CRÍTICA | EL LEÓN EN INVIERNO, de Anthony Harvey

EL LEÓN EN INVIERNO (THE LION IN WINTER), de Anthony Harvey

Largometraje nº 15: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Pablo Amich

EE. UU., 1968. Dirección: Anthony Harvey Guión: James Goldman Duración: 125 min. Género: Drama histórico Tráiler: Link Reparto: Katharine Hepburn, Peter O'Toole, Jane Merrow, Anthony Hopkins, John Castle, Timothy Dalton, Nigel Terry, Nigel Stock

¿De qué va?: En la Inglaterra del S. XII, el rey Enrique II convoca a su esposa, hijos y aliados en su castillo para celebrar la Navidad. A punto de revelar qué hijo le relevará en la corona, se suceden distintos planes maquiavélicos, alianzas inesperadas y pactos ocultos, tanto diplomáticos como familiares, que convertirán la vida en palacio en una auténtica pesadilla.

Palmarés: 3 Óscar y 2 Globos de oro.

RESEÑA XAVIER: La película más recordada de Anthony Harvey es una obra con un guión de hierro y unos personajes que no dudan en expresar sus rencillas, sus trapos sucios y sus odios furibundos. Concebida como una tragedia clásica, El león en invierno es una historia de interiores y de diálogos, de disputas con espadas y combates dialécticos. Los distintos seres que se agrupan entorno al monarca Enrique II se mueven como fieras sibilinas encerradas en sus jaulas, cual piezas de ajedrez que se disponen en el tablero según estrategias varias. El león en invierno demuestra que el cine puede alcanzar grandes cotas de tensión y emoción con muy pocos elementos escénicos, grandes actores y un libreto bien hilvanado. Con todo, el film depende mucho de su referente teatral, y tal vez por ese motivo la película resulta un tanto encorsetada, con una concepción dramática del espacio más conservadora que apasionada (una pena, porque las entrañas de los personajes son puro fuego). Aun así, pocos reproches pueden hacerse a una obra que funciona con la precisión fría y afilada de un sable medieval: ver a Hepburn retorciendo el rostro según sus intereses, el ímpetu masculino de O’Toole y las tensiones shakespearianas de los tres hermanos (la escena de la reunión en la alcoba del rey de Francia es un prodigio) es un espectáculo que pocas veces tenemos ocasión de encontrarnos en el cine contemporáneo. Sólida, sobria, elegante y potente. Una de las tramas palaciegas más atractivas que se recuerden.

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RESEÑA DANIEL: Densa, colérica e infranqueable son algunos calificativos que bien merece esta película, un sólido drama histórico que habla con mucha fuerza visual y verbal (sobre todo) acerca de la reunión de la familia de Enrique II para pasar las navidades y además nombrar a su sucesor. La película es brutal desde su propio inicio, consiguiendo impactar desde la escena introductoria con un juego de espadas inocente que anuncia la crudeza y violencia de las acciones. El león en invierno nos enfoca a una familia monárquica y cómo desenvuelve sus más prohibidas pasiones para llegar al poder o aferrarse a él. Se percibe la más honda miseria humana, pues el film está cargado de traición, deslealtad, celos y engaños, todo esto rodeado de una atmósfera opresiva y maldiciente. Un guión lleno de sorpresas y una soberbias interpretaciones de todo el reparto, en especial un Peter O’Toole espléndido (ejecuta una actuación infernal, dotada de fuerza y violencia) y sobre todo una apabullante Katherine Hepburn (ganó su tercer Oscar con una personificación sencillamente endiablada, fascinante, camaleónica y prácticamente subversiva). Se aplaude también el despliegue técnico y una banda sonora que consigue empatizar con el ideal del film con himnos imponentes sobre todo. La escena final, magnífica. He allí la culminación de todo. 

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RESEÑA ISIDRO: En El león en invierno Enrique II, rey de Inglaterra, reúne a su familia a pasar las Navidades para decidir cuál de sus tres hijos lo sucederá en el trono. Este es el punto de partida de una serie de intrigas y conspiraciones palaciegas, de alianzas y traiciones en el seno de una misma familia en Nochebuena. Y sale un Geoffrey con cara de mala hostia permanente... ¡esto es Juego de tronos en los años 60! Aunque, eso sí, sin dragones ni tetas. Y con mucha menos sangre. Pero con un buen puñado de diálogos afilados como dardos con los que no sabes si los protagonistas se quieren o se odian o todo a la vez, y lo van demostrando según les dé el avenate. Quizá la puesta en escena peque de teatral, algo que no todos los directores que se atreven a adaptar una obra dramática consiguen sortear, y puede que algunas interpretaciones se afecten de ello. Pero aceptada esta limitación, se disfruta, sobre todo a una Hepburn en estado de gracia que se come al león de invierno, al de verano y hasta al Rey León. “Se acerca el invierno” decía Ned Stark, lema de su familia para ilustrar que siempre hay que estar alerta ante los peligros que acechan... Después de ver El león en invierno propongo cambiarlo por “Se acerca la Hepburn”. Muy chula. 

 

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RESEÑA MAYRA: En las diferentes ediciones del Cinoscar Summer Festival han estado presentes varias cintas de estilo dramático y teatral en las que sus directores no han usado demasiadas locaciones ni demasiados personajes, cuyos protagonistas principales eran los pilares fundamentales para que la película en cuestión funcionase correctamente: así lo pudimos apreciar en títulos como La huella, ¿Qué fue de baby Jane? o incluso las más recientes Madrid, 1987 y Stockholm, títulos que además nos presentaron duelos interpretativos magistrales. El león en invierno se une a esta lista de títulos presentándonos la adaptación cinematográfica de una obra de teatro, con interpretaciones principales de Peter O’Toole y Katharine Hepburn que son los pilares sobre los que se erige esta interesante propuesta ambientada en el siglo XII. Una cinta en la que vemos las intensas disputas de una familia por decidir quién heredará el trono del rey. Las peleas no serán masacres al estilo de las batallas por los siete reinos de Juego de Tronos, pero sí puedo decir que es una cinta llena de diálogos muy astutos y artimañas, alianzas y traiciones que por un momento me recordaron un poco a la serie mencionada. Con todo, y a pesar de las destacables interpretaciones, encuentro altibajos en el film, en algunos momentos me resulta poco interesante y demasiado dramático; aun así, merece la pena el visionado. 

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RESEÑA MIGUEL: Tensiones familiares reales de primer orden. The lion in winter es básicamente eso. Viajamos al siglo XII, a un gran castillo, y somos testigos de las artimañas y tejemanejes para alcanzar el poder. Las tensas relaciones que se construyen entre personajes subrayando el honor y el orgullo comparten muchos puntos en común con las relaciones de hoy en día. Así es fácil entender por qué resulta tan entretenida, pues no deja de ser un capítulo alargado de Game of Thrones con menos sexo y con menos violencia. Por encima de todo, el film cuenta con unos intérpretes que se desgañitan en sus papeles, destacando a Peter O’Toole y a Katherine Hepburn, que se llevó un Oscar muy merecido. 

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Un drama intenso, personal y fiero defendido por las grandes interpretaciones de O'Toole y Hepburn. Variety

La dirección de Harvey es inteligente, pero la lucha de poderes y el duelo de egos del film resulta un poco irritante. Con todo, las interpretaciones de sus protagonistas se disfrutan. Rod McShane, Time Out

Su guión peca de sofisticado y su historia es un tanto soporífera. Este drama histórico es un desastre. Don Druker, Chicago Reader

A pesar de su teatralidad, sigue igual de moderna. Sus actores están soberbios. Total Film

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'5 / IMDB: 8'2 / Sensacine: 7'0 / Rottentomatoes: 9'0

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VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  

7 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actor protagonista: PETER O'TOOLE

Mejor actriz protagonista: KATHERINE HEPBURN

Mejor reparto

Mejor guión adaptado: JAMES GOLDMAN

Mejor música original: JOHN BARRY

Mejor vestuario: MARGARET FURSE

Mejor diseño de producción: JOSEPH E. LEVINE, JANE C. NUSBAUM y MARTIN POLL

NOTA DEL JURADO

CORTO | ALMA, de Rodrigo Blaas

ALMA, de Rodrigo Blaas

Cortometraje nº 06: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Raquel Ramos

España, 2009. Animación, 6 min.

RESEÑA DANIEL: ¿Quién podría creer que en una tan inocente historia se podría encerrar tan perversa trama? Alma inicia como un pequeño cuento, con intriga eso sí, pero poco a poco se introduce en el desafortunado mundo que el director crea para aquella pequeña niña protagonista. Alma habita entre las producciones que con el silencio y en furtivas y concesivas miradas lo dicen todo. Un corto sensorial, agudo y siniestro, que podría ser la pesadilla de cualquier niño, y que hace hincapié en aquella famosa frase: “la curiosidad mató al gato”. Y vaya que somos curiosos ¿no? Nota: 8

RESEÑA XAVIER: ¿Cómo sería vivir, sentir y pensar como una muñeca? En Alma, los objetos cobran vida y los niños se convierten en las víctimas de un hechizo. Blaas consigue un cuento gótico de 5 minutos, cual cuento de terror llevado a contextos infantiles. Una historia cruel que parece avisarnos de los peligros de querer desentrañar los misterios que nos encontramos a nuestro paso. Mejor no meterse con los objetos aparentemente inertes, porque su alma puede manifestarse y vampirizarnos. Nota: 7

RESEÑA MAYRA: De factura técnica destacable y vistosa, Alma (título que ya de por sí esconde mucho) es un cortometraje curioso e inocente, que hacía el tramo final guarda un 'as' bajo la manga que puede sorprender al espectador. Aunque no cuente una historia trascendente, el visionado resulta muy ameno y transcurre en un abrir y cerrar de ojos. Nota: 6 

RESEÑA MIGUEL: Alma es justo la clase de animación que no me gusta. Se me antoja barata y acartonada. Ya sin contar lo ñoño de la trama, y su música de algodón de azúcar que me crispaba los nervios. No me resulta encantador en ningún momento, y su poca imaginería visual es muy poco sorprendente. Es un suspenso clarísimo. Nota: 4

RESEÑA ISIDRO: Alma es un corto muy sencillito. Su historia es mínima, no pasa casi nada y tampoco tiene mucho que decir. Y quizás hasta le falte precisamente un poco de lo que anuncia su título. Pero es que tampoco lo necesita. Alma es nada más ni nada menos que un ejercicio de intriga a pequeñísima escala que funciona al milímetro gracias a un gran manejo de los planos y de los tiempos, y a una animación más que digna. La prueba definitiva que confirma que las muñecas de porcelana dan yuyu del de verdad. Nota: 6

NOTA DEL JURADO:

CRÍTICA | THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, de Jim Sharman

THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, de Jim Sharman

Largometraje nº 14: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de German Arturo Cortés

Reino Unido, 1975. Dirección: Jim Sharman Guión: Jim Sharman y Richard O'Brien Duración: 95 min. Género: Musical. Parodia de terror. Comedia negra Tráiler: Link Reparto: Susan Sarandon, Tim Curry, Barry Bostwick, Richard O'Brien, Patricia Quinn, Nell Campbell, Jonathan Adams, Peter Hinwood, Meat Loaf, Charles Gray
¿De qué va?: Durante las primeras horas de su luna de miel, perdidos en mitad de la nada, con el coche estropeado y en una noche de tormenta, una pareja se refugia en una mansión regentada por unos extravagantes seres. Una plebe excéntrica se reúne en la colorida casa con el deseo de ver el nacimiento de una extraña criatura.
Palmarés: Nominada a la mejor película, Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, 1976.

RESEÑA MIGUEL: The Rocky Horror Picture Show forma parte de seis diferentes topics en Filmaffinity: Musical, Comedia, Terror, Comedia de Terror, Comedia Negra, Película de culto. Y bastarían para definirla perfectamente, pues en ella cantan, te puedes llegar a reír, y puedes llegar a asustarte. Sin embargo, en mi caso, la web debería crear un nuevo topic que a mi juicio describiría insuperablemente el film: Película malrollenta. En ese topic introduciría cintas como The human centipede, Cannibal Holocaust, Hostel, Martyrs... Obviamente por sus escenas grotescas, sus dosis de brutal violencia, y su asquerosidad genuina. The Rocky Horror Picture Show entraría a formar parte de ese ilustre grupo por razones muy diferentes. Desde el minuto uno del metraje el film comienza a emanar sordidez por todos sus costados: desde el vestuario, hasta el maquillaje, pasando por las interpretaciones, y sin olvidarnos de esos pseudonúmeros musicales. Toda ella es una cápsula de roñosería que me mantuvo en un estado de arcada permanente. Es evidente que su cualidad sórdida se presta a subjetividades, y muchos opinarán lo contrario, encantados con su free style, su libertario buenrollismo y su colorido. A mí me atacó a la vena sensible y reconozco que me crispó los nervios. Lo mejor: es irrefutable que genera sensaciones. Lo peor: Tim Curry travestido es de pesadilla. 

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RESEÑA XAVIER: The Rocky Horror Picture Show tiene todos los componentes del mejor título de culto: una personalidad singular, una estética única y una capacidad de transgresión que sigue vigente. El título de Jim Sharman es seguramente una de las propuestas más radicales de los 70 y es innegable que cuenta con una generosa lista de acólicos. Pese a esto, todo lo que este espectáculo ‘frankensteniano’ atesora de singular también lo tiene de intrascendente, banal y anecdótico. The Rocky Horror Picture Show es una timorata reescritura de las películas de terror, una comedia de gags obvios y una aportación musical notable, pero sin el gancho ni los hits que podrían esperarse de un espectáculo de semejantes señas. Se echa de menos, eso sí, el espíritu rebelde y libérrimo de la cinta, imposible de reproducir en la actualidad (el film, vaya, es una preciada demostración de cómo tiempos pasados, en cuestiones de moral y cine, fueron mejores). Lástima que la película, de vocación chillona y extravagante, de esencia más infantil que polémica, acabe resultando un conjunto tan mutilado e inexacto como el personaje de Mary Shelley. Un título abierto a amores y odios muy radicales. Para quien escribe, ni frío ni calor. 

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RESEÑA DANIEL: Aunque resulte un triunfo y un film de culto para muchas generaciones, The Rocky Horror Picture Show se erige como un mero entretenimiento que puede llegar a aturdir por la mezcla desequilibrada de personajes que se conciben como un alarde inusitado de ‘estilo’. Imposible decretar que los movimientos sensuales, las exageradas expresiones, las canciones con mucho ritmo, Tim Curry ingenioso y una Susan Sarandon bellísima resulten una mala presentación al film, todo lo contrario, pero de ello no se sostiene una película que inicia frenéticamente bien y termina siendo un sin sentido de extraterrestres, prostitutas, motociclistas y locos travestis. Más desproporcionado es aún el ritmo que asume entre acto y acto, volviéndose tediosa a ratos. Sin duda es lúcida y su incipiente extravagancia la ha vuelto mítica, pero dudo que resista el paso del tiempo. Al menos para cualquiera que la ve por primera vez en pleno siglo XXI lo puede pensar varias veces antes de elegirla entre lo mejorcito que el cine ha cosechado. A algunos no nos van las ‘frikadas maravillosas’.

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RESEÑA ISIDRO: Lo confieso: me encanta The Rocky Horror Picture Show. Es un despiporre genial que me divierte mucho. Es verdad que es tan pretendidamente cutre a veces que entre el narrador grimoso y el alegre travestismo dentro de una trama de extraterrestres y científicos locos casi casi podríamos decir que la ha dirigido un Ed Wood inspirado, pero como en toda película de culto (aunque más bien esta es la película de culto por antonomasia) son los elementos casi elevados a la categoría de símbolos los que engrandecen a la obra, y es que su imaginería entre glam y hortera, el buen rollo de las canciones y su espíritu de libertad alegre hacen de ella un disfrute descacharrante. Todo eso y Tim Curry, por supuesto, con una de las interpretaciones más magnéticas que se han visto nunca en un musical (o en el cine en general, cojones), capaz de quitarle la tontería a todos los 'amoaLauras' del mundo con un guiño. Frank’n’Furter es el símbolo del desenfreno desenfadado y sin restricciones, de la diversión por diversión, de ese arrebato que nos nubla y nos sumerge en una espiral de goce y disfrute. Y nos cautiva, ya ves que sí. Porque, en definitiva, todos tenemos un poco de ese dulce travesti de la Transilvania transexual dentro de nosotros deseando perturbar el tiempo y liarla parda. Let’s the time warp begin!

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RESEÑA MAYRA: Estamos ante una parodia de musical que se vuelve cómica y a ratos incluso causa terror ¿o debería decir horror? Lo cierto es que me parece una parodia de todo y nada a la vez. Una cinta desenfrenada y con unos personajes muy singulares e irreverentes interpretados acorde a la trama que se nos pretende contar. La interpretación de Curry tiene algo de mérito, pues no creo que haya sido tan fácil interpretar al curioso personaje de Frank-N-Furter. Sin embargo, The Rocky Horror Picture Show padece de tener un guión o una historia que al menos a mí no me causa ningún tipo de emoción o interés. Es verdad que los extravagantes personajes y el ambiente chispeante y liberal de la cinta, al igual que las canciones, tienen cierta gracia, pero no pasa de ser un simple entretenimiento que, incluso como tal, funciona de manera irregular. Con todo, cada uno que saque sus propias conclusiones, porque para gustos… 

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Título de culto dentro del movimiento contracultural de los 70, que se ha convertido en uno de los films que más se han exhibido en sesiones golfas. El discreto ingenio de su trama -un pastiche de arquetipos fantásticos reciclados con una mirada propia de la serie B y aderezados con música rock- tiene un tratamiento eficaz que tiende a realzar sus virtudes y ocultar sus deficiencias. Fotogramas, Redacción

Musical difícil de olvidar, que retoma esquemas del cine de terror y de la ciencia ficción para darles una vuelta de tuerca paródica e insólita, y que ha producido algunos momentos indelebles en la retina de los espectadores. María Villalva, Miradas de cine

Mezcla de musical, humor irreverente, parodia de las películas de terror y sobre todo mucha provocación, esta historia fantástica ha conseguido mantener desde su estreno toda una legión de seguidores incondicionales. Bajo su apariencia de comedia loca y desenfrenada transmite la alegría de disfrutar de la vida en todos los sentidos. FNAC

Pastiche que remixea los títulos de horror de los 50 de la Universal, con un hedonismo vergonzoso y una sensibilidad independiente que fue la bomba en los 70. Time Out

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'0 / IMDB: 7'4 / Sensacine: 7'8 / Metacritics: 6'85 / Rottentomatoes: 8'25

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VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  
7 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actor protagonista: TIM CURRY

Mejor actriz protagonista: SUSAN SARANDON

Mejor reparto

Mejor música adaptada

Mejor vestuario: SUE BLANE

Mejor maquillaje y peluquería: VV. AA.

Mejor canción: Sweet Transvestite

NOTA DEL JURADO

CRÍTICA | CUBE, de Vincenzo Natali

CUBE, de Vincenzo Natali

Largometraje nº 13: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Miguel Martín

Canadá, 1997. Dirección: Vincenzo Natali Guión: Andre Bijelic, Graeme Manson y Vincenzo Natali Duración: 90 min. Género: Thriller psicológico Tráiler: Link Reparto: Maurice Dean Wint, Nicole de Boer, Nicky Guadagni, David Hewlett, Andrew Miller, Wayne Robson, Julian Richings

¿De qué va?: Seis personas despiertan encerradas en un extraño cubículo. Las distintas puertas conducen a espacios con trampas, y para sobrevivir deberán apelar a ciertos principios lógicos y matemáticos. No recuerdan cómo han llegado a ese lugar y tampoco saben cómo saldrán de él, pero intentarán sortear los obstáculos del cubo de la mejor manera posible.

Palmarés: Mejor película y guión, Festival de Sitges. Mejor director, Festival de Toronto.

RESEÑA MAYRA: Creo que hay películas para dejar al espectador reflexionando o intentando armar el puzzle que le presenten, pero también hay cintas como Cube, que da igual si nos presentaron o no a los personajes, o si conocemos muy poco de sus vidas, porque aquí el protagonista real será la acción, el aquí y el ahora. Estos personajes tienen un conflicto simple, salir ilesos de esas habitaciones en forma de cubo y llenas de trampas donde han sido obviamente encerrados; no saben cómo, por qué o para qué están en dicho lugar, pero saben que deben escapar: este es el detonante que desarrollará la trama de manera que, quien visione la cinta, podrá sentir la tensión la claustrofobia y la desesperación de los personajes implicados. Puede que en algún momento un par de las interpretaciones resulten sobreactuadas, pero fuera de eso, hay que reconocer que pocas películas de este género logran enganchar al espectador de principio a fin y mantenerlo en vilo. Cube lo logra con creces.

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RESEÑA MIGUEL: Habría dos modos de asaltar Cube: desde la lógica, que se me antoja imposible, o desde el punto de vista del sano entretenimiento. Yo accedo a la segunda opción. No quiero entrar en paradojas ni metáforas sobre el cubo en representación de la existencia, del conocimiento sobre los seres humanos, o demás existencialismos filosóficos amparados por falta de respuestas (por no querer darlas o porque realmente no las tenían). A mí me interesa la capacidad de Vincenzo Natali de generar claustrofobia (su único espacio evidentemente ayuda), pues durante casi todo el visionado se imprimía una presión de angustia en mi pecho, a pesar de que imagino que ese agobio sería mayor si hubiese visto el film en su año de estreno, y no en el 2015, pues se puede afirmar que ha envejecido irremediablemente. En definitiva, Cube es una cinta que marca estilo y de la que han bebido muchas, y que lamentablemente ha dado pie a demasiadas secuelas de las que dudo su calidad artística. 

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RESEÑA XAVIER: Cube es una de las aportaciones más notables del último cine fantástico. Un film que abrió nuevos caminos, que inauguró nuevas maneras de escribir y cuya influencia puede detectarse en títulos referenciales como la franquicia Saw o los rompecabezas formales y filosóficos de Christopher Nolan. Vincenzo Natali fue el primero en entender que en el cine, en muchas ocasiones, la premisa es el argumento, el macguffin es el verdadero guion; en otras palabras, de cómo a partir de una idea aparentemente sencilla (unos personajes encerrados en un espacio desconocido) puede desarrollarse una apasionante superposición de capas, subtramas, teorías, intuiciones y giros argumentales. Cube sigue fresca como el primer día y nadie le niega la banda de obra pionera, si bien tanto las secuelas que la han precedido como los films que han copiado su claustrofóbico esquema han rebajado su capacidad de impacto para las nuevas generaciones cinéfilas. Sea como sea, Cube ha superado mejor el paso del tiempo que Scream (1996) o El proyecto de la bruja de Blair (1999), otros nombres-sagas que cambiaron a finales de los noventa la manera de concebir el terror en la gran pantalla. Un divertimento enfermizo que no hay que racionalizar demasiado, por mucho que sus personajes apelen a intrincadas teorías matemáticas para sobrevivir. Hay que dejarse llevar, pasando de cubículo en cubículo sin prever qué vendrá a continuación. Una experiencia con ritmo y misterio que hará las delicias de los fans del género. Un cubo cargado de sorpresas, cual chistera de un mago diabólico.

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RESEÑA DANIEL: Cube solo se vale de cuatro paredes para desarrollar su historia y hacer un estupendo tour claustrofóbico, asfixiante y espeluznante mientras cinco seres luchan por sus vidas tratando de sortear miles de trampas que hay a su alrededor. Es un juego macabro, lleno de perversidad, que lleva a cada personaje al límite de su paciencia. Todos inician colaborando, pero poco a poco, en el roce y el calor de las situaciones, van aflorando otros pensamientos e ideas que desencadenan acciones no muy favorables. Cube es un fantástico film de intriga y terror, un terror, más que físico, psicológico, en el que la desesperación y la pérdida de las ganas de vivir se hallan en cada tramo. Natali manifiesta un serio compromiso con el espectador, logrando el suspenso, la tensión y el sufrimiento anhelados, con varios personajes que en conjunto brindan cierto candor al film. Y aunque su guión padece de ciertas fisuras, tiene una configuración vibrante y muchos giros interesantes. No es una película perfecta, pero se nota un cuidadoso trabajo en su aspecto técnico, y un escondido mensaje entre las paredes azules, rojas o verdes. ¿Y si nuestro mundo es el cubo?

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RESEÑA ISIDRO: Cube es una de esas películas que saben aprovechar la falta de medios para contar una historia de género sin grandes alardes técnicos, a lo Coherence, Saw o The man from Earth (todas posteriores, mira). Son películas de pocos actores y espacios reducidos, por lo que es indispensable que estén muy bien escritas e interpretadas para que funcionen. Cube es innegablemente entretenida y tiene un punto de partida muy interesante, pero falla precisamente en lo que no tendría que fallar: no me creo a los personajes, y el reparto no ayuda. Los conflictos que se forjan entre ellos suenan forzados, como muy metidos con calzador para que la trama avance, así que su evolución no es natural. Al único que me creo es al retrasado de los chicles. Y personalmente no entiendo las motivaciones del policía más allá de que sea malo o de que esté poseído por Scar (poco le faltó al actor en cierta escena soltar un “larga vida al rey”): ¿realmente una persona en una situación así, en la que hay una, por pequeña que sea, opción de supervivencia se hace tan hostil para con los demás? Será que, como soy más bueno que el pan, me cuesta entenderlo. El hombre es un lobo para el hombre, dicen, sobre todo si eres un poli facha dentro de un cubo de Rubik gigante. 

 

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Relato absorbente que hace del desasosiego su mejor arma y que tiene una progresión dramática casi insoportable para el espectador. Conviene dejarse llevar, porque además la película da miedo de verdad. Miguel Ángel Palomo, El País

Brillante debut. Demuestra que el fantástico más meritorio e inquietante no se encuentra directamente relacionado con el impacto económico, sino con la exhibición de talento e imaginación. Ramon Freixas, Dirigido por Nº 274

La película más importante de Sitges 1998. Sacada a flote con un solo decorado y un puñado de actores desconocidos, es un ejemplo de que con talento y desde la desnudez se puede lograr lo inimaginable. Antonio Trashorras, Fotogramas, Nº 1861

Apasionante ejercicio con tiralíneas, angustiosa pericia, sorprendente y vigorosa. Mirito Torreiro, El País

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'1 / IMDB: 7'4 / Sensacine: 6'4 / Metacritics: 6'8 / Rottentomatoes: 6'95

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VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  

5 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor reparto

Mejor banda sonora original: MARK KORREN

Mejor montaje: JOHN SANDERS

Mejores efectos especiales: VV. AA.

Mejor diseño de producción: JASNA STEFANOVIC

NOTA DEL JURADO