jueves, 22 de noviembre de 2012

Crítica de JOVEN Y ALOCADA, de Marialy Rivas

JOVEN Y ALOCADA, de Marialy Rivas (Chile, 2012)
¿De qué va?: Daniela tiene 18 años y una gran actividad sexual. Su actitud rebelde choca constantemente con la disciplina de su instituto y la devoción religiosa de su familia. Pero Daniela tiene un lugar donde expresarse: su blog Joven y alocada. Allí escribe sus pensamientos, describe sus encuentros sexuales y contacta con otros jóvenes.
El dato: Fue junto a Violeta se fue a los cielos la película chilena más comentada del pasado Festival de Sundance. El éxito del film permitirá a su directora rodar su segundo largometraje: La princesa.
Valoración: Joven & Alocada es la historia de una adolescente con una sexualidad desbordante (vaya, que la chica va caliente toda la película), algo que choca con la estricta religiosidad de su familia (evangélica, para más señas). El film está pensado a modo de provocación, ejercicio pop y diario filmado (en verdad asistimos a doce posts del blog de la protagonista, cosas de los nuevos tiempos). No deja indiferente, de eso no hay duda, pero a diferencia de otros relatos de descubrimiento y exploración sexual Joven & Alocada es más deslenguada que incorrecta. No me ha convencido porque no sé hasta qué punto la película es una burla a la religión evangélica (tampoco es que la defiende, más bien lo contrario) o una comedia sin más. Su historia es mínima: se trata de asistir a las experiencias sexuales de la protagonista mientras esta escribe en su página web palabras como 'encular', 'cholo' o 'pico' (adivinen su significado). No resulta creíble la actitud de la protagonista, el personaje de la madre está muy estereotipado y todo el conjunto cuesta tomárselo tanto en serio como en broma. En el fondo lo único impactante está en su léxico porque los personajes son de una sola pieza. No hay ni redención ni evolución: de hecho la narración podría recortarse o alargarse en función de los capítulos del diario, si bien hay que reconocer que es la primera vez que las nuevas tecnologías, más concretamente la blogosfera, no solo aparecen en la gran pantalla sino que son utilizadas como soporte narrativo que da cohesión a la estructura del film. Joven, sí, pero es más o menos alocada en función de con qué la comparemos. El diario que Bridget Jones hubiera escrito de haber tenido diez años menos y una ninfomanía de caballo.
Palmarés: Premio Sebastiane a la mejor película de temática homosexual en el Festival de San Sebastián 2012. En ese mismo certamen, película a competición en la sección Horizontes Latinos. Premio al mejor guión en el Festival de Sundance 2012. Seleccionada en el Festival de Berlín 2012. Premio del público del Festival REC de Tarragona 2012.


Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

Nota: 5'5

miércoles, 21 de noviembre de 2012

Crítica de ANIMALS, de Marçal Forés

ANIMALS, de Marçal Forés (España, 2012)
¿De qué va?: Pol es un joven retraído que tiene un amigo imaginario: un oso de peluche con el que habla y toca música. El equilibrio de su inestable mundo se rompe con la llegada del misterioso Ikari a su escuela. Hasta que una compañera de clase desaparezca y Pol decida deshacerse definitivamente de su secreto...
El dato: Martin Freeman, el Watson de la serie británica Sherlock, interpreta al profesor de historia de arte de Pol. Es la última película que rodó Freeman (en noviembre del 2010) antes de viajar a Nueva Zelanda para empezar a trabajar en las películas de El Hobbit de Peter Jackson.
Valoración: El cine catalán tiene de todo: nombres consagrados, jóvenes realizadores con mucho futuro por delante, escuelas de cine de calidad que están formando a toda una generación de cineastas y técnicos, grandes actores cuyas únicas ventanas hasta hace poco eran series televisivas y obras teatrales, absoluta libertad creativa y una personalidad indiscutible. Con Animals, que puede pronunciarse a la catalana o a la inglesa según las dos realidades lingüísticas del film, nuestro cine suma una película de culto que podríamos llamar 'la Donnie Darko mediterránea'. Visual y narrativamente no se parece a nada: tiene un pie puesto en lo retro, el anime y la música alternativa, y otro en el cine estadounidense más a contracorriente donde cabría apuntar la obra de Gus Van Sant y la citada película de Richard Kelly. Estrictamente no deja de ser un relato sobre las dificultades que supone abandonar la infancia-adolescencia para aceptar las complejidades de la edad adulta en un mundo que parece ofrecer pocas motivaciones. Pol, el protagonista, se agarra a su cosmos interior oscuro como lo haría un Peter Pan en el país de las tinieblas. La película es un cuento tétrico con excentricidades de todo tipo y una atmósfera muy conseguida. Es un film tan difícil de describir como tal vez de defender: puede que junto a Verbo de Eduardo Chapero-Jackson sea la única película española reciente que hable sin pelos en la lengua y sin miedo a resultar demasiado críptica sobre la adolescencia, y no por casualidad ambas resultan tan estimulantes como descompensadas, tan únicas en su especie como imperfectas. Tanto Verbo como Animals, y seguramente más la de Forés que la de Chapero-Jackson, aspiran a trascender las audiencias cinéfilas para acercarse a un público joven que busca en el cine una respuesta y una ilustración de todos sus miedos inconfesables. Por este motivo una y otra han pasado fugazmente por los cines, y por eso las dos quedarán como películas atemporales, encapsuladas en sus universos ricos y terroríficos. Si la primera llegado cierto punto del metraje caía en el ridículo absoluto, esta Animals se intrinca en exceso pasados los primeros tres cuartos de hora y eso impide conectar con su poética bizarra. Pero ambas quedan aparcadas para próximos visionados, y hay que reconocer que las dos, al ser historias difíciles de entender, asimilar y digerir al encenderse las luces del cine, adquieren consistencia al recordarlas. Una obra que pese a no convencerme al cien por cien tiene más personalidad y riesgo que la mayoría de películas que inundan la cartelera.
Palmarés: Proyectada en los festivales de San Sebastián, Sitges, Roma y el REC de Tarragona.


Si te gusta esta reseña, vótala en Filmaffinity

Nota: 6

martes, 20 de noviembre de 2012

Crítica de L'ÂGE ATOMIQUE, de Héléna Klotz

L'ÂGE ATOMIQUE (ATOMIC AGE, LA EDAD ATÓMICA), de Héléna Klotz (Francia, 2011)
¿De qué va?: Dos adolescentes bajan de un tren preparados para disfrutar de la noche parisina. Ambos se perderán en una discoteca: uno desea atraer la atención de una chica a toda costa, y el otro quiere intimar más con su compañero.
El dato: Héléna Klotz es la hija del prestigioso cineasta francés Nicolas Klotz, cuya última película, Low Life, está muy relacionada con la ópera prima de Héléna. En España solo se ha estrenado comercialmente una película de Nicolas Klotz: La cuestión humana, protagonizada por Mathieu Amalric. L'âge atomique se estrena esta misma semana en Francia.
Valoración: L'âge atomique transita unos mundos que recuerdan al primer Philippe Garrel y que en el cine francés actual solo ha actualizado Christophe Honoré. El film es un viaje a la noche de la capital, al interior de discotecas y a la intemperie más fría. Una obra que se alimenta de luces y sombras, de neones y contrastes. La premisa: dos jóvenes solitarios caminando por espacios desnudos, como Gerry de Gus Van Sant. Una película de colores florescentes y de entidad efervescente. Una historia de pequeño metraje, austera en todos los sentidos, que quiere ser una experiencia sensorial y que en el espectador tiene el efecto del mejor de los sueños. Su alma es nocturna, poética y adolescente: no quiere ser una gran historia ya que apenas hay un hilo argumental en el sentido estricto del término. Hay que dejarse llevar de la mano de Klotz y de sus dos actores. El hecho de que no sea una historia sólida no quiere decir que no sea consistente: su estado es otro, tal vez gaseoso. Pocas películas francesas experimentan tanto siendo a la vez tan conscientes de la herencia de sus clásicos. L'âge atomique, más que una película, es la intuición de un relato, y lo que para otros sería simplemente el esqueleto de una narración (la determinación de un espacio, un tiempo y unos personajes) aquí se convierte en el principal motor del film. Puede pecar de hermética pero en realidad es un film de intuiciones. Una película desnuda y abrupta que impacta visualmente para días después continuar a modo de eco en la mente del espectador. Una película para visionar en bucle, porque ni empieza ni acaba. Más que verla se está en ella. Más que cuerpos tiene siluetas. Tal vez tendría más alma siendo menos abstracta, pero desde que vi hace diez años los primeros trabajos de Wong Kar Wai no había contemplado un poema visual tan vaporoso y enigmático como este.
Palmarés: Premio FIPRESCI de la sección Panorama del Festival de Berlín 2012. Premio Jean Vigo al mejor director francés debutante. Mención especial del jurado del Festival REC de Tarragona.


Si te gusta esta reseña, vótala en Filmaffinity

Nota: 7'5

lunes, 19 de noviembre de 2012

Crítica de KLIP (CLIP), de Maja Milos

KLIP (CLIP), de Maja Milos (Serbia, 2012)
¿De qué va?: Jasna tiene quince años y vive con su madre en un barrio pobre de un pueblo de Serbia. Sus perspectivas de futuro se reducen a noches de discotecas, drogas y alcohol con sus amigas. El padre de Jasna vuelve a la casa familiar al serle diagnosticado una grave enfermedad, algo que parece no alterar la rutina de Jasna pero que le afecta más de lo que es capaz de expresar. Un dolor que parece atenuarse con la curiosa relación que inicia con Djole, un compañero de instituto, pero que en verdad le oprime todavía más.
Palmarés: Tiger Award a la mejor película del Festival de Sundance del 2012, premio compartido con la chilena De jueves a domingo y la china Jidan he shitou. En el mismo certamen, KNF Award de la crítica. Seleccionado en los festivales de Chicago, Karlovy Vary, Toronto, Buenos Aires, San Sebastián y el REC de Tarragona. Nominada al Sutherland Trophy Award concedido por el British Film Institute: ganó la estadounidense Bestias del sur salvaje.
El dato: La película tardó cuatro años en empezar su rodaje y solo el proceso de casting duró dos años. La actriz protagonista del film, Isidora Simijonovic, filmó escenas de alto contenido sexual y violencia extrema con tan solo catorce años. El film se estrenó el pasado mes de abril en Serbia, se ha distribuido en Rusia y Suecia y pronto se estrenará en Polonia y Francia.


Valoración: Clip es una de las películas más duras de los últimos años. Es un Lukas Moodysson serbio sin compasión. Una película polémica por necesidad y de un realismo que hiere los ojos. Clip es desagradable y sus mundos nocturnos son intransitables. Muchos verán Clip como una suma de despropósitos con intención de provocar pero en ella late un cine social sin edulcorantes. Habla de la incomunicación entre padres e hijos. Critica el ambiente de extrema pobreza en el que viven, o sobreviven, millones de jóvenes que acaban siendo víctimas y verdugos de su propia desgracia. Expone los cambios que han sufrido los adolescentes en su modo de expresarse y de relacionarse: el aplastante culto a la imagen, el auge de la tecnología y las dobles realides virtuales han alterado conceptos tan básicos como la educación, el derecho a la intimidad y los códigos de la fidelidad y la legalidad, a la vez que han destruido la inocencia propia de la infancia y la adolescencia. Propone un debate muy interesante sobre los yugos que se establecen entre hombres y mujeres ya en edades tempranas: la mujer se ha malacostumbrado a ser maltratada por el macho dominante y Clip filma una relación de amor virulento e imposible en el que el sujeto femenino actúa como concubina sumisa y mero objeto sexual. Uno sale de la sala con el cuerpo deshecho. No se escandalicen si ven escenas de sexo explícito entre jóvenes de apenas quince años. Maja Milos, una persona muy divertida a juzgar por el breve encuentro que mantuvo con los espectadores en el Festival REC de Tarragona, ha hecho un film sin anestesia, sin concesiones, consciente de las reacciones airadas que puede despertar. Hay dos formas de acercarse a Clip: o bien su impudicia crea rechazo y su radicalidad visual impide acceder a cualquier discurso crítico, o precisamente su explicitud arrastra al espectador desbordándole, dejándole primero perplejo, luego asustado y finalmente conmovido tras digerir la película. Clip tiene la espontaneidad, la libertad y el nervio de una gran ópera prima. Si tanto los serbios como nosotros llegamos a superar este golpazo en mitad del estómago, ojalá Maja Milos tenga ocasión de volver a explorar los temas que le interesan en una segunda película: la juventud, sus costumbres y sus desarraigos. Aunque tras la master class que nos brindó Milos lo más coherente sería que su nuevo proyecto fuese una comedia. En todo caso seguiremos su pista: Clip fue una de las grandes propuestas del Festival REC 2012 y cuesta imaginar una obra reciente con su mismo grado de subversión y realismo. Es un tópico pero esta vez se cumple: es un film que o se ama o se odia.


Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

Nota: 8

domingo, 18 de noviembre de 2012

OSCAR RANKING 11: AÑO 2004

¡Bienvenidos al undécimo post del OSCAR RANKING!
Aviso: si te gusta el cine, si te gustan los Oscar... ¡este es tu concurso!
Estamos eligiendo la mejor película nominada a los premios de la Academia de los últimos 20 años. En el margen derecho del blog encontrarás 5 encuestas relativas a las 5 películas nominadas detalladas en la siguiente entrada. Valora del 1 (menor nota) al 10 (mayor nota) los títulos que han marcado a toda una generación de cinéfilos. Atención: ¡sé objetivo a la hora de votar! Y si no viste alguno de los films en juego, ¡no lo votes! Cada semana el blog realizará el cálculo de las notas medias obtenidas por todas las películas, y los resultados los encontrarás al final de cada post en nuestro OSCAR RANKING. ¡Revisa todas las semanas los posts en Butaca K y Cinoscar & Rarities! ¡ Y el 22 de febrero de 2013 la película con mejor nota media será coronada la ganadora del Oscar Ranking! Disfruta de los posts, visiona los videos, vota por tus favoritos... ¡el show está a punto de empezar!

--------------------

RESULTADOS DE LA ANTERIOR ENCUESTA:


La semana pasada fue la gran semana del Oscar Ranking y habrá que empezar a admitir que los 686 votos registrados serán la marca del concurso. El récord se ha logrado gracias a uno de los mejores años cinematográficos y a uno de los quintetos nominados con más nivel. En este duelo de titanes se ha impuesto El pianista (8'31) por encima de Las horas (8'06), el duelo previsible: ambas están entre las 10 películas con mejor media de todo el Oscar Ranking. Chicago, la ganadora, consigue un notorio 7'5. Las dos torres (7'34) consigue medio punto menos que La comunidad del anillo (7'84).  Y la sorpresa, en todo caso negativa, la da Gangs of New York al ser la única incapaz de superar el 7 (6'87). Con estos datos ya tenemos las medias las primeras 50 películas del juego. Al final del post tienen la clasificación completa. Y, claro está, ¡voten en las actuales encuestas!

--------------------




76th. Academy Awards
Gala: 29/02/2004, Kodak Theatre (Los Ángeles)
Maestro de ceremonias: Billy Crystal Opening Speech
Oscar honorífico: Blake Edwards Link
Análisis de la gala: Link

Y las nominadas a la mejor película del año 2003 fueron:

THE LORD OS THE RINGS: THE RETURN OF THE KING (EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY), de Peter Jackson
Oscars: 11/11
Ganó: Película, director, guión adaptado, banda sonora, canción, vestuario, montaje, maquillaje, dirección artística, efectos sonoros y efectos visuales
País: EE. UU.
Tráiler: Link
Nota Filmaffinity: 8'1
Nota IMDB: 8'9
Nota del blog: 8
Fecha de estreno en España: 17/12/2003
Valoración: Y la saga acabó por todo lo alto. Hicimos horas de cola para conseguir entrada y a algunos nos hubiera ido de perlas un par de cojines para aguantar los 200 minutos de épica y Tierra Media. En su momento poco importó que la película necesitase un recorte de montaje (nunca entendí los que querían versiones extendidas respecto las que se proyectaron en los cines). Podríamos decir que era el momento de Jackson y que por parte de la industria necesitaba un baño de premios, no solo por la calidad de sus trabajos sino por la capacidad de convocatoria en las salas en un tiempo en el que la crisis de taquilla empezaba a ser un asunto serio. 11 de 11 es la mejor estadística en la historia de los Oscar. Un pleno que fue posible gracias al pinchazo de las otras superproducciones en juego (Cold Mountain, El último samurai) y al hecho de que las grandes obras del año (Lost in Translation y Mystic River) no contasen con un despliegue técnico digno de mención. Veremos si se repite la estadística y esta tercera parte acaba siendo la mejor valorada por vosotros.

LOST IN TRANSLATION, de Sofia Coppola
Oscars: 1/4
Ganó: Guión original
País: EE. UU.
Tráiler: Link
Nota Filmaffinity: 7'2
Nota IMDB: 7'8
Nota del blog: 9
Fecha de estreno en España: 13/02/2004
Valoración: Coppola fue la mujer de moda de ese invierno. Todo el mundo habló maravillas de Lost in Translation, y ya en su momento este bloguero recuerda haberla visto dos veces en una semana. Una película fascinante, obra pequeña que entre tanta producción de época y películas con grandes nombres en su reparto destacaba como la bocanada de aire fresco que todo el mundo necesitaba. No existe en la historia reciente de los Oscar un premio tan unánimemente aplaudido y esperado como el que recibió Sofia por el guion del film (vitoreada, cómo no, por Francis y Nicolas). A Murray le sentó fatal perder la estatuilla frente a Penn. Una obra de culto que junto a La joven de la perla nos presentó la belleza y la gran actriz que había en Scarlett Johansson. Si siguen perdidos en las calles de Tokio pensando qué le susurraba Murray a la nueva ambición rubia del séptimo arte, denle la notaza que se merece.

MASTER AND COMMANDER: THE FAR SIDE OF THE WORLD (MASTER AND COMMANDER: AL OTRO LADO DEL MUNDO), de Peter Weir
Oscars: 2/10
Ganó: Fotografía y sonido
País: EE. UU.
Tráiler: Link
Nota Filmaffinity: 6'9
Nota IMDB: 7'4
Nota del blog: 4
Fecha de estreno en España: 28/11/2003
Valoración: Una película que no podía sumar más elementos en contra. Primero, la temática naval, poco o nada interesante. Segundo, su apuesta por un cine de acción con poco ritmo y trasfondo histórico anodino. Tercero, el pesado de Crowe, que durante unos años estaba en todo despropósito de Oscar. Así que ya se pueden imaginar que Master and Commander nunca fue santo de mi devoción, y más tras recibir esas 10 candidaturas, demasiadas. Afortunadamente el barco naufragó a favor de Jackson. A su manera es un título de referencia que no se parece a ningún otro y que en todo caso difiere de todas las superproducciones realizadas durante la última década. Será que uno no siente nostalgia por el cine de años 'ha': Master and Commander aburre hasta las cabras. Jack Sparrow, nominado ese año, hubiese podido dar al traste con la embarcación.

MYSTIC RIVER, de Clint Eastwood
Oscars: 2/6
Ganó: Actor protagonista (Sean Penn) y actor secundario (Tim Robbins)
País: EE. UU.
Tráiler: Link
Nota Filmaffinity: 8'0
Nota IMDB: 8'0
Nota del blog: 10
Fecha de estreno en España: 24/10/2003
Valoración: Eastwood es considerado 'el último gran autor del old Hollywood' y en ello esta Mystic River tiene gran parte de culpa. Pocos sabrían contar la historia de tres amigos unidos por un traumático episodio de su infacia con la claridad, la elegancia y la intensidad de Eastwood. En contraposición al despliegue de medios del film de Jackson, Mystic River propuso un drama de tomo y lomo muy bien escrito e interpretado que brilló, como Lost in Translation, en todas las categorías a excepción de las técnicas. En España fue uno de los films adultos más taquilleros de la temporada y llegó a la alfombra roja representando la consigna de que menos siempre es más. La Academia estaba en deuda con la trilogía más conocida, pero seguramente sin Frodo de por medio las aguas del río místico hubiesen desembocado a orillas del Oscar. Mystic River representa los valores que los académicos premiaron tanto en los 70 y 80 (tenacidad, familia, amistad), es uno de los grandes melodramas de Eastwood y quizás el film con las mejores interpretaciones de Sean Penn y Tim Robbins.

SEABISCUIT (SEABISCUIT: MÁS ALLÁ DE LA LEYENDA), de Gary Ross
Oscars: 0/7
Ganó: --
País: EE. UU.
Tráiler: Link
Nota Filmaffinity: 6'3
Nota IMDB: 7'3
Nota del blog: 3
Fecha de estreno en España: 06/02/2004
Valoración: Caballos de por medio, historia real bigger than life, un reparto lleno de antiguos nominados y una ambientación histórica destacable. ¿Resultado? Nueva mediocridad propuesta para el éxito. Porque seamos francos: ¿quién se acuerda de Seabiscuit? En su cuadra nadie lo echa en falta. Y poco aportó a la nómina cinematográfica de ese 2003-2004. Hoy en día la historia hubiese sido la base de una miniserie con más enjundia. El precedente natural de War Horse: cine académico y totalmente hueco. Veremos qué marca consigue en el hipódromo del Oscar Ranking, pero le garantizamos una plaza en el furgón de cola. Una de las nominadas más inverosímiles que nos recuerdan la parte más injusta de unos premios a veces excesivamente conservadores y previsibles.

--------------------


Mejor canción del año:
INTO THE WEST, de ESDLA 3: El retorno del rey
Annie Lenox, Howard Shore y Fran Walsh
Actuación en la gala: Link
Discurso de agradecimiento: Link
Canciones nominadas del año: Link
Bandas sonoras nominadas: Link


--------------------

AÑO 2003 -2004

FESTIVALES:


Sundance: American Splendor, de S. Springer Berman y R. Pulcini (EE. UU.)
Berlín: En este mundo, de Michael Winterbottom (Reino Unido)
Tribeca: Mang Jing, de Yang Li (China)
Cannes: Elephant, de Gus Van Sant (EE. UU.)
Karlovy Vary: La ventana de enfrente, de Ferzan Ozpetek (Italia)
Venecia: El regreso, de Andrei Zvyagintsev (Rusia)
Locarno: Khamosh Pani, de Sabilha Sumar (Paquistán)
San Sebastián: Miedo a disparar, de Dito Tsintsadze (Alemania)
Toronto: Zatoichi, de Takeshi Kitano (Japón)
Sitges: Zatoichi, de Takeshi Kitano (Japón)

PREMIOS:


Globo de oro: ESDLA: El retorno del rey / Lost in Translation
SAG reparto: ESDLA: El retorno del rey
Independent Spirit: Lost in Translation, de Sofia Coppola
EFA: Good Bye, Lenin!, de Wolfgang Becker (Alemania)
Bafta: ESDLA: El retorno del rey, de Peter Jackson
César: Las invasiones bárbaras, de Denys Arcand
Goya: Te doy mis ojos, de Icíar Bollaín
David di donatello: La mejor juventud, de Marco Tullio Giordana

--------------------

EL RINCÓN DE KOSTI: 


Con 2003 sí que llegó la odisea, pero no precisamente al espacio, sino a mi casa. El año anterior, para mi alegría y gozo, Chicago ganaba el gran premio de la Academia, y pensé que este año también me harían caso. Pero cuán equivocado estaba. Sean Penn y Tim Robbins triunfaban en el campo interpretativo masculino con sendos Oscar para la película de Clint Eastwood (tito Clint si me lo permiten), y a pesar de no partir como favorito, todavía me quedaba una mínima esperanza para que se hiciera con los dos últimos premios de la noche: mejor director y mejor película. Pero, ¡oh, sorpresa!, Peter Jackson suena por el micrófono y mis esperanzas se esfuman como el humo de un cigarro. Aunque en realidad la sorpresa no era tan grande si tenemos en cuenta que hasta ese momento, El retorno del rey se había hecho con todas y cada una de las nominaciones que tenía, y la noche acabaría con pleno gracias al regreso de Aragorn. Muy a mi pesar, Mystic River, una de las mejores obras de Eastwood y de la pasada década, se quedaba con esos dos premios interpretativos, premio por otra parte más que merecidos. Johnny Depp lo intentó disfrazado del Capitán Jack Sparrow (para su regocijo yo sí le añado su “Rango”) y Bill Murray, después de su odisea por Japón, se tenía que quedar sentado en la butaca. Por su parte, Benicio del Toro quería repetir la experiencia de Traffic con un papel más o menos parecido y Ken Watanabe se hacía paso a golpe de katana, pero igual que en la batalla, el cañonazo de Robbins le impidió avanzar. ¿Qué se puede decir de una película como Mystic River, que no se haya dicho todavía? Paradigma de drama y ejemplo de calidad, con el inconfundible sello de Clint Eastwood. Si de él he de elegir sólo una cinta, ésta sería sin duda mi elección. Por qué no ganaría ese drama familiar tan íntimo e impactante en lugar de las “nuevas” aventuras de hobbits, enanos y elfos. Nunca comprenderé ese éxito desmedido, pero c’est la vie. 


Pero dejamos Boston y la Tierra Media de lado, y nos vamos hasta Japón para protagonizar un anuncio de whisky junto a Bill Murray. Sofia Coppola consiguió encandilarme con sus vírgenes suicidas 4 años atrás, y aunque aquí el nivel bajó un poquito, la verdad es que, a su manera, también consiguió un buen trabajo. Un pequeño paseo por la capital nipona, descubriendo poco y encerrado en un su particular mundo, nos demuestra que a veces hay que ir al fin del mundo para encontrar lo que más ansiamos, y que aún así la felicidad ni siquiera está cerca de ser encontrada. Un buen trabajo. 

Después llegó el momento de arriar las velas y descubrir nuevos secretos allende los mares con Jack Aubrey, capitán del Surprise. Recuerdo cuando fui a verla que me dejó un profundo sentido de realismo, hasta el punto de sentir ese vaivén marino que deja cierta sensación de mareo. Con una fotografía espléndida conseguimos introducirnos en uno de los viajes del novelista Patrick O’Brian, un viaje hacia el ansia, hacia el descubrimiento y hacia la gloria de una nación. Peter Weir volvió a rozar las mieles de la estatuilla dorada, y encima con su trabajo más ambicioso y arriesgado probablemente, que se terminó conformando con dos premios más técnicos.


Para la última parada nos trasladamos al mundo de los hipódromos. Desde una casa de sidra Tobey Maguire se muda de época, a la Gran Depresión para correr con Seabiscuit y alcanzar así la fama tan soñada. De las cinco nominadas, quizás la más floja (con permiso de Gandalf claro está), la que mejor representa el “American way of life”, la tierra de las promesas cumplidas y de los sueños rotos. Es de esas películas que siempre te dicen que en Estados Unidos podrás ser quien siempre quisiste ser, ya sea jockey, promotor o incluso caballo de carreras (sí, deseo equino que se llama). La verdad es que ese año había una competencia mucho más dura de lo que nos hizo creer la Academia, pero allí que pusieron esta leyenda de las carreras hípicas. 

En 2003, además, pudimos vivir de primera mano el día a día de las favelas de Río, con un excelente planteamiento a través de los ojos de Meirelles, que consiguió nada más y nada menos que 4 nominaciones, pero no en la categoría reina. También hicimos un viaje submarino, no sé si de 20.000 leguas, pero no fue con Verne ni con Nemo, sino con el padre de éste, desesperado por encontrarlo, para finalmente enterarse que estaba en Wallaby way 42, Sydney, Australia (aunque en lo personal, prefería al Hermano Oso que a Nemo). Y por supuesto no podemos olvidar la fabulosa historia de Tim Burton, Big Fish… Por último, lo de siempre: las 5 nominadas en mi orden de preferencia.
1. Mystic River 
2. Master & Commander 
3. Lost in translation 
4. Seabiscuit, más allá de la leyenda 
5. ESDLA: El retorno del rey

--------------------

NUESTROS TOPS: LOS MEJORES FILMS DEL 2003
(según año de producción)


KOSTI BGY:
1. Big Fish, de Tim Burton (EE.UU.)
2. Mystic River, de Clint Eastwood (EE.UU.)
3. Kill Bill Volume 1, de Quentin Tarantino (EE.UU.)
4. Love Actually, de Richard Curtis (Reino Unido)
5. La mejor juventud, de Marco Tullio Giordana (Italia)
6. Profesionalac, de Dusan Kovacevic (Serbia)
7. Quiéreme si te atreves, de Yann Samuell (Francia)
8. Las invasiones bárbaras, de Dennys Arcand (Canadá)
9. Memories of murder, de Bong Joon-ho (Corea del sur)
10. Zatoichi, de Takeshi Kitano (Japón)

Menciones especiales: Elephant de Gus van Sant (EE.UU.), Master and Commander de Peter Weir (EE.UU.) y Un toque de canela, de Tassos Boulmetis (Grecia).
Reivindicaciones personales: La vida de David Gale, de Alan Parker (EE.UU.), Hermano Oso, de Aaron Blaise y Bob Walker (EE.UU.), Monster, de Patty Jenkins (EE.UU.), Latter days, de C. Jay Cox (EE.UU.) y Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra, de Gore Verbinski (EE.UU.)


XAVIER VIDAL
1. Dogville, de Lars von Trier (Dinamarca)
2. Kill Bill Volume 1, de Quentin Tarantino (EE. UU.)
3. Las manos vacías, de Marc Recha (España)
4. Las horas del día, de Jaime Rosales (España)
5. El regreso, de Andrei Zvyagintsev (Rusia)
6. Mystic River, de Clint Eastwood (EE. UU.)
 7. Lost in Translation, de Sofia Coppola (EE. UU.)
8. Soñadores, de Bernardo Bertolucci (Reino Unido)
9. El tiempo del lobo, de Michael Haneke (Francia)
10. Elephant, de Gus Van Sant (EE. UU.)

Mención especial cine asiático: Memories of Murders de Bong Joon-ho (Corea del sur), Old Boy de Park Chan-Wook (Corea del sur) y Zatoichi de Takeshi Kitano (Japón).
Mención especial Top 10 cine español: 1. Las manos vacías, de Marc Recha; 2. Las horas del día, de Jaime Rosales; 3. La vida mancha, de Enrique Urbizu; 4. Mi vida sin mí, de Isabel Coixet; 5. Te doy mis ojos, de Icíar Bollaín; 6. Soldados de Salamina, de David Trueba; 7. En la ciudad, de Cesc Gay; 8. Carmen, de Vicente Aranda; 9. Días de fútbol, de David Serrano; y 10. La suerte dormida, de Ángeles González-Sinde.

--------------------

Palmarés completo:


Película: ESDLA: EL RETORNO DEL REY Link
Película de habla no inglesa: LAS INVASIONES BÁRBARAS (Canadá)
Película de animación: BUSCANDO A NEMO Link
Película documental: RUMORES DE GUERRA
Director: PETER JACKSON, por ESDLA: El retorno del rey Link
Actor protagonista: SEAN PENN, por Mystic River Link
Actriz protagonista: CHARLIZE THERON, por Monster Link
Actor secundario: TIM ROBBINS, por Mystic River Link
Actriz secundaria: RENÉE ZELLWEGER, por Cold Mountain Link
Guión original: LOST IN TRANSLATION Link
Guión adaptado: ESDLA: EL RETORNO DEL REY
Banda sonora: Howard Shore, por ESDLA: EL RETORNO DEL REY
Canción: Into the West, de ESDLA: EL RETORNO DEL REY
Dirección artística: ESDLA: EL RETORNO DEL REY
Fotografía: MASTER & COMMANDER
Montaje: ESDLA: EL RETORNO DEL REY
Vestuario: ESDLA: EL RETORNO DEL REY
Maquillaje: ESDLA: EL RETORNO DEL REY
Sonido: MASTER & COMMANDER
Efectos sonoros: ESDLA: EL RETORNO DEL REY
Efectos visuales: ESDLA: EL RETORNO DEL REY


--------------------

 RESULTADOS DEL OSCAR RANKING
En negrita: entradas de la semana

1. La lista de Schindler 8'40 
2. Cadena perpetua 8'37 
3. Secretos y mentiras 8'35 
4. El pianista 8'31
5. Pulp Fiction 8'22 
6. Fargo 8'11 
7. Las horas 8'06
8. American Beauty 7'97
9. En el nombre del padre 7'96 
10. El paciente inglés 7'94 
11. El sexto sentido 7'86 
12.  Moulin Rouge 7'86
13. ESDLA: La comunidad del anillo 7'84
14. El piano 7'83 
15. Sentido y sensibilidad 7'79
16. Titanic 7'75 
17. La milla verde 7'75
18. Salvar al soldado Ryan 7'70
19. L.A. Confidential 7'67
20. Traffic 7'62
21. Mejor... imposible 7'61
22. Tigre y dragón 7'52 
23. Forrest Gump 7'50 
24. Chicago 7'50
 25. Lo que queda del día 7'46
26. Gosford Park 7'45
27. En la habitación 7'45
28.  ESDLA: Las dos torres 7'34
29. La delgada línea roja 7'31
30. Shakespeare in love 7'30
31. Las normas de la casa de la sidra 7'30 
32. Gladiator 7'28
33. Chocolat 7'15
34. Elizabeth 7'14
35. El dilema 7'11
36. La vida es bella 7'10 
37. Erin Brokovich 7'09
38. El cartero (y Pablo Neruda) 7'05 
39. Braveheart 7'02
40. Gangs of New York 6'87
41. Full Monty 6'74
42. EL indomable Will Hunting 6'70
43. Shine: El resplandor de un artista 6'66 
44. Una mente maravillosa 6'65
45. Quiz Show: El dilema 6'47 
46. Babe: El cerdito valiente 6'39 
47. Jerry Maguire 6'36
48. Cuatro bodas y un funeral 6'28 
49. Apollo 13 6'14 
50. El fugitivo 6'13

sábado, 17 de noviembre de 2012

Crítica de AMOR Y LETRAS (LIBERAL ARTS), de Josh Radnor

AMOR Y LETRAS (LIBERAL ARTS), de Josh Radnor (EE. UU., 2012)
¿De qué va?: Jesse tiene 35 años y sigue añorando su etapa universitaria. Gracias a un antiguo profesor conoce a Zibby, una adolescente de 19 años que quiere estudiar Arte Dramático. Entre ellos se entablará una relación muy especial basada en el intercambio de libros, música y arte en general.
El dato: Segundo largometraje de Radnor tras HappyThankYouMoreplease, premio del público del Festival de Sundance 2010. Aquí Radnor vuelve a interpretar el personaje protagonista del film y se encarga del guion y la dirección de la cinta.
Valoración: De todos los nuevos valores de la comedia norteamericana Radnor es el más alleniano de su generación. En Amor y letras se ha rodeado de grandes actores y defiende un guion tan original como tradicional (porque el amor es el eterno tema de todas las expresiones artísticas de todos los tiempos). El film funciona casi en su totalidad como una bocanada de aire fresco a un género amanerado por imposición comercial, algo que el propio film critica y parodia con su broma a la saga Crepúsculo. Tiene muchos temas interesantes, algún chiste bueno y una inmensa Elizabeth Olsen reafirmando el temple dramático y la luminosidad que ya demostró en Martha Marcy May Marlene. El problema es que Radnor todavía no es Allen y la película carece de cohesión: sus personajes secundarios son tan interesantes que el espectador añora que el director no los desarrolle como es debido. El cine romántico compite en otra liga, casi siempre superior, desde que los narradores son los empollones de la clase, los eternos rechazados o los pensadores más tímidos. Amor y letras pudo haber sido la comedia de temporada que llega a la terna del Oscar al mejor libreto original. Poco le ha faltado.
Palmarés: Sección oficial de la Semana Internacional de Cine de Valladolid.
El momento: Zac Efron en su mejor papel: un joven zen recién salido de una fiesta con droga de La red social.


Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

Nota: 6

viernes, 16 de noviembre de 2012

Crítica de SEARCHING FOR SUGAR MAN, de Malik Bendjelloul

SEARCHING, FOR SUGAR MAN, de Malik Bendjelloul (Suecia, 2012)
¿De qué va?: A principios de los 70 un hombre prometió a un joven artista que tocaba en un club de Detroit que le ayudaría a publicar su primer álbum. Cuarenta años más tarde, un surafricano explica que debe su nombre, Sugar, a la canción de un cantante que nadie conoce y de cuya muerte corren multitud de rumores. Esta es la crónica que une las dos extremos de un hilo complejísimo, seguramente uno de los episodios más apasionantes de la historia de la música.
El dato: Es el nuevo documental del productor del oscarizado Man on Wire.
Valoración: Las mejores películas son las que cuentan las mejores historias. Es importante tener unos buenos actores, un buen guion de base y a poder ser un productor de confianza, pero sin buenas historias estamos perdidos. La mayoría de films que se estrenan en las salas casi nunca tienen un argumento potente. Searching for Sugar Man reúne todos los ingredientes del mundo para ser una película poco o nada atractiva: documental (género que tenemos pocas ocasiones de disfrutar en pantalla grande, por lo general bastante maltratado) musical (con el peligro que eso conlleva: parece un film 'para fans') sobre un cantante que nadie conoce (ni tan siquiera tenemos un nombre de peso que justifique el visionado del film). Pues bien: es una obra apasionante. Puede que no sea la mejor película del año si valoramos cuestiones técnicas o si nos ceñimos a los criterios críticos que queramos, pero es de lejos la mejor historia de este 2012. Y encima real. Tan real que parece mentira. Vaya, que debía convertirse en película. ¡Y qué peliculón! No se debe contar demasiado sobre quién es el Sugar Man del título y quién le busca con tanta pasión como para hacer una obra audiovisual al respecto. Mejor asistan a la sesión vírgenes. Y flipen. Y si todo esto no les anima, deben saber que Searching for Sugar Man es una historia bigger than life típicamente yanki, al mismo tiempo una apasionante cinta policíaca llena de misterios, una posibilidad de sumergirnos en los entresijos de las compañías discográficas y un cuento grandioso sobre los caprichos de la fama y las verdaderas prioridades de la vida. En el fondo no estamos lejos de un fairytale con mensaje y final feliz a ritmo de folk. La ópera prima de un sueco que viaja hasta Suráfrica para encontrar las pistas de un artista mexicano que publicó dos discos en el Detroit de los años 70. Entretenida, conmovedora, absolutamente arrebatadora y fascinante.
Palmarés: Premio especial del jurado en el Festival de Sundance 2012. Mejor película en el Festival de Moscú. Premio del público en los festivales de Los Ángeles y Durban.


Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

Nota: 8

jueves, 15 de noviembre de 2012

OSCAR RANKING: 10 ACTRICES CON LAS QUE LA ACADEMIA ESTÁ EN DEUDA

Son las grandes damas del Oscar pese a no tener la estatuilla en el comedor de su casa. Actrices de los 80, 90 y años recientes que han intentado sin éxito llevarse el Oscar. La lista de las que merecen ganar otra vez también daría para mucho, pero aquí nos ceñimos a actrices vivas con posibilidad de ganar la estatuilla por edad y por trayectoria. Hay muchas, muchísimas, y la lista podría engrosarse con el nombre de aquellas que nunca han sido candidatas pese a merecerlo. Estas son de a la A a la W, más bonus track final, las actrices que queremos ver con el Oscar.

1. AMY ADAMS
Edad: 38 años
Nominaciones hasta la fecha: 3
¿Las merecía?: Sin duda. En Junebug estaba estupenda. Por La duda y The Fighter estuvo nominada con una compañera más de reparto (Viola Davis en la primera, la ganadora Melissa Leo en la segunda), prueba de que es una de las actrices secundarias más solicitadas de Hollywood. Rozó la nominación por Encantada: La historia de Giselle, y si no hubiese sido porque el film estaba dentro de la comedia infantil habría estado en la terna. Con la reciente Los Muppets promete convertirse en uno de los rostros más queridos entre el público de guardería, pero sus capacidades dramáticas son propias de una gran dama de la interpretación. Precisamente ese estilo a lo Leticia Sabater 'años ha...' hace que muchos la amen apasionadamente y otros sientan un escalofrío al oir su nombre. Pero hasta sus detractores saben que su Oscar es cuestión de tiempo. El premio le puede venir a los 40. ¿Siguiente bala en la recámara? The Master de Paul Thomas Anderson. Golde de efecto, donde interpretará a la hija de Clint Eastwood. Y el biopic de Janis Joplin, previsto para 2014.

2. ANNETTE BENING
Edad: 54 años
Nominaciones hasta la fecha: 4
¿Las merecía?: ¿Hace falta responder? Cuando estuvo nominada por Los timadores ganó Goldberg por Ghost. La gran pesadilla de Bening tiene un nombre de mujer: Hillary Swank. Ella le birló la estuilla por American Beauty la misma noche que la película de Mendes arrasaba. Tras toda una temporada de premios como favorita por Conociendo a Julia, de nuevo una boxeadora se entrometió en el camino. Y recientemente pesó el hecho de que su aportación a Los chicos están bien fuese más secundaria que protagonista (eso y que Natalie Portman irradiaba energía en Cisne negro). Siempre se ha mantenido fuera del ojo mediático y en los últimos años ha dado prioridad a la familia y no al trabajo. Aún así, Hollywood está en deuda con una de sus grandes actrices. Ya tarda Warren Beauty en 'enchufarla' en una gran película de Oscar. Eso o que repita matrimonio con Kevin Spacey.

3. HELENA BONHAM CARTER
Edad: 46 años
Nominaciones hasta la fecha: 2
¿Las merecía?: Si amas sus looks rarunos, su carácter extraño y sus papeles nada convencionales tanto como este blog, entonces la respuesta es un sí rotundo. Y lo que es peor: todavía no tiene el Globo de oro pese haber estado nominada en 6 ocasiones. Carter es libre y gótica como el viento y por eso en una industria tan tiquismiquis no vieron que la Beatrix Lestringe de Harry Potter, la pastelera de Sweeney Todd o la secundaria de Regreso a Howard's End eran de oro. Hollywood ha citado a la mujer de Burton cuando esta se ha dejado los disfraces en casa: o sea, en Las alas de la paloma, melodrama de época, y El discurso del rey, por defender la monarca, esposa y confidente fiel de un marido con problemas (no me digan que no suena muy conservador, todo lo contrario de la Bonham Carter ultramaquillada y excesiva). Sus probabilidades de Oscar, por lo tanto, dependen de hasta dónde esté dispuesta a ceder: serle fiel a Tim significa serle infiel al tío Oscar. Y su nueva incursión en Les misérables parece que será propia del mejor payaso malo. Por lo menos con su actividad incansable Bonham Carter se encarga de recordarnos cada 'x' años que es una futura oscarizable en potencia.

4. GLENN CLOSE
Edad: 65 años
Nominaciones hasta la fecha: 6
¿Las merecía?: Merece el Oscar, directamente. En los 90 Close denunció que en Hollywood no había papeles para mujeres maduras y que todos esos roles acababan siendo para Meryl Streep. Kathy Bates no dijo nada al respecto: ¿será que ya tenía el Oscar por Misery? Sus tres nominaciones consecutivas como secundaria (en el 1983 por El mundo según Grape, en el 1984 por Reencuentro y en el 1985 por El mejor) eran batallas difíciles de ganar. En todo caso, su gran posibilidad fue en 1988: por Atracción fatal merecía ganar por encima de la Cher de Hechizo de luna. Y no contenta con eso, en 1989 estuvo a casi nada de subir al estrado por Las amistades peligrosas: su duquesa hubiese podido reemplazar sin problema a la Jodie Foster de Acusados. Por Albert Nobbs volvió a coincidir con Streep y parece que el destino le gastó una broma de mal gusto. Esperemos que no se contente solo con la serie Damages y que pese a sus 65 años no dé el Oscar por perdido. Uno de los rostros más peculiares del séptimo arte, mala por vocación y la Cruella de Vil de nuestra infancia. Teniendo en cuenta que ya lleva muchas candidaturas sin suerte y que ya lo había merecido en dos ocasiones, Glenn Close es el expediente X que la Academia no puede archivar por más tiempo.

5. VIOLA DAVIS
Edad: 47 años
Nominaciones hasta la fecha: 2
¿Las merecía?: Sí, tanto que incluso estuvo a punto de darnos un susto el pasado febrero. Hace pocos años nadie sabía su nombre y ahora parece de esas actrices en cuya trayectoria tarde o temprano aparecerá el Oscar. Tiene alma de secundaria: así lo fue en sus numerosas apariciones cinematográficas y televisivas, así sucedió en La duda con una única escena en pantalla, y así sucedió en Criadas y señoras, porque de alguna manera daba vida a tantas secundarias de la historia reciente de Norteamérica que ahora piden su protagonismo en la gran pantalla y en Hollywood. Halle Berry lo logró y la siguiente en la lista de espera es Davis. En su caso, el Oscar depende más que nunca de los guiones que le lleguen en los últimos años. A priori no cuesta imaginarla como estrella absoluta de un drama de tomo y lomo. Y el hecho de que Davis sea una de las actrices más hábiles a la hora de recitar sus discursos de agradecimiento debería puntuar.

6. LAURA LINNEY
Edad: 38 años
Nominaciones hasta la fecha: 3
¿Las merecía?: Hay que reconocer que en sus tres veces (2001 por Puedes contar conmigo, 2005 por Kinsey y 2008 por La familia Savages) estuvo y no se la esperaba (bueno: quizás solo por Kinsey). Sus secundarias (Una historia de Brooklyn, El show de Truman) no siempre han merecido la atención suficiente, y sus protagonistas más indies (Jindabyne) quizás no tenían 'el aura' necesaria para estar en el Kodak Theatre. Hasta sus incursiones en el cine comercial (El exorcismo de Emily Rose, Diario de una niñera) eran de notable para arriba. ¿Y no creen que fue la gran damnificada del excelente reparto de Mystic River? Sea como sea, va camino de convertirse en una actriz de carácter, independiente y transgresora. Hasta la fecha la televisión (la miniserie John Adams, la serie The Big C) le ha dado más alegrías que el cine. Antes de que acabe como esa actriz 'cuya cara suena' pero 'de la que pocos sabrían decir su nombre sin pestañear' el Oscar debe llamar a su puerta. ¿Si The Big C fuese película lo ganaría de calle, verdad?

7. JULIANNE MOORE
Edad: 51 años
Nominaciones hasta la fecha: 4
¿Las merecía?: Tan evidente como que es la pelirroja por excelencia. Si arreglásemos cual 'copiar y pegar' la historia de los Oscar de los últimos años, a Nicole Kidman le daríamos el premio por Moulin Rouge para que en el año de Las horas Julianne Moore hubiese tenido vía libre por la excelente Lejos del cielo. Así no denunciaríamos su no presencia por Un hombre soltero, no diríamos que era lo mejor de A ciegas ni haría falta recordar que en Los chicos están bien ella, valga la redundancia, estaba 'tan bien' como su partenaire (presente más arriba en el post). Que su único Globo de oro sea un galardón especial como miembro del reparto de Vidas cruzadas da bastante rabia, si bien es verdad que Moore es un imán para este tipo de medallas compartidas (en Berlín ganó todo el cast de Las horas y en el 2003 estaba presente como protagonista y secundaria). Y si hablamos de elencos estelares hay que citar Magnolia y Boogie Nights y reconocer que su actriz porno cocainómana en el segundo film de Thomas Anderson era un papel tan difícil de interpretar como de premiar (se disputa junto a la Uma Thurman de Pulp Fiction el título de mejor pilingui secundaria tocada por la varita mágica del Oscar). ¿Estará nominada en el 2014 por ser la madre de Carrie en la nueva adaptación del libro de Stephen King, y más teniendo en cuenta que Piper Laurie por ese mismo papel ya optó a la estuilla en 1976?

8.MICHELLE PFEIFFER
Edad: 54 años
Nominaciones hasta la fecha: 3
¿Las merecía?: En los 80 se comió el mundo, en los 90 nos recordó que las rubias son guerreras y en los últimos años ha demostrado que la arruga es bella. Por causas desconocidas, Pfeiffer es de esas actrices que parecen 'de otro tiempo' pese a ser todavía muy joven. Tanto que era la más simpática y elástica de Hairspray, el contrapunto interesante de Stardust y la elegancia hecha carne en Chéri. Obviando sus oposiciones por Las amistades peligrosas (1988) y Por encima de todo (1992), y olvidando que por La edad de la inocencia (1993) merecía la nominación, su gran papel de Oscar fue el de Los fabulosos Baker Boys, justo la noche que Jessica Tandy quiso hacer historia al ser la premiada con más edad (81 años) por la película sorpresa de la noche (Paseando a Miss Daisy). Si Tandy tuvo los huevos con Tomates Verdes Fritos para estar de nuevo en la alfombra roja, que se cumpla la regla de tres y que Pfeiffer gane... a poder ser antes de los 80. Esperemos que remonte tras una década un tanto irregular: de Sombras tenebrosas al cielo.

9. SIGOURNEY WEAVER
Edad: 63 años
Nominaciones hasta la fecha: 3
¿Las merecía?: La reina de la ciencia ficción se merece eso y mucho más. Y justamente por ser la reina de un género marginado en los Oscar no tiene más candidaturas en su haber. Venida de una familia que lleva el cine en la sangre y con una altura propia de una jugadora de baloncesto, Weaver es desde que apareciese en Annie Hall el amor de muchos. En perspectiva, la hubiésemos nominado por Alien: el octavo pasajero, Los cazafantasmas e incluso por Copycat. De Avatar... pasopalabra. Que recientemente haya defendido el fantastique de directores no consagrados (El bosque o los films que rodó en España hace poco: Luces rojas y La fría luz del día) cuando ya no tiene necesidad de meterse en terrenos pantanosos le honra muchísimo. Y como los Oscar no son los Saturn Awards, su máximo mérito fue en el año 1989 cuando estuvo nominada como protagonista por Gorilas en la niebla y secundaria por Armas de mujer (un año 'curioso' no solo porque se produjo el curioso caso de Paseando a Miss Daisy y porque Weaver ganó esos dos Globos de oro, sino porque en esos 'Globos' la banda de actriz dramática fue compartida por tres actrices: la propia Weaver, la finalmente oscarizada Foster y Shirley MacLaine). Ni ha ido nunca a por el Oscar ni a estas alturas lo necesita, pero un cinéfilo tiene sus mitos y ver a Weaver con el hombre dorado en su regazo sería una gran alegría.

10. MICHELLE WILLIAMS
Edad: 32 años
Nominaciones hasta la fecha: 3
¿Las merecía?: At last but not least... así que está aquí por su apellido y por el orden alfabético. Y sí, merece el Oscar. Queda poco de la jovencita de Dawson crece o Halloween H-20. Ahora es la gran dama del cine indie estadounidense gracias a títulos outsider como Mamut, Wendy y Lucy, Synecdoche, New York, Vías cruzadas, Take This Waltz o Meek's Cutoff. Por uno de esos geniales ejercicios fuera de los márgenes, Blue Valentine, logró el milagro de estar nominada y de paso puso muy contento a este bloguero. Y decidir si es mejor su Marilyn o la Ada de Brokeback Mountain se hace tan difícil como elegir entre papá y mamá. Su militancia en el lado bastardo pero más estimulante de Hollywood, salvo excepciones nada desdeñables del tipo Shutter Island, la convierte en perla envenenada para el Oscar, aunque por pura matemática (juventud multiplicado por talento dividido por décadas que tiene por delante menos años en activo: ¿se entendió la fórmula?) Williams ganará el Oscar algún día.

BONUS TRACK


1. WINONA RYDER, 41 años. 2 nominaciones: 
1993 por La edad de la inocencia y 1994 por Mujercitas
2. NAOMI WATTS, 44 años. 1 nominación: 
2004 por 21 gramos
3.ANNE HATHAWAY, 30 años. 1 nominación: 
2009 por La boda de Rachel
4. SHARON STONE, 54 años. 1 nominación: 
1996 por Casino
5. IMELDA STAUNTON, 58 años. 1 nominación: 
2005 por El secreto de Vera Drake
6. KRISTIN SCOTT THOMAS, 52 años. 1 nominación: 
1997 por El paciente inglés
7. CATHERINE KEENER, 53 años. 2 nominaciones: 
1999 por Cómo ser John Malkovich y 2005 por Capote
8. ELLEN PAGE, 25 años. 1 nominación: 
2007 por Juno
9. BRENDA BLETHYN, 66 años. 2 nominaciones: 
1997 por Secretos y mentiras y 1999 por Little Voice
10. EMILY WATSON, 45 años. 2 nominaciones: 
1997 por Rompiendo las olas y 1999 por Hilary y Jackie
11. UMA THURMAN, 42 años. 1 nominación: 
1995 por Pulp Fiction
12. KEIRA KNIGHTLEY, 27 años. 1 nominación: 
2006 por Orgullo y prejuicio

miércoles, 14 de noviembre de 2012

Crítica de LA PARTE DE LOS ÁNGELES (THE ANGELS' SHARE), de Ken Loach

 LA MEJOR PARTE DE LOACH

La parte de los ángeles es el porcentaje casi inapreciable de alcohol que las barricas de whisky pierden año tras año, y ese pequeño tanto por ciento es la clave que determina la calidad, en función de su antigüedad, de los diferentes licores. Utilizando esta imagen como símil de la carrera de este prolífico realizador podría decirse que el británico, lejos de madurar y de servirse de su incuestionable experiencia, va perdiendo capacidad de convocatoria y convicción película tras película. Loach ha entrado, entró hace mucho tiempo, en un círculo vicioso bastante burgués (por acomodaticio), algo paradójico si tenemos en cuenta que su discurso va encaminado hacia lo social (y por lo tanto, por lo comprometido y combativo). El problema del cine de Loach es doble: por una parte, sus ficciones se ensamblan entre sí formando un mosaico personal que, pese a todo, encuentran su razón de ser en la repetición, por lo que en él hay tanto la impronta de un autor como la evidencia de un mecanismo cerrado, ensimismado en su propia inercia; y por otra parte, ese todo homogéneo que es el cine de Loach no puede sorprender de la misma manera ahora, justo cuando autores como Andrea Arnold y análogos no solo se han convertido en discípulos de Loach sino que tanto en riesgo como en inventiva han superado los principios del maestro, que a mediados de los 90, cuando la fórmula del cine realista no estaba desgastada. Por todo esto, pedir que el cine de Loach se renueve, que experimente o que cambie de rumbo es un imposible, y bien pensado es hasta deseable que eso no suceda porque Loach dejaría de ser Loach. La novedad es que La parte de los ángeles se ve beneficiada por el actual contexto de crisis, más incluso que En un mundo libre, algo que no es mérito del propio Loach y que ni tan siquiera puede utilizarse como defensa de la película, pero que convierte esta historia de un grupo de fracasados en busca del whisky de oro en un pasatiempo digerible y divertido. Dato que realza este nuevo título si pensamos que Route Irish, la anterior obra de Loach, era un film sobre las heridas de Irak cuando el panorama social y cinematográfico ya no precisaba una obra de tal temática (en otras palabras: además de mala, estaba parida a destiempo).


A falta de que sus ficciones reciban nuevas y más interesantes transfusiones, Loach se divierte junto a su infatigable guionista Laverty mezclando líquidos y probando nuevas combinaciones partiendo de una paleta de sabores ya marcada. La parte de los ángeles es su nueva creación y en ella conviven dos partes de Loach: el drama de personajes conflictivos, ambientes opresivos y desigualdad social marca de la casa, y en su segundo tramo la comedia coral, amable y vitalista. Loach y sus artimañas están lo suficientemente desgastadas como para que la película, en contra de sus propósitos, invoque sonrisas y lágrimas, pero hay que reconocer que Loach, al apostar por un realismo más mágico que feísta, es capaz de remontar el vuelo y conseguir su obra más entretenida en mucho tiempo. Quién iba a decirle al humanista por excelencia del cine del viejo continente que las mejores partes de sus últimas películas, o más concretamente la mejor parte de su filmografía reciente, estaría en lo complaciente y surrealista, algo que atañe también a la notable Buscando a Eric. Ojalá Loach se dé cuenta que necesita despegarse de la realidad para acoger la ficción pura y dura. La parte de los ángeles queda lastrada por los miedos y los subrayados de Loach pero también ofrece su cara más festiva. No es una obra maestra, incluso podría describirse como simplemente aceptable, y aún así es la mejor parte de Loach. Parte, dicho sea de paso, que gustó mucho a Nanni Moretti en el pasado Festival de Cannes hasta el punto de conceder al film el Premio del Jurado: ¿será que el realizador italiano adolece del mismo mal que Loach y bebió con gusto del vaso?


Para los que buscaban motivos para reconciliarse con el cine de Loach
Lo mejor: El descubrimiento del actor Paul Brannigan.
Lo peor: Que Loach no se emborrache.

Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

Nota: 7