CRÍTICAS | DILILI EN PARÍS, PACHAMAMA, LINO y LIZ AND THE BLUE BIRD

PELÍCULAS DE ANIMACIÓN

DILILI EN PARÍS

Francia, 2018. Dirección y guion: Michel Ocelot

¿De qué va?: Dilili, una joven que llega de Nueva Caledonia a Francia, cuenta con la ayuda de su amigo repartidor para investigar una serie de misteriosos secuestros de chicas jóvenes en el París de la Belle Époque. En el curso de su investigación se encontrará con múltiples personajes extraordinarios que le irán dando pistas. (FILMAFFINITY). Ficha completa

Música: Gabriel Yared Género: Animación. Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/05/2019.

Dilili en París nos traslada al París de la Belle époque donde una pequeña niña mestiza junto a su joven amigo francés, Orel, se embarca en una peligrosa travesía para descubrir la verdad entorno a la desaparición de varias niñas en la ciudad parisina. La animación de colores tan vivaces como la personalidad de la pequeña protagonista es muy vistosa y llamativa, destacables fotogramas acompañados de agradables notas musicales para dar relieve a un guion interesante que recurre a temas socio políticos e incluso feministas muy de actualidad, también es didáctico por su esencia artística e histórica salvando las distancias recuerda un poco a Ruben Brandt, coleccionista, otro estreno reciente del cine de animación que hace remembranza a célebres pintores y sus emblemáticas obras. Dilili en París transita por temas más adultos que infantiles pero los desarrolla con sencillez y un toque de fantasía que en conjunto hacen de esta una petite obra de arte que puede gustar a grandes y pequeños.

PACHAMAMA

Francia, 2018. Dirección: Juan Antin Guion: Juan Antin, Nathalie Hertzberg, Patricia Valeix y Olivier de Bannes

¿De qué va?: Un chico y su amiga sortearan peligrosaos obstaculos para recuperar un obeto sagrado que ha sido robado de su aldea. Ficha completa

Música: Pierre Hamon Género: Animación. Aventura Duración: 71 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 14/06/2019 (Netflix).

Pachamama es una producción francesa cuyo argumento se desarrolla en sudamérica. La cinta estrenada hace poco en Netflix está dirigida por el argentino Juan Antin, quien realiza en su segunda película un interesante trabajo antropológico que, parte de la cosmovisión indígena para narrar una historia ambientada en Perú (antes de la colonización española), donde un chico y su amiga emprenderán un peligroso viaje por defender sus raíces y tradiciones de un malvado Inca, pero en el camino inesperadamente se encontraran con un peligro aún mayor. Pachamama luce muy pulcra en sus imágenes, tiñe de colores vivos sus fotogramas y muestra la flora y fauna propia del país andino: un cóndor, una llama e incluso un armadillo acompañan a los protagonistas de esta entretenida travesía que estuvo entre las nominadas a Mejor film de animación en los Premios César 2018. Pachamama aborda su historia con un aire de fábula e incluso con cierto misticismo, resulta entretenida incluso recurriendo a tópicos y personajes que representan arquetipos del género.

LINO

Brasil, 2017. Dirección y guion: Rafael Ribas

¿De qué va?: Lino trabaja como animador en fiestas infantiles, pero no puede soportar la forma en los niños se burlan de él porque trabaja en el traje de un gato. Decidido a cambiar su vida, él visita un mago, pero la magia no funciona de la manera correcta, y se despierta como un gato grande. (FILMAFFINITY). Ficha completa

Música: Paulo Lebrão Género: Animación. Comedia Duración: 94 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 07/06/2019.

La ópera prima de Rafael Ribas, inicia con  un prólogo que advierte la mala fortuna de Lino, el gafado protagonista de esta aventura quien junto a singulares personajes intentará, en primer lugar: huir de su mala suerte y luego tras diversas situaciones también tendrá que escapar de la policía quien lo acusa de un robo, dicha persecución da lugar a una aventura con más de un momento de acción muy entretenido y, a ratos incluso gracioso, aunque si de algo carece esta Lino es precisamente de momentos cómicos, tiene energía pero le falta desparpajo y una mayor dosis de comicidad, un detalle relevante teniendo en cuenta el público al que está dirigida. Lino es una propuesta claramente familiar, de aspecto técnico y visual apenas correcto y un argumento que parece calcar ciertos detalles del cine de animación hollywoodense. Una película pasable y sin más cometido que entretener, puede gustar sobre todo a los más pequeños. La animación iberoamericana tiene mucho camino por recorrer, tanto en el aspecto técnico como argumental.

LIZ AND THE BLUE BIRD (RIZU TO AOI  TORI)

Japón, 2018. Dirección: Naoko Yamada Guion: Reiko Yoshida

¿De qué va?: El ensayo de una pieza musical sirve como preámbulo para narrar una historia sobre la amistad, el crecimiento personal y la dificultad para expresar los sentimientos. Ficha completa

Música: Kensuke Ushio Género: Animación. Drama Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: Por definir.

Liz and the Blue Bird es el nuevo trabajo de la directora Naoko Yamada, responsable de Una voz silenciosa, aquella interesante películas sobre bullying, discapacidad y suicidio que estuvo entre las preseleccionadas a los Oscar 2018 en la categoría de mejor película de animación. En esta nueva propuesta la directora reincide en hablar sobre la dificultad de la comunicación y la empatía en nuestra sociedad sobre todo en la complicada adolescencia. El escenario de Liz and the Blue Bird es un instituto para chicas donde la extrovertida y popular Nozomi y la solitaria e introvertida Mizore, cursan su último año de instituto, el contraste entre los personajes es evidente desde el inicio y la amistad de ambas es representada por el cuento de Liz y el pájaro azul, una historia que cobra vida dentro del metraje y sirve como metáfora para señalar las emociones y la relación de las protagonistas. La pieza musical que deben interpretar ambas en su club de música y que pertenece al cuento antes citado, es el hilo conductor de la trama. Liz and the Blue Bird es una historia sencilla contada con tempo lento y dando relevancia a las acciones antes que a los diálogos, visualmente es muy pulcra, pivota entre los colores fríos del instituto y los fondos de acuarela coloridos y detallistas que marcan las escenas del cuento, su montaje acopla con precisión las imágenes y la música dando lugar a momentos conmovedores y nostálgicos que, sin embargo, nunca son exageradamente dramáticos. También, debido a la personalidad de Mizore (ciertos detalles apuntan al síndrome de Asperger), hay momentos curiosos que dan lugar a situaciones ligeramente cómicas. En conjunto, una oda a la amistad y, al valor del arte como herramienta de comunicación y comprensión humana. Muy recomendable para quienes disfrutaron de películas como El himno del corazón.

CRÍTICA SERIES | BAJO LA SUPERFICIE (GIDSELTAGNINGEN, BELOW THE SURFACE)

En el túnel
BAJO LA SUPERFICIE (GIDSELTAGNINGEN)

Dinamarca, 2017. 1 temporada de 8 episodios. Emitida por Kanal 5. Género: Thriller. Drama Duración: 43 min. por episodio Tráiler: Link Opening: Link Dirección: Christian E. Christiansen, Roni Ezra y Kasper Barfoed Reparto: Jakob Oftebro, Johannes Lassen, Sara Hjort Ditlevsen, Paprika Steen, Sus Wilkins, Tommy Kenter, Alba August, Anders Nyborg, Michael Asmussen, Alexandre Willaume, Peder Thomas Pedersen, Adnan Haskovic, Muhamed Hadzovic, Kenneth M. Christensen, Esben Dalgaard Andersen, Flemming Enevold, Lane Lind, Allan Hyde, Henning Jensen, Henrik Prip, Cecilie Stenspil, Kasper Leisner, Stefan Mølholt, Jakob Ulrik Lohmann, Dar Salim, Jesper Hyldegaard, Susanne Storm, Morten Feldt, Jens Sætter-Lassen, Jesper Zuschlag, Hadi Ka-Koush, Besir Zeciri, Christian Gade Bjerrum, Magnus Bruun, Johanna Brüel, Mark Butler, Peter Christoffersen, Niels Ellegaard, Regitze Estrup, Gustav Dyekjær Giese, Camilla Gottlieb, Lamaiporn Sangmanee Hougaard, Carsten Kressner, Niclas Vessel Kølpin, Thomas Guldberg Madsen, Iris Mealor Olsen, Susan Olsen, Patricia Schumann, Oskar Sælan Halskov, Signe Mathilde Sørensen, Simon Vinholt, Katrin Weisser

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 4X24 | CINE ESPAÑOL MAYO 2019

Programa nº 124 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 24º audio mensual dedicado al cine español. Alberto Tovar y Xavier Vidal nos traen toda la actualidad del cine español: FESTIVAL DE CANNES, PREMIOS PLATINO, FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN y reseña de ELISA Y MARCELA, de Isabel Coixet. El monográfico del mes lo dedicamos a un ESPECIAL "LAS MEJORES SERIES ESPAÑOLAS DE LA HISTORIA". ¡Gracias por darle al play!

Guía del programa:

0' Presentación - 2' Premios Platino 2019 - 12' Festival de Cannes 2019: Almodóvar, Laxe y Serra - 28' ELISA Y MARCELA - 37' Penélope Cruz y San Sebastián 2019 - 44' Especial LAS MEJORES SERIES ESPAÑOLAS DE LA HISTORIA - 74' Despedida y canción: "El humo", de Lola Indigo (Lo dejo cuando quiera).

Puedes enviar tus comentarios o audiocomentarios con sugerencias o recomendaciones a nuestro mail cinoscararities@gmail.com, estaremos encantados de leerte o escucharte.

CRÍTICAS | ANTES DE LA QUEMA, GENTE QUE VIENE Y BAH, MIAMOR PERDIDO y A PESAR DE TODO

RADIOGRAFÍA DE LA NUEVA COMEDIA ESPAÑOLA

ANTES DE LA QUEMA

España, 2019. Dirección: Fernando Colomo Guion: Javi Jáuregui

¿De qué va?: Quique, chirigotero en paro, consigue un empleo cerca del depósito de droga más grande de Andalucía. Antes de que las autoridades quemen la mercancía, un grupo de narcos y ladrones quieren incautar la droga. Ficha completa

Reparto: Salva Reina, Manuela Velasco, Maggie Civantos, Joaquín Núñez, Manuel Manquiña, Mará Alfonsa Rosso, Vicente Romero, César Mateo, Sebastián Haro Música: Antonio Carmona y Fernando Furones Fotografía: Juan Hernández Género: Comedia Duración: 96 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 07/06/2019.

El fenómeno Ocho apellidos vascos consiguió reconciliar el público con la comedia española. Por el camino, los espectadores han tenido que pagar un peaje bastante caro: soportar multitud de chanzas sobre regionalismos, tensiones entre vecinos, confusiones de dialectos y lenguas, conflictos territoriales, etc. Antes de la quema, el nuevo trabajo de Fernando Colomo, se suma a la lista, esta vez con el Carnaval gaditano y la picardía andaluza como telón de fondo. Colomo nunca ha perdido vigencia y sigue manteniendo el gusto por la comedia local, con combinaciones entre lo chusco y elevado. El problema de Antes de la quema, del que carecían Isla bonita y La tribu, radica en la arquitectura de un guion que, no contento con trufar cada minuto con gracietas más o menos burdas, insiste, subraya y se recrea en su nómina de chorradas, unos procederes que dejarán fuera de juego y con la sonrisa congelada a gran parte de la platea. Es imposible no ver en Salva Reina un trasunto aburrido de Dani Rovira, o vislumbrar en las formas macarras de Maggie Civantos y Manuela Vellés una nueva versión de la Clara Lago más encabritada. Película fallida que, pese a todo, tiene ideas, explora caminos, consigue pequeños logros y amplía los registros de sus intérpretes principales. No va directa a la hoguera de San Juan, aunque se olvida a la velocidad de una chirigota.

GENTE QUE VIENE Y BAH

España, 2019. Dirección: Patricia Font Guion: Darío Madrona y Carlos Montero (novela: Laura Norton)

¿De qué va?: Bea pierde empleo y pareja en cuestión de horas. Destrozada, regresa a la casa familiar. La enfermedad de su madre y la construcción de una casa muy particular harán que Bea se replantee su vida. Ficha completa

Reparto: Clara Lago, Álex García, Alexandra Jiménez, Paula Malia, Fernando Guallar, Carlos Cuevas, Carmen Maura, Eduardo Ferrés, Núria Gago, Marta Belmonte, Ferran Vilajosana, León Martínez, Sergio Dorado, Joaquín Gómez, Eva Ugarte, Lluís Altés, Julio Alonso, Víctor Vidal, Xavier Capdet Música: Arnau Bataller Fotografía: David Valldepérez Género: Comedia dramática Duración: 97 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 18/01/2019.

Ya se habrán percatado de ello: nuestro cine se está "mediasetizando". O "atresmediatizando". En síntesis: privatizando. Muchas gracias, señor Rajoy. Y como de esos polvos tenemos estos lodos, el año empezó con el simbólico estreno de Gente que viene y bah, adaptación de un libro superventas dirigido, imaginamos, a adolescentes (ahora, la adolescencia empieza más tarde... y no acaba). Tiene retranca que, en un 2019 tan movido en materia electoral, Alexandra Jiménez (nunca suficientemente valorada) interprete a una alcaldesa con problemas ecológicos (en la trama hay manipulación mediática y cita a la corrupción, aunque en dosis indoloras). O que, en pleno arrebato arco iris, Carlos Cuevas (el mejor descubrimiento actoral de los últimos años) recree lo que muchos odiamos: el gay secundario, comparsa de féminas, mero accesorio. Incluso podría motivar reflexiones interesantes dilucidar por qué Carmen Maura, consciente de que ya no tiene que demostrar nada a nadie (ni al público, ni a la crítica, ni a su gestor bancario), acepte participar en entretenimientos de perfil tan bajo. Aparte, claro está, del misterio insondable, digno del mismísimo Iker Jiménez, según el cual los productores han decidido que Clara Lago tiene una gracia cómica natural y que Álex García es el guapo oficial de la meseta (¿hay para tanto?). Caras, frases y clichés que, efectivamente, vienen y van durante noventa minutos de metraje (al principio, resultones; luego, reiterativos). Eso sí: da al público lo que quiere. Otra cosa es que eso sea una buena noticia.

MIAMOR PERDIDO

España, 2018. Dirección: Emilio Martínez-Lázaro Guion: Miguel Esteban y Clara Martínez-Lázaro

¿De qué va?: Mario y Olivia se encuentran por casualidad, se enamoran, comparten un gato... y se separan. Él es monologuista y ella actriz teatral. El destino se encargará de separarlos en la vida real y de unirlos en las tablas. Ficha completa

Reparto: Dani Rovira, Michelle Jenner, Antonio Dechent, Will Shephard, Vito Sanz, Pablo Carbonell, Maite Sandoval, Daniel Pérez Prada, Veki G. Velilla, Santiago Alverú, Antonio Resines, María Hinojosa, Pilar Calvo Morillas, Almar G. Sato, Andrea Noceda, Virginia Riezu, David Pareja, Lucía Delgado, Agustín Jiménez, Joaquín Reyes Música: Roque Baños Fotografía: Juan Molina Género: Comedia romántica Duración: 103 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 14/12/2018.

Emilio Martínez-Lázaro es uno de los pocos directores que concibe la comedia romántica como una extensión del vodevil ancestral, del humor sofisticado del Old Hollywood. El éxito en décadas diferentes de Amo tu cama rica, El otro lado de la cama y Ocho apellidos vascos podría hacer pensar que Martínez-Lázaro es un cineasta de vocación popular, pero esa consideración desmerece sus películas más sobrias (la más importante, Las 13 rosas) y no da cuenta de los esporádicos fracasos, a todos los niveles, de su filmografía (la más reciente, La montaña rusa). Miamor perdido, injustamente masacrada por la crítica, tiene una virtud notable: en cada uno de sus fotogramas se percibe el genio de su artífice. Llámese poso, experiencia, oficio o, simplemente, un convencimiento tan ingenuo como loable de las capacidades terapéuticas de reír y hacer reír. Miamor perdido no inventa la rueda, su pareja de intérpretes no tienen el brillo de las estrellas de antaño, hay defectos de fondo y de forma, y probablemente el público de 2019 no acepte trucos y temas que sí funcionaban décadas atrás, pero a quien escribe le parece que Miamor perdido tiene ecos y esencias de los divertimentos blancos de toda la vida, bien hilados, dirigidos con atino y escritos con varios ases en la manga. Que haya gustado más o menos a unos u a otros es puro capricho. Tranquiliza saber que Martínez-Lázaro sigue abonado a la comedia elegante. Parece, al fin y al cabo, que no todo está perdido.

A PESAR DE TODO

España, 2019. Dirección: Gabriela Tagliavini Guion: Eugene B. Rhee,
Helena Rhee, Gabriela Tagliavini y Eric Charles Wilkinson

¿De qué va?: Al morir su madre, cuatro hermanas de vidas y caracteres muy diferentes se reúnen para abrir testamento. La reunión familiar acaba con un descubrimiento que pondrá a prueba sus relaciones: cada una tiene un padre diferente. Ficha completa

Reparto: Macarena García, Belén Cuesta, Blanca Suárez, Amaia Salamanca, Rossy de Palma, Maxi Iglesias, Carlos Bardem, Marisa Paredes, Juan Diego, Joaquín Climent, Emilio Gutiérrez Caba, Tito Valverde, Alex Hafner, Ana Iglesias Música: Emilio Kauderer Fotografía: Kiko de la Rica Género: Comedia Duración: 78 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 03/05/2019.

Todavía debe quedar alguien en la faz de la Tierra convencido de que Netflix y similares están acabando con el cine. Haberlos, haylos. A pesar de todo, estrenada hace poco en la plataforma, no ayudará a cambiarles de parecer. Más allá de ser una comedia matizadamente entretenida, levemente original y solventemente interpretada (todo, ya ven, de enorme ligereza), incluso más allá de la duda que despierta su estreno directo en la nube (¿hubiera funcionado con un lanzamiento previo en salas? apostamos que sí), lo más descaradamente molesto (más adverbios) de A pesar de todo es la sensación de que su metraje obedece por entero a la decisión de Netflix por convencer a toda su parroquia (en otra palabra: clientela). ¿Dónde quedó la libertad artística? ¿Qué pasó con la coherencia narrativa? ¿Y el saber hacer de técnicos e intérpretes? No esperen respuesta. Y como todo tiene que cuadrar para que ninguna minoría mayoritaria se enfade (las reseñas, ahora, son tuits), en la trama hay lesbianas (con devaneos bisexuales), transexuales, potenciales votantes de VOX, mujeres empoderadas y maridos muy malos, ricos muy pobres de espíritu, un artista bohemio (caradura, pero simpático), un eclesiástico poco casto (enésimo bufón)... Y suma y sigue. Tampoco es casualidad que protagonicen cuatro actrices de referencia (más en lo mediático que en lo estrictamente cinematográfico), acompañadas de un elenco construido con algún algoritmo matemático para atraer a "todes" (¿alguien le haría ascos a una película con intervenciones de Juan Diego, Emilio Gutiérrez Caba o Marisa Paredes?). ¡Ah! Y en una Castilla en la que nadie habla bien inglés, ni el mismísimo Albert Rivera, una italiana (la directora) cuenta la historia de personajes plurilingües (obviamente, el francés tiene un glamour del que carecen nuestros catalán, gallego y euskera). Así las cosas, pongamos fin a la ironía: A pesar de todo no es desechable (tampoco buena), pero sí una película que quiere ser antes un "producto" que una "historia". Que es lo mismo que decir que A pesar de todo es todo lo (poco) que demandan nuestros tiempos.

Sigue toda la actualidad del CINE ESPAÑOL en

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES

LISTA | LAS MEJORES SERIES DE LA DÉCADA

A propósito de nuestro podcast especial dedicado a la serie Juego de tronos, hemos preguntado a diferentes seriéfilos cuál es su top 10 con las mejores series de la década. 38 seriéfilos nos han aportado sus tops y en este post desvelamos los resultados al completo. Nota: se han tenido en cuenta todas las series y miniseries estrenadas o con alguna temporada emitida desde el año 2009 hasta el 2018. En caso de empate, el ranking se ordena alfabéticamente.

SEMANARIO 141 | LOS POST DE MAYO

¿Te perdiste algún artículo del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de Cinoscar & Rarities. Todas las reseñas del mes de mayo las recopilamos en este post.

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 4X23 | ESPECIAL JUEGO DE TRONOS y LAS MEJORES SERIES DE LA DÉCADA

Programa nº 123 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Mayra Meza, Jimmy Arzube, Julio (Repaso en serie), Héctor (Los tres amigos), Norberto Piñar, Sergio Reina (Chiflados por el cine), Liz S.V, y Andrés Crespo hablan de JUEGO DE TRONOS y de lo que ha supuesto dicha serie para la seriéfilia en general y para cada uno de ellos en particular. Además, desvelamos los resultados de la encuesta LAS MEJORES SERIES DE LA DÉCADA ¡Gracias por darle al play!

Guía del programa:

0' Presentación - 4' Datos de Juego de tronos - 6' Anécdota seriéfila - 16' Personajes - 28' Mejores frases - 36' Mejores momentos - 46' Banda Sonora - 56' Reseñas 8ª temporada - 75' Las mejores series de la década - 88' Despedida y canción: “Jenny of Oldstones”, de Florence + The Machine (Game Of Thrones)

Puedes enviar tus comentarios o audiocomentarios con sugerencias o recomendaciones a nuestro mail cinoscararities@gmail.com, estaremos encantados de leerte o escucharte.

CRÍTICAS | AN ELEPHANT SITTING STILL, SOMBRA y LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE

Cine chino de estreno



AN ELEPHANT SITTING STILL

China, 2018. Dirección y guion: Hu Bo

¿De qué va?: Un día desde el amanecer hasta el anochecer, con varios personajes intentando tomar un tren para escapar de la espiral descendente en la que se encuentran. (FILMAFFINITY) Ficha completa

Reparto: Zhang Yu, Yuchang Peng, Uvin Wang, Congxi Li, Xiang Rong Dong, Yixin Kong Música: Hua Lun Fotografía: Fan Chao Género: Drama Duración: 230 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/05/2019

An Elephant Sitting Still es la primera película de Hu Bo y lamentablemente también la última, puesto que el joven director se suicidó antes de que su ópera prima se estrenara. La película de casi cuatro horas de metraje narra la historia de cuatro personas que verán entrelazados sus caminos y cuyo único nexo en común es la ciudad donde habitan y el desencanto vital que los abruma. An Elephant Sitting Still es un drama que escarba en los males de una sociedad china contemporánea que podría ser cualquier otro lugar. Aborda la desesperanza de quien se siente menospreciado por sus propios padres/hijos, la negligencia del sistema educativo, la violencia, el acoso escolar, el mal uso de las redes sociales  y el suicidio, todos estos temas convergen y fluyen con soltura en un dilatado metraje que nunca resulta aburrido.  Bo, recurre a largos planos secuencia y persigue a sus desdichados individuos, los filma con una mirada cercana pero a la vez distante, con tempo lento y escenario grisáceo que contribuye al sentir desangelado que se pretende plasmar en los fotogramas. Su estilo a medio camino entre lo filosófico y poético tiene diálogos interesantes y precedidos por largos silencios que en ocasiones son acompañados por una melodía que refuerza la lúgubre atmósfera y el dramatismo de ciertas escenas/secuencias. Además, tiene interpretaciones bastante correctas, su discurso es potente y su puesta en escena eficaz. Logra calar hondo en el espectador y sin duda merece la pena el visionado. Aquellos que disfrutan de los dramas existencialistas de tempo lento pueden encontrar en An Elephant Sitting Still una  joyita.

SOMBRA (SHADOW)

China, 2018. Dirección: Zhang Yimou Guion: Zhang Yimou y Wei Li

¿De qué va?: El comandante militar Jing Zhou ha creado una "sombra", un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey, todo con la finalizad de vengarse de sus enemigos y además, convertirse en el nuevo rey. Sin embargo no todo sale como lo había planeado. Ficha completa

Reparto: Deng Chao, Li Sun, Ryan Zheng, Guan Xiaotong, Qianyuan Wang, Jingchun Wang, Jun Hu Lei Wu Música: Lao Zai Fotografía: Xiaoding Zhao Género: Acción. Drama Duración: 116 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 17/05/2019

Tras el fracaso de La gran muralla, Zhang Yimou regresa con Sombra un trabajo más fiel a su estilo, el cual nos recuerda mucho a otras películas del director como La casa de las dagas voladoras o Hero, a esta última se asemeja sobre todo en su fotografía, uso de la música y elementos como el agua que forman parte de algunas de las escenas de acción. De hecho, en Sombra el agua es casi un personaje más, puesto que arropa esta historia con una incesante lluvia a lo largo del metraje. Su gama de colores grises y cuidada puesta en escena da lugar a una atmósfera sombría para mostrar la confrontación entre dos reinos y una venganza que se cuece a fuego lento de la mano de un comandante herido quien usa a su “sombra” (alguien idéntico a él) para ejecutar sus planes. Un juego de poder y guerra estructurado y desarrollado de manera inteligente lleno de intrigas palaciegas y con una buena dosis de violencia. Sombra tiene un engranaje de mucha precisión y está impregnada de esa belleza visual casi poética que suele percibirse en el cine de Yimou. Estamos ante una obra quizás más destacable en forma que contenido: no logra el calado de cintas como ¡Vivir!, o el portentoso trabajo realizado en Hero, pero aun así, se puede decir que Sombra es una película interesante, entretenida y muy bien dirigida. Además tiene interpretaciones solventes y un aspecto visual memorable.

LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE

China, 2018. Dirección y guion: Bi Gan

¿De qué va?: Luo Hongwu regresa a Kaili, su ciudad natal, de la que huyó hace varios años. Comienza la búsqueda de la mujer que amaba, y a quien nunca ha podido olvidar. (FILMAFFINITY) Ficha completa

Reparto: Tang Wei, Sylvia Chang, Meng Li, Huang Jue, Chen Yongzhong, Lee Hong-Chi, Luo Feiyang Música: Giong Lim y Point Hsu Fotografía: David Chizallet y Hung-i Yao Género: Drama Duración: 133 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/05/2019

Tras su interesante ópera prima Kaili Blues, este año el joven director asiático Bi Gan, nos ofrece un nuevo e hipnótico relato aunque mucho menos accesible que su anterior trabajo. Largo viaje hacia la noche es una historia de corte intimista cuyo conflicto radica en la búsqueda de un amor perdido.  La premisa es bastante sencilla, sin embargo la particular narrativa de Gan y su habilidad para dirigir consiguen captar nuestra atención. Largo viaje hacia la noche es un trabajo con muchas virtudes que incluso por sus formas puede recordar al cine de Tarkovsky. Una historia de tempo lento que da protagonismo al silencio pero también contiene diálogos precisos, algunos son un tanto existencialistas. Su puesta en escena complementa la narración realizando un buen trabajo en la iluminación y recurriendo a planos largos  y elegantes secuencias para recrear la atmósfera onírica y cargada de misterio que precisa. Dichos aspectos ayudan a potenciar los detalles dando relevancia a sonidos e imágenes que parecen triviales pero al mismo tiempo dan la sensación de guardar su propio significado, enigmas que parecen esperar con quietud a ser resueltos. Largo viaje hacia la noche es conceptual y abstracta, algo que la convierte en casi una obra de arte, pero en contraposición también puede causar que el espectador menos comprometido con la sencilla historia de amor que se está contando, pierda el interés por lo que está viendo. En definitiva una película interesante pero difícil de recomendar. Puede gustar a quienes vieron con agrado Kaili Blues y los habituales del cine más contemplativo.

Escucha toda la información de los ESTRENOS DE 2019 en

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES: CARTELERA 2019

CRÍTICAS | QUIERO COMERME TU PÁNCREAS, OKKO, EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS y MODEST HEROES

Películas de Anime

QUIERO COMERME TU PÁNCREAS

Japón, 2018. Dirección y guion: Shin'ichirô Ushijima a partir de la novela de Yoru Sumino

¿De qué va?: Cuando Sakura es diagnosticada con una enfermedad terminal, ella decide no contar a nadie su situación. Pero fortuitamente uno de sus compañeros de instituto se entera de su secreto y desde entonces inician una particular relación. Ficha completa

Música: Hiroko Sebu Género: Animación. Drama. Romance Duración: 108 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/04/2019.

Shin'ichirô Ushijima debuta en la dirección de largometraje con este drama sobre dos adolescentes que de manera fortuita entrelazan sus caminos y dan lugar a una historia sobre la vida, la amistad y también la muerte. Quizás lo más destacable que tiene Quiero comerme tu páncreas es que, pese a usar la enfermedad apenas como hilo conductor para desarrollar la trama, la idea de hablar sobre la muerte en una edad cuando la transitoriedad de la existencia no es un tema de gran preocupación, resulta interesante. También es curiosa la unión de dos personajes tan opuestos para así hablar sobre las relaciones humanas y qué es lo que nos convierte en lo que llegamos a ser. Todo esto desarrollado de manera simpática y agradable aunque también se atisban detalles que a los más exigentes pueden molestar un poco, por ejemplo: el excesivo dramatismo de ciertas escenas, las reacciones exageradas de alguno de los personajes y momentos un tanto repetitivos, además todo ello contribuye a dilatar innecesariamente el metraje. Sin embargo y, a pesar de sus imperfecciones Quiero comerme tu páncreas es una película entretenida pero sobre todo interesante. En sus momentos más álgidos muestra un estilo poético que recuerda al cine de Makoto Shinkai, donde la tragedia lo inunda todo y las relaciones interpersonales trascienden tiempo y espacio creando un relato capaz de conmover al espectador. Recomendable para quienes disfrutaron con películas como Your Name, El himno del corazón o incluso A Silent Voice. 

OKKO, EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS

Japón, 2018. Dirección: Kitarô Kôsaka Guion: Reiko Yoshida a partir de la novela de Hiroko Reijo

¿De qué va?: Okko es una adolescente que debe ir a vivir al campo en una posada tradicional japonesa que dirige su abuela. Mientras se prepara con cierta renuencia para ser la nueva encargada del lugar, conocerá a varios fantasmas amistosos. Ficha completa

Música: Keiichi Suzuki Género: Animación. Drama. Fantasía Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 31/05/2019.

Antes de empezar su carrera como cineasta, Kitarô Kôsaka trabajó en el departamento de animación del Studio Ghibli junto al director Hayao Miyazaki en la animación de películas como Castillo en el cielo, Princesa Mononoke, Ponyo en el acantilado o incluso la nominada al Óscar El viento se levanta. Es probable que por todo ello la influencia de Miyazaki, se atisbe ligeramente en Okko, el hostal y sus fantasmas, adaptación cinematográfica de una novela infantil escrita por Hiroko Reijo. En Okko, el hostal y sus fantasmas, Kôsaka narra la historia de una adolescente que debe ir a vivir con su abuela en la posada que esta dirige, allí Okko, empezará a tener experiencias sobrenaturales al poder ver y hablar con varios fantasmas de niños que viven en dicho lugar. Todo esto es el preámbulo para desarrollar una historia sobre la amistad, el dolor de la pérdida, el crecimiento personal y las raíces culturales. No es una obra de gran calado pero tiene un desarrollo entretenido y agradable logrando equilibrar el drama y la comedia, además, cuenta con un diseño de personajes y animación bastante correcto. En definitiva, Okko, el hostal y sus fantasmas es disfrutable y, a pesar de estar dirigida principalmente al público infantil puede gustar también a los adultos.

MODEST HEROES - PONOC SHORT FILMS THEATRE. VOLUME 1

Japón, 2018. Dirección: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita 

Guion: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita

¿De qué va?: Película compuesta por tres cortometrajes dirigidos por antiguos trabajadores del Studio Ghibli, que ahora forman parte del Studio Ponoc. Ficha completa

Música: Yasutaka Nakata, Takatsugu Muramatsu y Masanori Shimada Género: Animación. Drama. Fantasía. Aventura Duración: 45 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/09/2019 (Netflix).

Kanini & Kanino, el primero de los tres cortos que componen este largometraje fue realizado por Hiromasa Yonebayashi, quien en esta ocasión narra la aventura de una especie de familia acuática que deberá sortear ciertos peligros. Kanini & Kanino recuerda un poco a Arrietty y el mundo de los diminutos, guarda similitudes al tener singulares personajes diminutos, aunque en esta ocasión su  hábitat reside bajo el agua, lugar donde se desarrolla  la  acción de esta historia de supervivencia, entretenida y muy vistosa aunque bastante sencilla y carente de toda la emotividad y calado emocional que suele estar presente en el cine de Yonebayashi. El segundo cortometraje es Life Ain't Gonna Lose, la historia de un niño que padece una alergia en particular que le causa muchos problemas y le impide llevar una vida normal.  Yoshiyuki Momose dirige este drama familiar que muestra de manera interesante los avatares de una madre y su pequeño conviviendo con la enfermedad. Los minutos finales de Life Ain't Gonna Lose están muy bien resueltos. El tercer y último corto es Invisible, singular relato que pese a su sencillez logra captar la atención del espectador con ese aire de extrañeza que desprende el metraje y al mismo tiempo haciéndonos participe de una aventura poco usual. Quizás resulte demasiado abstracto, aún así, Akihiko Yamashita logra un trabajo visualmente correcto y muy entretenido. En líneas generales, Modest Heroes es un trabajo interesante, tal vez destaca más en su apartado técnico que en su guion, pero sin duda merece la pena el visionado.

Escucha toda la información de los ESTRENOS DE 2019 en

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES: CARTELERA 2019

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 4X22 | CINE ESPAÑOL ABRIL 2019

Programa nº 122 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 23º audio mensual dedicado al cine español. Mayra Meza, Guillermo Navarro, Alberto Tovar y Xavier Vidal nos traen toda la actualidad del cine español: noticias, estrenos, series y monográfico dedicado al FESTIVAL DE CANNES. ¡Gracias por darle al play!

Guía del programa:

0' Presentación - 2' Noticias - 21' 70 binladens - 24' ¿A quién te llevarías a una isla desierta? - 27' 7 raons per fugir - 30' Buñuel en el laberinto de las tortugas - 36' Documentales - 43' Temática musical - 53' Low Cost - 67' Series: Vota Juan, Mira lo que has hecho (T2), Justo antes de Cristo, Examen de conciencia y Si no t'hagués conegut - 74' Monográfico: FESTIVAL DE CANNES - 120' Despedida y canción: "El astronauta que vio Elvis", de Love of Lesbian (Memorias de un hombre en pijama).

Puedes enviar tus comentarios o audiocomentarios con sugerencias o recomendaciones a nuestro mail cinoscararities@gmail.com, estaremos encantados de leerte o escucharte.

CRÍTICAS | AMISTAD, KUNDUN y MEDIANOCHE EN EL JARDÍN DEL BIEN Y DEL MAL

LAS PELÍCULAS MENOS RECORDADAS DE TRES DIRECTORES QUERIDÍSIMOS

AMISTAD

EE.UU., 1997. Dirección: Steven Spielberg Guion: David Franzoni

¿De qué va?: Durante el verano de 1839, los esclavos del navío La Amistad, en ruta de África hasta las costas cubanas, capitulan un motín. A pesar de tomar el control del barco, las tropas americanas detienen a toda la tripulación. Un abogado sin demasiada experiencia será el encargado de luchar por los intereses de los hombres apresados. Ficha completa

Reparto: Matthew McConaughey, Djimon Hounsou, Morgan Freeman, Anthony Hopkins, Pete Postlethwaite, Chiwetel Ejiofor, Stellan Skarsgard, Nigel Hawthorne, David Paymer, Anna Paquin, Jeremy Northam, Arliss Howard, Peter Firth, Daniel Von Bargen, Tomas Milian Música: John Williams Fotografía: Janusz Kaminski Género: Drama Duración: 154 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 06/03/1998.

A Spielberg le ha costado muchísimo tiempo conseguir que la Academia y la crítica tomaran en serio su cine. Para las nuevas generaciones puede parecer incuestionable el estatus del "Rey Midas", pero los que llevamos bastantes años de cinefilia sabemos que al director de Indiana Jones, E.T. y otras intrascendencias le costó sangre, sudor y muchos dólares ocupar su trono. Su carrera puede dividirse en dos grandes bloques: blockbusters de entretenimiento, adaptados al público, a la técnica cinematográfica y a las preocupaciones de cada década; y películas de temática más severa, en su mayoría revisiones de la historiografía norteamericana. En contra de la opinión mayoritaria, en este segundo grupo se encuentra el grueso más importante de la filmografía spielberiana (El color púrpura, Salvar al soldado Ryan, Munich, Lincoln, El puente de los espías, Los archivos del Pentágono) a excepción de Amistad, un error de cálculo que sigue coleando, más grave si cabe por tratarse de la película que siguió a la oscarizada La lista de Schindler. No puede decirse que la sutileza sea una de las virtudes de Spielberg, pero aquí su visión de la esclavitud, la América negra y las sombras del sistema judicial resulta especialmente fácil, torpe, flagrante. Para colmo, el metraje se dilata hasta las dos horas y media, con maquillajes barrocos, frases rimbombantes y nula habilidad para convencer y/o emocionar al personal. Cine que confía demasiado en la supuesta importancia y el carácter mayestático de su argumento, aquello que en las carreras de premios suele catalogarse con la manida consigna de "una película necesaria". El público, el de antes, el de ahora, el de siempre, necesita buen cine: Amistad, pese a sus intenciones, no figura en esa lista. Hasta los artistas más importantes pueden equivocarse.

KUNDUN

EE.UU., 1997. Dirección: Martin Scorsese Guion: Melissa Mathison

¿De qué va?: En 1937, un niño tibetano es elegido por unos monjes como sucesor del Dalai Lama, la principal figura del budismo. Obligado a separarse de su familia, el pequeño recibirá una formación estricta. De mayor, ya convertido en líder, tendrá que exiliarse para salvar su vida. Ficha completa

Reparto: Tenzin Yeshi Paichang, Gyurme Tethong, Tencho Gyalpo, Tenzin Thuthob Tsarong, Ken Leung Música: Philip Glass Fotografía: Roger Deakins Género: Drama Duración: 134 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/06/1998.

Martin Scorsese pasará a la historia por haber reformulado los códigos del thriller norteamericano. Menos atención han merecido sus documentales musicales o películas puntuales que el director, yendo a contracorriente de la industria y obedeciendo a deseos puramente personales, enteramente artísticos, levantó previo estupor de los grandes estudios y posterior asombro de toda la comunidad cinéfila. En esa lista de rarezas destacan La última tentación de Cristo, la muy reciente e infravalorada Silencio o esta Kundun, declaración de amor nada escondida al decimocuarto Dalai Lama. Scorsese se interesa por la creación, el crecimiento y el exilio de la figura más importante del budismo, y lo hace, como en los títulos citados, desde una mirada que une política y espiritualidad, revisión histórica de personajes y pasajes no siempre considerados en los discursos oficiales. Durante las poco más de dos horas de metraje, Scorsese confía únicamente en su genio para acercarnos la realidad del Tibet, secundado por un equipo técnico y artístico de primer orden. El problema de la función no está tanto en la diferencia cultural sino en la asepsia con la que "el maestro" se acerca "al otro maestro". No hay conflicto, ni calado emocional, ni referentes más o menos cercanos a los que pueda agarrarse el público de Occidente. Scorsese tampoco contagia su cariño hacia el personaje, por lo que su defensa se intuye un tanto arbitraria, gratuita. Incluso, pese a su magnificencia visual, la historia es demasiado privada (que no íntima) como para epatar a la audiencia. Resultado: una película meritoria, aunque está condenada a ser un mero pie de página en la filmografía de Scorsese. Aun así, rarezas como esta son las que convierten a Scorsese en un autor tan estimulante.

MEDIANOCHE EN EL JARDÍN DEL BIEN Y DEL MAL

EE.UU., 1997. Dirección: Clint Eastwood Guion: John Lee Hancock, a partir de la novela de John Berendt.

¿De qué va?: Un escritor viaja hasta Savannah, una población extravagante del sur de los Estados Unidos, para cubrir la fiesta navideña de un ricachón famoso. Al terminar la velada, el anfitrión es acusado de asesinar a uno de sus criados y el periodista decide alargar su estancia para investigar lo ocurrido. Ficha completa

Reparto: John Cusack, Kevin Spacey, Jude Law, Irma P. Hall, Lady Chablis, Alison Eastwood, Paul Hipp, Jack Thompson, Kim Hunter, Geoffrey Lewis Música: Lennie Niehaus Fotografía: Jack N. Green Género: Thriller. Drama Duración: 155 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 03/04/1998.

A mediados de los 90, Medianoche en el jardín del bien y del mal se convirtió en uno de los libros más vendidos en los Estados Unidos. Su éxito motivó una pronta adaptación cinematográfica, capitaneada por el guionista John Lee Hancock, muy de moda por aquel entonces, y el realizador Clint Eastwood, que venía de adaptar con éxito las novelas Poder absoluto y sobre todo Los puentes de Madison. Pese a estas señas, la película fue un sonoro fracaso de público, probablemente por la escasa comercialidad de su argumento (difícil de explicar para el público que desconozca el antecedente literario), el escaso gancho de su reparto (a pesar de tener un elenco realmente portentoso) y su duración (150 minutos de metraje son, antes y ahora, motivo de recelo y pérdida de taquilla). El tiempo, con todo, ha sido bastante benévolo con un filme que, a todas bruces, merecía muchísima más suerte. Por su carácter coral, la película puede entenderse como un compendio de todos los temas favoritos de Eastwood: el concepto de justicia, las contradicciones de la sociedad norteamericana o el interés del director de Sin perdón por defender a personajes fuera de todo tiempo y lugar, con una ética con dobleces aunque inquebrantable. El paso de las décadas también ha añadido cierto morbo a su premisa: es imposible, con ojos de 2019, no ver en el personaje de Kevin Spacey una especie de profecía de lo que le sucedió al propio actor hace escasos meses, o percatarse cómo la impersonalidad de John Cusack, al dar vida a un protagonista-observador, remaba a favor de la propuesta, algo insólito en toda la filmografía del intérprete. Puede que el conjunto sea un totum revolutum un tanto indigesto, que no todos los personajes y tramas encuentren su espacio en el guion o que, a la postre, sea una propuesta tan atractiva como "difícil", pero Medianoche en el jardín del bien y del mal está preñada de grandes escenas e ideas, algo de lo que no puede presumir la mayoría del cine norteamericano, ni de antaño ni de la actualidad. En su descubrimiento tardío o en su pertinente revisión, la película es la prueba irrefutable, ahora ampliada con el estreno de Mula, que el cine de Eastwood siempre fue más progresista que la mentalidad de su artífice. Paradojas de la realidad y de la ficción. Una rareza que encajaría muy bien en esa Savannah de fiestas, vudú y perros fantasma.

Recuerda todos los estrenos de 1998 en

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES: CINE DE 1998 

CRÍTICAS | LOS HERMANOS SISTER, DOBLES VIDAS y EN BUENAS MANOS

Cine francés de estreno

LOS HERMANOS SISTERS (LES FRÈRES SISTERS)

Francia, 2018. Dirección: Jacques Audiard
Guion: Jacques Audiard y Thomas Bidegain, a partir de la novela de Patrick Dewitt.

¿De qué va?: En plena fiebre del oro, dos hermanos recorren medio oeste para matar a un hombre. En su camino, ambos pondrán a prueba su relación y su actividad delictiva. Ficha completa

Reparto: Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed, Rebecca Root, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Ian Reddington, Philip Rosch, Rutger Hauer, Carol Kane, Creed Bratton, Duncan Lacroix, Niels Arestrup Música: Alexandre Desplat Fotografía: Benoît Debie Género: Western Duración: 121 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 10/05/2019.

Jacques Audiard es uno de los pocos autores que convierte cada una de sus películas en eventos cinéfilos. El gran público no sabe su nombre de corrillo, si bien Los hermanos Sister podría darle entre nosotros la visibilidad que siempre se ha merecido. Si Dheepan, la peor Palma de la historia reciente, demostraba la caducidad de una fórmula (los vínculos de Audiard con el drama criminal, con Un profeta como máximo exponente de ese estilo), ahora Los hermanos Sister nace con la voluntad de externalizar su carrera, con un género (el western) y un concepto de producción (con capital francés, estadounidense, español y rumano) poco o nada habituales. Lástima que la película resulte poco novedosa: más allá de su esforzado envoltorio, la trama apenas bucea en la psique de sus protagonistas y su tercio final adolece de no tener ningún conflicto de mediano interés. Más allá de sus apellidos, cuesta imaginar qué vio Del Toro en ella para concederle el premio en Venecia a la mejor dirección. Sus cuatro premios César se explican por otros cauces: ninguna película, ni tan siquiera en la mismísima Francia, reunía en este curso tantos enteros técnicos. Probablemente Los hermanos Sister no sirva para renovar la filmografía de Audiard. La decepción es evidente. Tanto como que, a pesar de los pesares, estamos ante una película recia. La confianza es lo último que se pierde: Audiard sigue siendo uno de los mejores narradores de nuestros tiempos.

DOBLES VIDAS (DOUBLES VIES)

Francia, 2018. Dirección y guion: Olivier Assayas

¿De qué va?: Léonard acaba de terminar su nueva novela pero Alain, su editor de confianza, no está convencido con el manuscrito. La mujer de Alain está entusiasmada con la historia, mientras que la pareja de Léonard no parece prestarle mucha atención. Cuatro amigos que se encuentran, reencuentran, sinceran y mienten. Existencias que, en realidad, son dobles vidas. Ficha completa

Reparto:Juliette Binoche, Guillaume Canet, Olivia Ross, Christa Theret, Antoine Reinartz, Pascal Greggory, Violaine Gillibert, Vincent Macaigne, Nora Hamzawi Fotografía: Yorick Le Saux Género: Comedia dramatica Duración: 107 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/04/2019

Entre la miniserie Carlos, Viaje a Sils Maria y Personal Shooper no existen apenas nexos de unión: únicamente la mirada de un autor único, indómito, tan heterogéneo como imprevisible. En su constante voluntad por reinventarse título tras título, ahora Olivier Assayas nos presenta Dobles vidas, suerte de Agnès Jaoui vitaminada sobre las relaciones de pareja, los tejemanejes del mundo editorial y las aristas de la amistad. Nada más empezar, la película nos presenta a Guillaume Canet y a Vincent Macaigne hablando a toda prisa, con sintaxis elaborada, palabras elevadas y chascarrillos culturetas. Lo que sigue es una ampliación de ese tono, tan indefectiblemente francés como, por desgracia, poco frecuente en el cine contemporáneo. A la película le falta humor (promocionarla entre nosotros como heredera del estilo de Woody Allen es, aunque falso, una de las estrategias comerciales mejor hiladas de la temporada), y aún así anda sobrada de todo lo demás. Un lúcido vodevil, moderno porque precisamente trata los temas de siempre. ¿Repetición? No: atemporalidad. Y a estas alturas, la presencia de Juliette Binoche, aunque leyera a cámara el tique de la compra, seguiría siendo una absoluta delicia. Tiene retranca que en Francia Dobles vidas haya salido tan mal parada a nivel de crítica y de público, mientras que entre nosotros ha sido el mayor éxito de toda la carrera de Assayas. Paradojas regadas con sexo, vino e historias (dentro de historias). Para quien escribe, el mejor trabajo de su responsable desde Las horas del verano.

EN BUENAS MANOS (PUPILLE)

Francia, 2018. Dirección y guion: Jeanne Herry

¿De qué va?: El nacimiento de Theo activa un complejo protocolo. Primero, su madre biológica dona el bebé en adopción. Pocos días después, un padre de acogida se encarga del pequeño. Dos meses más tarde, su custodia quedará asignada a Alice, una mujer soltera de 41 años. Esta es su historia y la de todos los profesionales que hacen posible la unión entre Theo y Alice. Ficha completa

Reparto: Sandrine Kiberlain, Gilles Lellouche, Elodie Bouchez, Olivia Côte, Clotilde Mollet, Jean-François Stévenin, Bruno Podalydès, Miou-Miou Música: Pascal Sangla Fotografía: Sofian El Fani Género: Drama Duración: 107 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/05/2019

Están de moda las películas atrofiadas de efectos especiales, pero para una inmensa minoría el cine fue y es otra cosa. Historias que se interesan por la realidad. Que confían en la bondad del ser humano. Que hablan de aspectos de nuestra cotidianidad que pasan desapercibidos para la inmensa mayoría. El cine francés de última hornada nos ha contado sus avatares educativos, médicos y sociales en distintas películas, y simbólicamente En buenas manos (Pupille) une las tres vertientes en una trama sobre algo tan ínfimo, en realidad tan grande, como son los vínculos afectivos y nuestra capacidad por superar los pequeños problemas del día a día. Con delicadeza, un reparto en estado de gracia y un guion sensible y preciso, la cinta de Jeanne Herry avanza con interés y termina ganándose el corazón de la platea. Puede que por momentos opte por subrayar los aspectos más condescendientes de la realidad (¿qué será de esa universitaria de 21 años que decide dar en adopción a su bebé?), incluso que en algunas partes se subrayen detalles propios de un folletín (ahí está la relación imposible entre los personajes de Kimberlain y Lellouche), pero en conjunto En buenas manos es una ficción apreciable, casi un documento de incalculable valor para pedagogos y trabajadores sociales, que nos reconcilia con el séptimo arte y con los seres humanos. Ver a Bouchez emocionada viendo la cara sonriente del pequeño Theo, en plano cerrado y sin efectismos formales, es un espectáculo; probablemente, el más notable que veremos este mayo en la cartelera.

Escucha toda la información de los ESTRENOS DE 2019 en

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES: CARTELERA 2019