CRÍTICA | EL PADRINO: PARTE II, de Francis Ford Coppola

EL PADRINO: PARTE 2, de Francis Ford Coppola

Largometraje nº 01: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de David Hidalgo Moreno

EE. UU., 1976. Dirección: Francis Ford Coppola Guión: Francis Ford Coppola y Mario Puzo, a partir de la novela de Puzo Duración: 200 min. Género: Drama. Thriller Tráiler: Link Reparto: Al Pacino, Robert De Niro, Diane Keaton, Robert Duvall, John Cazale, Lee Strasberg, Talia Shire, Gastone Moschin, Michael V. Gazzo, Marianna Hill 

¿De qué va?: Nueva entrega de la historia de la familia Corleone. Mientras asistimos al mandato de Michael Corleone como nuevo capo, conocemos los orígenes de su padre Vito, su llegada a Nueva York y los hechos que le llevaron a construir un imperio que en la actualidad parece desmoronarse.

Palmarés: 6 premios Óscar, incluyendo mención en mejor película.

RESEÑA DANIEL: La compleja elaboración estructural en la que se desarrolla el guión de El padrino: Parte II requería de un compendio de personas comprometidas con llevar hacia lo más alto la continuación de una historia de honra y lealtad familiar. Coppola los tenía, y logró una (quizás la mejor) gran secuela de la historia del cine. El estilo que Coppola vierte sobre el film es de un gran refinamiento y de una distinción y exactitud en cada fotograma que consigue un acercamiento lúcido, franco e inteligente hacia las relaciones establecidas de la mafia italoamericana. Su retrato es de una pureza y sobriedad envidiable, en el que pasado y presente se fusionan equilibradamente, dotando de energía a un film que revela las desgracias internas/emocionales de esta familia entre odios, celos y venganza. Allí, en la cúspide, se halla un Michael Corleone desnudado psicológicamente, profundizado en los mínimos detalles y adiestrado como objeto de estudio para millares. La película no sólo es la continuación perfecta de otro clásico, sino la pieza de un rompecabezas que compagina a la perfección una historia hilvanada entre el inabarcable respeto familiar y la creación de un imperio interminable. Sublime creación artística, insuperable en muchos aspectos.

------------------------------

RESEÑA ISIDRO: Llevaba ya unos cuatro años con esto del cine cuando vi por primera vez El padrino. Me resistía a enfrentarme a la considerada mejor película de la historia según muchos porque temía que me decepcionara. Ya me había pasado con alguna y sabía que cabía la posibilidad de que su fama hablara por ella. Pero la película me acosaba por todos lados, el padre de una amiga hasta me la grabó en dvd porque le parecía inconcebible que me considerase cinéfilo y no la hubiera visto. Finalmente la vi en un momento de debilidad tras un mes de sequía cinéfaga y conseguí sortear la decepción: era un pedazo de peliculón. Hace cuatro años de aquella tarde en la que me sentí más cinéfilo que nunca, y cuatro son los años que han pasado hasta que he conseguido ver El Padrino: Parte II. Manda huevos, ¿no? Es curioso cómo a veces podemos viciar tanto la percepción de una película por algo tan, en principio, externo a la obra como son las expectativas. Nos cuesta enfrentarnos a una película sin condicionantes, y más si su fama la precede, como es el caso. Pero la satisfacción es mayor cuando te das cuenta de que su reputación la tiene más que ganada. Y es que El Padrino: Parte II no es un peliculón, son dos, ambos soberbios, que contrastan las figuras de Vito y Michael como capos de la mafia: mientras que el primero consigue prosperar y garantizar la protección de su familia, el segundo, con la misma pretensión, provoca la destrucción gradual de la suya. Una película casi perfecta a todos los niveles. Ahora solo espero que no tengan que pasar otros cuatro años para ver la tercera.

------------------------------

RESEÑA MAYRA: Sin duda una de las cosas que nos permite el Cinoscar Summer Festival es ponernos al día con nuestros deberes cinéfilos. El padrino es una de esas películas, o más bien de esas trilogías, que todo el mundo ha visto y que incluso ha leído el ibro, pero que sin embargo yo la había aparcado y no me había dado la oportunidad de verla hasta ahora. Tal vez porque en cierta forma sabía lo que me encontraría. Una historia dura y bien contada, con interpretaciones muy destacables (Brandon fue la estrella inolvidable en la primera parte, Al Pacino en esta segunda). Y aunque El Padrino: Parte II no logra ser tan impactante como su antecesora, sin duda estamos ante una obra merecidamente laureada en su día y que incluso hoy es un referente del cine. Pero como no siempre la perfección es lo que atrae, debo admitir que de alguna manera no termina de conectar con mis gustos.

------------------------------

RESEÑA MIGUEL: Es ya típico y mítico usar El padrino: Parte II como la respuesta a la frase “Segundas partes nunca fueron buenas”. Pero es que esta obra de ingeniería cinéfila es el paradigma perfecto para desmitificar el hecho de que las secuelas son siempre peores. Cierto es que para el que escribe la primera parte es insuperable. El gigante inicio de la saga contaba con un Marlon Brando brillando en un personaje icónico, y fue la que comenzó con el engranaje de esta trilogía dando vida a La Familia, siendo imposible ya para sus sucesoras resultar novedosas. Sin embargo, Francis Ford Coppola consiguió en esta continuación asombrar a los espectadores confeccionando una narrativa paralela, convirtiendo parte del metraje en una precuela, y tratando de olvidarnos de Brando (tarea imposible) con un Robert de Niro pletórico que merecidamente se llevó el Oscar. Ver esta cinta significa consumir historia del cine en mayúsculas, es objetivamente una pieza maestra que no se presta a subjetividades. Aquí las opiniones no cuentan, El padrino: Parte II sucumbe ante unos requisitos de forma y estéticos que la convierten en una obra de arte emocionante, y plagada de talento. Funciona como un gran museo (el British de Londres me viene a la cabeza) al que te encanta volver, redescubrir rincones y maravillarte con sus detalles. Ninguno de los films aquí a concurso tendría nada que hacer si nos centráramos en sus calidades artísticas; pero siempre hay que contar con el factor emocional, la conexión que se genera con el que ve, la empatía… Y si bien El padrino: Parte II es una obra magna, esta es la segunda vez que accedo a ella, mientras que otras películas me piden a gritos que vuelva a ellas tres, cinco, siete veces. Por lo tanto, no está todo dicho.

------------------------------

RESEÑA XAVIER: El padrino: Parte II bien podría ser la película de películas, la pieza central de la que surgen todas las historias, estrategias narrativas y temáticas del cine moderno. Coppola firma en un maestro paralelismo de tiempos y personajes una historia doble (el auge y la caída de un imperio), y con ello nos desvela las alas más oscuras del ser humano (a modo de los clásicos grecolatinos) y realiza el ejercicio de historiografía cinematográfica más complejo y apasionante que se recuerde (de la llegada de inmigrantes italianos a la isla de Ellis a principios del S. XX a la sofisticación de la picaresca gansteril, bajo un escandaloso amparo legislativo, de los años 60). El film también alcanza sus cotas más elevadas en sus constantes citas a la primera El padrino (posteriormente ampliada con la ligeramente infravalorada El padrino: Parte III): la más evidente, la celebración con la que arranca el film, con una descripción de personajes y una dicotomía de espacios (los exteriores, bulliciosos y opulentos; y los interiores, irrespirables y oscuros) con claras reminiscencias al arranque del film del 1972. Sus escenas memorables se cuentan por docenas y la contención dramática de Pacino y De Niro está al alcance de pocos intérpretes. Cuesta creer que Coppola pudiera rodar el mismo año ésta y La conversación, o que el film naciese como mero imperativo comercial de la Paramount. El padrino: Parte II es una obra maestra (o mejor: mayor, inmejorable e irrepetible).

------------------------------

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

En su intento por resolver todos los cabos sueltos de la familia Corleone, el film avanza y retrocede, y se provee de una estructura débil. Revela la simplicidad del estilo de Coppola, detalle que no sucedía en la primera parte, una elegante obra maestra. Rogert Ebert, Rogerebert.com

Una producción admirable, menos emocional que su predecesora. Una gran épica histórica que estudia la naturaleza del poder en la herencia norteamericana. John H. Door, Hollywood Reporter

Shakespeariana y con la mejor escena final de la historia del cine. Una precuela-secuela ambiciosa y rompedora. Supera con creces la primera parte. Peter Bradshaw, The Guardian

Se pueden contar con los dedos de una mano las secuelas que superan a su original. Pero de sólo una se puede decir legítimamente que es mejor que el film que la inspira. Esa es El padrino: Parte II, una metáfora sobre la Norteamérica inmigrante. Neil Smith, BBC

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 8'9 / IMDB: 9'1 / Sensacine: 9'1 / Metacritics: 8'6 / Rottentomatoes: 9'8

------------------------------

VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  
13 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor película

Mejor director: FRANCIS FORD COPPOLA

Mejor actor protagonista: AL PACINO

Mejor actor secundario: ROBERT DE NIRO

Mejor reparto

Mejor banda sonora original: NINO ROTA y CARMINE COPPOLA

Mejor guión adaptado: FRANCIS FORD COPPOLA y MARIO PUZO

Mejor fotografía: GORDON WILLIS

Mejor vestuario: THEADORA VAN RUNKLE

Mejor montaje: PETER ZINNER, BARRY MALKIN y RICHARD MARKS

Mejor peluquería y maquillaje

Mejor diseño de producción: DEAN TAVOULARIS, 

ANGELO P. GRAHAM y GEORGE R. NELSON

Mejor canción: Senza Mama, Ciuri Ciuri, Napule Ve Salute

NOTA DEL JURADO

TRABAJOS NOVELES | SOMOS NIÑOS y TRES DÍAS EN PEDRO BERNARDO, de Daniel Andrés

Trabajo novel Nº 01. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.

Entrevista a Daniel Andrés Sánchez, director de Somos niños (corto a concurso) 
y Tres días en Pedro Bernardo (largo fuera de concurso)

1. ¡Saludos, Daniel! Eres el participante más veterano de nuestro certamen: ¡muchas gracias por formar parte de nuevo del Cinoscar Summer Festival! En esta ocasión, nos presentas a concurso Somos niños y tenemos ocasión de hablar de Tres días en Pedro Bernardo, tu primer largo. Para los que siguen el festival por primera vez: ¿te gustaría hacer una breve presentación sobre tu filmografía a los lectores? ¿Quién es, o qué debemos saber, de Daniel Andrés? 

Encantado de participar por tercera vez ya en el Cinoscar Summer Festival. Un honor y un placer para mi formar parte de este Festival que se consolida cada edición, cada año. Bueno... mi filmografía se compone de 38 cortometrajes desde 1996 hasta 2014, varios spots y videoclips, trabajo como ayudante de cámara en programas de humor (La hora chanante y Muchachada Nui) y el que ha sido mi primer largometraje, estrenado en cines y que ha permanecido más de un mes en cartel, Tres días en Pedro Bernardo, protagonizada por Nancho Novo, Diana Peñalver, Juan Carlos Martin y Pablo Pinedo entre otros, y rodada en junio de 2014, en sólo 6 dias y con 30.000 euros de presupuesto, con mucha humildad y dignidad y todo el amor del mundo por el cine y por el pueblo del título, un bellísimo lugar en el Valle del Tiétar, Ávila. 

2. Somos niños es un trabajo muy especial, ya que capturas instantes muy personales: cómo juegas con tu hijo. ¿Partiste de una premisa previa o el proceso de rodaje fue más espontáneo o intuitivo?

Nos imaginamos que, contando con un niño, difícilmente podía haber ensayos, planificaciones o guiones cerrados… Somos niños es una idea que me vino por una secuencia concreta de otro corto anterior, y que participó en el II Cinoscar Summer Festival, Un corto...y Madrid, y en esa secuencia despertaba a mi hijo como cada mañana, desayunaba y le vestía antes de llevarle al colegio. Era algo cotidiano, grabado sin que el niño lo supiera, muy natural y espontáneo. Imaginé cómo sería si en vez de algo tan simple, hiciese lo mismo (grabar sin que se diese cuenta) pero jugando a varias cosas en una sola tarde, resumiendo los mejores instantes de cada juego y acompañado de una música muy bonita de fondo y de una frase final preciosa que resume lo visto. 

3. Como realizador, ¿qué te atrajo de la idea de Somos niños para convertir la premisa en un cortometraje? ¿Qué potencial cinematográfico viste en esos instantes tan privados? ¡Incluso has rodado una segunda parte de Somos niños!

La naturalidad. A un niño tan pequeño (4 años) no le puedes pedir nada o muy poco guionizado, pero si sigues una estructura (los juegos) y él participa de ellos sin saber que se le está grabando y yo, claro está, me ciño a hacer un buen encuadre y una vez hecho, olvidarme también de la cámara y disfrutar con él como cualquier otro día, el resultado es eso: naturalidad. 

4. En el corto no sólo hablas de la inocencia de la infancia, sino de cómo los adultos necesitamos alimentar esa parte infantil para vivir a pleno pulmón. ¿Es una reflexión que vino en paralelo a la experiencia de ser padre? ¿Hasta qué punto apelas a referentes cinematográficos en el corto? 

Es curioso los paralelismos que tienen con este corto, Somos niños, otros trabajos míos y de otros que he escogido antes para participar en el Cinoscar Summer Festival, pero resulta que la idea de este corto me vino de esa secuencia con mi hijo en Un corto... y Madrid y el referente cinematográfico fundamental es El verano de Kikujiro, pelicula con la que participé en el II Cinoscar Summer Festival. La idea en esa pelicula tan bonita, de los adultos jugando con el niño, me encantó, y ahí queda plasmado de alguna forma. 

5. En Somos niños, al igual que en El buenazo, cuentas la historia de personas buenas… ¡pese a que los personajes malvados tienen más tirón popular y parecen ser, a priori, más cinematográficos o complejos! En Un corto… y Madrid homenajeas a tu profesión. Todo ello nos lleva a la siguiente cuestión: ¿hasta qué punto tu obra se conecta con aspectos vitales o personales? ¿Qué hay de autobiográfico en tu obra?

Es muy sencillo... cuando era un chaval adolescente o muy jovencito, tenía muchos pájaros en la cabeza, y mis cortos eran westerns con malvados muy retorcidos y buenos no tan buenos (un poco como el cine negro que también me gustan mucho) y otros de zombis muy entretenidos y también algo violentos. Mucho Romero, Peckimpah... pero, a raiz de enamorarme de la que es mi mujer y de tener a mi hijo, estoy en una etapa feliz de mi vida y me gusta contar historias sencillas, bonitas y con personajes de buen corazón, aunque sigan habiendo algunos malvados pero que luego no lo eran tanto, como el de El buenazo, precisamente. Pero vamos... el estado de ánimo es fundamental y eso se vé claramente en mis cortos, pues hasta 2007 son de una forma y a partir de 2011 son de otra. Eso sí, mi primer largo junta un poco de ambas etapas. Es bonito pero tienes claroscuros. 

6. Como decíamos, Tres días en Pedro Bernardo es tu primer proyecto. Nos consta que a día de hoy estás inmerso en pleno proceso de estreno y distribución de la cinta. ¿Cómo definirías en pocas palabras tu primera película? ¿Qué hay del Daniel cortometrajista en esta primera cinta? ¿En qué plataformas, formatos o espacios piensas proyectar y dar a conocer tu trabajo? 

La esencia de mis cortos está en ese primer largo: una selección musical y una elección de los planos que hacen que todo eso, la ambientación de la historia, sea muy importante y llamativa para el espectador, y unos personajes buenos en esencia pero con sus historias pasadas que les marcan en cierta forma. Fidel, el protagonista, quiere redimirse con sus amigos de su pueblo natal, pero al que hace diez años que no va y claro... espera que le reciban con los brazos abiertos y no... no es tan sencillo. Pasa de todo, contado de forma especial y con cariño hacia los personajes, pero ninguno es un santo, y menos Fidel. La forma en que tengo intención de darla a conocer después del cine, es la edición muy cuidada en dvd y bluray, y las plataformas digitales (filmin, o incluso en televisión: ono, imagenio...) ya veremos. 

7. Una cuestión imposible de eludir, y que seguro interesará al resto de lectores y de directores noveles, es la económica. ¿Cómo financiaste o con qué ayudas contaste para convertir Tres días en Pedro Bernardo en una realidad?

No corren tiempos demasiado fáciles para los creadores… Pensé que podía hacerla con 20.000 euros, y conseguí una base de 12.000 por crowdfunding. Pero las gestiones posteriores, unido al dichoso IVA y no pocos gastos imprevistos, elevaron el presupuesto a más de 30.000 euros. Aún así es muy poco para una película, pero para un servidor y quienes me han ayudado es un gran esfuerzo económico. 

8. En Tres días en Pedro Bernardo trabajaste con intérpretes profesionales de la talla de Nancho Novo. ¿Hasta qué punto difiere el proceso de rodaje, dirección de actores y ensayos con respecto a tu experiencia como cortometrajista? Da la sensación, seguramente equivocada, de que los intérpretes de mayor trayectoria y popularidad resultan más inaccesibles o exigentes: ¿fue así? 

En mi caso no. Fueron encantados y lo hicieron todo muy fácil. Acostumbrado a dirigir a amigos a quienes les encanta el cine o lo aman como yo pero que no son profesionales, aunque esos cortos quedasen muy dignos, el trabajar en esta película con profesionales como Nancho (y con su experiencia, además) hizo todo mucho más facil. Fue un orgullo y un placer trabajar con ellos. Debo decir, eso sí, que no me olvido de quienes me ayudaron a llegar a cabo el largo, y que alguno de mis amigos de los cortos salen en mi primer largo como figuración en la última secuencia y a otros les invité encantado de la vida a la première de la pelicula. Les aprecio mucho. 

9. Seguramente muchos no conocerán Pedro Bernardo. El pueblo no sólo da nombre al film sino que también es casi un personaje más de la propuesta. ¿Cuál es tu vinculación con ese lugar? ¿Qué te impulsó a convertirlo en el escenario principal de tu película? 

Es el pueblo natal de mi madre y mis abuelos maternos, pero es como si yo hubiese nacido allí: lo adoro. En Pedro Bernardo se hizo cine en los 60 y 70, y televisión (La casa de los Martinez, de Tve), y esas peliculas ganaron premios en Valladolid (corto La sangre) y San Sebastián (largo La boda). Un corto mío grabado allí (Mi querido amigo) fue seleccionado en un certamen en Madrid y mi primera película ha aguantado cinco semanas en cartel y aún le queda alguna más.... en resumen... tiene algo Pedro Bernardo para el cine y es un emplazamiento privilegiado, en medio de una montaña. Es muy cinematográfico, sin duda. 

10. Como sabes, el Cinoscar Summer Festival es un espacio para cinéfilos y para directores emergentes. Para todos los que nos están leyendo y que les gustaría realizar como tú un proyecto tan complejo como un largometraje: ¿qué consejo les darías? ¿Cómo pueden convertir ‘esa idea’ o ‘ese guión’ en imágenes… y no morir en el intento? 

Perseverancia y no rendirse nunca ni perder la ilusión. En el dvd y bluray de la película irá un libro pequeñito pero revelador de todo el proceso: "Tres días en Pedro Bernardo, un sueño hecho realidad". Ahí está todo bien contado, por si alguno se anima...o no. 

11. Suponemos que lo más difícil para un cineasta novel es encontrar espacios para difundir su obra. Desde el Cinoscar Summer Festival queremos aportar nuestro granito de arena. ¿Qué te gustaría compartir con nosotros de Tres días en Pedro Bernardo? ¿Qué nos encontraremos en la película? ¿Por qué nuestros lectores deben verla?

Porque los amantes del cine valoran más que nadie trabajos como éste, que son puro amor por el cine, por encima de otras cosas. 

12. ¡Gracias por responder a nuestra entrevista, Daniel! Podemos considerarte el principal ‘motor’ de una sección (antes, ‘cortos amateurs’; este año, ‘trabajos noveles’) que este CSF3 ha conseguido nuevo récord de participación: ¡casi el doble de trabajos noveles con respecto a la edición anterior! Como concursado experimentado, y ahora que damos el pistoletazo de salida al certamen, ¿qué mensaje les darías a todos los participantes? Una vez más, te deseamos mucha suerte en todos tus proyectos. 

Que disfruten del Festival y se impliquen todo lo que puedan y más. Yo lo disfruto más cada año y ojo... se aprende mucho. Enhorabuena Xavier, a ti y a los que hacéis posible el Cinoscar Summer Festival. UN ABRAZO Y GRACIAS POR ÉSTA OPORTUNIDAD, UNA MÁS, DE DAR A CONOCER MIS HUMILDES Y HONESTOS TRABAJOS.

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2015 | PRESENTACIÓN

Como no hay dos sin tres, el Cinoscar Summer Festival llega a su tercera edición con más obras y participantes que nunca. Por delante nos esperan tres meses de enormes títulos, votaciones y diálogo cinéfilo. El certamen, una vez más, ha superado todas sus expectativas y espera consolidar la fórmula que ahora inauguramos. Un jurado compuesto por cinco blogueros serán los encargados de elaborar las nominaciones, y los premios finales restan en votación abierta para todo el que quiera aportar sus puntos de vista. Pero no nos avanzamos a los acontecimientos: ahora toca presentaros las principales obras que formarán parte de la familia del CSF3. 

La selección de largometrajes a concurso es un fiel reflejo de la variedad y el eclecticismo de la comunidad cinéfila. Grandes clásicos conviven con títulos modernos, nombres muy conocidos coinciden con otros de naturaleza indie, y películas a priori 'festivaleras' aparecen junto a films arriesgados que pueden dar la sorpresa. Productos tan queridos y palomiteros como Nunca juegues con extraños y Aliens: el regreso se las verán con Ciudadano Bob Roberts y Junebug, diametralmente apuestos tanto a nivel artístico como industrial. El crepúsculo de los dioses y Lo que el viento se llevó nos permitirán recordar el Hollywood dorado, en paralelo al neorrealismo italiano (La strada), la nouvelle vague francesa (El fuego fatuo), la picaresca y el noir español (Los tramposos, Los peces rojos), y representantes del mejor cine nipón (Vivir). Muchas de las películas seleccionadas aspiraron al Óscar (La última película, La calumnia, El león en invierno, Teléfono rojo, ¿Vencedores o vencidos?), otras lo ganaron (El padrino: Parte 2, El cazador), y muchas no precisaron de la estatuilla para dejar su impronta (Érase una vez en América, Smoke), gran parte de ellas en calidad de títulos de culto (The Rocky Horror Picture Show, La vida de Brian, Studio 54, Réquiem por un sueño, Diamond Flash, Rompenieves, Cube, El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, El castillo ambulante). El cine en lengua inglesa es mayoría, pero hay espacio para propuestas de cinematografías exóticas y temáticas y estilos que discurren en los márgenes de las convenciones del momento: Julio comienza en julio y La estrategia del caracol reivindican el talento hispanoamericano, La bicicleta verde nos abre las puertas del desconocido cine saudí, Caída libre e Il gioiellino demuestran que hay muchas joyas en la lista de películas que nunca llegaron a ver la luz en España, y Cuerno de cabra y On the silver globe nos descubren el gran talento de la ficción centroeuropea. Además, Tierras de penumbra nos invitará a repasar la carrera del recientemente fallecido Attenborough, Mamá cumple 100 años nos ayudará a revisitar al último Feroz de Honor, y el recuerdo de Solas y Underground nos permitirá tomar la temperatura a nombres que en el momento de su estreno fueron muy queridos por crítica y público.

Trabajos noveles a concurso

En el apartado de largometrajes fuera de concurso, la selección se ha dividido en dos tónicas: contamos con films de corte cómico y romántico, y en paralelo también se han sumado obras que por su género o procedencia no han contado con la visibilidad que se merecen. Todos ellos son films que nuestros concursantes, de forma muy acertada, han decidido reivindicar sin la presión de participar en la sección competitiva. El jardín de la alegría, Sobran las palabras y Un funeral de muerte son obras accesibles al gran público, pero no por ello menos interesantes. Moulin Rouge! merece la banda de clásico moderno por su riesgo y por la impronta que ha dejado en títulos posteriores, un mérito del que sí puede presumir una obra como Bajo los techos de París, la más antigua de todo el festival. El documental Guadalquivir, la animada Orejas largas, las desconocidas Coronación, La mujer del sendero y Estupor y temblores, la ganadora del Goya La buena estrella, las inéditas en nuestro país Norte: the End of the History y Eyes Wide Open, dos obras clave del último cine fantástico como Tú eres el siguiente y Cronos, e incluso nombres marcados por la mala suerte, bien por haberse estrenado directamente en dvd (El asesinato de John Lenon) o por pasar a la historia como una 'ganadora' del razzie (Queridísima mamá), se sumarán en el mes de agosto al abultado escaparate cinematográfico del festival.

Largometrajes a concurso

La sección que antes llamábamos 'cortometrajes amateurs' ahora cambia su nombre a 'trabajos amateurs'. Con ello, damos la posibilidad de que distintos artistas noveles, sin importar su procedencia, así como la duración y el género de sus trabajos, encuentren en el festival una ventana desde la que dar a conocer su obra. 2 largometrajes y 19 cortometrajes, así como 2 obras fuera de concurso, formarán parte de esta sección en la que de nuevo predomina el thriller, el terror y la comedia negra. Nombres a los que no hay que perder de vista, ya que en ellos descansa el futuro más prometedor de la ficción en habla castellana. Si tenemos en cuenta que muchos festivales de cine novel que se pueden encontrar online no registran tales datos de participación, desde el Cinoscar Summer Festival sólo nos queda dar las gracias a los más de 20 cineastas noveles que han confiado en el certamen: esperamos que la experiencia sea gratificante.

La selección de cortometrajes, una retrospectiva a la obra de Krzysztof Kieslowski y distintos posts especiales completarán la oferta cinematográfica del certamen. Además, los cinco miembros del jurado presentan una de sus películas favoritas en el apartado 'películas del jurado': Daniel Bermeo ha seleccionado Cuando pasan las cigüeñas, Miguel Calvo ha escogido El desprecio, Mayra Meza se ha decantado por Nostalgia, Isidro Molina ha querido reivindicar It's Such a Beautiful Day y Xavier Vidal ha elegido Arrebato.

Nada más. Cortamos la banda inaugural, expandimos la alfombra roja, encendemos las cámaras para dar paso a los primeros flashes... y, cómo no, damos las gracias a todos los que formáis y formaréis parte del certamen, como realizador, como concursante o como lector: sin vosotros, el festival no existiría. Tampoco sin el jurado, que este año ha visto muchas obras en muy poco tiempo: ¡gracias, chicos! También queremos mandar un saludo afectuoso a todos los que habéis escuchado el podcast del festival y nos habéis comunicado vuestras impresiones. Que comience el espectáculo... ¡disfrutad del Cinoscar Summer Festival 2015!

CRÍTICA | POSTALES DESDE EL FILO, de Mike Nichols

Estampas familiares

POSTALES DESDE EL FILO (POSTCARDS FROM THE EDGE), de Mike Nichols

Óscars 1990: Nominaciones a la mejor actriz protagonista (Streep) y mejor canción original

EE. UU., 1990. Dirección: Mike Nichols Guión: Carrie Fisher, a partir de su novela homónima Fotografía: Michael Ballhaus Música: Carly Simon Reparto: Meryl Streep, Shirley MacLaine, Simon Callow, Gene Hackman, Dennis Quaid, Richard Dreyfuss, Oliver Platt, Rob Reiner, CCH Pounder, Annette Bening, Gary Morton, Mary Wickes Género: Comedia dramática Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 15/02/1991

¿De qué va?: Suzanne es atendida en un hospital tras una sobredosis de pastillas. Tras una larga estancia en un centro de rehabilitación, la mujer quiere volver a emprender con su carrera como actriz, pero se encontrará con una cláusula contractual inesperada: si quiere participar en el rodaje de una película, deberá vivir en casa de su madre y presentar pruebas que certifiquen su estado de salud a cada momento. Resignada, Suzanne vuelve a la mansión familiar, consciente de que la convivencia con su madre, una intérprete ya retirada que esconde su adicción al alcohol, no será fácil.

Carrie Fisher, famosa por dar vida a la princesa Leia de la saga de La guerra de las galaxias, expuso su lado más personal en Postales desde el filo, un libro autobiográfico en el que hablaba abiertamente de su adicción a las drogas y de la influencia que su familia, vinculada a la industria cinematográfica, había tenido tanto en su esfera privada como en su carrera profesional. Posteriormente, Mike Nichols llevó a la gran pantalla la novela con guión de la propia Fisher, matizando algunos pasajes del libro para adaptarse al correctismo de Hollywood. La película, si bien apunta el problema de la protagonista con ciertas sustancias y con una opción de vida suicida, limita su endamiaje dramático al retrato de las desavenencias maternofiliales entre una actriz desequilibrada (Streep, en uno de sus incontables papeles que coquetearon con el Óscar) y su madre, una diva en horas bajas que eclipsa a su retoño a la mínima que tiene ocasión (MacLaine, espectacular). Por ello, el aspecto más interesante de Postales desde el filo es, paradójicamente, un elemento externo a su conflicto familiar: la propuesta de cine dentro del cine, el juego entre realidad y ficción, simulación y verdad, que establece la película al combinar escenas cotidianas con otras en pleno set de rodaje (al fin y al cabo, la existencia de la protagonista es, metafóricamente, un plató en constante cambio de libreto y de decorado). Con todo, Nichols quiere apelar a cierto cine femenino con buen corazón, y en ningún momento consigue que el conflicto entre madre e hija tenga un mínimo interés, a la vez que descuida a todos sus personajes masculinos: de ahí que Postales desde el filo, revisada 25 años después, resulte poco más que un telefilm ligeramente mejor escrito e interpretado. Por fortuna, el film contiene una escena tan gloriosa que justifica con creces su visionado: el momento en que Streep canta una canción para congraciar a su madre, y ésta última contraataca acto seguido con un espectáculo de cabaret trasnochado, superando todos los méritos que minutos atrás había conseguido la hija. Una tensión entre dos generaciones de excelentes actrices que, a pesar de los pesares, atesora cierta gracia cinéfila.

Escucha el podcast que le dedicamos a MERYL STREEP aquí:

Para desmitificar las interioridades de Hollywood.

Lo mejor: MacLaine, incomprensiblemente ninguneada en los Óscar de su año.

Lo peor: Benning, Hackman, Quaid y Dreyfuss, por desgracia, no tienen personaje.

CRÍTICA | CÓMO SOBREVIVIR A UNA DESPEDIDA, de Manuela Moreno

Resacón en Maspalomas

CÓMO SOBREVIVIR A UNA DESPEDIDA, de Manuela Moreno

Festival de Málaga: Sección oficial

España, 2015. Dirección: Manuela Moreno Guión: Susana López, Manuela Moreno y Núria Valls Fotografía: Bet Rourich Música: VV. AA. Reparto: Natalia de Molina, Úrsula Corberó, José Lamuño, Celia de Molina, Roger Berruezo, María Hervás, Jim Arnold Género: Comedia Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 24/04/2015

¿De qué va?: Un grupo de amigas se pone manos a la obra para sorprender a la única de la pandilla que ha decidido casarse. Aunque son mileuristas, deciden tirar la casa por la ventana, coger un vuelo de bajo coste y plantarse en las playas y los chiringuitos de Gran Canaria. Pero la fiesta les llevará a protagonizar momentos más que embarazosos que pondrán en peligro su regreso a Barcelona.

La nueva comedia ya no conoce límites a lo que sexos y sexualidades se refiere. Mujeres y hombres protagonizan por igual películas dirigidas al gran público, con chistes cortados por el mismo patrón. Ahora bien: ¿ese es el camino hacia la normalización de géneros? ¿Es esa la vía que deben tomar las nuevas autoras, preocupadas, al menos en teoría, por contar historias afines a las mujeres de su generación? Mucho nos tememos que no. De la misma manera que la norteamericana La boda de mi mejor amiga ponía en bocas femeninas las incorrecciones y las frases soeces típicas y tópicas del macho, la española Cómo sobrevivir a una despedida repite la fórmula, si bien su abanico de influencias van de la risa yanki (Resacón en Las Vegas) a productos más cercanos (sobrevuelan las constantes de la nueva comedia española, con Ruiz Caldera y Sánchez Arévalo como máximos exponentes).

En su narrativa, Cómo sobrevivir a una despedida apela a la broma rápida, con un ritmo bastante ágil propio de la televisión. Se nota la experiencia de Moreno en el formato cortometraje, porque algunos de los mejores momentos de la película son, en esencia, microrrelatos que se insertan con más o menos suerte en una historia excesivamente chabacana: véase el gag del cura en el avión, la actuación musical de las Spice Girls o la presentación inicial de personajes al más puro estilo 'Amélie bloguera'. Con todo, Cómo sobrevivir a una despedida resulta simpática y sincera, sin más pretensiones que divertir a la platea y con el objetivo de atraer a públicos que no suelen apostar por el cine español. Se aprecia el intento, pero para la próxima se agradecerían menos referencias sexuales, una exposición menos frívola de la homosexualidad (sí: somos modernos y desinhibidos... pero tampoco demasiado) y una apuesta cómica más refinada. Será el retrato de una generación, como dice Moreno en su dedicatoria al término de la película, pero no todo vale. Es, eminentemente, un producto palomitero, pero con eso no basta. Quien escribe se niega a pensar que la juventud de nuestros días se reduce al eslogan de 'sexo, drogas y rock & roll': tal vez esté equivocado, pero se agradecería que nuestro cine apostara más por la moderación que por el botellón de litrona barata.

Para fiesteras poco exigentes.

Lo mejor: El momento post resaca.

Lo peor: Su ordinariez.

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 3 | SECCIÓN OFICIAL, PARTE 10

El Cinoscar Summer Festival consolida la sección Trabajos noveles, dedicada a dar a conocer y a visionar las obras de distintos realizadores noveles. El certamen pone en contacto a directores y a espectadores, a la vez que nos permite conocer las constantes de los que en un futuro serán los referentes del cine local e hispanoamericano. Este 2015, 19 cortometrajes y 2 largometrajes aspiran al premio del público al mejor trabajo novel, así como a los distintos premios que concede de forma interna la administración del festival. Semana a semana, en el blog os acercaremos ficciones de naturaleza heterogénea y de gran valor: os animamos a comentar cada post y a dialogar con los realizadores y los seguidores del certamen en el grupo oficial del CSF3. Desde el CSF3, queremos agradecer a todos los realizadores por presentar sus trabajos y permitirnos sumar un nuevo récord de participación. A continuación os dejamos con la lista completa de obras en orden alfabético:

Trabajos noveles a concurso:

1. A PLACE CALLED HOME y NO HAY LUGAR, de Miguel Martín

2. CRAFT CAFÉ, EL REGALO, de Óscar Gómez

3. DESPERTAR, de Esteban Mata

4. EL SOL DE MOMBASA, de Pablo More

5. ELVIRA, de Manu Ochoa

6. FURIA, de Juan Martín Peña

7. GRAN RESERVA EN DÍAS DE AZUL RADIANTE, de J. L. Salgado

8. INF..., de Gabriel Fojar

9. LA BREVE HISTORIA: LA NADA, de Inés Pintor y Pablo Santidrián

10. LA VENGANZA DE MICHELLE, de David Borrego

11. LOS REFLEJOS DE LOLA, de David Hidalgo

12. MÁS ALLÁ DE LA NOCHE, de Rafael Hernández de Dios

13. MASACRE, de Andoni Garrido

14. NO SABES NADA, JUAN PÉREZ, de J. L. Serrano

15. PROYECTO: AQUILES, de Francisco Nebot

16. SKETCHES-BOCETOS, de Anaís Medina

17. SOMOS NIÑOS, de Daniel Andrés

18. SUPERPODERES, de Jaime Zaragoza

19. VACUITY, de Toni Morejón

20. VAMPIRE: HOUNDS OF HORROR, de José Miguel Portugués

21. VEN, de Rafael Montaño

Trabajos noveles fuera de concurso:

22. SUBLIMINAL, de Anaís Medina

23. TRES DÍAS EN PEDRO BERNARDO, de Daniel Andrés

¡Este viernes 29, arranca el Cinoscar Summer Festival! ¡Os esperamos! Y si queréis conocer todos los detalles de todas las secciones, no dudéis en darle al play al PODCAST del festival!

CRÍTICA | FÉHER ISTEN (WHITE GOD), de Kornél Mundruczo

Amores perros

FÉHER ISTEN (WHITE GOD), de Kornél Mundruczo

Festival de Cannes 2014: Mejor película, sección Un Certain Regard

Hungría, 2014. Dirección: Kornél Mundruczo Guión: Kornél Mundruczo, Viktória Petrányi y Kata Wéber Fotografía: Marcell Rév Música: Asher Goldschmidt Reparto: Zsófia Psotta, Sándor Zsótér, Lili Horváth, Szabolcs Thuróczy, Lili Monori, Gergely Bánki, Tamás Polgár, Károly Ascher, Erika Bodnár, Bence Csepeli, János Derzsi Duración: 115 min. Género: Drama. Terror Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 19/06/2015
¿De qué va?: La madre de Lili viaja a Sidney durante tres meses por motivos laborales. La niña es obligada a vivir con su padre, un hombre de vida gris que trabaja en un matadero. El padre suelta en un descampado a Hagen, el perro de la niña, sin ser consciente que eso será el inicio de un caos que pronto se extenderá por toda la ciudad. Una historia sobre la violencia y el abandono en la que los verdaderos animales son, paradójicamente, los humanos.

En España nos llegan muy pocas manifestaciones de la cinematografía húngara. Kornél Mundruczo, uno de los niños mimados de Cannes, es uno de los nombres más conocidos del cine húngaro en todo el mundo, aunque White God (Féher Isten) es la primera película de su filmografía que se estrenará en nuestro país. El film da la vuelta a la premisa de que 'el perro es el mejor amigo del hombre' y se pregunta si 'el hombre es el mejor amigo del perro' en una Europa convulsa, radicalizada, empobrecida y sujeta a políticas restrictivas que Mundruczo retrata con vocación social y también con licencias propias de la ficción apocalíptica. Mundruczo cuenta el devenir de Hagen, un perro abandonado a su suerte que conoce la peor cara de los humanos; y Lili, la joven dueña que no cesa en su empeño por encontrar al animal. La película, a pesar de sus buenas intenciones, se resuelve con una estética desagradable, se muestra incapaz de elaborar un discurso más o menos complejo y el espectador nunca empatiza con su historia. Con estas directrices, uno nunca termina de entender por qué Lili se autoproclama salvadora del mal grotesco que se propaga en el segundo tramo de metraje, a la vez que la venganza canina que orquestra Hagen aparece en pantalla con todos los efectismos propios del horror de bajo presupuesto (planos subjetivos, sangre a granel y una música falsaria). Buenas intenciones, resultados más que discutibles. Terror de autor a medio gas. Si sois sensibles al maltrato animal, mejor que salgáis despavoridos de la sala. Otro film que nos recuerda que en Occidente algo huele a podrido, enésima estampa mortuoria del cine centroeuropeo, si bien en este caso sus formas no resultan ni reveladoras ni mucho menos constructivas.

Para amantes del cine apocalíptico alternativo.

Lo mejor: Su sugerente arranque.

Lo peor: Desvela todas sus cartas a la media hora de metraje.

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 3 | SECCIÓN OFICIAL, PARTE 9

Historias de pocos minutos, pero de gran valor. Un año más, la sección Cortometrajes a concurso acoge algunos de los trabajos más interesantes en formato corto de los últimos años. En la lista, la animación comparte espacio con el drama histórico, el terror aparece junto a apuestas experimentales, y trabajos españoles e hispanoamericanos coinciden con obras de culto, ganadoras del Óscar y algunas de las candidatas de los principales premios cinematográficos. Una oportunidad para conocer las predilecciones de la comunidad bloguera. ¡Este viernes 29, empieza el Cinoscar Summer Festival!

1. LUMINARIS, de Juan Pablo Zaramella
2. INHABITANTS, de Artavazd Pelechian
3. VINCENT, de Tim Burton
4. EL CORAZÓN DELATOR, de Ted Parmelee
5. ALMA, de Rodrigo Blaas
6. 7:35 DE LA MAÑANA, de Nacho Vigalondo
7. THE FANTASTIC FLYING BOOKS OF MR. MORRIS LESSMORE, de W. Joyce y B. Oldenburg
8. CONTRAFÁBULA DE UNA NIÑA DISECADA, de Alejandro Iglesias Mendizábal
9. MAMÁ, de Andrés Muschietti
10. POR SER COMO ERES, de Álvaro Fernández Armero
11. EL CIRCO DE LA MARIPOSA, de Josua Weigel
12. JUGUETELANDIA, de Jochen Alexander Freydank
13. ELEFANTE, de Pablo Larcuen
14. MORE, de Mark Osborne
15. EUTANAS S.A., de Víctor Nores
16. CUANDO COMIENZA EL DÍA, de Wendy Tilby y Amanda Forbis

Y para conocer todas las obras de todas las secciones del festival, ¡no dejéis de darle al play al PODCAST del CSF3!

QUINIELA | XXX EDICIÓN PREMIOS GOYA 2016

En Cinoscar & Rarities damos el pistoletazo de salida a uno de los clásicos del blog: las quinielas de las candidaturas a los premios Goya. En el momento de escribir este post (22 de mayo), la mayoría de películas todavía no se habían estrenado, por lo que es difícil establecer una apuesta sobre seguro. Desconocemos si muchos films lograrán o no llegar a tiempo para concurrir en los Goya, y más allá de los títulos del Festival de Málaga y algunos estrenos primaverales como Felices 140 cuesta intuir cómo será el cómputo total de la producción cinematográfica local de este 2015.

¿Qué derroteros pueden tomar las preferencias académicas? Coixet, Uribe, Gay, Aranoa, Amenábar y Medem entre otros tienen película de estreno a punto de ver la luz (Aranoa, con presencia en Cannes; Coixet, en Berlín; y, previsiblemente, Medem en Venecia). Obras como La novia y Vulcania pueden dar la sorpresa y convertirse en la Magical Girl de la temporada. Los debuts en la dirección de Guzmán y Dolera, ambos intérpretes, están muy bien situados en el apartado de dirección novel. El desconocido y Cien años de perdón pueden seguir la fórmula de thriller intenso que tantos réditos le reportó a Celda 211. Techo y comida, aplaudida en Málaga, podría representar una victoria de cine social, pequeña en recursos pero grandes en resultados, tal y como sucedió 15 años atrás con El bola. Y aunque es bastante difícil que Perdiendo el norte logre la repercusión goyesca de Ocho apellidos vascos, no podemos descartar un nuevo éxito de taquilla y premios para comedias con gran tirón comercial como Anacleto, agente secreto, Rey gitano y Ahora o nunca.

Pero la quiniela nos obliga a mojarnos... Y puestos a designar un título que pueda copar las preferencias de los votantes, elegimos Palmeras en la nieve, un melodrama histórico que puede figurar en categorías tanto técnicas como interpretativas, sin olvidar los rubros considerados 'gordos'. Regression de Amenábar puede arrasar y seguir la estela de Los otros: ¿tendremos nominados en categorías actorales a Emma Watson y a Ethan Hawke? Y como deseo personal, sería bonito ver en la terna a  El tiempo de los monstruos, que promete ser la mejor película de Félix Sabroso y la excusa perfecta para homenajear a la gran Dúnia Ayaso. Después del verano, actualizaremos nuestra quiniela. Mientras, ¡no dejéis de ver el cine español de estreno!

PELÍCULA

Palmeras en la nieve

La novia

Ma ma

Lejos del mar

Regresión

Posibles candidatas: Un día perfecto, Felices 140, A cambio de nada, Techo y comida, Truman, La playa de los ahogados, Nadie quiere la noche, El tiempo de los monstruos, Vulcania, El desconocido

DIRECCIÓN

Julio Medem, por Ma ma

Paula Ortiz, por La novia

Alejandro Amenábar, por Regresión

Fernando González Molina, por Palmeras en la nieve

Posibles candidatos: Imanol Uribe, por Lejos del mar; Gracia Querejeta, por Felices 140; Cesc Gay, por Truman; Isabel Coixet, por Nadie quiere la noche; Félix Sabroso, por El tiempo de los monstruos; Dani de la Torre, por El desconocido; Gerardo Herrero, por La playa de los ahogados; Fernando León de Aranoa, por Un día perfecto

DIRECCIÓN NOVEL

Daniel Guzmán, por A cambio de nada

Juan Miguel del Castillo, por Techo y comida

Leticia Dolera, por Requisitos para ser una persona normal

José Skarf, por Vulcania

Posibles candidatos: David Cánovas, por La punta del iceberg; Peris Romano, por Los miércoles no existen; Simón Casal, por Lobos sucios; Alejo Flah, por Sexo fácil, películas tristes; Zoe Berriatúa, por Los héroes del mal; Javier Muñoz, por Sicarius: La noche y el silencio; Manuela Moreno, por Cómo sobrevivir a una despedida; Rafa Martínez, por Sweet Home

ACTOR PROTAGONISTA

Luis Tosar, por El desconocido

Eduard Fernández, por Lejos del mar

Javier Cámara, por El tiempo de los monstruos

Carmelo Gómez, por La playa de los ahogados

Posibles candidatos: Ricardo Darín, por Truman; Mario Casas, por Palmeras en la nieve; Javier Cámara, por Truman; Ernesto Alterio, por Sexo fácil, películas tristes; Tim Robbins, por Un día perfecto; Benicio del Toro, por Un día perfecto; Ethan Hawke, por Regresión; Quim Gutiérrez, por Anacleto: Agente secreto; Carmelo Gómez, por Tiempo sin aire; Víctor Clavijo, por Sicarivs: La noche y el silencio; Karra Elejalde, por Rey Gitano; Manuel Manquilla, por Rey Gitano; Dani Rovira, por Ahora o nunca

ACTRIZ PROTAGONISTA

Natalia de Molina, por Techo y comida

Penélope Cruz, por Ma ma

Inma Cuesta, por La novia

Elena Anaya, por Lejos del mar

Posibles candidatas: Aura Garrido, por Vulcania; Adriana Ugarte, por Palmeras en la nieve; Maribel Verdú, por La punta del iceberg; Maribel Verdú, por Felices 140; Juliette Binoche, por Nadie quiere la noche; Emma Watson, por Regresión; Leticia Dolera, por Requisitos para ser una persona normal; Juana Acosta, por Tiempo sin aire; Mélanie Thierry, por Un día perfecto; María Valverde, por Ahora o nunca

ACTOR SECUNDARIO

Antonio de la Torre, por Felices 140

Eduard Fernández, por Felices 140

Imanol Arias, por Anacleto: Agente secreto

Luis Tosar, por Ma ma

ACTRIZ SECUNDARIA

Marián Álvarez, por Felices 140

Nora Navas, por Felices 140

Candela Peña, por El tiempo de los monstruos

Rosa Maria Sardà, por Rey Gitano

Posibles candidatas: Macarena García, por Palmeras en la nieve; Pilar Castro, por El tiempo de los monstruos; Manuela Vellés, por La novia; Rinko Kikuchi, por Nadie quiere la noche; Mariana Cordero, por Techo y comida; María León, por Rey Gitano

ACTOR REVELACIÓN

Miguel Herrán, por A cambio de nada

Antonio Bachiller, por A cambio de nada

Rodrigo de la Serna, por Cien años de perdón

Emilio Palacios, por Los héroes del mal

ACTRIZ REVELACIÓN

Berta Vázquez, por Palmeras en la nieve

Paula Cancio, por Felices 140

Antonia Guzmán, por A cambio de nada

Nidia Bermejo, por La deuda (Oliver's Deal)

Posibles candidatas: Laia Costa, por Palmeras en la nieve; Celia Molina, por Cómo sobrevivir a una despedida

GUIÓN ORIGINAL

Julio Medem, por Ma ma

Imanol Uribe y Daniel Cebrián, por Lejos del mar

Alejandro Amenábar, por Regresión

Cesc Gay, por Truman

Posibles candidatos: Daniel Guzmán, por A cambio de nada; Juan Miguel del Castillo, por Techo y comida; Miguel Barros, por Nadie quiere la noche; Dunia Ayaso y Félix Sabroso, por El tiempo de los monstruos; Alberto Marini, por El desconocido; Joaquín Oristrell, por Hablar; Leticia Dolera, por Requisitos para ser una persona normal; Jordi Gasull, por Atrapa la bandera

GUIÓN ADAPTADO

Sergio G. Sánchez, por Palmeras en la nieve

Paula Ortiz, por La novia

Fernando León de Aranoa, por Un día perfecto 

Domingo Villar y Felipe Vega, por La playa de los ahogados

Posibles candidatos: Fernando Navarro, Pablo Alén y Breixo Corral, por Anacleto: Agente secreto; David Cánovas, José Amaro Carrillo y Alberto García Martín, por La punta del iceberg; Peris Romano, por Los miércoles no existen

MÚSICA ORIGINAL

Alberto Iglesias, por Ma ma

Roque Baños, por Regresión

Lucas Vidal, por Nadie quiere la noche

Lucas Vidal, por Palmeras en la nieve

Posibles candidatos: Arnau Bataller, por Un día perfecto; Javier Rodero, por Anacleto: Agente secreto; Lucío Godoy, por La playa de los ahogados; Tulsa, por Los exiliados románticos

FOTOGRAFÍA

Jean-Claude Larrieu, por Nadie quiere la noche

Xavi Giménez, por Palmeras en la nieve

Daniel Aranyó, por Regresión

Kiko de la Rica, por Ma ma

Posibles candidatos: Álex Catalán, por Un día perfecto; Arnau Valls, por Anacleto: Agente secreto; Marc Gómez del Moral, por Requisitos para ser una persona normal; Teo Delgado, por Hablar; Pau Esteve Birba, por Ahora o nunca; Alfredo Mayo, por La playa de los ahogados

ANIMACIÓN

Atrapa la bandera

Pos Eso

Meñique y el espejo mágico