CRÍTICA SERIES | HOTEL DEL LUNA, de Oh Choong Hwan

 HOTEL DEL LUNA

Corea del Sur, 2019. 16 episodios Género: Drama Dirección: Oh Choong Hwan Guion: Hong Jeong-Eun, Hong Mi-Ran Tráiler: link

Las series coreanas también llamadas kdramas están de plena actualidad y entre lo más popular globalmente gracias sobre todo a Netflix, plataforma con un extenso catálogo que incluye la exitosa serie El juego del calamar y próximamente estrenará títulos como el remake surcoreano de la serie española La casa de papel. Por todo ello y más, tal y como ya lo hacemos en El podcast de Cinoscar & Rarities con la sección de SERIES COREANAS, también queremos darle un espacio en este blog a dichas producciones e ir comentando y recomendado aquellos títulos más interesantes. El primer kdrama que reseñamos en este espacio es Hotel Del Luna, serie de la cadena TVN (disponible en Netflix) que mezcla drama y fantasía para narrar la historia de un hotel que sirve como espacio de transición para quienes mueren y deben ir a la otra vida. Jang Man-Wool (Lee Ji-Eun), una joven de pasado turbio tiene como castigo encargarse de este hotel, labor que ejerce junto a gerentes humanos el último de ellos es Koo Chan Sung (Yeo Jin-Goo), un joven renuente a la idea de dicho trabajo pero diversas situaciones lo harán aceptar el empleo.

Hotel Del Luna desarrolla una historia sobre la vida después de la muerte, fantasmas, espíritus, el karma y la reencarnación entre otros aspectos propios de la cultura e idiosincrasia asiática / coreana, a todo lo dicho se suman temas más universales como el amor, la amistad y la lealtad. Desde el primer episodio se aprecia un gran diseño de producción para una amalgama de géneros que entrelazan las historias de un abanico de personajes muy variopintos e interesantes. Hay una  buena presentación de personajes manteniendo cierto grado de misterio e intriga que se desvela con el desarrollo de la trama, nunca juega todas sus cartas y siempre queda una incógnita por descubrir lo cual nos mantiene expectantes al desenlace. La historia es interesante, entretenida y emotiva: curiosamente sus mejores momentos son esos flashbacks al pasado de Man-Wool, personaje principal muy bien descrito y que logra destacar gracias a la brillante interpretación de Lee Ji-Eun (tras ver esta serie apetece ver a la actriz en una película Wuxia al estilo Tigre y dragón), el reparto en general está muy correcto pero ella destaca. Hotel Del Luna también  tiene un apartado técnico artístico de gran factura y una banda sonora con algunos tracks muy memorables. Una  serie que recomiendo mucho a los fans de la fantasía y sobre todo a los fans de Lee Ji-Eun aka IU.

Puedes escuchar reseñas de otros kdramas en El podcast de Cinoscar & Rarities

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | EN TIERRA DE NADIE (NO MAN'S LAND), de Danis Tanovic (Bosnia y Herzegovina)

EN TIERRA DE NADIE (NO MAN'S LAND, NICIJA ZEMLJA)

Bosnia y Herzegovina, 2001. Dirección: Danis Tanovic Guion: Danis Tanovic Música: Danis Tanovic Fotografía: Walther Van Den Ende Reparto: Branko Djuric, Rene Bitorajac, Filip Sovagovic, Katrin Cartlidge, Simon Callow, Serge-Henri Valcke, Georges Siatidis Género: Tragicomedia bélica Duración: 90 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Guerra de Bosnia, 1993. Dos soldados de bandos distintos, un bosnio y un serbio, se encuentran atrapados entre las líneas enemigas, en tierra de nadie. Un sargento de los cascos azules de las Naciones Unidas se dispone a ayudarlos, contraviniendo las órdenes de sus superiores. Los medios de comunicación no tardan en convertir el asunto en un show mediático de carácter internacional. Mientras la tensión bélica crece y la prensa espera pacientemente nuevas noticias, los dos soldados intentarán por todos los medios salir con vida de tal situación. (FILMAFFINITY)

En tierra de nadie pasará a la historia por ser la película que le quitó el Óscar a Amélie. Sin el apoyo popular del filme de Jean-Pierre Jeunet, pero con el contexto sociopolítico a su favor (estábamos en pleno shock posterior al 11-S), la Academia se posicionó del lado de esta crónica bélica con pequeños destellos de comedia, si bien su tono es predominantemente dramático. En una trinchera perdida de una tierra todavía más perdida, entre las lindes bosnias y serbias, tres hombres piden el alto al fuego para que los cascos azules puedan desactivar una bomba. La convivencia de los personajes es un polvorín, tanto como las caras que se van acercando a ese surco de polvo. El escenario, siguiendo los principios del teatro del absurdo, se va llenando de gente, aunque nadie parece querer o poder solucionar el verdadero conflicto que allí se dirime. Tanovic convierte la guerra en estado mental y espacio físico para, a la postre, transformar la historia en cuento ditirámbico sobre la inoperancia de todos: los generales dictan órdenes sin tener muy claro el alcance de sus mandatos, a los soldados les da pereza apretar el gatillo, a la prensa solo le preocupa subir los índices de audiencia y los mediadores internacionales carecen de potestad para poner paz entre tanta discordia. Todo lo dicho, pese a su interés, tendría relevancia fílmica si Tanovic apostara realmente por la risa blanca o el sarcasmo negro, o si su mirada fuese más sutil, dejando que la trama hablase por sí misma sin necesidad de subrayar qué debe pensar o sentir el espectador en todo momento. Lamentablemente, En tierra de nadie cede a la brocha gorda, tal vez porque el material que tenía entre manos era tan explosivo que Tanovic, debido a su inexperiencia (estamos hablando de una ópera prima), prefirió dejar clara su equidistancia para no recibir sanciones y, de rebote, ganar aplausos. La jugada salió muy bien parada (se hizo con el Globo de oro, recibió trofeos en Cannes y San Sebastián, etc.), lo que no quita que En tierra de nadie sea una película interesante a la que el Óscar le sigue viniendo un poco grande.

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 7x09 | Cine español: MADRES PARALELAS, de Pedro Almodóvar

Xavier Vidal reseña sin spoilers la película MADRES PARALELAS de PEDRO ALMODÓVAR. Montaje de Mayra Meza. 

  

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PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | AMÉLIE, de Jean-Pierre Jeunet (Francia)

AMÉLIE

Francia, 2001. Dirección: Jean-Pierre Jeunet Guion: Guillaume Laurant, Jean-Pierre Jeunet Música: Yann Tiersen Fotografía: Bruno Delbonnel Reparto: Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Rufus Magloire, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Jamel Debbouze, Claire Maurier, Clotilde Mollet, Isabelle Nanty, Dominique Pinon, Artus de Penguern, Yolande Moreau, Urbain Cancelier, Maurice Bénichou Género: Comedia. Drama Duración: 120 min. Tráiler: Link Podcast: Link
¿De qué va?: Amelie no es una chica como las demás. Ha visto a su pez de colores deslizarse hacia las alcantarillas municipales, a su madre morir en la plaza de Nôtre-Dame y a su padre dedicar todo su afecto a un gnomo de jardín. De repente, a los veintidós años, descubre su objetivo en la vida: arreglar la vida de los demás. A partir de entonces, inventa toda clase de estrategias para intervenir en los asuntos de los demás: su portera, que se pasa los días bebiendo vino de Oporto; Georgette, una estanquera hipocondríaca; o "el hombre de cristal", un vecino que solo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Renoir. (FILMAFFINITY)

Amélie es una historia sencilla pero llena de encanto con personajes muy extravagantes, todo esto enmarcado en una mezcla de cotidianidad y rarezas, con una narrativa muy original. La película bebe del realismo mágico y aporta una visión sugestiva de la vida apoyándose en diversos recursos cinematográficos, entre los cuales destaca una estética y cinematografía impecable. Su creatividad en la puesta en escena, el desarrollo preciso, entretenido y con un toque de humor y encanto francés hacen de esta una película imprescindible para cualquier cinéfilo. El reparto en general está bastante correcto pero Audrey Tautou se roba el show: la actriz podrá interpretar muchos otros personajes pero seguramente siempre será recordada como la encantadora Amélie, esa chica que, al que no le cambió la vida, al menos sí le hizo ver el cine con otros ojos. Porque el cine versa de eso, de contar historias, y Amélie es un cuento bien narrado, un ejercicio narrativo y audiovisual ensamblado con la capacidad de cautivar los ojos y el corazón del espectador y transportarlo a ese microuniverso tan atípico como interesante, propio de las obras más memorables. Una pena que el drama sociopolítico En tierra de nadie tuviera más peso y le arrebatara el Óscar a mejor película internacional; por suerte, Jean-Pierre Jeunet sabía de antemano que son tiempos difíciles para los soñadores.

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | EL HIJO DE LA NOVIA, de Juan José Campanella (Argentina)

 EL HIJO DE LA NOVIA (SON OF THE BRIDE)

Argentina, 2001. Dirección: Juan José Campanella Guion: Juan José Campanella y Fernando Castets Música: Ángel Illarramendi Fotografía: Daniel Shulman Reparto: Ricardo Darín, Héctor Alterio, Norma Aleandro, Natalia Verbeke, Eduardo Blanco, Gimena Nóbile, Claudia Fontán, David Masajnik, Atilio Pozzobon, Salo Pasik Género: Comedia dramática Duración: 120 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Rafael dedica 24 horas al día a su restaurante, está divorciado, ve muy poco a su hija, no tiene amigos y elude comprometerse con su novia. Además, desde hace mucho tiempo no visita a su madre, internada en un geriátrico porque sufre el mal de Alzheimer. Una serie de acontecimientos inesperados le obligan a replantearse su vida. Entre ellos, la intención que tiene su padre de cumplir el viejo sueño de su madre: casarse por la Iglesia. (FILMAFFINITY)

En el año del "corralito", el cine argentino estuvo presente en las carteleras de todo el mundo, muy especialmente en los países de habla hispana, con El hijo de la novia, película que reportó a Ricardo Darín, Eduardo Blanco y a Juan José Campanella una fama inusitada, así como una segunda juventud a las carreras de Héctor Alterio y Norma Aleandro. En España no estábamos acostumbrados a la cantinela del habla ché o a la sucesión de "boludos", "pelotudos" y "conchudos", pero eso no impidió que la cinta contara con un poderoso boca a oreja y se convirtiera en un suceso sin precedentes que eternizó su paso por salas. La clave del éxito de los prolegómenos de esta boda tan particular reside en la capacidad de sus responsables para unir humor y gravedad de forma muy sutil, nada forzada, engarzando momentos que son puro sketch (Alterio llamando por teléfono a sus antiguos amigos), artificio naturalista (el monólogo en el telefonillo, en plano fijo) o pirueta de guion (la aguda charla con el capellán o el rodaje dentro de la película, con pelea de los protagonistas de fondo). El hijo de la novia es una obra con candor, sin más peripecia y verdad que aquella que emana de lo cotidiano (elevado a extraordinario por la labor de sus actores o la agudeza de sus diálogos). Tan entrañable que puede pasar desapercibida su discreta concepción visual, el poco matizado uso de sus fundidos a negro y transiciones de montaje, o incluso su exceso de metraje. Para el caso, poca cosa: a principios de los 2000 se reestrenaron todas las películas anteriores, románticas y verbales, de Darín, Campanella se convirtió en un habitual de las series yankis y el cine argentino incrementó su presencia al otro lado del charco. En la España de la inmigración, de hecho, el cine de la pampa todavía no ha perdido cierto aura de prestigio. Justamente los espectadores que, como los académicos de Hollywood, entendieron y se enternecieron con esta historia de segundas oportunidades, ataduras del pasado, imperativos económicos y rutinas que pesan como losas, tan familiar que podría ser la nuestra.

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 7x08 | Especial 69º FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2021

Cumplimos una tradición en El podcast de Cinoscar & Rarities: repasar la nueva edición del Zinemaldia. Guillermo Navarro y Xavier Vidal analizan las anécdotas, las películas y el palmarés de la 69ª edición del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2021. ¡Gracias por darle al play!

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EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 7x07 | ÓSCAR INTERNACIONAL 2001: Amélie, Elling, Lagaan, En tierra de nadie y El hijo de la novia

¡En Cinoscar & Rarities empezamos nuevo proyecto! Esta 7ª temporada, el día 1 de cada mes hablaremos de las candidatas al Óscar a la mejor película internacional. Este octubre, Mayra Meza y Xavier Vidal repasan la temporada del año 2001 y las películas Amélie, Elling, Lagaan, En tierra de nadie y El hijo de la novia. ¡Gracias por darle al play!

   Guía del programa:

0' Presentación - 5' Amélie - 15' Elling - 23' Lagaan - 32' En tierra de nadie - 39' El hijo de la novia - 47' Películas internacionales no nominadas - 55' Despedida y canción: "Chale Chalo", de Lagaan

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PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | FRESA Y CHOCOLATE, de Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío (Cuba)

FRESA Y CHOCOLATE

Cuba, 1993. Dirección: Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío Guion: Senel Paz Música: Aurum Fotografía: Mario García Joya Reparto: Jorge Perugorría, Vladimir Cruz, Mirta Ibarra, Francisco Gattorno, Marilyn Solaya, Joel Angelino Género: Drama social Duración: 110 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: David (Vladimir Cruz) es un comunista convencido que estudia Sociología en la Universidad de La Habana. Diego (Jorge Perugorría) es un artista homosexual acosado por la homofobia del régimen castrista. A pesar de las abismales diferencias que los separan, entre ellos surge una profunda amistad. (FILMAFFINITY)

Fresa y chocolate es una película de Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío basada en un relato corto de Senel Paz, quien también escribe el guion. El filme fue nominado al Óscar a la mejor película en lengua extranjera, ganó el Goya a la mejor película extranjera de habla hispana y entre sus muchos reconocimientos obtuvo el Premio especial del Jurado del Festival de Sundance y del Festival de Berlín.

La obra se puede considerar importante o relevante debido a los temas que trata desde la perspectiva social de los años 90, pero no se le puede negar que el paso del tiempo le ha restado varios puntos debido a cómo plasma algunos prejuicios, como es el caso de la representación de los hombres gays, o cómo se ve a la mujer como simplemente un objeto sexual, o incluso la forma en que se habla de Cuba. 

La historia ocurre en La Habana de 1970 y habla sobre la relación de amistad entre un joven homosexual llamado Diego, amante de los helados de fresa, que por una apuesta intenta, sin éxito, seducir a David, un joven militante comunista, heterosexual, que estudia Sociología en la Universidad de La Habana, aficionado a los helados de chocolate. 

Ambos jóvenes entablan una relación de amistad que inicia mal desde el primer momento por las intenciones de Diego, pero luego también por David, que lo busca para sacarle información o pruebas para acusarlo de traidor a la patria, esto alentado por su compañero de universidad llamado Miguel.

Pero, pese a las mentiras y engaños entre ambos jóvenes, los dos logran entablar una amistad sincera, haciendo que el filme se vaya construyendo entre largas charlas sobre los diferentes temas que busca dialogar la obra, como es la homofobia, los prejuicios machistas, la discriminación y cómo se ve desde lados distintos la tensión social que vive el país. 

Diego representa la figura del homosexual consciente, lúcida y culta, que desafía con buen ánimo el ambiente opresivo en el que le toca vivir en esa Cuba que en los 70 vivía una opresión que la cinta busca subrayar en cada momento. El tema que más plantea el filme no es nuevo y lo hemos visto ya en varias obras a lo largo de los años, incluso mejor tratado, pero no se puede negar que Fresa y chocolate fue una de las películas que abrió dicha conversación, especialmente en Latinoamérica, en la que todavía en 2021 hay varios países que discriminan a las personas homosexuales.

Dionar Hidalgo

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 7x06 | Cine español: MAIXABEL, de Icíar Bollaín

Xavier Vidal comenta sin spoilers la película MAIXABEL y repasa la carrera de ICÍAR BOLLAÍN. Reseña sin spoilers. Montaje de Mayra Meza. ¡Gracias por escucharnos!

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PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | ¡QUIERO SER FAMOSA! (IEDEREEN BEROEMD!), de Dominique Deruddere (Bélgica)

¡QUIERO SER FAMOSA! (IEDEREEN BEROEMD!)

Bélgica, 2000. Dirección: Dominique Deruddere Guion: Dominique Deruddere Música: Raymond van het Groenewoud Fotografía: Willy Stasen Reparto: Josse De Pauw, Eva van der Gucht, Werner De Smedt, Thekla Reuten, Gert Portael Género: Comedia. Parodia Duración: 95 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: La mayor pasión de Marva, de 17 años, es imitar a cantantes famosos. Casi todos los fines de semana participa en concursos de salto a la fama, con el apoyo de sus padres, pero sin el más mínimo éxito. Su padre, Jean, quiere ayudarla componiéndole incluso el repertorio, aunque, como no tiene ni idea de música, se queda en melodías chirriantes. Un día despiden a Jean de su fábrica, y este, como venganza desesperada, decide secuestrar a la cantante más famosa y sexy del país, lo cual puede ayudar a que Marva salte a la fama. (FILMAFFINITY)

Los caminos del Óscar son inescrutables. Bélgica nunca ha conseguido la nominación con los filmes de los hermanos Dardenne, todos ellos premiados en Cannes y reconocidos por la crítica internacional. En cambio, en el seno de la Academia gustó, por razones difíciles de adivinar, la leve crítica social, con admiración y parodia incluida al mundo de la fama y del show business, de Quiero ser famosa. En pantalla, un padre que acaba de perder su trabajo, con la bondad y la moral propia de los (anti)héroes de Full Monty, rapta a la ídolo de masas joven del pop flamenco (nos referimos a la lengua, no al género cañí) para que su hija, una adolescente regordeta, allane su vía hacia el éxito. La película no termina de llevar el disparate a sus últimas consecuencias, le falta socarronería, carece de mordiente... y aún así su visionado es una experiencia agradable. La clase pobre, con triquiñuelas que el guion elude o justifica pertinentemente, consigue hacerse un hueco en los corazones de la audiencia. Todos los personajes, tallados de un costumbrismo casi patético, merecen el aprecio del respetable. Y con estas señas, lo que queda es una película susceptible de nuevas versiones o remakes, una demostración de la fascinación que despiertan las estrellas, no siempre tan inalcanzables, del mundo del cine y de la canción (de eso Hollywood, la eterna fábrica de sueños, sabe mucho). Para los millenials, una rareza arqueológica de cómo era ser fan en tiempos de Superpops, karaokes y radiocasetes, sin redes sociales ni talent shows a gogó.

LISTA | LAS MEJORES SERIES DE SEPTIEMBRE

EL JUEGO DEL CALAMAR (SQUID GAME)

Corea del Sur, 2021. 9 episodios de 60 minutos. Género: Drama. Thriller Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 17/09/2021 (Netflix)

"Es una serie de supervivencia que nos acerca a un mundo de juegos de niños pero un juego violento y sangriento donde la vida pende de un hilo. La historia es muy dramática, muy emocional pero también es muy dura y salvaje. Creo que es un drama impresionante muy merecido el éxito que está teniendo".

PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | TODO SOBRE MI MADRE (ALL ABOUT MY MOTHER), de Pedro Almodóvar (España)

TODO SOBRE MI MADRE (ALL ABOUT MY MOTHER)

España, 1999. Dirección: Pedro Almodóvar Guion: Pedro Almodóvar Música: Aberto Iglesias Fotografía: Affonso Beato Reparto: Cecilia Roth, Marisa Paredes, Penélope Cruz, Candela Peña, Antonia San Juan, Rosa María Sardà, Fernando Fernán Gómez, Fernando Guillén, Toni Cantó, Eloy Azorín, Carlos Lozano, Cayetana Guillén Cuervo Género: Drama. Melodrama Duración: 100 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Madrid. Manuela, una madre soltera, ve morir a su hijo el día en que cumple 17 años, por echarse a correr para conseguir el autógrafo de Huma Rojo, su actriz favorita. Destrozada, Manuela viaja entonces a Barcelona en busca del padre del chico. (FILMAFFINITY)

Manuela, el personaje central de Todo sobre mi madre, viaja de Madrid a Barcelona, justamente el trayecto contrario que realizó 17 años atrás. Almodóvar filma esa huida con una transición sin significado aparente pero que acaba siendo crucial para entender el filme: el tren que la acoge atraviesa un túnel que parece un agujero insondable, las cavernas de un útero materno. El personaje hará ese trayecto dos veces más en el epílogo de la película, y de nuevo el cineasta filma esos momentos como visitas a un abismo interior, con travellings muy medidos en los que el rojo, su color distintivo, se alterna con el negro absoluto. El filme tiene muchos hallazgos visuales, sin duda dignos de un análisis pormenorizado, pero la cita de este detalle sirve por sí solo para reivindicar Todo sobre mi madre como la gran película de Almodóvar sobre la mujer en todas sus expresiones, roles, sexualidades y géneros, así como la reverencia definitiva hacia el carácter lúbrico, la capacidad de aguante y el altruismo sin límites de las madres, sin importar si estas son biológicas, adoptivas, abuelas o, por qué no, hombres. También actrices, de oficio o accidentales, porque Todo sobre mi madre entiende el arte interpretativo como estado natural de la mujer que, sabiéndose menostenida, se ha hecho a sí misma a base de fingimientos. Cine moderno, en fondo y forma, que sortea sus capas, saltos en el tiempo y mezcla de géneros con cercanía y credibilidad: el trazo de esta Manuela en duelo, la monja Rosa, la fantasmagórica Lola, la prostituta Agrado, la diva Huma Rojo y la drogadicta Nina exceden por mucho, ya no solo lo plausible en términos narrativos, sino el aperturismo real de un país tan contradictorio como el nuestro. La recreación (Eva al desnudo, Música para camaleones, Un tranvía llamado deseo, Yerma) convertida en creación misma. Probablemente el inusitado éxito que Todo sobre mi madre cosechó en todo el mundo tiene que ver con esa imagen moderna y modernista (Gaudí) que el extranjero quería asociar a la España del desarrollo. Acojámonos a eso, por muy ilusorio que sea, para justificar por qué es un placer y un deber volver periódicamente a esta obra maestra: Todo sobre mi madre es una película del futuro.

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 7x05 | SERIES: Sex Education T3, The White Lotus, Nine Perfect Strangers, El juego del calamar, Sky Rojo y Smallville

Programa nº 232 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Nuevo audio dedicado a la actualidad seriéfila. Incluye repaso a los PREMIOS EMMYS 2021 y reseña sin spoilers de Sex Education T3, Jóvenes altezas, La directora, Modern Love T2, La caza de un asesino, Valeria T2, Sky Rojo T2 y más títulos. Con tráilers, bandas sonoras y canciones de las series. Participan Mayra Meza, Omar de Pablo, Dionar Hidalgo, Chema Lopez, Raúl Artiaga, Jonny Blanco y Xavier Vidal. ¡Gracias por darle al play!

   Guía del programa:

0' Presentación - 1' PREMIOS EMMY 2021 - 6' SERIE DESTACADA: Sex Education T3 - 10' SERIES EN SERIE: Jóvenes altezas y La directora (Netflix), The White Lotus (HBO), Nine Perfect Strangers y Modern Love T2 (Amazon Prime Vídeo), La caza de un asesino y Laëtitia o el fin de los hombres (Filmin), Motherland y Condena (Movistar+) - 36' SERIES COREANAS: El juego del Calamar (Squid Games) - 41' SERIES ESPAÑOLAS: Valeria T2, Sky Rojo T2 y Buga Buga - 47' SERIES RETRO: Smallville - 53' Despedida y canción: “Too Many Drugs”, de Rigoberta Bandini

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PELÍCULAS INTERNACIONALES DE LOS ÓSCAR | DELICIAS TURCAS (TURKS FRUIT), de Paul Verhoeven (Países bajos)

DELICIAS TURCAS (TURKS FRUIT)

Países Bajos, 1973. Dirección: Paul Verhoeven Guion: Gerard Soeteman, a partir de la novela de Jan Wolkers Música: Rogier van Otterloo Fotografía: Jan de Bont Reparto: Rutger Hauer, Monique van de Ven, Tonny Huurdeman, Win Van den Brink, Hans Boskampl Género: Drama. Erótico Duración: 100 min. Tráiler: Link 

¿De qué va?: Un escultor holandés (Rutger Hauer) mantiene un tormentoso y erótico romance con una hermosa muchacha. En otro tiempo, el artista era un libertino que coleccionaba en un álbum sus conquistas amorosas como si fueran trofeos. (FILMAFFINITY)

Si a Paul Verhoeven le ha acompañado siempre el sambenito de "provocateur" es debido precisamente a Delicias turcas, la "película escándalo" que dejó boquiabierta a la audiencia de 1973. En ella, Rutger Hauer, el replicante de Blade Runner, se desnudaba a la conquista de hermosas muchachas. Su imagen libertina cambia cuando, mediante un flashback largo, descubrimos que el personaje actúa bajo el influjo de una chica, su amor verdadero, cuya pérdida no ha podido superar. El juego de tiempos, una ambivalencia innecesaria a la hora de difuminar los adjetivos del dandi (artista a la vez que despiadado, alguien sensible aunque desapegado, en busca del orden pero cómodo en su existencia disoluta), alcanza sus cuotas más brillantes cuando Verhoeven evidencia su hostilidad frente al orden establecido (de las coreografías sexuales, todas brillantes, hasta instantes cómicos como la inauguración de la estatua frente a las autoridades holandesas). En conjunto, con todos sus excesos, Delicias turcas sigue irradiando energía, la vitalidad triste o melancolía alegre de su tiempo. Sobrevive, además, como crónica de las vergüenzas de la Europa del bienestar y estudio casi sociológico del movimiento hippie. Probablemente Hollywood la nominó a su Óscar foráneo pensando en Love Story, El último tango en París y la ola de cine crítico de los nuevos autores de los 70 (no por casualidad, en esas candidaturas estaban representadas El exorcista, Serpico o American Graffiti, otras historias de crecimiento, corrupción y malestar). Para nosotros, Delicias turcas es la prueba de que los hostigamientos fílmicos de Verhoeven nunca fueron una impostura. Delicias turcas, como El cuarto hombre, El libro negro o Elle, es de una modernidad desarmante. De visionado obligado, sin prejuicios.

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 7x04 | LAS PELÍCULAS DE LOS ÓSCAR 2022 (II)

El podcast de Cinoscar & Rarities repasa la temporada de estrenos y premios con las reseñas sin spoilers de Cry Macho, El poder del perro, The Green Knight, Dune, CODA, Annette, Respect, Culpable y Luca entre otras. Participan Dionar Hidalgo, Raúl Artiaga, Ronnie Valencia y Xavier Vidal. ¡Gracias por darle al play!

   Guía del programa:

0' Presentación - 3' Cry Macho - 7' El poder del perro - 12' The Green Knight - 17' Dune - 25' CODA - 30' Annette - 34' Respect - 39' Culpable - 43' Los Mitchell contra las máquina y Luca - 49' Despedida y canción: "Respect", de Aretha Frankli

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