domingo, 30 de junio de 2013

INAUGURACIÓN Cinoscar Summer Festival: PAISAJE EN LA NIEBLA, de Theo Angelopoulos

PAISAJE EN LA NIEBLA, de Theo Angelopoulos (Grecia, 1988)
La esencia del arte se asienta sobre el viaje. La Odisea y La Ilíada son viajes. Don Quijote viajaba y con él el lector. La Biblia, que basa los códigos morales y estéticos de Occidente, tiene su base en diferentes viajes. El arte en sí es un camino definido por un autor por el que transitamos los receptores de cada obra. Theo Angelopoulos propone en Paisaje en la niebla un viaje a una Grecia posterior a la Revolución Industrial y anterior a la revolución tecnológica, una Europa desmantelada y en formación, de cielos decembrinos y fronteras sobre las que descansa el horror de guerras pasadas y futuras y el poso de toda una tradición cultural. El término 'road-movie' no define un subgénero cinematográfico: es parte de la naturaleza del cine. Angelopoulos fue un gran cineasta, un gran lector, un gran observador y un gran investigador del alma humana. Paisaje en la niebla es la crónica de una infancia truncada. Los mayores no pueden acceder al universo mágico e inestable de los pequeños, porque ellos son los seres más puros, las principales víctimas de cualquier conflicto. Su viaje es de aprendizaje, porque viajar no solo implica movimiento sino también un crecimiento personal. Angelopoulos nos dice que los pasos de sus criaturas son utópicos: la figura paterna no existe, pero su sola evocación, la convicción de querer abrazarla ya justifica el intento. Porque no hay viaje sin lugar de destino ni una hoja de ruta marcada, aunque al final importe más lo que ocurre en los diferentes apeaderos y aunque casi nunca se respete el plan dibujado antes de empezar a caminar. Angelopoulos abraza lo clásico y conquista lo eterno, hace de los cuerpos símbolos, de los símbolos conceptos, y de los conceptos estados de ánimo. La bondad del artista ambulante a punto de enrolarse en el servicio militar choca con la maldad del camionero: se hace camino al andar y entre curva y curva hay espacio para el lado más oscuro y luminoso del ser humano. Y al final Angelopoulos se apiada de sus personajes con un plano final de sosiego que contiene en su interior otro abismo, ese viaje futuro que esconde irremediablemente el viaje ya hecho. Cual figura mítica rodando por el cauce del río al amparo de una canastilla, los protagonistas de Paisaje en la niebla cruzan una barrera espacial y mental para conquistar la tierra prometida. Queda la incertidumbre de si el viaje ha terminado, y de si en caso de haber finalizado lo ha hecho de forma feliz o trágica. Puede que un poco de las dos cosas. El viaje sigue en futuros visionados: las obras maestras son recorridos circulares que, afortunadamente, no terminan nunca.


En el Cinoscar Summer Festival os proponemos otro viaje: un recorrido por algunas de las grandes obras del cine. Temáticas, autores y nacionalidades de todo tipo. Y lo que importa realmente es disfrutar de cada parada, con independencia del palmarés que nos espera al final del recorrido. No hay mejor manera de empezar esta andadura veraniega que con Paisaje en la niebla, nuestro film inaugural y una de las grandes obras del reciente cine europeo. El cine de Angelopoulos planeará sobre todo el trayecto en distintos artículos. Las sorpresas del viaje las pondréis vosotros con vuestros votos y comentarios. 

¡DISFRUTAD DEL FESTIVAL!


PUNTUACIÓN DEL JURADO



CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: VIDEO OFICIAL




¡ARRANCA EL CINOSCAR SUMMER FESTIVAL! 

Conoce todos los concursantes y las películas del certamen. 

En pocas horas, ¡SESIÓN INAUGURAL!


sábado, 29 de junio de 2013

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: INFORMACIÓN

 ¡SALUDOS!

¡Bienvenidos a la 1ª EDICIÓN del CINOSCAR SUMMER FESTIVAL!


Ya está todo preparado para que DEL 29 DE JUNIO AL 5 DE AGOSTO disfrutéis del festival, un certamen online que cuenta con 29 LARGOMETRAJES a concurso, 9 CORTOMETRAJES a concurso, 1 sesión inaugural, 1 sesión de clausura, 1 LARGOMETRAJE fuera de concurso y 1 CORTOMETRAJE fuera de concurso.

El festival está abierto a todos los que visiten el blog Cinoscar & Rarities durante los próximos días y podrán seguirse todas las actualizaciones en diferentes ventanas:
- Perfil de FACEBOOK del blog.
- Perfil de TWITTER del blog.
- Perfil de GOOGLE + del blog.
- El GRUPO OFICIAL de Facebook del festival. 

También podréis seguir el festival accediendo a:
- La etiqueta 'Cinoscar Summer Festival' del blog (en el margen derecho de la web tenéis el índice de etiquetas).
- Accediendo al logotipo de Cinoscar Summer Festival que preside el margen derecho del blog (con un click en la imagen, accederéis a todas las actualizaciones del blog). 
- Los semanarios mensuales del Cinoscar Summer Festival, donde podréis recuperar todos los artículos de cada semana.

1. ¿CUÁL SERÁ LA MECÁNICA DEL FESTIVAL?


Como os prometíamos, cada película-cortometraje tendrá 1 post de análisis. Todos los posts han sido elaborados obedeciendo a la misma estructura, reglas tipográficas, tamaño de fotografías y vídeos y extensión para que todos tengan el mismo espacio y no haya favoritismos de cara al palmarés. El blog se reserva la posibilidad de alterar algunas de las FECHAS OFICIALES:

- Cada día, de lunes a sábado, tendréis los posts relativos a cada película (6 films por semana).
- Cada semana tendréis 2 posts relativos a cada cortometraje (2 cortos por semana).
- Cada domingo tendréis 1 post con las TABLAS DE VALORACIÓN de los 6 films y los 2 cortos de la semana.
- Cada domingo tendréis 1 post SEMANARIO con el resumen de todo lo que ha dado de sí el festival cada semana, de forma que los que no podáis seguir el festival día a día tendréis la oportunidad de recuperar todos los artículos del certamen con un solo click.
- Cada semana tendréis 1 post con la OPINIÓN de 1 MIEMBRO DE LA CRÍTICA.
- El FILM DE INAUGURACIÓN se publicará mañana DOMINGO 30 DE JUNIO, y el PALMARÉS se dará a conocer el DOMINGO 4 DE AGOSTO.
 

2. ¿CUÁLES SON LOS TÍTULOS-PARTICIPANTES DEL FESTIVAL?

Los distintos largos y cortos a concurso se publicarán en un orden aleatorio previamente diseñado por el blog. Los títulos de los que nos ocuperamos, ordenados alfabéticamente, son: 

- Largometrajes 


1. ANDREI RUBLEV, de Andrei Tarkovsky (Elección de Alejandro Salgado)
2. CABALLERO SIN ESPADA, de Frank Capra (Elección de Kosti Bgy)
3. CLEO DE 5 A 7, de Agnes Varda (Elección de Guillermo Navarro)
4. CRÍA CUERVOS, de Carlos Saura (Elección de Alberto Tovar)
5. DERSU UZALA, EL CAZADOR, de Akira Kurosawa (Elección de Uggo Kollado)
6. DOS EN LA CARRETERA, de Stanley Donen (Elección de Juan Roures)
7. EL BUSCAVIDAS, de Robert Rossen (Elección de Daniel Bermeo)
8. EL CLUB DE LOS CINCO, de John Hughes (Elección de Félix Redondo)
9. EL MANANTIAL, de King Vidor (Elección de Raquel Ramos)
10. FELICIDADES, de Lucho Bender (Elección de Diálogos Cinéfilos)
11. JUEGO DE LÁGRIMAS, de Neil Jordan (Elección de Oscar Pitti)
12. KEN PARK, de Larry Clark y Edward Lachman (Elección de Andrés Ricaurte)
13. LA ETERNIDAD Y UN DÍA, de Theo Angelopoulos (Elección de Mayra Meza)
14. LA HUELLA, de Joseph L. Mankiewicz (Elección de Ramon Fabregat)
15. LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS, de Isao Takata (Elección de Benjamín Martínez)
16. LAS VERDES PRADERAS, de Jose Luis Garci (Elección de Daniel Andrés)
17. LÉOLO, de Jean-Claude Lauzon (Elección de Drogo Tighfield)
18. LOS 7 SAMURAIS, de Akira Kurosawa (Elección de Antonio Fernández)
19. LOS NIÑOS DEL PARAÍSO, de Marcel Carné (Elección de Marga Molero)
20. MARIDOS Y MUJERES, de Woody Allen (Elección de Isidro Molina)
21. MATAR A UN RUISEÑOR, de Robert Mulligan (Elección de Jose Zambrano)
22. PARÍS, TEXAS, de Win Wenders (Elección de Ulher)
23. PERVERSIDAD, de Fritz Lang (Elección de Jose Luis Ayala)
24. REALITY, de Matteo Garrone (Elección de Andrés Buesa)
25. ROCCO Y SUS HERMANOS, de Luchino Visconti (Elección de Anna Montes)
26. SYNECDOCHE, NEW YORK, de Charlie Kaufman (Elección de Jesús Mejía)
27. SLEEPING BEAUTY, de Julia Leigh (Elección de Alex Martín)
28. TAKE THIS WALTZ, de Sarah Polley (Elección de Ismael Cruceta)
29. YI YI, de Edward Yang (Elección de Jose Barriga)
30. RAYO DE LUZ CON ZAPATOS NEGROS, de Jose Luis Salgado (Fuera de competición)


- Cortometrajes

1. BIG BANG BIG BOOM, de Blu (Elección de Drogo Tighfield)
2. DIMENSIONES DEL DIÁLOGO, de Jan Svankmaju (Elección de Isidro Molina)
3. EL BUENAZO, de Daniel Andrés Sánchez (Elección de Daniel Andrés)
4. FILM, de Alan Schneider (Elección de Guillermo Navarro)
5. HARVIE KRUMPET, de Adam Elliot (Elección de Uggo Kollado)
6. LA MAISON EN PETITS CUBES, de Kunio Katô (Elección de Kosti Bgy)
7. OSCURIDAD, LUZ, OSCURIDAD, de Jan Svankmaju (Elección de Jose Zambrano)
8. STARCROSSED, de James Burkhammer (Elección de Félix Redondo)
9. WITH HANDS RAISED, de Mitko Panov (Elección de Alejandro Salgado)
10. EL PROGRAMA, de Theo Angelopoulos (Fuera de competición)

3. ¿CÓMO SERÁ EL PALMARÉS?



El palmarés del Cinoscar Summer Festival consta de 20 categorías, y en ellas se intenta dar voz a todos los participantes, lectores y votantes del festival. 

Los posts estarán divididos en varias secciones, de forma que en cada entrada de cada película conoceréis la valoración del blog (la administración del blog) y la valoración del jurado (las opiniones de nuestros 5 miembros del jurado). 

- Del blog dependen los siguientes apartados del palmarés. Todos los apartados marcados como 'opcionales' pueden no tener premiado: se concederán siempre que el blog lo considere oportuno.

1. CINOSCAR AWARD a la mejor película (oro)
2. GRAN PREMIO del blog (plata)
3. PREMIO del blog (bronce)
4. Mejor dirección
5. Mejor guion
6. Mejor interpretación masculina protagonista
7. Mejor interpretación femenina protagonista
8. Mejor interpretación masculina secundaria (opcional)
9. Mejor interpretación femenina secundaria (opcional)
10. Mejor contribución actoral
11. Mejor contribución técnica
12. Mejor banda sonora (opcional)
13. Mejor vestuario (opcional)
14. Mejor fotografía (opcional)
15. Premio 'Rarity del certamen' (opcional)
16. Premio 'Cinoscar a la contribución humanitaria' (opcional)
17. CINOSCAR AWARD al mejor cortometraje

- El PREMIO FIPRESCI es el espacio que da el festival a la opinión de la crítica especializada. Como podréis ver cada domingo, las películas aparecerán numeradas según sus notas medias registradas en Filmaffinity, IMDB y Rotten Tomatoes, las tres webs de referencia en rankeo y puntaje de notas. La película que logre mejor nota media en la tabla, y que por lo tanto sea el título más valorado de la comunidad cinéfila, ganará el premio.
 
18. PREMIO FIPRESCI a la mejor película

- El PREMIO DE LA CRÍTICA es el espacio que tendrán los críticos del festival, a imagen y semejanza de los certámenes cinematográficos reales. El Cinoscar Summer Festival ha contado con un comité de 5 blogueros para decidir el ganador de esta categoría: Jose Barriga, Jose Zambrano, Uggo Kollado, Mayra Meza y Guillermo Navarro. En cada post podréis leer qué opina cada miembro del jurado de las películas a concurso. Además, los 5 críticos han puntuado del 1 al 10 todos los visionados realizados en los días previos al festival: el resultado de esos puntajes los conoceréis en los posts de cada domingo. La película que logre mejor nota media en la tabla, y que por lo tanto sea el título más valorado por nuestra crítica, ganará el premio.

Para que conozcáis de forma más detallada la opinión de la crítica, el Cinoscar Summer Festival contará con un POST SEMANAL, hasta llegar a un total de cinco (uno por cada miembro del jurado), en el que cada crítico dará a conocer sus gustos, sus films favoritos y su palmarés (el que quiere que gane, el que cree que ganará, etc.). 
 
19. PREMIO DE LA CRÍTICA a la mejor película

- El PREMIO DEL PÚBLICO es el espacio que da el festival a todos los visitantes, lectores o curiosos que durante el próximo mes se acerquen a los posts del festival. Cualquiera que lo desee podrá puntuar del 1 al 10 mediante una encuesta que aparecerá en el margen derecho del blog la película que aparezca reseñada cada día. La encuesta de Bloguer solo permite un voto por ordenador: os recomendamos que votéis con el corazón, valorando a cada película con la nota que creéis se merece, sin estrategias ni filias-fobias personales de por medio. Con el fin de que la votación sea lo más transparente posible, el CALENDARIO DE PUBLICACIONES NO LO DESVELAREMOS, con lo que cada concursante solo conocerá el día de publicación de su película. ¡Haced ruido en redes sociales, publicad en vuestros blogs y muros, invitad a vuestros amigos y pedid votos para ganar el premio! Las medias aritméticas de las encuestas aparecerán publicadas en el post del domingo. Al final del proceso, la película que logre mejor nota media en la tabla, y que por lo tanto sea el título más valorado por los lectores del blog, ganará el premio.

20. PREMIO DEL PÚBLICO a la mejor película 


En caso de producirse un empate en los premios FIPRESCI, de la CRÍTICA y del PÚBLICO, el ganador sería aquella película con el puntaje inferior más alto. Por ejemplo: si dos personas valoran un film con un 8 y un 6, la media resultante sería 7; si otra película ha sido valorada con un 9 y un 5, la media sigue siendo 7; pero ganaría la primera película, al tener un '6' como nota mínima en contraposición al '5' obtenido por su contrincante. Con todo, pensad que contra más participéis, más votos tendremos, y como resultado menos posibilidades de empate habrá.

El festival no puede garantizar un horario fijo para la publicación de los posts. Pese a esto, se intentará que cada encuesta esté activada el mismo tiempo: 24 horas. Con el fin de facilitar el voto a todos los lectores, con independencia de su franja horaria y país, las encuestas se activarán y desactivarán coincidiendo con la publicación del nuevo post (aproximadamente las 17-18h. de la tarde, hora española).

Cada premio constará, tras el palmarés, de una IMAGEN ACREDITATIVA que podréis poner en el margen de vuestro blog o utilizar como queráis. En este sentido, el Cinoscar Summer Festival tendrá también un 'premio físico' como los festivales de verdad.

Los premios FIPRESCI, de la CRÍTICA y del PÚBLICO afectan solo a los LARGOMETRAJES: el premio al mejor cortometraje queda en manos del blog. A su vez, el resto de premios se resolverán por decisión interna del blog: contarán con un máximo de 1 EX-AEQUO y UNA MISMA PELÍCULA NO PODRÁ GANAR MÁS DE 2 PREMIOS (esta última regla también afecta al Cinoscar Award a la mejor película: un mismo título puede, por ejemplo, ganar el premio principal y otro secundario).

Ya sabéis que Bloguer no siempre funciona correctamente y en anteriores concursos del blog se ha dado el caso de encuestas que por problemas del blog han quedado invalidadas. En caso de producirse alguna cuestión que afecte al funcionamiento del festival, el blog se reserva la posibilidad de realizar las encuestas por Facebook u otros sistemas.

Por lo tanto, es muy importante:
- Que consultéis los posts diariamente, para conocer la opinión del blog y del jurado, para puntuar los films en las encuestas y para apuntar aquellos títulos de interés que no hayáis tenido ocasión de ver.
- Que consultéis los posts del domingo, para conocer cómo quedan las diferentes películas en la tabla del blog, de la crítica y del público, y por lo tanto adivinar por dónde puede ir el palmarés final.
- Que consultéis los posts semanales de la crítica, para conocer el palmarés de cada miembro del jurado y poder adivinar la repartición final de premios.
- Que consultéis los 2 cortos de cada semana, para conocer la valoración del blog, de la que, recordad, depende por entero el premio de esta categoría.

¡Nada más! Podéis poneros en contacto con el festival si tenéis alguna duda o sugerencia.

Hemos entregado las acreditaciones de prensa, los photocalls están preparados para la avalancha de estrellas, y todos ya estamos listos para disfrutar de grandes películas...

¡DISFRUTAD DEL CINOSCAR SUMMER FESTIVAL!

Mañana, DÍA 1 del festival.

 

viernes, 28 de junio de 2013

Crítica de SIN RESPIRO (A TOUTE VITESSE), de Gaël Morel

SIN RESPIRO (A TOUTE VITESSE, FULL SPEED), de Gaël Morel (Francia, 1996)
Alrededor de Quentin, un joven aspirante a escritor, se tejen distintas historias de amor, desenfreno y dependencia. Julie quiere a Quentin, no concibe la vida sin él, es su gran compañero de juegos, su principal apoyo, el único confidente con el que cuenta. Jimmy le es fiel a Quentin y su relación viene de lejos: comparten una visión desangelada de la vida, pero también unas ganas tremendas por comerse el mundo, aunque Jimmy es todo brutalidad y Quentin ha sido tocado por el don artístico. Un triángulo de tres vértices regido por una única máxima: disfrutar el momento, empaparse del presente, vivir al límite, correr lo más rápido posible para adelantar a la muerte. Pero cuando aparece Samir, el equilibrio que existía entre los tres se rompe y todos se dejan contagiar por la locura, la inestabilidad y la fugacidad propia de los veinte años. Samir quiere a Quentin, pero este no puede corresponderlo. Jimmy acaba prendado de Julie. Y Quentin quiere volar por su cuenta, trasladarse a la capital, iniciar una carrera como artista y romper con el círculo de amistades viciadas y viciosas que ha creado sin quererlo. Cuando la ausencia de Quentin es ya un hecho, todos los personajes se atropellan, se desnudan. Se necesitan, pero juntos también se hacen daño. Hasta que la muerte, que ya marcó la llegada de Samir, cae implacable. El sueño da paso a la cruda realidad. La edad de la inocencia queda echa pedazos y Quentin retorna a sus orígenes, volviendo al entorno rural y marginal donde creció, sabiendo que nada volverá a ser lo mismo. Consciente tal vez que la bildungroman o mejor novela de aprendizaje que escribirá más adelante es la historia que ha vivido.


Gaël Morel firmó con Sin respiro su segunda película bajo el influjo del estilo y las temáticas del cineasta André Téchiné, con el que había trabajado en calidad de actor en la generacional Los juncos salvajes. Tras recibir la nominación al César al mejor intérprete revelación, Morel decidió centrarse en su faceta como cineasta. Justo el año en que Téchiné dio a luz Los ladrones Morel presentó este cuento de inadaptados que se lían y se quieren a pesar de los pesares. Una película llena de personajes apasionados, con escenas y diálogos que se atropellan y se solapan, con un montaje débil y al mismo tiempo vigoroso al dar forma a la particular forma de vivir y sentir de los protagonistas. Un film lleno de imperfecciones, claramente un Téchiné menor con poco oficio y muy buenas intenciones, pero en el fondo simpático: pese a sus irregularidades, destila magia y candidez, e incluso sus formas desaliñadas se convierten en la clave para sentir a flor de piel los dramas iniciáticos que vemos en pantalla. Cine francés discursivo, no apto para todos los públicos, libre en todos los sentidos. Una oportunidad más para disfrutar de los actores de Los juncos salvajes, ahora piezas muy importantes del cine de nuestro país vecino. Morel ha seguido rodando películas, casi todas trazadas por la adolescencia y el descubrimiento sexual y homosexual. También ha continuado actuando para su amigo y maestro Téchiné. Sin respiro es sin duda su mejor trabajo: hay que rescatarlo.


Nota: 7

jueves, 27 de junio de 2013

CORTOMETRAJES: EU NÁO QUERO VOLTAR SOZINHO, de Daniel Ribeiro

CORTOMETRAJES 16: EU NÁO QUERO VOLTAR SOZINHO, de Daniel Ribeiro (Brasil, 2010)
Palmarés: Premio de la audiencia en los festivales de Torino, Seattle, Philadelphia, Cuiabá y Barcelona. Gran premio del jurado en el L.A. Outfest. Mejor cortometraje del Festival de Sao Paulo.
Comentario: Todos los factores se han puesto de acuerdo para que Eu náo quero voltar sozinho, que podría traducirse como No quiero caminar solo, sea el cortometraje de la semana en el blog: Brasil está de gran actualidad, termina el curso escolar y estamos en vísperas del Día del Orgullo Gay. El film de Ribeiro bien podría servir para establecer esos puentes de concordia que tanto necesitamos hoy en día. El corto propone una bonita historia de amor y amistad adolescente contada desde el respeto, el cariño por los personajes y la absoluta verdad. Eu náo quero voltar sozinho tiene seres de carne y hueso, y cualquiera que haya pisado los pasillos de un instituto y conozca los mecanismos de las primeras pulsiones sexuales se sentirá totalmente identificado con la historia. Pocos trabajos tratan con tanto mimo el tema de la discapacidad y la amistad 'que aspira a ser algo más' sin caer en chistes burdos ni 'pagafantismos'. Pocas historias consiguen en poco más de un cuarto de hora una sensación de cotidianidad y familiaridad con lo que se está contando. Pocos cuentos consiguen hacen del final feliz la solución más equilibrada, nunca obvia ni complaciente. Eu náo quero voltar sozinho se desmarca de la corriente imperante de cierto queer cinema enquistado en la provocación y la filmación de escenas sexuales: la pieza de Ribeiro tiene alma y valores que van más allá de los regionalismos y la etiqueta 'homo'. Uno de los cortometrajes más bonitos de la temporada.


Nota: 8

miércoles, 26 de junio de 2013

MIS CDS: RECTO VERSO, de ZAZ

RECTO VERSO, de ZAZ (Francia, 2013)
Presentación: ZAZ, nombre artístico de Isabelle Geffroy, es una cantautora francesa de 33 años que consiguió un notable éxito con su primer disco homónimo ZAZ, número uno en Francia y Bélgica, uno de los pocos álbumes en lengua francesa presente en los rankings de toda Europa y disco de diamante a nivel mundial. El tema Je veux o la canción La fée, compuesta por Raphaël, se han convertido en hits planetarios. Tras el directo ZAZ Live Tour, Recto Verso es su segundo trabajo, encabezado por el single superventas On ira.
Reseña: ZAZ, una de las revelaciones más importantes de la escena europea, sigue fiel a su estilo único, fusión de pop, jazz, chanson y canción protesta. Este segundo álbum demuestra que su anterior logro no fue fruto de un arrebato de inspiración: estamos ante la confirmación de una gran cantante y letrista. On ira hace que no echemos nada de menos el archicantado Je veux, las dos de título corto, ritmo pegadizo e invitación a vivir la vida 'a tope'. Comme ci, comme ça juega con la música de vodevil, un aire nostálgico que recupera en los sonidos de carrusel que presiden J'ai tant escamote, la redonda y muy francesa base instrumental de Toujours, el juego de onomatopeyas casi infantil de Oublie Lolou o La lune, tema que cierra el disco y que sabe a clásico desde la primera escucha. Gamine o Nous debout son las apuestas más descaradamente poperas, pero igualmente originales y vivas.  La lessive tiene un acompañamiento de cuerda y un único estribillo que se va repitiendo, un tema que perfectamente podría firmar Camille y que conecta con la nueva chanson française; igual que Si je perds, una canción de cuna que recuerda muchísimo a la mejor Jeanne Cherhal. Y la pieza Si es muy significativa de la maestría de ZAZ: con el poder de su voz rota y una base que va creciendo poco a poco consigue una melodía preciosa, un corte de lo más íntimo, frágil al inicio y fuerte en su resolución. Un álbum variado pero homogéneo, coherente con repertorios anteriores y con nuevos alicientes para los fans, divertido y joven a la par que melancólico. De lo más redondo que se ha publicado este año.


Recomendado para: Los que se enamoraron de ZAZ con sus primeros temas.
Las mejores canciones: On ira, Comme ci, comme ça, La lune.
Nota: 9

martes, 25 de junio de 2013

Crítica de STOKER, de Park Chan-Wook

Al surcoreano Chan-Wook siempre le han interesado el origen y las motivaciones que esconden las expresiones más extremas de dolor y violencia. En su trilogía sobre la venganza exploró los límites del ser humano y la bestia que tarde o temprano puede aflorar de nuestros adentros, así como la fina línea que separa la figura del violador de la persona violada. En medio de esa trayectoria quedaron Soy un cyborg y Thirst, productos menos hemoglobínicos que igualmente se interesaban por las relaciones de cariño y dominio que se establecen entre seres marginados que se encuentran y desencuentran. Stoker es por fin su gran investigación sobre la familia: la tesis a demostrar es que los lazos perversos tienen un componente hereditario, que la chaladura puede brotar de un momento a otro y que es difícil huir de unos instintos asesinos marcados genéticamente. Stoker es el viaje interno que realiza una adolescente hasta encontrar su verdadero 'yo', una identidad más tenebrosa de la que podía esperar en un primer momento. Chan-Wook espera con delectación a que la cría de dinosaurio salga del cascarón y asiste a la eclosión de la bestia con distancia, un tono pausado, una narración gélida y un estudiado envoltorio estético, muchísimo más refinado, igual de lánguido pero menos barroco que en anteriores ocasiones. Por su hieratismo formal y por su excesiva dependencia del 'giro final' - giro que, todo sea dicho, una vez se produce dista de ser tan espectacular e imprevisible como prometía -, Stoker termina ahogada en su ambigüedad, encapsulada en un mundo de rencillas que apenas se intuyen, perdida en unos personajes tan esquivos como poco interesantes. Stoker tiene un interesante tema de base, guarda una notable relación con las preocupaciones de su autor y sigue fiel al sello visual de su artífice, pero en esta ocasión no me siento afectado por el tremendismo y la supuesta perversión de su historia. Chan-Wook ha hecho una película sugerente, de extraña atmósfera y belleza, pero ha fallado a la hora de llevar su óptica desbocada al cine de terror más sosegado: a medida que el animal va mostrando su veneno, Chan-Wook pierde facultades y opta por recursos dudosos como el manido flashback y una escena telefilmesca a pie de escalera que no podemos desvelar a riesgo de spoiler. El tiempo dirá si estamos ante un nuevo camino en la filmografía del maestro asiático, pero de momento queda un salto a la meca del cine estadounidense con demasiada filigrana visual y poco contenido.


Para amantes de estampas ligeramente perversas.
Lo mejor: La mirada encolerizada de Wasikowska.
Lo peor: El tono de culebrón de su tramo final

Nota: 5'5

lunes, 24 de junio de 2013

SEMANARIO 16: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG


 Semana del 17 al 23 de junio de 2013

Estreno: Crítica de MENÚ DEGUSTACIÓ, de Roger Gual
Estreno: Crítica de SOMOS GENTE HONRADA, de Alejandro Marzoa
 Estreno: Crítica de TURISTAS (SIGHTSEERS), de Ben Wheatley

Cine español: BESOS PARA TODOS, de Jaime Chávarri (España, 2000) 
Cine nórdico: LUCES PARPADEANTES, de Anders Thomas Jensen (Dinamarca, 2000)
Soundtracks: 2046, de P. Rabel y S. Umebayashi (Hong Kong, 2004)

domingo, 23 de junio de 2013

MIS SOUNDTRACKS: 2046, de P. Rabel y S. Umebayashi

2046, de Peer Raben, Shigeru Umebayashi y VV. AA. (Wong Kar-Wai, Hong Kong, 2004)
Palmarés: Golden Horse Award y Hong Kong Film Award a la mejor banda sonora del 2004.
El compositor: Shigeru Umebayashi es uno de los músicos japoneses más respetados. Fiel a directores como Zhang Yimou y Wong Kar-Wai, ha trabajado en más de 40 banda sonoras para películas chinas, japonesas y norteamericanas. Su último trabajo es la música de A single man (2009). Aunque aparece acreditado como el principal autor de la música de 2046, la película contiene piezas y colaboraciones de otros compositores, autores y cantantes.
La reseña: 2046 es uno de los ejemplos más evidentes de que el cine es la conjunción de imagen y sonido, la fusión de unos fotogramas bellos con una buena música. Escuchar la banda sonora de 2046 supone volver a transitar los mundos oníricos del film, y al mismo tiempo recordar el film supone evocar gran parte de su soundtrack. 2046 es una película de culto y una rareza por muchos motivos: su rodaje se hizo de forma fragmentada por distintas imposiciones externas al proyecto, las malas lenguas dicen que Kar-Wai realizó infinidad de versiones en la sala de montaje, se estrenó a trompicones en el Festival de Cannes 2004 y su llegada a las salas españolas el otoño de ese año consiguió despertar una auténtica 'fiebre Kar-Wai'. El cine de Kar-Wai es sensorial y sinestésico: la banda sonora de In the Mood for Love ya era una pieza de gran belleza, el hit de los 60 que sonaba al final del romance 'tango' de Happy Together es difícil de olvidar y en Chungking Express, donde sonaba California Dreamin, ya fuimos testigos del amor que siente el hongkonés por la música en español. El Main Theme, luego utilizado en infinidad de spots, es una de las composiciones más redondas de los últimos años: en sus distintas versiones, oímos el paso del metafórico tren que lleva al protagonista a su habitación de hotel. La evocación del romance del viejo Hollywood brilla con Nat King Cole, Xavier Cugat, Connie Francis y Dean Martin y sus Sway, Perfidia, The Christmas Song y Siboney. Las piezas instrumentales van del viento a la cuerda, todas ellas músicas atmosféricas y delicadas, envolventes a la par que frágiles: los interludios repiten estructuras melódicas, reproduciendo desde la partitura los distintos estados de indecisión y enamoramiento del personaje. Y el romance llega a su máxima expresión con la ópera Casta Diva, uno de los mejores sonidos que salen del gramófono de Kar-Wai. Un conjunto perfecto que vendió un gran número de copias, algo poco habitual para una banda sonora de un film que nunca logró estar entre las propuestas más vistas de la cartelera. Una estupenda colección-fusión de jazz, bolero y música orquestral. El tiempo no pasa ni por el film ni por su música: es una de las grandes obras maestras 'latinoasiáticas' del cine.
Los mejores tracks: Imposible escoger.
Nota: 10

sábado, 22 de junio de 2013

Gángsters rompetechos: Crítica de LUCES PARPADEANTES (BLINKENDE LYGTER, FLICKERING LIGHTS)

Luces parpadeantes fue la película más taquillera en Dinamarca el año 2000. Ese año la película española más taquillera fue La comunidad. Prueba de que 'dime qué cine ves y te diré quién eres, cómo eres y de dónde eres': no podríamos estar ante dos formas más diferentes de concebir la comedia. Ya han pasado 12 años, en España ni sabemos de su existencia y la película ha dado paso a otras tantas comedias dirigidas o escritas por Anders Thomas Jensen (y reseñadas por este blog). Luces parpadeantes se estrenó un año después de que Jensen ganase el Oscar por el cortometraje Noche de elecciones. Los americanos no ficharon a Jensen, pero Luces parpadeantes podría ser perfectamente la típica producción europea de la que a posteriori los americanos realizan sus casi siempre infumables remakes. La película es la historia de unos gánsgteres un tanto cortos que escapan de su jefe. La huida les llevará a un bosque perdido donde se les ocurrirá montar un restaurante. Personajes estúpidos y atontados interpretados por algunos de los mejores actores del país: Nikolaj Lie Kaas, Ulrich Thomsen, Sophie Grabol o Mads Mikkelsen entre otros. Una película blanca, más curiosa que entrañable, quizás la peor película de Anders Thomas Jensen. Bastante previsible, típica y tópica, poco interesante, de humor poco trabajado salvo pequeños gags. Eso sí: ver a su reparto haciendo burradas tuvo su gracia para los daneses, y para los fieles del cine danés el experimento tiene cierto atractivo. Solo para fans de pro, obsesivos como servidor que no están contentos hasta que no ven toda la filmografía del actor o intérprete raruno 'equis'.


Nota: 5'5

Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

viernes, 21 de junio de 2013

Crítica de BESOS PARA TODOS, de Jaime Chávarri

Despertar sexual en los años 60
BESOS PARA TODOS, de Jaime Chávarri (España, 2000)
¿De qué va?: En el Cádiz de posguerra se dan cita tres jóvenes estudiantes de medicina que comparten casa. Su rutina se altera cuando conocen unas bailarinas de Pay Pay que actúan cada noche en un club de la ciudad. Los jóvenes acceden a que las mujeres vivan con ellos... todos menos Ramón, el más mojigato del grupo, que acabará debatiéndose entre su novia Rocío y los encantos de la bailarina Vicky. Pronto la vida de los tres universitarios quedará marcada por la imponente presencia de las cabareteras para escándalo del alcalde, el padre de uno de los chavales, del guardia de la benemérita del pueblo y de la propietaria del club de varietés. Ellos se abrirán paso a un descubrimiento sexual febril y adolescente, mientras que ellas encontrarán el amor y el cariño que la sociedad les niega al ser tratadas como prostitutas.
Palmarés: Premio al mejor actor para Eloy Azorín en el Festival de cine de comedia de Peñíscola. Nominación a la mejor actriz revelación para Pilar López de Ayala por la Unión Española de Actores. Seis nominaciones a los premios Goya 2000: ganó mejor maquillaje y aspiró a mejor director, actriz de reparto (Chusa Barbero), actriz revelación (Pilar López de Ayala), vestuario y dirección artística.
El dato: Emma Suárez, conocida en los 90 por las películas de Julio Medem y Pilar Miró, afrontó en Besos para todos el primer papel enteramente cómico de su carrera tras el éxito de Sobreviviré. Para Pilar López de Ayala, rostro de la televisiva Al salir de clase, fue su primer papel en cine: ese mismo año estrenó Báilame el agua, y meses después se llevaría la Concha donostiarra y el Goya a la mejor intérprete por su magistral Juana la Loca. Chávarri es uno de los artistas más importantes del cine español: a su trabajo como director, finalizada con Camarón (2005), se suman sus trabajos como actor, director artístico y guionista, aunque su trabajo más recordado es el documental El desencanto (1976). Por su parte, la carrera de Chusa Barbero se ha ceñido casi siempre a la televisión: apareció en Hospital Central y Cremotorio, y actualmente podemos verla en Amar es para siempre.


Valoración: Revisión de 'la dolce vita' con la España tradicional de fondo. Besos para todos es una de las películas más desenfadadas de Chávarri, una vuelta simpática de los crudos tiempos de posguerra vistos desde la 'arcadia' emocional de tres jóvenes abiertos a todo tipo de experiencias. Pese a servirse de los mejores actores del momento (Suárez, sin ir más lejos, y pese a ser la protagonista de la historia, está bastante desaprovechada), Chávarri no sabe aprovechar las posibilidades (tragi)cómicas de su planteamiento y acaba facturando una película menor, agradable pero a la postre sin demasiada enjundia. Lo mejor acaba siendo la perfecta recreación de los distintos apartados técnicos y el desparpajo de sus secundarias. Un trabajo honroso pero que se antoja menor: Chávarri, considerado para los Goya de ese año, hubiese podido desaparecer de la terna en favor de Suárez o Gay, que con sus retratos de evocación histórica - iniciación sexual (hablamos de El portero y Krampack respectivamente) convencían mucho más. Simpática pero del montón.


Para nostálgicos indulgentes
Lo mejor: Los aciertos de su reparto femenino.
Lo peor: Desaprovecha la parte social / comprometida de su trama.

Nota: 5'5

jueves, 20 de junio de 2013

Crítica de SOMOS GENTE HONRADA, de Alejandro Marzoa

Con Somos gente honrada el espectador puede cometer distintos errores. En primer lugar, pensar que está ante una comedia, una expectativa lícita teniendo en cuenta que Jose Corbacho y El Terrat están detrás de la propuesta. En segundo lugar, creer que el título encierra cierta sorna o crítica a la España del paro: el film es bastante blanco y no incide, aunque podría y debería hacerlo, en el contexto social en el que se incluye. Y en último lugar, esperar un producto televisivo del tono y el ritmo de Con el culo al aire o Los hombres de Paco, y más teniendo en cuenta que la presencia en el cartel del actor Paco Tous subirá la venta de entradas entre un público veraniego que va a las salas en busca de mera evasión. Somos gente honrada no responde a ninguno de esos perfiles, aunque lo más correcto sería decir que juguetea con las tres posibilidades sin casarse con ninguna opción. Alejandro Marzoa titubea, tal vez porque se encariña demasiado con sus personajes y porque a mitad de metraje se entrecruzan dos factores: la imposibilidad de alargar más la premisa argumental inicial y la dificultad de encontrar un final que sea justo, feliz y original. Somos gente honrada no pasa de ser una buena idea resuelta con irregular pericia: algunas de sus propuestas convencen, pero otras líneas argumentales están mal perfiladas, bien porque no aportan nada (el blog de cocina de la mujer), bien porque son harto previsibles (la escena del hijo en la discoteca) o bien porque no casan con el tono de comedia comedida entre camaradas (la visita al narcotraficante o el fragmento final presidido por el antipático personaje que interpreta Unax Ugalde). Una película, en definitiva, que poco puede aportar al panorama cinematográfico español: ya existe un thriller gallego más que digno (Agallas), y la mejor película sobre la crisis se hizo mucho antes de la catástrofe (Los lunes al sol). El cuento de dos amigos sin trabajo que encuentran por casualidad diez kilos de cocaína daba para mucho y el resultado final ni es disparatado ni aprovecha la encrucijada moral de base. Film honrado, sin duda, pero prescindible.


Para saber cómo están (de mal) las cosas.
Lo mejor: Miguel de Lira está de Goya.
Lo peor: Su falta de definición.

Nota: 5'5

miércoles, 19 de junio de 2013

Crítica de MENÚ DEGUSTACIÓ (MENÚ DEGUSTACIÓN), de Roger Gual

La cocina y el cine siempre se han llevado bastante bien. Nos gusta cocinar y ver cocinar, algo que demuestran los clásicos programas televisivos de recetas o formatos modernos como Masterchef. En la gran pantalla la comida ha dotado de personalidad a infinidad de títulos, pero ahora el interés de los espectadores, seguramente por la proliferación de escuelas de cocina, nombres con estrellas michelín y un mayor interés por la cultura gastronómica, está en mostrar los vericuetos de la llamada nueva cocina, cocina de diseño o platos de alta gama. Últimamente, desde Bon Appetit hasta El chef: la receta de la felicidad, por citar títulos recientes, la unión entre el arte cinematográfico y el culinario ha dado lugar a piezas más bien azucaradas diseñadas para un público femenino y urbano que solo busca pasar un rato agradable. Menú degustación, por la probada capacidad de su director para armar buenas historias corales y por la contrastada calidad de sus actores, parecía marcar la excepción. Desgraciadamente, tal y como indica el título, la cocina se reduce a un corto refrigerio, apenas unos canapés y mucho amor entre fogones. Aunque el cine catalán está haciendo todo lo posible por ampliar sus horizontes y asentarse como un sello propio a la par que heterogéneo (al fin y al cabo estamos hablando de la primera producción de la danesa Zentropa entre nosotros), Menú degustación dista de ser una buena comedia romántica. La cocina es casi una excusa, un marco, un pretexto: todo lo demás son historias poco o nada interesantes que se unen y desunen con desigual fortuna. La película tiene la posibilidad de acabar el convite con cierta dignidad, pero el postre lo estropea todo: innecesariamente, el film se inventa una excusa argumental para alargar el metraje, ya de por sí corto, llevando su historia al terreno de la inverosimilitud más absoluta (la aparición de las Nancys Rubias y Santi Millán deja claro que Menú degustación es una película hecha por y para los amigos). Por el camino hay cierta ridiculización de la clase media-alta pija barcelonesa, algún chiste sobre el mundo de los restaurantes de primerísima categoría y ligeros enredos amorosos. Están los ingredientes, pero falla la cocción, la preparación y la presentación del plato. Una fiesta llena de despropósitos, desde la canción de Raphael que suena en la escena de la playa hasta la surrealista realidad idiomática del film.



Para comensales que no buscan saciarse.
Lo mejor: Fionulla Flanagan, lo mejor del reparto.
Lo peor: Que el conjunto resulte tan poco interesante.

Nota: 5

martes, 18 de junio de 2013

Crítica de TURISTAS (SIGHTSEERS), de Ben Wheatley

Uno no va de viaje con cualquiera: demasiados días, demasiados kilómetros y demasiados roces, que no siempre hacen el cariño, como para pasarlos en compañía de alguien con el que no conectas. Una película es un viaje de hora y media, por lo que el esquema se repite. Los viajeros de Turistas, aunque no parecen conocerse íntimamente, sí comparten una visión oscura y extravagante del mundo. Lo que no quiere decir que el espectador ávido de excursiones se sienta a gusto con esta ruta en caravana que mezcla el humor lacónico made in Britain con la violencia sin rodeos de cierto cine de terror. Turistas es tan marciana que puede crear adicción pero también rechazo; en otras palabras, que el copiloto desee más sangre y desmadre o que espere entre plegarias el dulce regreso a casa. Sea como sea, Turistas funciona como ese compañero de andadas que aunque a las primeras de cambio resulta extravagante luego termina por resultar previsible para todos, entrañable para sus adeptos y absolutamente inaguantable para sus opositores. Turistas tiene a su favor la sinceridad y coherencia interna de la propuesta (ni engaña a nadie ni muta de piel ni ofrece algo que no esperemos), la personalidad propia de un parador natural perdido en mitad de la geografía británica. Con todo, su libérrimo carácter se sustenta sobre la repetición de un esquema (dos maduros con problemas de adaptación social van dejando una ristra de cadáveres por los lugares que van visitando), y la audiencia está en su derecho de sentirse defraudada. En lo personal, Turistas es un viaje entretenido pero poco curtidor, sus gracias a veces causan antipatía y cuesta conectar con unos protagonistas tan desagradables. En esencia, estamos ante un cortometraje o sketch llevado al límite, algo tan innecesario como alargar las vacaciones un par de días más: tarde o temprano aparecen el tedio y el conflicto. En catalán hay una palabra perfecta para describir Turistas: es una 'poca-soltada'. Pero ya se sabe: a la hora de hacer turismo, cada persona es un universo indescifrable.


Para cinéfilos que viajan a su ritmo.
Lo mejor: El trabajo de sus dos actores.
Lo peor: Busca espectadores 'peculiares' y puede que no los encuentre.

Nota: 5'5

lunes, 17 de junio de 2013

SEMANARIO 15: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG


 Semana del 10 al 16 de junio de 2013

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: Presentación SELECCIÓN OFICIAL

Estreno: Crítica de 15 AÑOS Y UN DÍA, de Gracia Querejeta
Estreno: Crítica de FILL DE CAÍN (HIJO DE CAÍN), de Jesús Monllaó Plana

Cine nórdico: Crítica de DIRCH (A FUNNY MAN), de Martin Zandvliet (Dinamarca, 2011)
Cine queer: Crítica de LOS JUNCOS SALVAJES, de André Téchiné (Francia, 1994)
 

sábado, 15 de junio de 2013

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: PRESENTACIÓN

La primera edición del CINOSCAR SUMMER FESTIVAL tendrá lugar en el blog Cinoscar & Rarities del 29 de junio al 5 de agosto. Durante el pasado mes, diferentes lectores del blog han elegido una lista de películas y cortometrajes que en breve participarán por conseguir el Cinoscar Award a la mejor obra. A lo largo de 40 días os presentaremos títulos de diferentes temáticas, épocas, nacionalidades y autores, un abanico de propuestas variadísima que va de grandes clásicos a títulos recientes inéditos en España. Como todo festival, la finalidad es ocupar un puesto en el palmarés, pero sobre todo disfrutar de lo que más nos gusta: el cine. Tanto si habéis visto o si desconocéis todas o parte de las obras seleccionadas, os animamos a seguir el festival: seguro que descubriréis propuestas muy interesantes.

La oferta del festival se compone de 30 largometrajes, 29 de ellos a competición, y 10 cortometrajes, 9 de ellos a competición. Además, contaremos con dos sesiones especiales, una inaugural y otra de clausura, en homenaje al cineasta griego Theo Angelopoulos.

El festival se formará de posts con las reseñas de las distintas obras, tablas críticas, entrevistas, predicciones y semanarios. El certamen también podrá seguirse en las redes sociales: día a día actualizaremos los contenidos del festival. Si sois concursantes, os animo a hacer difusión de vuestra película, ya que está en juego un PREMIO DEL PÚBLICO. Y tanto si sois o no participantes activos, seguro que en los distintos posts encontraréis contenidos que os pueden interesar.

Todavía no os podemos contar demasiado: os invitamos al POST INAUGURAL del SÁBADO 29 de junio, al que seguirá el post del film inaugural. Hasta entonces, os damos las gracias por todos vuestros mensajes y os deseamos un verano de cine. Este es el PROGRAMA OFICIAL COMPLETO del Cinoscar Summer Festival (desde ya 'CSF'):


FILM INAUGURAL
- PAISAJE EN LA NIEBLA, de Theo Angelopoulos (Grecia, 1988) (Fuera de competición)


LARGOMETRAJES

1. ANDREI RUBLEV, de Andrei Tarkovsky (Unión Soviética, 1966)
2. CABALLERO SIN ESPADA, de Frank Capra (Frank Capra, 1939)
3. CLEO DE 5 A 7, de Agnes Varda (Francia, 1961)
4. CRÍA CUERVOS, de Carlos Saura (España, 1975)
5. DERSU UZALA, EL CAZADOR, de Akira Kurosawa (Unión Soviética, 1975)
6. DOS EN LA CARRETERA, de Stanley Donen (Reino Unido, 1967)
7. EL BUSCAVIDAS, de Robert Rossen (EE. UU., 1961)
8. EL CLUB DE LOS CINCO, de John Hughes (EE. UU., 1985)
9. EL MANANTIAL, de King Vidor (EE. UU., 1949)
10. FELICIDADES, de Lucho Bender (Argentina, 2000)
11. JUEGO DE LÁGRIMAS, de Neil Jordan (Irlanda, 1992)
12. KEN PARK, de Larry Clark y Edward Lachman (EE. UU., 2002)
13. LA ETERNIDAD Y UN DÍA, de Theo Angelopoulos (Grecia, 1998)
14. LA HUELLA, de Joseph L. Mankiewicz (Reino Unido, 1972)
15. LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS, de Isao Takata (Japón, 1988)
16. LAS VERDES PRADERAS, de Jose Luis Garci (España, 1979)
17. LÉOLO, de Jean-Claude Lauzon (Canadá, 1962)
18. LOS 7 SAMURAIS, de Akira Kurosawa (Japón, 1954)
19. LOS NIÑOS DEL PARAÍSO, de Marcel Carné (Francia, 1945)
20. MARIDOS Y MUJERES, de Woody Allen (EE. UU., 1992)
21. MATAR A UN RUISEÑOR, de Robert Mulligan (EE. UU., 1962)
22. PARÍS, TEXAS, de Win Wenders (Alemania del oeste, 1984)
23. PERVERSIDAD, de Fritz Lang (EE. UU., 1945)
24. REALITY, de Matteo Garrone (Italia, 2012)
25. ROCCO Y SUS HERMANOS, de Luchino Visconti (Italia, 1960)
26. SYNECDOCHE, NEW YORK, de Charlie Kaufman (EE. UU., 2008)
27. SLEEPING BEAUTY, de Julia Leigh (Australia, 2011)
28. TAKE THIS WALTZ, de Sarah Polley (Canadá, 2011)
29. YI YI, de Edward Yang (Taiwán, 2000)
30. RAYO DE LUZ CON ZAPATOS NEGROS (España, 2013) (Fuera de competición)


CORTOMETRAJES

1. BIG BANG BIG BOOM, de Blu (Italia, 2010)
2. DIMENSIONES DEL DIÁLOGO, de Jan Svankmaju (Checoslovaquia, 1982)
3. EL BUENAZO, de Daniel Andrés Sánchez (España, 2013)
4. FILM, de Alan Schneider (EE. UU., 1965)
5. HARVIE KRUMPET, de Adam Elliot (Australia, 2003)
6. LA MAISON EN PETITS CUBES, de Kunio Katô (Francia-Japón, 2010)
7. OSCURIDAD, LUZ, OSCURIDAD, de Jan Svankmaju (Checoslovaquia, 1989)
8. STARCROSSED, de James Burkhammer (EE. UU., 2005)
9. WITH HANDS RAISED, de Mitko Panov (Polonia, 1986)
10. EL PROGRAMA, de Theo Angelopoulos (Grecia, 1968) (Fuera de competición)


FILM DE CLAUSURA
- EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA, de Theo Angelopoulos (Grecia, 1991) (F.D.C.)

viernes, 14 de junio de 2013

Crítica de FILL DE CAÍN (HIJO DE CAÍN), de Jesús Monllaó Plana

Fill de Caín presenta una interesante reflexión sobre los orígenes del mal y los designios de la genialidad. No hay respuestas a la pregunta de si el mal es o no innato, tampoco a la cuestión de si el genio nace o se hace. Por todo ello, tiene su lógica que casi todas las películas con niños diabólicos o ligeramente amenazantes de por medio dejen a propósito la puerta abierta del misterio: al fin y al cabo, la duda es muchísimo más aterradora, y a la postre cinematográfica, que la certeza. Fill de Caín es consciente de ello y lleva su hondo discurso a un plano más terrenal: el cine de suspense con sabor bilingüe y mediterráneo, bien ejecutado y con un notorio crescendo dramático que deja al espectador totalmente desasosegado. Fill de Caín tiene un adolescente suspicaz como protagonista y su arquitectura narrativa es tan juguetona como los monstruos cotidianos que retrata. Por todo ello, el film puede crear expectativas demasiado altas que su resolución no cumple, pero los que entiendan el film de Monllaó Plana como un ejercicio encaminado al entretenimiento con enjundia saldrán más que satisfechos. Por el camino, hay un par de giros más o menos inesperados pero casi siempre eficaces, algunos movimientos de fichas para despistar y un jaque mate al rey espectacular: la atmósfera, el silencio, la oscuridad y el horror que destila el plano final, sobrio a nivel formal pero cargado de significado, es de una redondez poco frecuente en nuestro cine español. Fill de Caín, en definitiva, tiene la entidad de juego perverso que recuerda ligeramente a películas con capacidad comercial y vocación internacional como Los crímenes de Oxford o La caja Kovak. Ojalá Monllaó Plana tenga la suerte de Monzón y De la Iglesia: ha realizado una ópera prima más que destacable.


Para estrategas e interesados en la psique humana.
Lo mejor: Logra mucho con pocos elementos en juego.
Lo peor: Tal vez decae ligeramente a mitad de metraje.


Nota: 6'5

jueves, 13 de junio de 2013

Crítica de 15 AÑOS Y UN DÍA, de Gracia Querejeta

Gracia Querejeta ha dedicado 15 años y un día a su padre y el azar ha querido que el productor Elías Querejeta muriese coincidiendo con el estreno del film en salas. El homenaje tenía que producirse tarde o temprano, tanto por la importancia que ha tenido Elías en la vida y en la obra de su hija como por la eterna preocupación de Gracia por la ausencia del padre y todos los desórdenes familiares que derivan de este hecho en sus ficciones. 15 años y un día demuestra una vez más la pericia de su autora a la hora de escribir diálogos de vocación lírica y momentos dramáticos destacables, y pese a esto nunca habíamos estado tan lejos de la 'obra definitiva', el gran drama de Querejeta. El film parte de una premisa interesante, cuenta con personajes ricos en matices y sabe aprovechar la potencia de sus clímax, pero el conjunto carece de ser sólido y sobre todo sincero. 15 años y un día es un cine formulario que quiere trascender el cliché y no siempre lo consigue, con fallos flagrantes que afean la maquinaria interna del relato como la opción del flashback final a modo de parche para esclarecer el caso. A Querejeta siempre se le puede poner en duda la veracidad de sus películas, ya que estas parecen nacer de una necesidad personal y no de una verdadera preocupación social, algo peligroso si como es el caso las pesquisas del narrador van encaminadas hacia el terreno del cine costumbrista. Héctor, pese a todo, tenía una poesía interna destacable, Cuando vuelvas a mi lado estaba contada con solvencia y Siete mesas de billar francés quedaba eclipsada por el recital interpretativo de sus actrices. 15 años y un día no me la creo, o la creo en menor medida que sus compañeras de filmografía, ya sea por repetición de fórmula o por agotamiento de la misma. Incluso en las escenas más desgarradoras no puedo evitar pensar que esos personajes no pueden hablar de la forma en que lo hacen y de que el tono amable que recorre transversalmente la historia es casi una estrategia para pasar de puntillas por temas más jugosos, también más difíciles de filmar. En breve sabremos si el factor Querejeta anima a los académicos a defender de nuevo 15 años y un día, tal y como sucedió en el pasado Festival de Málaga. De momento, puedo decir que el film me gusta y que la gente sale emocionada de la sesión, pero también es evidente que poniendo sobre la mesa todo el cine de Gracia Querejeta estamos ante una obra menor y conservadora.


Para los que saben que la familia es una caja de sorpresas y de historias.
Lo mejor: Ver en pantalla a Tito Valderde y a Belén López, actorazos desaprovechados.
Lo peor: Querejeta ya ha hecho esta película, y con mejores resultados.

Nota: 6