba es una película de fondo sencillo, puede que también le sobra alguna escena, pero fuera de eso, en su forma y conjunto logra dejar un estilo diferente en el cine ecuatoriano, una historia entrañable.

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EL PODCAST DE C&R: Las películas de los ÓSCAR 2018

jueves, 5 de octubre de 2017

CRÍTICA | MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO, de Gustavo Salmerón

La madre que nos parió

MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO

Festival de Karlovy Vary: Mejor documental. Festival de San Sebastián: Zabaltegi-Tabakalera

España, 2017. Dirección y fotografía: Gustavo Salmerón Guión: Gustavo Salmerón, Raúl de Torres y Beatriz Montañez Música: Nacho Mastretta Reparto: Julita Salmerón, Gustavo Salmerón Género: Documental Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 15/12/2017

¿De qué va?: Julita ha cumplido todos sus sueños. Se casó, tuvo muchos hijos, adoptó un mono y se fue a vivir a un castillo. Años después, ya mayor y víctima de la crisis, debe abandonar el inmueble, una situación que genera un sinfín de situaciones surrealistas.

Quince años después de ganar el Goya al mejor cortometraje por Desaliñada, el intérprete Gustavo Salmerón vuelve a ponerse detrás de la cámara para filmar una de las películas españolas más sorprendentes del curso. Muchos hijos, un mono y un castillo es la crónica de la propia familia del director, una prole que controla una matriarca, Julita Salmerón, que se convierte, seguramente a su pesar y para divertimento de la audiencia, en la gran estrella de la función. Salmerón se sirve de videos caseros para contarnos el devenir de sus padres y la ruina que, por culpa de la crisis, obliga a abuelos, hijos, nueras y nietos a abandonar el castillo donde han vivido muchos años. Durante la mudanza, Salmerón saca a relucir la personalidad inabarcable de su madre, el Síndrome de Diógenes que sufre la anciana, su obsesión con la comida y la búsqueda, macguffin premeditado de la "docuficción", de las vértebras de sus antepasados. El director, coprotagonista junto a sus allegados, no tiene miedo a enseñar sus propias miserias, a la vez que no rehuye el recuerdo de un pasado ingrato y guerracivilista que la película evoca desde el esperpento festivo, pero también con dureza. Ahí reside la magia de esta pequeña gran obra: Muchos hijos, un mono y un castillo es una broma privada de espíritu exhibicionista, y al mismo una historia de decrepitud. Tan cutre como adictiva. De una espontaneidad estudiadísima. Tremendamente divertida y de regusto profundamente amargo. Julita Salmerón, que abre la película sentada mientras come con fricción un vaso de leche con galletas, cierra la película tumbada en su nueva cama, con un monólogo que parece retar al olvido y a la muerte. Ella es la gran revelación de nuestro cine. La nueva Carmina, si se quiere. El corazón de una rareza cinematográfica, tan sigular como su título, que arrancará la carcajada y se ganará el cariño de una amplia mayoría.

Para interesados en el surrealismo ibérico.

Lo mejor: La apertura de las cajas en el trastero familiar.

Lo peor: Le sobra un poco de metraje.

Más información sobre MUCHOS HIJOS... en PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 6

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EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

martes, 3 de octubre de 2017

CRÍTICA | LA LLAMADA, de Javier Calvo y Javier Ambrossi

Si esto es fe...

LA LLAMADA

Festival de San Sebastián: Gala RTVE

España, 2017. Dirección y guión: Javier Calvo y Javier Ambrossi Música: Leiva Reparto: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo, Richard Collins-Moore, María Isabel Díaz, Secun de la Rosa, Esti Quesada Género: Comedia musical Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno: 29/09/2017

¿De qué va?: Dos adolescentes escapan del campamento cristiano La Brújula para asistir a un concierto de electro-latino. A su regreso, la nueva madre superiora y una de las monjas más veteranas castigan a las jóvenes durante todo el fin de semana. En ese tiempo, una de las chicas descubrirá la llamada del Señor.

LA LLAMADA. Con el musical La llamada, Javier Calvo y Javier Ambrossi, hasta hace poco conocidos únicamente por su actividad como intérpretes, consiguieron una enorme repercusión en los circuitos madrileños. Con la episódica Paquita Salas, "los Javis" (ya, por lo tanto, con una denominación propia) revalidaron su popularidad convirtiéndose en los principales representantes de la nueva comedia local, con códigos apegados a la cultura popular, y por ello concentrando su radio de influencia en redes sociales, webs especializadas y otras esferas. La fama de la obra teatral abría la senda hacia una adaptación cinematográfica que ahora se concreta en esta homónima La llamada, una película que, de nuevo, se sirve de todas las constantes vistas con anterioridad por sus artífices: léxico deslenguado, referencias pop, citas a la liberación sexual, una irreverencia muy medida y la complicidad de un reparto "de la casa" (Castillo, Cuesta, García y Olayo). Con esta cronología de logros, el reto presente de "los Javis", entronizados por una minoría, es ampliar su nómina de adeptos, muy concretamente apelando a aquellos que no tuvieron acceso a la obra original o que nunca llegaron a visionar su webserie. En breve sabremos si el dúo de directores (para más señas, pareja sentimental en la vida real) consigue ese respaldo de crítica y público, aunque nuestro cometido es abordar La llamada en paralelo a todo el entusiasmo que levantó y levantará entre sus adeptos. En esencia: determinar si el estreno que ahora nos llega es, en verdad, una buena película o, al menos, un título capaz de marcar tendencia en el panorama cómico patrio. Escribiendo desde la fe, pero con el escepticismo propio de cualquier postura prudente.

LA FE. Desde el primer fotograma, La llamada apela directamente a una generación teen. Calvo y Ambrossi se reconocen y al mismo tiempo se ríen de esos millenials que toman el reggeaton, la telerrealidad, la sitcom, el youtube y el smartphone como símbolos de su identidad, su manera de entender el mundo y de relacionarse con los demás. Si Bigas Lunas filmaba a su Juani desde la curiosidad sociológica (también, colateralmente, con cierta distancia que lastraba los méritos de dicha película), "los Javis" interactúan con Susana y María (o "Suma Latina") desde la espontaneidad, el "tú a tú", la "verdad" de una juventud choni que, en el fondo, es "todo impostura". Esa frescura dota a La llamada de una personalidad única, respetuosa además con los sustratos de la "españolada" y el "almodovarismo". No pretende ser una rúbrica de Ocho apellidos vascos, aunque en el fondo incida en temas tan enraizados como las diferencias regionales. No es una actualización de El otro lado de la cama, por mucho que se trate del intento más firme por renovar el cine musical español desde el título de Martínez-Lázaro. Tampoco un producto de perfil bajo que se limita a llevar a la gran pantalla las formas de internet y la televisión: la ambición de sus cineastas es, precisamente, convertirse en "cineastas". Por todo lo dicho, La llamada es una película curiosa, única en su especie, con todos los ingredientes para convertirse en una obra de culto y, sobre todo, con cuatro actrices que, sin salir de su zona de confort interpretativo, consiguen ponerse a la audiencia en el bolsillo.

EL ESCEPTICISMO. Dicho esto, confieso que el fenómeno teatral de La llamada me resultó bastante ajeno, a la vez que, reconociendo el "target" al que se dirigen "los Javis", asumo no formar parte de esa órbita privilegiada. Aprecio, en definitiva, los méritos de la película, pero no me identifico con su mundo ni con su humor. No creo que esté especialmente bien dirigida (los insertos musicales suelen ser de una ejecución efectiva pero modesta), ni tan siquiera defiendo su supuesta originalidad (de nuevo, el estilo de "los Javis" tiene más de "reciclaje" que de estricta invención). Incluso me resulta sospechoso la participación en la producción de algunos nombres clave del "famoseo" (¡Jorge Javier Vázquez!), algo que explicaría la visibilidad no siempre merecida que está teniendo la película. En definitiva, mi postura ante La llamada es la de mero observador. Funciona, brilla de forma intermitente, y poco más. Tiene escenas amenas, otras más deslucidas, y en todo momento se mueve en una extroversión que a algunos nos saca de quicio. La llamada, vaya, "no me llama". Así que, puestos a apelar a Whitney Houston, siempre nos quedará el ya mítico plano de Toni Erdmann. Y si se trata de desmontar las bases religiosas, nada supera todavía la mala leche de Entre tinieblas. Pero este espacio seguirá atento a todos los futuros proyectos de Calvo y Ambrossi. Sigo a la espera de formar parte de su lista de "creyentes". Ojalá en un futuro cercano haya más llamadas, igual de festivas, y con suerte más convincentes.

Para amantes de la comedia, en todas sus vertientes (a poder ser, de menos de 30 años).

Lo mejor: Belén Cuesta, protagonista "moral" de la función.

Lo peor: A veces acumula tantos guiños y referencias de otros que se olvida de contar una historia propia.

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EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

lunes, 2 de octubre de 2017

CRÍTICA | MORIR, de Fernando Franco

Cuando la vida es sólo muerte

MORIR

Festival de San Sebastián: Sección oficial fuera de concurso

España, 2017. Dirección y guión: Fernando Franco Fotografía: Santiago Racaj Música: Maite Arrotajauregi Reparto: Marián Álvarez, Andrés Gertrudix Género: Drama Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 06/10/2017

¿De qué va?: Luis sufre una enfermedad terminal. Marta, su pareja, ha pedido una excedencia laboral para poder cuidarlo. Él no quiere que nadie de su entorno sepa de su estado de salud, una situación que pondrá a prueba la estabilidad de ambos.

En La herida, Fernando Franco seguía a su protagonista tras romper una relación sentimental. La cinta nunca llegaba a explicar qué había sucedido para que Ana, aquejada de Transtorno límite de personalidad, dejara a su novio, o más bien qué acontenció para que él decidiera distanciarse de ella. Morir, de nuevo pivotada sobre la influencia de la enfermedad en el seno de una pareja, se presenta ante el espectador como complemento a aquello que en la ópera prima de Franco quedaba velado; aunque, como hiciera la cinta de hace ahora cuatro años, el estreno que nos ocupa no plantea discursos fáciles, y por lo tanto no presenta respuestas. Más bien es la descripción precisa de un abismo. Tan duro que no admite anestesias. Tan real que incomoda.

Haciendo honor a su título, Morir es una película desnuda y directa. Una historia de muerte, pero sobre todo una crónica de lo que va pereciendo mientras se produce el lento deterioro del ser más querido. También de sacrificio, de entrega, de paciencias infinitas y amores que batallan contra múltiples adversidades. Franco prefiere moverse entre interiores, si bien, como le sucede a Álvarez en la ficción, necesita interactuar con unos espacios naturales que, por rocosos y decembrinos, se imponen como metáforas del estado de ánimo de los personajes y del tempo que marca toda la narración. Una opción arriesgada que, como la ópera prima de Franco, hiere poco a poco, en silencio, hasta estallar en un final premeditadamente austero y, por ello, tremendamente impactante.

Con esta descripción, queda claro que Morir no es una película de masas, ni tan siquiera una apuesta relativamente cómoda para aquella cinefilia que se concentra en ciertos circuitos de cine de autor y proyecciones en versión original. Franco indaga en cuestiones tan espinosas que el espectador, en función de su aguante y de su bagaje, puede desvincularse de la historia. Pero el cine no sólo es entretenimiento, sino también un reflejo de lo que fuimos, somos y seremos. No siempre el séptimo arte puede describirse en términos acomodaticios, y películas como Morir reivindican el soporte audiovisual como una manera de sintetizar la vida, aun cuando ésta sólo puede describirse en términos de muerte. Una pequeña gran joya de nuestra cinematografía reciente. Una película que se queda grabada a fuego en la memoria. La herida era la promesa de un gran cineasta: Morir es la confirmación de un autor superlativo.

Para espectadores valientes.

Lo mejor: Sus actores sustentan la película con un verismo increible.

Lo peor: Su dureza puede espantar a los espectadores.

Si te gusta esta reseña, ¡vótala en Filmaffinity!

Más información sobre Morir en el PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 5

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EL PODCAST DE C&R: CINE ESPAÑOL '17

domingo, 1 de octubre de 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | PALMARÉS

Programa nº 70 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities terminamos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos la película La buena esposa (The Wife) y analizamos todo el palmarés de la edición. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

Festival de San Sebastián 2017

sábado, 30 de septiembre de 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | DÍA 8

Programa nº 69 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities seguimos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos las películas The Captain (Der Hauptmann), Le lion est mort ce soir, The Leisure Seeker, Arábia y Loving Pablo. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

Festival de San Sebastián 2017

viernes, 29 de septiembre de 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | DÍA 7

Programa nº 68 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities seguimos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos las películas The Disaster Artist, La vida y nada más, Sin amor (Loveless), En realidad, nunca estuviste aquí y The Florida Project. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

Festival de San Sebastián 2017

jueves, 28 de septiembre de 2017

CRÍTICA | LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR (THE BIG SICK), de Michael Showalter

El amor, con humor

LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR (THE BIG SICK)

Festival de San Sebastián: Sección Perlas

EE. UU., 2017. Dirección: Michael Showalter Guión: Emily V. Gordon y Kumail Nanjiani Música: Michael Andrews Fotografía: Brian Burgoyne Reparto: Holly Hunter, Zoe Kazan, Ray Romano, Kumail Nanjiani, Linda Emond, Vella Lovell, Bo Burnham, Aidy Bryant, Matty Cardarople, Adeel Akhtar, Anupam Kher, Shenaz Treasury, Kurt Braunohler, Rebecca Naomi Jones, Celeste Arias, Myra Turley Género: Comedia dramática Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 03/11/2017

¿De qué va?: Kumail conoce a Emily en un club de monólogos. Pese a sus diferencias culturales, ambos conectan, vuelven a encontrarse y comparten noches de risas y sexo. Su relación sufre un vuelvo inesperado cuando Emily es hospitalizada y los padres de ella llegan a la ciudad.

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | DÍA 6

Programa nº 67 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities seguimos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos las películas Happy End, Muchos hijos, un mono y un castillo, Le semeur, Soldiers. A Story from Ferentari y Soller's Point. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

Festival de San Sebastián 2017

miércoles, 27 de septiembre de 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | DÍA 5

Programa nº 66 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities seguimos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos las películas Pororoca, Borg/McEnroe, Morir, El secreto de Marrowbone y Wonderstruck (El museo de las maravillas). Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

Festival de San Sebastián 2017

martes, 26 de septiembre de 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | DÍA 4

Programa nº 65 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities seguimos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos las películas Licht (Mademoiselle Paradise), Love me not, 120 pulsaciones por minuto, Los perros, La cordillera y Cargo. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

Festival de San Sebastián 2017

lunes, 25 de septiembre de 2017

CRÍTICA | CONVERSO, de David Arratibel

Filmando el espíritu santo

CONVERSO
Festival de Málaga: Mejor dirección. Festival de San Sebastián: Zinemira

España, 2017. Dirección y guión: David Arratibel Música: Raúl del Toro Fotografía: David Aguilar Reparto: David Arratibel, Raúl del Toro, María Arratibel, Pilar Aranburo, Paula Tellechea Género: Documental Duración: 60 min. Tráiler: Link Fecha de estreno de España: 29/09/2017
¿De qué va?: Las hermanas, el cuñado y la madre del director de cine David Arratibel se convierten de repente al catolicismo. Intrigado, el cineasta pone la cámara en su propia casa y decide encontrar las claves de lo sucedido.

El director David Arratibel explora en Converso el universo de la fe y sus avatares en un documental que recurre únicamente a su propia experiencia personal, prescindiendo de profusos estudios académicos o bibliografía abigarra. Gracias a su sencillez, la película llega directa, desnuda y sincera al espectador, que sigue al cineasta en su particular intento por acercarse y (auto)comprender a sus más allegados, que adoptaron las creencias y liturgias del catolicismo tras años de agnosticismo. Uno de los atractivos de la pieza está en ver a la hermana de Arratibel, una mujer espontánea y temperamental que cuenta sus experiencias con mucho desparpajo, como si viéramos las confesiones de una amiga en un entorno distendido. Al otro lado de la balanza, el director no esquiva los recovecos más dramáticos de su historia, aunque lo hace con la suficiente pericia como para que desde la butaca intuyamos un historial familiar mucho más complejo, siempre velado para evitar el sensacionalismo o el morbo gratuito. Converso es un exorcismo filmado, público y personal; la crónica de alguien que recurre al cine para entenderse a sí mismo y a los que le rodean, y de paso limar asperezas, compartir confidencias y tender puentes hacia las personas más queridas. ¿No debería el cine, en todos sus ámbitos y formatos, servir para eso? Así, es muy fácil creer a pies juntillas en la magia sanadora del celuloide. La asunción de lo divino, con todo, quedan a la libre elección del espectador.

Para interesados y estudiosos de la fe (no necesariamente creyentes)

Lo mejor: María Arratibel, "persona-personaje" que se come la película.

Lo peor: A veces se echa de menos un relato menos personal y más social.

Sigue la cobertura del Festival de San Sebastián en nuestro canal de Ivoox y Itunes

Toda la información del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 en

EL PODCAST DE C&R: Especial 65º FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | DÍA 3

Programa nº 64 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities seguimos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos las películas Tres anuncios a las afueras de Ebbing, Misuri, La novia del desierto, Ni juge ni soumise, Una especie de familia, Las hijas de Abril y Jusqu’à La Garde (Custodia Compartida). Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

Festival de San Sebastián 2017

domingo, 24 de septiembre de 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | DÍA 2

Programa nº 63 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities seguimos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos las películas La douleur, The Third Murderer, En cuerpo y alma, Au revoir là-haut, Handia (Aundiya) y Visages villages. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

Festival de San Sebastián 2017

Crónica - Día 1

Crónica - Día 0

sábado, 23 de septiembre de 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | DÍA 1

Programa nº 62 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities seguimos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Reseñamos las películas Inmersión, The Charmer, Call Me by Your Name, El autor y The Square. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

Festival de San Sebastián 2017

Crónica - Día 0

viernes, 22 de septiembre de 2017

CRÍTICA | EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA, de Aki Kaurismäki

En Finlandia algo sigue yendo mal

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA

Festival de Berlín: Mejor dirección. Gran Premio FIPRESCI a la mejor película del año

Finlandia, 2017. Dirección y guión: Aki Kaurismäki Fotografía: Timo Salminen Reparto: Kati Outinen, Tommi Korpela, Sakari Kuosmanen, Janne Hyytiäinen, Ilkka Koivula, Kaija Pakarinen, Nuppu Koivu, Tuomari Nurmio, Sherwan Haji Género: Tragicomedia social Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 07/04/2017
¿De qué va?: Khaled, huido de Siria, llega a Helsinki escondido en un barco que transporta carbón. Wikström, un empresario de la ciudad, decide cambiar de vida y abrir un restaurante. Los destinos de ambos coincidirán una noche en la puerta del local.

Tres décadas atrás, Kaurismäki codificó un cine muy personal, socarrón y crítico, protagonizado por personajes retraidos que realizaban acciones muy absurdas con un rictus muy serio. Su universo siempre estuvo del lado de los más desfavorecidos y denunció, por la vía de la metáfora, toda la inoperancia social que se orquestraba en torno a inmigrantes, refugiados, extranjeros, bohemios de distinta catadura y marginados varios. Por todo ello, era de esperar que la filmografía de Kaurismäki ganase en significados y texturas con la crisis que lleva acuciándonos desde hace mucho, demasiado. Si antes sus ficciones podían leerse como reflejos de la debil cohesión que sustentaba una Europa en pañales, ahora esas mismas historias parecen presagios sombríos, estampas atemporales de una depresión que persiste porque, tal vez, nunca llegó a disiparse del todo. Pese a lo dicho, la filmografía de Kaurismäki lleva insistiendo tanto tiempo y con tanta vehemencia en los estilemas de siempre que, para el espectador con memoria, su cine ha perdido parte del encanto de sus inicios, sin traicionarse a sí mismo, pero también sin abrir nuevos frentes que enriquezcan el sustrato de su obra.

Así, entre la repetición y la pertinencia, El otro lado de la esperanza se impone como una película singular, con momentos verdaderamente inspirados, una introversión muy familiar y la sensación de que lo visto, pese a los méritos, no supera sus obras cumbre. Khaled y Wikström, los protagonistas de este cuento apesadumbrado, nunca pierden autenticidad, si bien su devenir discurre más desganado que sus hermanos de ficción. Pero quedémoslo con la parte positiva: por algo aparece la palabra "esperanza" en su título. El film contiene una sabia reflexión sobre nuestro presente, y siempre vale la pena acercarse a escuchar a un sabio del audiovisual del continente. Pese a sus arrugas y cantinelas. Aunque la "esperanza", como la jubilación de esa musa que fue Kati Outinen, sea otro espejismo en esta Europa en constante contradicción. Porque El otro lado de la esperanza puede resultar insuficiente, pero, en esencia, es otra gran película del señor Kaurismäki.

Para saber dónde estamos (y temer hacia dónde vamos).

Lo mejor: Es puro Kaurismäki.

Lo peor: Es puro Kaurismäki.

Sigue la cobertura del Festival de San Sebastián en nuestro canal de Ivoox y Itunes

Toda la información del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 en

EL PODCAST DE C&R: Especial 65º FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

PODCAST | FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017 | DÍA 0

Programa nº 61 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Desde Cinoscar & Rarities iniciamos nuestra cobertura de la edición nº 65 del Festival de San Sebastián (Donostia Zinemaldia). Antes de empezar a comentar los distintos visionados, presentamos todas las películas, secciones, invitados y últimas noticias del certamen. Como siempre, con tráilers y mucha música. ¡Gracias por darle al play!

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