CRÍTICA | DIAMOND FLASH, de Carlos Vermut

DIAMOND FLASH, de Carlos Vermut

Largometraje nº 18: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Ismael Cruceta

España, 2011. Dirección y guión: Carlos Vermut Duración: 125 min. Género: Thriller dramático Tráiler: Link Reparto: Ángela Boix, Miquel Insua, Klaus, Rocío León, Eva Llorach, Victoria Radonic, Ángela Villar, Petra del Rey, Alba Guerrero, Miguel Noguera, Micaela Quesada

¿De qué va?: La historia de cinco mujeres muy diferentes, pero unidas por Diamond Flash, un extraño superhéroe que las libera y oprime a partes iguales. Violeta quiere encontrar a su hija desaparecida, dos amigas se esconden en un hotel abandonado de las afueras, una mujer maltratada se confiesa con su hermana y una gángster con acento argentino visita un bar peculiar todas las noches. Una sucesión de traumas familiares, maltratos físicos y psicológicos, heridas visibles e impalpables, pasados turbulentos, presentes inestables y futuros inciertos.

RESEÑA MAYRA: Tras haber visto la genialidad de película que es Magical Girl, sin duda da gusto que alguien haya propuesto al CSF la ópera prima de Vermut. En Diamond Flash podemos atisbar mucho del estilo que se podría decir precede a este director. Vermut parte de sus guiones tan poco convencionales y desarrolla historias muy surrealistas llenas de intriga y misterio, combinación que acompaña con una dirección de cámara que en lo personal me parece muy interesante: presenta sus escenas situando la cámara con cierto toque enigmático presentándonos en el encuadre a unos personajes y reservándose momentáneamente a otros, pero al mismo tiempo haciéndolos partíicipes y parte importante de la trama, aunque sin usar los típicos cambios de planos tan constantes. Diamond Flash es una cinta de historias cruzadas que no podría etiquetar en un solo género, y de la que me ha gustado mucho más su ejecución que aquello que pretende narrar, porque, a pesar de presentar personajes un tanto curiosos, la historia carece de la solidez y la buena estructura que por suerte Vermut lograría en su segundo film. Con todo, una interesante ópera prima que merece ser descubierta.

------------------------------

RESEÑA MIGUEL: Magical Girl se ha convertido no sólo en una de las mejores películas del 2014, sino en unas de las cintas preferidas de mi estantería. Carlos Vermut consiguió con ella revolucionar a cierto target cinéfilo desde las entrañas. Pero sería injusto no reconocer que para llegar a lo más alto del pódium antes tuvo que filmar Diamond Flash, su primer film. En Diamond Flash Vermut presenta sus credenciales: una estética muy reconocible, una narración puzle, y una desbordante y original imaginación. Todo ello menos depurado que en Magical Girl, pero igual de atrayente. La primera parte del film puede presumir de ser hipnotizadora y atizadora de emociones; sin embargo, Vermut no consigue que ese efecto sorpresa perdure durante sus dos horas, creando secuencias como la de ese sórdido “interrogatorio” que se alargan más de lo necesario. Más allá de su desmedido metraje, Diamond Flash es un golpe sobre la mesa que convierte a Carlos Vermut en un director muy a tener en cuenta. Lo mejor: todas las sensaciones que genera. Lo peor: que pase desapercibida para la mayoría de la audiencia.

------------------------------

RESEÑA XAVIER: Diamond Flash irrumpió en el panorama local como una gran bocanada de aire fresco. Carlos Vermut empeñó todos sus ahorros y condensó toda su inventiva en una película austera, pequeña en recursos, pero con la capacidad y la fortuna de las mejores obras de culto. El torbellino creció con Magical Girl, y precisamente por culpa de ese film (o gracias a él) Diamond Flash, descubierta ahora o revisionada tras el influjo de ‘la niña de fuego’, resulta una película menos pulida, algo desaliñada, una intuición de la perfección formal y las perturbadoras temáticas de las que haría gala su director años después. Diamond Flash ensambla vidas y escenas aparentemente inconexas con un único denominador común: un pasado violento y una necesidad por escapar de cierta opresión familiar. Vermut impacta a tal nivel que el espectador puede perfectamente salir desorientado e incluso escaldado del universo de Diamond Flash, pero las dobles (y triples) lecturas pronto se imponen como un gran enigma. Vermut ama los contrastes y nos ofrece un panorama de terribles dilemas morales: ¿puede un salvador ser un maltratador? ¿puede una persona violenta canalizar su rabia en acciones aparentemente legítimas? ¿cómo controlar ese ‘demonio’ que llevamos dentro? ¿cómo seguir adelante sabiéndose parte de un legado marcado por el dolor y el maltrato? Una película con un guión de hierro, un terremoto de ideas que pone patas arriba cualquier convención y expectativa. El mal sigue campando a sus anchas: el film también perdurará durante largas décadas.

------------------------------

RESEÑA DANIEL: Diamond Flash es un puzzle fascinante, una historia en varios niveles que inyecta pasión y drama con efervescencia. Un relato sobre mujeres dotado de una precisa y sutil mano detrás de la cámara. Resulta muy buena cómo se plantea la estructura, el hilvanar tantas historias con algo en común es una propuesta sumamente atractiva y adictiva para muchos; y aunque esta en realidad no sea una “historia cruzada” como tal (y por ratos pareciese un cúmulo de cortos enlazados, que poco a poco toman forman) poco es lo que se puede reprochar de ella. Quizá a ratos el metraje toma tintes más pesados que otros instantes, pero aun así el film se sostiene sólidamente. Diamond flash es, con todos sus atributos, una película muy compleja y confusa, que deja muchos cabos sueltos, aunque tal vez a propósito, lo cual hace pensar que estamos ante una cinta más grande de lo que pudiéramos imaginar. El elenco completo está soberbio acompañados de unos diálogos y discursos en general muy bien trabajados.

------------------------------

RESEÑA ISIDRO: Diamond flash es un ejercicio de cine arriesgado y diferente, y eso siempre merece mi reconocimiento. Otra cosa es que el resultado luego sea infumable, que a veces pasa, pero este no es el caso. Se trata de un película de diálogos largos e interpretaciones comprometidas que, si bien no siempre son brillantes, resultan lo bastante estimulantes como para captar toda mi atención. En este sentido Vermut en su segundo largometraje, Magical girl, depura mucho más su estilo, pero reconozco que su trama me interesa menos. Me ha convencido más este rompecabezas sobre héroes y villanos con doble cara, una respuesta de autor necesaria ante la ingente cantidad de morralla de superhéroes que invaden las carteleras hoy en día. Y, hay que reconocerlo, así, como el que no quiere la cosa, a Vermut le ha salido la jugada de perlas: el tío escribe un guion rarete, costea el rodaje con cuatro duros, estrena la película en internet, llama la atención de público y crítica, consigue financiación para un segundo largometraje, filma la película con una belleza como Bárbara Lennie y encima lo peta en San Sebastián. Ea. Y todo con treinta y pocos. El hijoputa. No sé si me da más asco él o Xavier Dolan. Ay, qué pena de vida.

------------------------------

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Nutre su fragmentado montaje en una misteriosa trama que involucra a diversas mujeres no menos opacas. Se ha convertido en una rara avis, un objeto de culto venerado en circuitos intelectuales que han servido de apoyo a su repercusión mediática. Días de cine

Una experiencia límite de cine underground que uno no puede entender hasta que no la vive. El resultado final es puro, incontaminado Vermut: una obra maestra sobre el dolor, lo femenino, la crueldad y las zonas oscuras del alma. Noel Ceballos, Fotogramas

El asunto central de 'Diamond Flash' es el de la capacidad de hacer daño. Peor aún: de la necesidad de hacer daño. Da igual que ese daño se ejerza por venganza, por anhelo de justicia, por dinero o por pura y simple patología: el daño es daño por muchas razones que se le echen. Es quizás el tema axial pero, aclaro, no es el único, y precisamente por eso resulta tan apasionante la película: porque tiene muchas capas y muchos tonos, porque es ambigua, porque no parece hecha para ilustrar o defender un único postulado. Marcos Ordóñez, El País 

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 6'2 / IMDB: 6'5

------------------------------

VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  

4 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor director: CARLOS VERMUT
Mejor reparto
Mejor guión original: CARLOS VERMUT
Mejor banda sonora adaptada

NOTA DEL JURADO

CRÍTICA | TIERRAS DE PENUMBRA, de Richard Attenborough

TIERRAS DE PENUMBRA (SHADOWLANDS), de Richard Attenborough

Largometraje nº 17: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Marcelo Morales

Reino Unido, 1993. Dirección: Richard Attenborough Guión: William Nicholson, a partir del libro Una pena en observación de C. S. Lewis Duración: 125 min. Género: Drama biográfico Tráiler: Link Reparto: Anthony Hopkins, Debra Winger, Joseph Mazzello, Edward Hardwicke, John Wood, Michel Dennison, James Frain, Peter Howell, Roger Ashton-Griffiths

¿De qué va?: C. S. Lewis trabaja como profesor de literatura en Oxford. Su vida está consagrada a la lectura, a la escritura y a sus alumnos, pero la carta de una admiradora le llamará poderosamente la atención. La remitente es Joy, una ama de casa norteamericana que está pasando una temporada de Londres junto a su hijo. Al encontrarse, la vida de ambos cambiará para siempre.

Palmarés: Bafta al mejor film británico y al mejor actor (Hopkins). Dos nominaciones al Óscar: mejor actriz (Winger) y mejor guión adaptado.

RESEÑA ISIDRO: Si antes de ver Tierras de penumbra me hubiera venido alguien contándome que acaba de pegarse una pechá de llorar con una película muy bonita sobre un famoso escritor británico, autor de una de las mejores obras infantiles del siglo XX, que empieza a entablar una relación, no por todos aprobada, con una mujer algo pachucha de salud con cuyo hijo se lleva fenomenal, le habría dicho: “oy, sí, qué bonita Descubriendo Nunca Jamás, yo también me harté de llorar”. Y es que la película sobre el autor de Peter Pan tiene mucho de la película sobre el autor de Narnia. Quizá la principal diferencia sea que viendo la primera en ningún momento piensas: “¡coño, el niño de Jurassic Park!”. Pero obviando esa distinción tan sustancial, las dos películas tienden a idealizar a sus protagonistas, son muy políticamente correctas y rebosan elegancia y corrección británicas por los cuatro costados; vamos, como cualquier biopic guiri-yanqui que se precie. Y eso, salvo contadas ocasiones, resta verdadera emoción a las historias. Winger está completamente encantadora y Hopkins muy apropiado, pero me falta química entre ellos, no me termino de creer el romance y el visionado de la película se me acaba haciendo simplemente agradable. A lo mejor me habría emocionado más si al final de la película, para poner contenta a la convaleciente Winger, Hopkins se hubiera disfrazado de león, su hermano de bruja y el niño de armario. O no, quizás no. 

------------------------------

RESEÑA MAYRA: Tierras de penumbra nos acerca a una historia principalmente de amistad, rodeada de un halo literario y filosófico que permite atisbar escenas con diálogos muy interesantes. Un drama romántico ejecutado con mucha sutileza y del que destaco sobre todo el hecho de que no cae en la cursilería, ni busca la lágrima fácil; habla de la amistad, el amor y los sentimientos desde una perspectiva seria y de madurez desarrollada con mucha elegancia y sobriedad, lo que por momentos quizás hace que el film resulte un tanto frío, pero esto tal vez se deba a que estamos acostumbrados a tanto ‘dramón romántico pasteloso’, que esta forma y fondo nos puede parecer inverosímil. Personalmente creo que Tierras de penumbra logra ser certera en su relato y muy conmovedora, sin caer en dramatismos exagerados; puede que no sea una obra maestra, pero sin duda es una entrañable película, con destacables interpretaciones protagónicas y gran puesta en escena. Para románticos, con los pies bien puestos en la tierra.

------------------------------

RESEÑA MIGUEL: Tierras de penumbra comparte año con Lo que queda del día de James Ivory. Ambas películas son dramas románticos con Anthony Hopkins. Y ambas guardan bastantes similitudes: en ambas, los personajes de Hopkins son reacios a la sociabilidad, parcos en emociones y honorables ante la vida. Con la llegada del personaje femenino, los personajes de Hopkins comienzan a mudar. Si en Lo que queda del día la sutileza de Ivory era de quitarse el hipo, Richard Attenborough se muestra más inclinado por un tono culebronesco. A pesar de ello, desenvuelve la historia de forma elegante y con un sentido de la estética muy acertado. Attenborough huye del algodón de azúcar y construye una relación de amor maduro muy natural, apoyado en dos interpretaciones protagonistas superlativas. Para una tarde de domingo de invierno, Tierras de penumbra es la mejor opción.

------------------------------

RESEÑA XAVIER: Tierras de penumbra, la última gran película que dirigió el recientemente desaparecido Richard Attenborough, es un melodrama de aliento clásico. El guión de Nicholson, cargado de diálogos bellísimos, nos descubre la historia de amor entre el escritor C. S. Lewis y una ama de casa norteamericana que viaja a Inglaterra huyendo de su esposo. El romance parsimonioso se acaba convirtiendo en la confluencia de dos mundos muy diferentes: el de Lewis, recluido en su casa y despacho, ajeno a cualquier actividad que no sea la docente y literaria; y el de la mujer, cuya espontaneidad y franqueza pone patas arriba la órbita académica en la que vive ensimismado el escritor. Los momentos más álgidos de la película coinciden con los encuentros de los dos personajes: Hopkins, muy solicitado en los 90, cincela un personaje rico en matices; y Winger, enfundada en un personaje de Óscar, defiende con convicción la mujer indomable que acaba seducida por la tranquilidad y las palabras delicadas de su compañero. También funcionan los debates que Lewis entabla con uno de sus alumnos sobre la función y los poderes de la literatura. El corazón de Hopkins se derrite, y nosotros nos rendimos ante la evidencia: todo está contado, interpretado y escenificado con sumo mimo. Lástima que la rectitud británica lastre el film: le sobra sobriedad y le falta pasión. Pecata minuta, en todo caso, aunque ese detalle me impide describir estas Tierras de penumbra como la obra maestra que, por momento, se intuye en los fotogramas del film.

------------------------------

RESEÑA DANIEL: Bajo los hermosos páramos que envuelven una Inglaterra académica y clásica se escribe una delicada y tierna historia de amor entre dos seres que en su etapa tardía se declaran compañía perpetua. Richard Attenboroug es el encargado de dirigir a Anthony Hopkins y Debra Winger, dos seres apasionados por la literatura que encuentran una química sustancial en el proceso de conocerse y tratarse al paso del tiempo. La película encuentra el equilibrio deseado al presentar una historia que evita caer en poses ridículas y dotarla de sobriedad y estilo, parte de ello gracias a las colosales interpretaciones de los protagonistas: ambos brindan realismo, seriedad y compromiso al film. La película, además, gusta por la manera de presentar el romance: un romance sentido, virtuoso, sincero, nacido el crepúsculo de la existencia de dos amantes foráneos a la vida. Los acompaña un escenario icónico que parece salido de alguna hermosa y sensible pintura rupestre, enriquecida por el frondoso paraje y el álgido viento. Y pese a tener un desenlace anticipado, consigue dejar una gran sensación. Película para románticos, románticos de cepa.

------------------------------

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

La película se contagia de la entereza y la dignidad de Joy en su enfermedad, y sabe que la felicidad encierra el dolor y que el dolor también forma parte de la felicidad. Lo que traducido en términos cinematográficos se podría decir: la sencillez encierra la grandeza y la grandeza forma parte de la sencillez. Nuria Vidal, Fotogramas Nº 1806 

No salgo de mi asombro ante la inesperada belleza y profundidad humana de la película. Attenborough ha conseguido una obra redonda, lúcida y preñada de emoción sincera. El día que la vi, la humedad en el ambiente de la sala era tan densa como la de un baño turco. El Sobrino, Fotogramas Nº 1806

Plantea una historia de amor siempre en el borde de la desesperación, por cuanto sus protagonistas no saben hacer compatibles la razón y la pasión. El evidente interés de estas premisas no impide que su director se muestre tan apagado como de costumbre, pero las excelentes interpretaciones salvan la función. Fotogramas, Redacción

Bella, inteligente y conmovedora. Entiende que el amor no sólo llega por vía del deseo físico, sino que, para algunos, ese proceso es interno, mental. Roger Ebert, rogerebert.com

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'4 / IMDB: 7'4 / Sensacine: 7'4 / Rottentomatoes: 9'25

------------------------------

VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  

7 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actor protagonista: ANTHONY HOPKINS

Mejor actriz protagonista: DEBRA WINGER

Mejor guión adaptado: WILLIAM NICHOLSON

Mejor banda sonora original: GEORGE FENTON

Mejor fotografía: ROGER PRATT

Mejor vestuario: PENNY ROSE

Mejor diseño de producción: STUART CRAIG

NOTA DEL JURADO

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES | ESPECIAL CINE FANTÁSTICO 2015

Os presentamos la 4ª edición de El podcast de Cinoscar & Rarities. Esta semana, os ofrecemos un repaso al cine fantástico y de terror más destacado de este 2015. Reseñamos IT FOLLOWS, de David Robert Mitchell; MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA, de George Miller; JURASSIC WORLD, de Colin Trevorrow; y HORNS, de Alexandre Aja. Además, os ofrecemos un TOP 10 con los estrenos del género que no os podéis perder este verano, homenajeamos distintos clásicos del cine de terror, y nuestros oyentes con cuentan sus reseñas y nos confiesan qué película les dio más miedo en el cine. 2 horas de buen cine y música. ¡Muchas gracias por darle al play! En 15 días volvemos con un nuevo programa. ¡Esperamos que os guste!

TRABAJOS NOVELES | DESPERTAR, de Esteban Mata

Trabajo novel Nº 4. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.

Entrevista a Esteban Mata, director de Despertar

1. ¡Hola Esteban! Bienvenido a la tercera edición del Cinoscar Summer Festival. Nos presentas tu cortometraje Despertar. ¿Cuál es tu vinculación con el mundo del cine? ¿Depertar es uno de tus primeros trabajos?
Estudio Comunicación Audiovisual en la Universidad de Extremadura Badajoz y siempre he sido un amante del cine desde niño. Despertar es el primer trabajo profesional que he realizado. Antes de este trabajo, me había dedicado a la iluminación y sonido de otros cortos como Ven cortometraje del 2015 o “29” cortometraje del 2014.

2. ¿Cómo describirías tu obra a nuestros lectores? En pocas líneas, ¿qué debemos saber de Despertar?
Despertar es un viaje a través de los sueños y la perdida. Es el papel que juega nuestra inconsciencia sobre nosotros. La perdida no siempre es aceptada por nosotros, nuestra mente intenta buscar una solución a un sufrimiento. ¿Quién alguna vez de niño no ha amanecido llorando? ¿Esos sueños en lo que creíamos que alguien de nuestro entorno había muerto? Este cortometraje bebe mucho de ese tipo de sentimiento. Al final la realidad se impone bajo la resistencia de nuestro subconsciente.

3. Despertar es un trabajo muy atmosférico. ¿Qué retos técnicos te planteó el cortometraje antes y durante el rodaje? Viendo el resultado final, ¿hay algún aspecto técnico del que te sientas más satisfecho?
El principal reto era la representación del accidente. Para ello tuvimos que buscar un barrio que pudiéramos controlar la circulación. El segundo reto fue trabajar con un perro. Pero increíblemente casi todas las tomas las hizo a la primera. Sin duda con lo que estoy satisfecho es con el montaje. La idea que tenia en la cabeza era muy difícil de explicar y creo que ha quedado bastante bien plasmada.

4. En el Cinoscar Summer Festival siempre nos gusta conocer información sobre los rodajes de nuestras obras a concurso. ¿Cuáles fueron las localizaciones de Despierta? ¿Cuántas jornadas os ocupó la filmación? Seguro que puedes contarnos algún detalle al respecto.
El cortometraje está rodado completamente en la ciudad de Badajoz. Las escenas el atropello en el Barrio la Picurilla y las escenas de la cama en mi misma cama.

5. Y si hablamos del rodaje, no podemos dejar de preguntarte por algunas anécdotas, tomas falsas o apuntes graciosos. ¿Hay algún secreto de rodaje que te apetezca compartir con nosotros?
Tomas falsas hay montones y muy graciosas. La mejor puede ser una toma que salió perfecta, salvo por el inconveniente de que salía el perro cagando.

6. Un año más, en el Cinoscar Summer Festival destacan los cortometrajes de terror y género fantástico. Despierta también podríamos incluirlo en este grupo. ¿Qué referentes cinematográficos tuviste a la hora de concebir tu obra? Origen, Matrix, Memento y el cine mudo. 

7. No podemos dejar de felicitar a tus actores. ¿Cómo enfocaste la dirección de tu reparto? ¿Les diste alguna indicación especial? Imaginamos que situar al actor en una historia sin diálogos fue todo un reto…
Mi objetivo principal era contar esta historia mediante la comunicación visual. Que esta historia fuese humana y fuese capaz superar las barreras de los idiomas. Esto supone varios problemas a la hora de la actuación de los actores. Por este hecho tuvimos que ensayarlo durante varios días hasta que para el día del rodaje cada actor tenia enfocado su personaje.

8. En los títulos de crédito vemos que te encargas de diferentes apartados técnicos de Despertar. ¿Con qué faceta te sientes más identificado: sonido, fotografía, dirección…?
Trabajo en una empresa audiovisual de técnico de sonido e iluminación. Ambas ramas me apasionan, poder crear ambientes visuales y sonoros. No podría decidirme la verdad. Por otro lado tenemos la faceta de director, que es controlar las dos cosas que más amo de mi carrera la fotografía y el sonido. Sin duda no puedo decidirme, necesito esos puestos para sentirme realizado.

9. No podemos terminar el cuestionario sin preguntarte por tus futuros proyectos. ¿Estás preparando alguna nueva obra? ¿Tiene algún nexo en común con Despierta?
Si, un cortometraje sobre el maltrato.

10. ¡Muchas gracias por responder a nuestra entrevista! Te deseamos mucha suerte en el certamen. Finalmente, te damos la posibilidad de dirigirte a los espectadores que ahora visionarán Despierta: ¿cómo les animarías a ‘darle al play’? ¿Por qué deben votar por tu trabajo?
Viaja a otro plano, a tu subconsciente. Creo que es un cortometraje que te engancha por lo simple y real que es la idea. Obliga al espectador a unir las diferentes piezas y aceptar la realidad.

TRABAJOS NOVELES | VEN, de Rafael Montaño

Trabajo novel Nº 4. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.

Entrevista a Rafael Montaño, director de Ven

1. ¡Saludos, Rafael! Bienvenido al Cinoscar Summer Festival. Participas en la sección Trabajos Noveles con Ven. Antes de saber los detalles de tu obra, queremos conocerte a ti. ¿Cuál es tu vinculación con el mundo del cine? ¿Ven es una de tus primeras obras?
Actualmente estoy estudiando el grado de Comunicación Audiovisual, he hecho varios cursos relacionados con el cine, desde el punto de vista de la analización y realización. Al acabar el grado me gustaría estudiar el máster de dirección y guión, así como crecer en el mundo de la edición de video. Ven es mi primera obra como director y guionista, pero he pertenecido a dos proyectos más como operador de cámara y montador o editor de video y efectos especiales.

2. En el certamen nos ofreces cinco minutos muy intensos en los que se juntan terror, drama y suspense. ¿Partiste de unos referentes cinematográficos muy marcados a la hora de concebir Ven? ¿Éstos se corresponden con tus gustos cinéfilos?
Básicamente mi fuente de inspiración para decantarme por el cine fue el cine de terror, con influencias como el grandísimo Hitchcock así como películas como películas como la película japonesa The Ring, Paranormal Activity entre otras, de las cuales como podréis comprobar he utilizado ciertos formatos a la hora de escoger tipos de planos, encuadres así como la ejecución de la misma acción dramática. Aunque podría pasarme toda la tarde anunciando películas de terror que me cautivan bastante.

3. Nos ha sorprendido el excelente trabajo de fotografía e iluminación: todos los aspectos técnicos ayudan a dar vida a una atmósfera desasosegante. ¿Trabajaste con un storyboard muy definido o el proceso de rodaje y montaje fue más bien intuitivo? ¿Qué encuadres, tomas o elementos técnicos resultaron más difíciles de hacer frente en el rodaje?
Si, los encuadres y las composiciones estaban muy claras, estudié muy bien las localizaciones y en base a ellas me elabore un story board que en cierta medida respete, no en todos los casos, ya que una vez que se está en el propio rodaje te vienen multitudes de ideas nuevas. Es lo grande y hermoso que tiene el cine, si te gusta, de todo sacas fuente de inspiración. Lo más difícil fue precisamente el asunto de la fotografía, no contábamos con presupuesto alguno y tuvimos que tirar de lo que teníamos por casa aparte de tener que aportar cierto dinero de nuestros bolsillos para que los “focos” realmente dieran la sensación que perseguíamos y que bueno, al fin y al cabo casi logramos del todo.

4. En su mayoría, Ven es una historia de interiores casi siempre en penumbra. Viendo el cortometraje, se intuye un rodaje en espacios muy limitados en cuanto a dimensiones. ¿Qué retos logísticos, técnicos o personales te planteó todo ello? ¿Rodaste con un equipo reducido? Prácticamente el equipo lo formamos 5 personas, 3 actores, dentro de los que me intuyo haciendo una especie de “cameo” (soy el que dice la única frase de todo el corto), 1 script que además era el propio técnico de iluminación al cual supervisaba al mismo tiempo que visionaba y grababa ya que yo era el operador de cámara y en cuanto a la posproducción nos encargamos 3 personas, el técnico de sonido para efectos sonors y banda sonora es el mismo técnico de iluminación y por último el proceso de edición de video fue realizado por otro chaval y yo mismo, contando con la visión de tanto actores y del propio técnico de iluminación y sonido para dar un visto bueno general. Y sí, en efecto, las dimensiones de las localizaciones de interiores eran reducidísimas, de ahí los grabes problemas de iluminación, los focos no cabían, debíamos colgarlos, acoplarlos a paredes e incluso sujetarlos al mismo tiempo que grabábamos.

5. En el cortometraje no hay espacio para el humor, pero estamos seguros que para conseguir unos fotogramas tan tensos debisteis vivir momentos muy graciosos durante la elaboración de la obra. ¿Hay alguna anécdota que te gustaría compartir con nuestros lectores?
Pues sí, bueno hay un toque de humor que es el chorro de pis que suena cuando el protagonista esta recién levantado y se encuentra en el baño dispuesto a “echar la típica primera meada del día”, a parte, en el guión constaba que el “ente” que aparece y quien realmente viene buscando la vida del protagonista debía salir totalmente desnudo, el me lo aprobó al leer el guión y a la hora de la verdad no pudimos coger un plano de él entero ya que se negó a salir en baños menores, pero aun así nos quedaron planos bastante curiosos. Otra anécdota fue la colonización de otros pisos cercanos a los míos para por ejemplo la toma de los exteriores, ya que tuve que mentir diciendo que pertenecía a ese bloque para poder tomarlas, nos supuse unas cuantas risas cuando nos preguntaban que hacíamos allí. A parte las continuas pesadillas que sufría el protagonista se nos iban de las manos, parecía más una posesión diabólica que una pesadilla, ahí surgieron más de unas risas.

6. Al final de Ven, la presencia que había planeado durante toda la historia cobra forma en un plano fijo muy interesante. ¿Partiste de alguna idea previa o de alguna película concreta a la hora de concebir ese gran plano final? ¿Diste a tus intérpretes alguna indicación especial?
Pues sí, esa toma la cogí de Paranormal Activity de la cual no me siento orgulloso de su guión e historia, pero si de la realización, de la cual me parecía un punto muy interesante desde donde mostrar al protagonista bastante lejos desde donde poder crear en el espectador la sensación de no poder ayudarlo, ya que se haya a bastante distancia. A mis intérpretes les deje el story board un día antes, vinieron con la idea y una vez situada la cámara y viendo el plano exacto se hicieron con la idea, la verdad que ha sido la escena más conseguida y la más fácil de realizar y grabar eso sí la más difícil de cuadrar en postproducción

7. En Ven recreas un mundo de pesadillas e intuiciones muy reconocible y al mismo tiempo muy efectivo. ¿Has tenido ocasión de compartir tu trabajo en público? ¿Cómo valoras su reacción? ¡En pantalla grande, el terror de Ven debe multiplicarse considerablemente!
Si, como ya he dicho he pertenecido a varios concursos de cine, uno precisamente de terror donde se nos permitió exponer visionados, este curso precisamente fue el que más me inspiró a llevar a cabo este proyecto. Y como se puede comprobar este cortometraje está pensado para exponerse en grandes salas, con grandes equipos de sonido, ya que es el punto esencial del mismo, alterando algunas pistas haciendo que los sonidos más destacados del cortometraje prevalezcan sobre los demás intencionando el susto del espectador.

8. Uno de los aspectos más destacados de tu trabajo es la banda sonora y los efectos de sonido. ¿Cómo trabajaste estos apartados? El juego de música, ruidos y silencio es realmente uno de los grandes logros de Ven…
Pues ha sido una mezcla de efectos de sonido grabados por nosotros mismos, otros realizados por una gran labor del técnico de sonido, mezclando diferentes sonidos obtenidos de bancos, en los que para cuando por ejemplo apareciera el ente ofrecer un sonido único que indagara en la mente del espectador y le llevara a propios temores humanos. Optamos por mezclar el sonido de una hiena riéndose, un velocirraptor y una cobra. Pero terminamos quedándonos con la cobra, un seseo de serpiente y el velocirraptor. Todos los demás sonidos están grabados y retocados dando sensación de caverna, de ultratumba, era nuestro propósito. A parte reconocer que parte de la banda sonora no es nuestra, es prestada, debidamente pedida, y en cierta medida cambiada y mezclada con otras elaboradas por nosotros mismos, nos llevo bastante trabajo entablar donde si debía sonar y donde debía permanecer en silencio para crear ese suspense que tanto inquieta en el cine de terror.

 9. ¿Estás trabajando en un nuevo proyecto? ¿Has pensado en filmar una secuela de Ven? ¿Una versión en largometraje, tal vez? Sinceramente me parece un argumento muy simple para llegar a hacer una secuela o incluso un largometraje, eso sí, habrá planos y cierta parte de la trama utilizada que sí que tendré en cuenta para próximos cortometrajes o mediometrajes basados en el género de terror. Y sí actualmente yo y mi asociación Butanito Films nos encontramos elaborando ya el guión técnico y story board de un drama en el cual habrá sangre, muertes y un poco de desamor así como parte de heroísmo. Hasta ahí puede leer.

10. ¡Muchas gracias por tus respuestas, Rafael! Ahora, Ven ya pertenece a los lectores y espectadores del certamen. Antes de visionar una vez más tu trabajo: ¿cómo describirías en pocas palabras tu obra? ¿Qué se encontrarán nuestros concursantes en tu corto? ¿Por qué deben votar por Ven? ¡Mucha suerte!
Considero a Ven un cortometraje que produce inquietud, desasosiego, trato de indagar en la psicología del espectador provocando pausas en su mente, que en ciertas escena piense y se espere algo sin llegar a pasar derivando en escenas rápidas y esporádicas, inesperadas que realmente provoquen el susto perseguido. Trato de dar a entender que esa presencia es causada por la propia conciencia del protagonista por haber provocado el accidente que terminó con la vida de sus dos amigos, y de en que graves consecuencias puede llegar a llevar dicha conciencia por medio de las pesadillas. No solo es terror por susto sencillo, sino por suspense y espera así como la sensación de encierro en una burbuja por medio de planos y efectos sonoros, como si viviese entre el mundo de los vivos y de los muertos. Debe ser votada por la dificultad que nos produjo al no contar con apenas medios técnicos realizada en menos de 2 semanas y entre 5 personas. Muchas gracias por todo.

TRABAJOS NOVELES | LOS REFLEJOS DE LOLA, de David Hidalgo

Trabajo novel Nº 08. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.

Entrevista a David Hidalgo, director de Los reflejos de Lola

1. ¡Bienvenido al Cinoscar Summer Festival, David! Antes de conocer los detalles de Los reflejos de Lola, nos gustaría que los lectores te conocieran un poco mejor. Pregunta obligada: ¿cuál es tu vinculación con el mundo del cine? ¿Los reflejos de Lola es tu primer trabajo como realizador?

¡Ojalá fuese mi primer trabajo! Lo cierto es que Los Reflejos de Lola es mi séptimo cortometraje, sin contar mi primer largometraje y un piloto de webserie que realizamos en su día. Ya llevo casi la friolera de nueve años dirigiendo, escribiendo y produciendo cine; ¡eso sin contar los años que llevo interpretando! Diría que mi vinculación con la narración de historias y con la expresión artística me viene desde muy pequeño, pero, si os soy sincero, no empecé a sentir verdadera pasión por el cine hasta los 14 o 15 años, momento a partir del que comencé a ver películas de todos los géneros y épocas, a interesarme por cómo se construyen, a analizarlas y a decirme “¡Esto es lo que quiero hacer el día de mañana!”.

2. Lola y Aurora, las protagonistas de tu cortometraje, inyectan un chute de energía, humor y buen rollo al espectador. ¿Cómo trabajaste la dirección de tus actrices? ¿Las conocías o tenían experiencia previa? Sus interpretaciones son realmente excelentes.

¡Me encanta que os hayan transmitido tanta energía positiva! Eso quiere decir que Bea Castelló (Lola) y Yaneys Cabrera (Aurora) lograron contagiar de su buen feeling al espectador, a través de la pantalla. Yo no las conocía de antes, de modo que, una vez tuvimos el guión de Tania Palomar en nuestras manos y supimos el peculiar perfil actoral que necesitábamos, comencé a buscar actrices que encajaran en dicho perfil. De Bea ya conocía su trabajo en Planeta Impro y había visto una secuencia suya por Internet, y me encantó su acting, así que me lancé sin red y le dije de conocernos una mañana por Barcelona. Le expliqué el proyecto, nos contamos un poco nuestras vidas, y fue un “flechazo” por mi parte, supe que ella debía ser Lola. Recuerdo que llegué a Yaneys por una recomendación de otra persona, y al ver su impecable currículum artístico, su perfil actoral y su buen rollo hacia nuestro proyecto, la fiché sin dudarlo un segundo. ¡Y no olvidemos a Andy Fukutome (Takeshi), que entre otras cosas ha puesto su voz en films como Karate Kid y The Interview! Mi labor como director fue lograr que entendieran cada detalle de sus personajes, de la historia y del subtexto en los diálogos, y animarles a improvisar, a probar cosas nuevas en cada toma y a jugar, a dejarse llevar: cuando tienes un reparto tan talentoso y con tanta química, dirigir es una experiencia increíblemente fácil.

3. Tus personajes nos recuerdan a un cine vitalista, de carácter muy español. Intuimos que la presencia del cartel de Tacones Lejanos en la película no es casualidad. ¿Cuáles fueron tus referentes cinematográficos a la hora de concebir Los reflejos de Lola? ¿Corresponden con tus preferencias como espectador o cinéfilo? 

Las referencias a Almodóvar (incluyendo la paleta de colores y la escenografía del propio corto) son muy explícitas, así como las referencias a Alaska y los Pegamoides y a todo el componente de la Movida Madrileña. Aunque no es que adore toda la filmografía de Almodóvar, ¡hay que reconocer que es uno de los cineastas más importantes y reconocibles de España! Además, queríamos transmitir que Lola no es simplemente una choni o una hortera, sino una mujer atormentada que se ha quedado en una época anterior, más feliz para ella. Sin embargo, hay referencias más sutiles, como la similitud de Lola a Divine (la actriz fetiche de John Waters), el homenaje a Takeshi Kitano (un cineasta que simplemente me encanta), pequeños toques de Spielberg (adoro cómo juega con las miradas de los personajes) así como de cine europeo (silencios, miradas que lo dicen todo, subtexto…). En general, suelo ser una caja de referencias, así que intento aglutinar todo lo que sé y lo que he absorbido, y hacerlo mío, darle un toque personalizado. 

4. Uno de los retos de tu guión es el diseño de diálogos que resulten graciosos y reales, ingeniosos y plausibles al mismo tiempo. ¿Cómo trabajaste este aspecto? ¿Partiste de un libreto cerrado, ensayaste mucho con los actores o se improvisaron algunas líneas?

Yo tengo un problema como director: no sé coger un guión y decir “Lo ruedo así como está”. No puedo: tengo la vena autoral demasiado marcada, o quizás un ego demasiado grande, jejeje. Ahora en serio, siempre necesito aportar alguna contribución personal al proyecto que voy a rodar, especialmente en el mensaje que transmite el público. Aún con todo, el libreto que nos entregó Tania Palomar ya era excelente, así que me limité a consensuar algunos cambios a nivel de diálogos y en el clímax final con ella, y lo empecé a trabajar técnicamente, en conjunto con Elisenda Sánchez Casanovas (directora de fotografía y productora del cortometraje). 

5. Estamos convencidos que los espectadores del festival se enamorarán de Takeshi. ¿Cómo llegó el actor al proyecto? ¿Su bigote postizo esconde alguna anécdota que te apetezca compartir con nosotros? 

Nadie del equipo creativo conocía a ningún actor asiático, así que pusimos un anuncio en una plataforma online de actores y actrices, rogando a los cielos que alguien nos respondiera. ¡Y así fue! Pusimos a algunos candidatos sobre la mesa, y por CV, experiencia y videobook, quien mejor nos encajaba fue Andy Fukutome. ¡Y fue una gran elección, porque rodar con él es un verdadero placer! Respecto al bigote postizo, la mayor anécdota fue que pasó de mano en mano durante el rodaje, hasta el punto de que, hacia el final de la producción, ¡prácticamente no se sostenía en la cara de Takeshi! Tuvimos que hacer mil apaños para pegarlo bien y que no luciera aplastado o mal, ¡pero al final lo logramos y pudimos completar todas las escenas de Takeshi sin problema alguno!

6. El personaje de Lola demuestra que uno puede ser muy auténtico a pesar de llevar muchos postizos, no sólo físicamente. ¿Cómo ha reaccionado el público y la crítica? Nos consta que has podido compartir tu trabajo en distintos festivales… 

¡De eso mismo trata el cortometraje! Un mensaje que intenté transmitir, como director, es que, en esta sociedad tan marcada por el culto a la perfección, por los cánones de belleza, por la obsesión por la salud y el éxito, es posible diferenciarse y destacar siendo como es uno mismo. Más allá de todo el componente almodovariano, de la historia de amor entre Lola y Takeshi, y de los gags que provoca Aurora, es una versión moderna del “Patito feo”, por así decirlo. Lo que pretendíamos compartir es una reflexión muy sencilla: detrás de cada persona hay una historia que justifica su conducta y su apariencia, así que “no juzgues el libro por su portada”. A nivel de festivales, destaca el REC Tarragona 2013, donde muchos espectadores y críticos pudieron disfrutarlo en la Antigua Audiencia de Tarragona y donde cosechó una excelente reacción. Aparte de esto, nos llegaron comentarios de lo más positivos tanto del público como de la crítica, destacando siempre lo emotivo y cercano que es el cortometraje, y lo impactante que es su giro inesperado. 

7. Rodaste de noche, en interiores y exteriores. ¿Qué aspecto técnico resultó más difícil de afrontar? Nos gustaría conocer sobre todo cómo rodaste las escenas de la discoteca. 

Tuvimos un planning apretadísimo, en el que hubo que rodar todas las secuencias en tan solo dos jornadas de rodaje. Por tanto, pasamos las de Caín a nivel de planificar y rodar todo el material con tan poco tiempo, y siempre obteniendo un resultado óptimo a nivel interpretativo, cinematográfico y sonoro. ¡Pero lo logramos! Y, a nivel de complejidad, lo más dificultoso fue rodar la única escena en exteriores del cortometraje, ya que hubo que complementar la luz nocturna con focos y la lluvia nos pilló de lleno. Sin embargo, ¡esa complicación acabó siendo el mejor regalo del destino, ya que dio mucho más significado a la escena en cuestión! En cuanto al rodaje de la discoteca, Rafa González tuvo la amabilidad de cedernos el Pub Zappa de Lleida, y contamos con muchos y muchas figurantes venidos de la Escuela de Danza Zona Making Of. Aunque esta escena fue muy compleja de iluminar, coordinar y rodar, el apoyo con el que contamos hizo mucho más fácil nuestro trabajo.

8. La vida de Lola cambia en apenas una noche. ¿Has pensado en una segunda parte? ¿Sientes que la historia ya está cerrada o te gustaría retomar a los personajes en futuros proyectos? ¡Te animamos a ello, sin duda! 

¡Lo curioso es que, el 28 de diciembre de 2013 (ya sabéis, el Día de los Inocentes), publicamos que habría segunda parte de Los Reflejos de Lola, musicalizada a ritmo de Divine! Y yo añadí en un comentario que esta nueva historia transcurriría durante SPOILER la luna de miel de Lola y Takeshi, que les lleva hasta la Muralla China. Sin embargo, este corto es una historia completamente cerrada: el final pone todo en su lugar, y no consideramos necesario mostrar qué pasa a continuación, ¡ya que les queda toda la vida por delante para descubrir qué será de ellos y para ser felices! FIN SPOILER

9. Y ya que hablamos de futuros proyectos, no podemos dejar de hablar de tus nuevos trabajos. ¿Estás trabajando en algún largo o corto? ¿Guarda algún tipo de relación con Los reflejos de Lola? Actualmente, estoy a punto de estrenar mi noveno cortometraje como director, Dejando Huella (Leaving Traces). Es una historia coral con múltiples protagonistas, un drama intimista que espero que conecte con el público y sus experiencias para contar una historia que resulte familiar. Si rodar Los Reflejos de Lola ya fue un desafío, con Dejando Huella fuimos varios pasos más allá y recaudamos 1200€ en Verkami, rodamos en múltiples localizaciones (incluyendo un Hospital y la Comisaría de la Guardia Urbana de Tarragona), con un reparto y un equipo venido de Barcelona… ¡Fue todo un reto, pero podemos decir que en abril haremos el primer pase del cortometraje y esperemos que el resultado guste al equipo y al público!

10. ¡Muchas gracias por compartir tu trabajo y tus respuestas con nosotros! Finalmente, te animamos a que introduzcas a los lectores al visionado de tu corto: ¿qué encontrarán en Los reflejos de Lola? ¿Cómo describirías el corto en pocas palabras? ¿Por qué deben visionarlo y votar por él? ¡Suerte! Los Reflejos de Lola es, en esencia, una historia sobre autoestima y sobre amor, tanto propio como hacia los demás. Además, es un cortometraje hecho con muchísimo cariño por parte de todo el equipo, con unas interpretaciones espectaculares, un trabajo de arte curradísimo y mucho amor por los pequeños detalles. Si queréis sentiros mejor con vosotros mismos o llevaros un mensaje vital de lo más valioso, ¡no lo dudéis, visionad y votad Los Reflejos de Lola porque, sin duda, es vuestro cortometraje!

CRÍTICA | UNDERGROUND, de Emir Kusturika

UNDERGROUND, de Emir Kusturika

Largometraje nº 16: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Kosti Bgy

Yugoslavia, 1995. Dirección: Emir Kusturika Guión: Dusan Kovacevic y Emir Kusturika Duración: 165 min. Género: Tragicomedia histórica Tráiler: Link Reparto: Miki Manojlovic, Lazar Ristovski, Mirjana Jokovic, Slavko Stimac, Ernst Stötzner, Srdjan Todorovic, Mirjana Karanovic, Milena Pavlovic
¿De qué va?: 1941. En Belgrado, dos cacos de poca monta que están enamorados de la misma mujer intentan sobrevivir de la mejor manera posible. Con el paso del tiempo, uno de ellos acaba siendo uno de los favoritos de Tito, mientras que el otro, convencido de que la guerra prosigue, se encierra junto a un grupo de amigos y partisanos en un búnker. Cuando éste decide salir de su escondite, se encuentra con otra guerra, el conflicto que terminaría por separar y extinguir Yugoslavia. La lucha prosigue.
Palmarés: Palma de oro a la mejor película.

RESEÑA DANIEL: Kusturika realiza sus películas como si de una explosión de fuegos de artificio se tratase, consiguiendo, eso sí, la suprema atención del espectador nato. En Underground eso se nota en cada plano. Una película que trata de los motivos absurdos de la guerra, ridiculizándola al extremo y colocando a una comisaría de personajes en situaciones varias que completarán la idea central del film: la unidad para combatir la temible barbarie. Underground navega bastante bien en los entresijos de la comedia, la sátira, el drama y el surrealismo. Esto último le da cuotas significativas a la película, nutriéndola de cierto halo mágico, como si estuviésemos al frente de una bella fábula. Pero aun con todas sus virtudes, que incluyen el colorido festín de intérpretes, unos diálogos vivaces e ingeniosos y una música estrepitosa siempre presente, el film puede pecar de abusar de sus propios recursos saturando la historia y llevándola al cansancio por momentos. Interesante aunque exagerada historia. Enérgica como pocas.

------------------------------

RESEÑA ISIDRO: Esperpéntica, exagerada y divertidísima. Underground es la historia de Yugoslavia, desde la Segunda Guerra Mundial hasta los conflictos en los Balcanes, contada entre la sátira y el realismo mágico, a ritmo de trompetas y tubas disparatadas. Quizás su narración es ligeramente difusa, pero ni una sola situación, personaje u ocurrencia tiene desperdicio: patos molestando a tigres, gatos usados como mopas, novias voladoras, bandas de música giratorias, sillas de ruedas en llamas rodeando una cruz, actores idénticos a los personajes que interpretan, una borracha perreándole a un tanque, monos entrenados para la guerra, elefantes ladrones... y así podríamos seguir un buen rato. Y seguro que todo está cargado de un simbolismo conectado con la realidad de Yugoslavia que a mí se me escapa, aunque solo la idea principal de que uno de los protagonistas mantiene en la inopia bajo tierra a un buen puñado de gente fabricando armas ya tiene bastante miga. Y si encima el apartado técnico está tan cuidado y los actores se desquician de la manera que lo hacen, la película se convierte en un auténtico goce. Una genialidad de película.

------------------------------

RESEÑA MAYRA: Primero que todo voy a admitir que no estoy familiarizada con el cine y el estilo de Kusturica; de hecho, esta es la primer película de la filmografía de este director que tengo la oportunidad de ver. Underground es una cinta muy peculiar, no diré que está ambientada en una guerra específica, más bien diré que la cinta tiene un ambiente de guerra constante, al igual que un ambiente de fiesta constante. Película cómica, una parodia surrealista realmente desenfrenada, aunque con momentos de cierto drama y nostalgia, humor negro con mucha originalidad pero sin duda no apto para todos los gustos. Reconozco que me parece interesante, aunque su trama y sus jocosos personajes no me han terminado de convencer. Underground es una fantasiosa historia, de gran factura técnica: su mayor virtud tal vez sea su destacable fotografía y su puesta en escena tan trepidante como su banda sonora. Quizás su mayor falla es que la historia resulta poco impactante y le sobra metraje a la cinta.

------------------------------

RESEÑA MIGUEL: Comencé a ver Underground impresionado por la gran cantidad de reseñas positivas que había leído. Además, su sinopsis era del todo atrayente. Sin embargo, pronto me di cuenta que iba a ver un film completamente opuesto a lo que me había imaginado. Es una película fiel a sí misma, con un estilo diferente, y que para mi gusto peca de sórdida. No entré en su humor, y me provocaba mal cuerpo su tono irrisorio a la hora de tratar un tema tan serio. Me mantuve alejado del metraje durante sus 165 minutos, salvo en algunos golpes de efecto que regalaba Kusturica y que llamaban la atención de forma poco sutil. No soy cerrado de mente, y comprendo por qué generan tanto amor sus personajes, y en general la película; pero quizás sea aquí donde me doy cuenta que soy un bicho raro, y soy consciente de que para ver otra pieza de Kusturica tendrán que pasar años. Algún día hablaré de mi animadversión a La vida es bella y ya seré odiado a nivel mundial. 

------------------------------

RESEÑA XAVIER: Underground es una de las películas más desbordantes y desbordadas de Emir Kusturica, y tal vez por eso es uno de esos títulos en los que quedan condensadas todas las virtudes y las debilidades de su artífice. Contada como relectura histórica, con formas de cómic extravagante, el realismo mágico propio de Kusturica alcanza su particular cúspide en un título tan caótico como apasionante. Los diálogos y las tramas se suceden con ligero atropello, sin dar un segundo de tregua al espectador, incomodándole y al mismo tiempo ofreciéndole un magno entretenimiento. Underground puede llegar a resultar excesiva e incluso insufrible para los que no sepan adentrarse en su mundo desaforado y subterráneo, pero los que conecten con sus locuras reciben como recompensa un cuento difícil de olvidar. En su momento, Kusturica tuvo que lidiar con los que criticaron el film por sus presuntos posicionamientos políticos, pero en verdad Underground no deja de ser una ópera bufa, una gran farsa llevada hasta las últimas consecuencias. Kusturica no quiere poner el dedo en ninguna llaga, sino más bien esculpir un reflejo deformado, entre monstruoso y liviano, de un país marcado por la locura de sus ciudadanos y dirigentes. Al fin y al cabo, el ‘país’ del film podría no ser Yugoslavia, y la relación de falsa amistad de los dos personajes podría ser el esquema de una tragedia clásica o una nota sacada de cualquier noticiario contemporáneo. Un totum revolutum, sí, pero también la película más lúcida de su director.

------------------------------

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Demuestra que se puede hablar de política sin dogmatismos ni doctrinas, haciendo auténtico cine. Su punto de vista es el de la histeria, el barroquismo y la borrachera de imágenes. Nuria Vidal, Fotogramas, Nº 1821

Una aguda reflexión sobre la historia de Yugoslavia, el país que nunca pudo llegar a ser, visto como una eterna fabulación, como un engaño permanente. Fascinante apuesta que llevar hasta el límite los componentes de la puesta en escena. Kusturica filma con ruido, furor y rabia. Ángel Quintana, Dirigido por... Nº 242

La summa temática y estética y la obra magna de Kusturika. Aunque emparentada con el cine felliniano, es también hija del cine de Buñuel, una cinta de humanidad desbordante y de humor surrealista, de color y de amargura. Es una obra sobre la amistad y la pasión. Pero también, y sobre todo, es una obra sobre las miserias humanas: la traición, la ambición, la hipocresía y el engaño. Antoni Peris, Miradas de cine

Bizarra, con un alegato antibelicista que resulta repelente y obvio. Una 'tragi-farsa' histórica que se repite y repite. Joshua Klein, Top Critic

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'9 / IMDB: 8'2 / Sensacine: 8'0 / Rottentomatoes: 8'8

------------------------------

VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  

14 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor director: EMIR KUSTURIKA

Mejor actor protagonista: PREDRAG MANOJLOVIC

Mejor actor secundario: LAZAR RISTOVSKI

Mejor reparto

Mejor guión original: EMIR KUSTURIKA y DUSAN KOVACEVIC

Mejor música original: GORAN BREGOVIC

Mejor música adaptada

Mejor fotografía: VILKO FILAC

Mejor montaje: BRANKA CEPERAC

Mejor vestuario: NABOJSA LIPANOVIC

Mejor maquillaje y peluquería: VV. AA.

Mejores efectos especiales: VV. AA.

Mejor diseño de producción: MILJEN KREKA KLJAKOVIC

Mejor canción: Kalashnikov

NOTA DEL JURADO