GOYAS 8: TODOS A LA CÁRCEL (1993)

Título: TODOS A LA CÁRCEL Director: Luis García Berlanga Guión: Luis García Berlanga y Jorge Berlanga Género: Comedia Duración: 95 min. Reparto: José Sazatornil, Juan Luis Galiardo, José Luis López Vázquez, Agustín González, Santiago Segura, Chus Lampreave, José Luis Borau, Joaquín Climent, José Sacristán, Manuel Alexandre, Miguel Rellán, Antonio Resines, José Sancho, Mónica Randall, Amparo Soler Leal, Luis Ciges, Marta Fernández-Muro, Antonio Gamero, Eusebio Lázaro, Guillermo Montesinos, Inocencio Arias, Rafael Alonso, Carlos Alcalde, Carles Alberola, José María Tasso Producción: Sogetel, Sogepaq, Antea Films Fecha de estreno: 22/12/1993 Nota Filmaffinity: 5'4 Nota IMDB: 5'6 Nota blog: 6 Palmarés destacado: Premios al mejor director y mejor actor español del año del Círculo de Escritores Cinematográficos DVD: 20th. Century Fox


Sinopsis: Verano de 1993. Fuera de los muros de la Cárcel Modelo de Valencia todo aparece en calma. Sólo hay una novedad más allá de las rejas. Es el 'Día Internacional del Preso de Conciencia'. Luis Quintanilla, secretario de una organización, ultima los preparativos con el director del presidio. Asistirán al acto representantes dela fuerzas políticas, gente de la cultura y el espectáculo y, con suerte, alguien de la jet-set. Detrás del espectáculo esperpéntico, se traman intrigas paralelas. Un importante personaje de los que manejan la economía mundial está recluido en la prisión. Fuerzas secretas planean tanto su fuga como la posibilidad de eliminarlo, mientras los funcionarios están al borde de una huelga y los reclusos a un paso del motín. 3 premios Goya / 5 nominaciones

Sus competidoras:

Intruso, de Vicente Aranda 0/5
Sombras en una batalla, de Mario Camus 2/4

Nos representaba al Oscar: Belle Epoque (obtuvo nominación y ganó) (Vídeo)

Edición VIII de los Premios Anuales de la Academia de las Artes
y las Ciencias Cinematográficas de España
Lectura de nominaciones: 20/12/1993
Gala: 21 de enero de 1994, Palacio de Congresos de Madrid
Audiencia: 13'9% de share y 2.247.000 de televidentes
(1ª gala emitida en La Uno)
Maestra de ceremonias: Rosa Maria Sardà
Presidente de la Academia: Fernando Rey

PALMARÉS:
Película: TODOS A LA CÁRCEL
Director: Luis García Berlanga, por TODOS A LA CÁRCEL
Actor protagonista: Juan Echanove, por MADREGILDA
Actriz protagonista: Verónica Forqué, por KIKA
Actor reparto: Fernando Valverde, por SOMBRAS EN UNA BATALLA
Actriz reparto: Rosa Maria Sardà, por ¿POR QUÉ LO LLAMAN AMOR CUANDO QUIEREN DECIR SEXO?
Director novel: Mariano Barroso, por MI HERMANO DEL ALMA
Guión original: Mario Camus, por SOMBRAS EN UNA BATALLA
Guión adaptado: José Luis García Sánchez y Rafael Azcona, por TIRANO BANDERAS
Música original: Alberto Iglesias, por LA ARDILLA ROJA
Película hispanoamericana: GATICA, EL MONO (Argentina)
Película europea: TRES COLORES: AZUL (Francia, Polonia)
Goya de honor: TONY LEBLANC

 EL HOMENAJE A UN MAESTRO

El Goya no perdió la posibilidad de premiar a uno de los directores insignia del cine español. Luis García Berlanga, mejor director por Todos a la cárcel, la comedia coral con la que volvía a retratar en tono de comedia absurda los entresijos de la mezquindad humana. Aunque Todos a la cárcel no está a la altura de títulos como Plácido, Bienvenido Míster Marshall o El verdugo, ese año no había competencia (de hecho, ya casi nadie recuerda Intruso y Sombras en la batalla, los otros títulos nominados). Ningún actor del basto reparto de Todos a la cárcel logró nominación y Tirano Banderas, que no figuraba ni en mejor película ni en mejor director, se alzó como la ganadora moral de ese año al llevarse 6 de los 7 cabezones a los que aspiraba.Un dato que dejaba a Kika con una única medalla a actriz protagonista, cuarto Goya para Forqué y enésimo desplante de la Academia hacia Almodóvar (aunque la historia situaría a Kika como una de las peores películas del realizador manchego). Juan Echanove renovó el premio que obtuvo en San Sebastián al ser el único oro de Madregilda (interpretaba a Franco, papel por el que Juan Diego había aspirado al premio en 1987 por Dragon Rapide). Y la gala empezó a celebrarse en las fechas habituales: la regla no escrita de 'finales de enero, principios de febrero'. Aunque la victoria de Berlanga supo en ese momento a mirada necesaria al mejor pasado de nuestro cine. Una película simpática, de guión frenético y crítica sutil repleta de actores conocidos. Sólo faltó Malamadre, otro presidiario con Goya. Aunque eso era cosa del futuro.

EL GRAN VÁZQUEZ 5'5 / 10

Santiago Segura siempre estará estigmatizado por Torrente. Se ha escrito que este Vázquez rompe con lo que había hecho el actor, algo que no hace honor a la verdad. El artista español siempre se ha mantenido fiel a un humor cazurro, a veces ha coqueteado con el mal gusto, y ya sea como director o como actor ha defendido personajes locos, con tendencia a la escatología y a la visceralidad, papeles que le han llevado a transforarse físicamente para, de paso, construir poco a poco esa condición de artista renacentista de calado popular (él es publicista, actor, director, domador de fieras y coleccionista de freaks). Vázquez, más que un punto y a parte en la carrera de Segura, me parece un lógico punto y seguido, una coma tal vez en esa ristra de despropósitos donde figuran avergonzadas cosas como La máquina de bailar (dirigida, valga la relación, por Óscar Aibar, realizador marciano de la película que nos ocupa). Habría que separar la labor del director (Aibar) y la del actor, pero Santiago Segura lo impregna todo. Una lástima, porque la ambientación de posguerra y la estética comiquera resulta agradable. Segura, en cambio, es otra vez un graciosillo que no me despierta ninguna empatía. El gran Vázquez, que debería ver a Álex Angulo con una nominación al Goya al mejor actor de reparto, es una película correcta, entretenida aunque no calen ninguno de sus chistes. Esta vez las espadas no van hacia Segura: la película y su personaje son un cartoon que guste más o menos se alimenta de su particular gracia (destaca la exagerada tarea de Mercè Llorens, muy a tono con el surrealismo del conjunto). Aún así todo es demasiado neutro: debería ser trepidante para ser una buena comedia, y la intuición nos dice que una narración con mayor tendencia al drama también hubiera jugado a favor de la película. El gran Vázquez es el/lo que es, un poco alargada, un tanto mema y en todo caso inocua. ¿Cuándo recuperará Aibar el brío de Platillos Volantes? El próximo peldaño será rodar el biopic de Ibáñez, tan citado y recurrido en El gran Vázquez que uno llega a pensar que se han equivocado de personaje protagonista. De grande, nada de nada. Y otra cuestión: ¿qué hacía en la sección oficial del Festival de San Sebastián?

La interpretación: Álex Angulo, el único actor que se contiene y se desmadra en el momento oportuno. Sus gestos, sus miradas... todo está estudiado al detalle. Ojalá El gran Vázquez reactive su carrera.

La gente se ríe con: Vázquez y sus intentos por convencer a su jefe de que su padre ha muerto varias veces.

Sentí vergüenza ajena con: Vázquez pasándose por un cojo con tal de poder pasar el paso de peatones antes que nadie. O Vázquez diciendo a su hijo que antes debe gastarse el dinero en putas que ahorrarlo. La España cañí revive de la forma más rancia.

La escena: Vázquez y su amante saliendo de un hotel sin pagar. 

AMADOR 9 / 10

Dicen que Amador es la película más luminosa de Fernando León de Aranoa. Puede, aunque me permitirán que no comparta esta apreciación. Amador es una película muy especial (y no es un adjetivo más: es, decimos, MUY especial) y precisa de espectadores con sensibilidad y cierta paciencia. Salí del cine tras verla con cinco kilos más y una historia que aún sigue en mi cabeza. Siento personalizar tanto la crítica, pero es una película que sólo funciona si se vive en primera persona. El sufrimiento de Marcela, una Magaly Solier que debería tener el Goya en el bolsillo, es nuestra tortura durante casi dos horas. Es una cinta que duele y que al final, en esos cinco minutos que dan un vuelco a la trama (otra vez subrayamos: un VUELCO  verdadero, decisivo, de esos que te dejan con la boca abierta durante varios minutos) el espectador recibe una sacudida brutal que, paralelamente, le permite desprenderse de la amargura de la protagonista. Amador no tendrá el apoyo de la crítica (de hecho no lo está teniendo), pero me siento totalmente indentificado con este cine español: un cine que arriesga, que experimenta, que juega. Sería una injusticia que Amador, la mejor película de Fernando León de Aranoa, no tuviese presencia en los Goya y similares (extrapolo este argumento para otra querida mía: Todo lo que tú quieras). Amador me ha dejado tocado y hundido: ha conseguido que por un momento creyese en algo tan extraño como la resurrección de un personaje y ha logrado que sienta la asfixia de ese verano que retrata. Una película mística cuya poética resulta a ratos ampulosa, aunque también forma parte de su juego (a León de Aranoa siempre le ha perdido la retórica un tanto romanticona, y aquí metaforiza con puzzles, flores y la mismísima dicotomía de la vida y la muerte). Leerán todo tipo de críticas sobre Amador, y este blog sabe que es uno de los pocos espacios que están sobreentusiasmados con la película. Tomen esta reseña con cautela.

MARCELA

En la actual industria cinematográfica es muy difícil rodar una trilogía. Pero lo de Magaly Solier se sitúa en un nivel más elevado: ha logrado una tríada de personajes en sus primeras incursiones en el cine, tres personajes marcados por el dolor. A la joven Madeinusa y la Fausta de La teta asustada se le añade esta Marcela, una inmigrante sudamericana que un día decide abandonar su casa. Pero descubre que está embarazada, y debe volver con su marido. Éste se dedica a vender rosas que antes roba de los contenedores de unos grandes almacenes, y ella, con el fin de salvar la economía familiar, empieza a trabajar cuidando a Amador, un anciano con muchos secretos. La película es Marcela: sus pasos, sus apesadumbradas expresiones, sus lágrimas, sus rezos y supersticiones. Sus acciones son discutibles, pero son las suyas y el espectador debe respetarlas. Marcela logra que Amador sea una película silenciosa que mezcla lírica con política. El director incluye otro personaje: el de una prostituta que visita a Amador todos los jueves a media tarde. Con este inserto cómico, la película abraza lo que podría ser una trama almodovariana para aliviar la carga emocional de la historia central. León de Aranoa vuelve a sentirse atraido por la mentira: Marcela se ve obligada a fingir algo que no desvelaremos, igual que los protagonistas de Familia. La precariedad laboral y la frontera de lo (i)legal también eran el contexto de Los lunes al sol. De Princesas recupera esa figura de la prostituta, esas 'sirenas' que tanto gustan a Aranoa desde que rodara un cortometraje con ese título. Y de Barrio queda la descripción de una zona de extraradio donde se concentra la parte más corrupta de la sociedad y, curiosamente, los sentimientos más puros (Marcela, en sus férreas creencias, en su fragilidad y desde la encrucijada que le ha tocado vivir, actúa como una santa). Marcela es casi un personaje 'vontrieriano'. Y Yolanda (Sonia Almancha), aunque sólo aparece cinco minutos, es el personaje que guarda toda la semántica del relato. Incluso en las partes en las que la película no rinde al cien por cien, incluso en esa media hora central en la que no parece pasar absolutamente nada, Amador se reivindica como una experiencia intensísima, un tour de force visual con una narrativa pausada, una historia necesariamente imperfecta. Una alegoría de lo espiritual y lo material, como antítesis y como conceptos muy unidos, en tiempos de crisis económica. Un regalo, aunque sea una rosa con espinas. Una película que pesa.

La escena: Unos inmigrantes sureños roban unos rosas de unos contenedores. Los guardias del lugar corren tras los ladrones. La película empieza aquí, y una rosa preside los títulos de crédito.

La interpretación: Magaly Solier está, otra vez, soberbia. 

El diálogo: El encuentro final entre Yolanda y Marcela. El final sorpresa del año, así, sin más.

Una duda: ¿Por qué Amador, que podía aprovechar el tirón mediático de Solier y la popularidad de León de Aranoa, no ha participado en los festivales de Cannes, Venecia o San Sebastián? ¿Por qué nadie ha promocionado la película como se merece?

Crítica de LA RED SOCIAL (THE SOCIAL NETWORK)

HACIA UN NUEVO CINE NORTEAMERICANO

Esa es la idea que tuve tras abandonar la sala donde se proyectó La red social. Un cine que ha nacido en tiempos de vacas flacas y que quiere describir el primer mundo en toda su complejidad. Este año, el primer ejemplo de nuevo cine noteamericano fue Up in the air, el segundo La red social, y no sería extraño que ambas películas tuvieran un camino similar en sendas ediciones de los premios Oscar. Hablamos de películas que no se insertan dentro de ningún género y que a la vez los tocan todos, como si la modernidad fuera sinónimo de mezcla. En Up in the air latía la descripción de una sociedad rota, con un ritmo excelente y una dirección de actores impecable. Un cine elegante, porque paradójicamente conecta con la época dorada de Hollywood. La red social es la historia de un éxito y sus sombras, de traición y falsas amistades, de zénits y caídas en picado; lo mismo que Eva al desnudo o Ciudadano Kane, pero desde el aquí y el ahora. Es muy importante destacar el clasicismo de Up in the air y La red social porque las dos reniegan de las tres dimensiones, dejando que su guión sea la base de todo. En La red social se habla mucho, y aún así es más interesante lo que se intuye y abstrae que lo que realmente se cuenta de forma literal. Es el guión de una y de otra el elemento que logra tensión, humor y tragedia, complejidad y riqueza sin abandonar una historia popular diseñada también, y afortunadamente no exclusivamente, para el gran público. Ambas son dos productos 'muy norteamericanos', en este caso por su descripción del ambiente universitario de cierta élite que para el resto de los mortales (y estudiantes) no deja de ser un territorio ficticio que nos causa atracción porque conecta con una tradición cultural y cinematográfica (el campus de Scream o tantas películas con esas zonas ajardinadas de ensueño y esa filosofía yanki de que una tesis doctoral debe ser más que un trabajo: un descubrimiento, una innovación, un negocio como Facebook). Estamos ante películas que a diferencia de cierto cine de autor (etiqueta en la que también se incluyen las historias de Reitman y Fincher) citan sus referentes y referencias (e influencias): en La red social, por ejemplo, se menciona El príncipe de Bel Air, Los Soprano y el cambio de la indústria cinematográfica (son películas que describen y se dirigen hacia una generación muy concreta: la actual, la nuestra). La red social y Up in the air son dos ejemplos esperanzadores de que el poderoso Hollywood puede parir historias complejas y divertidas, lograr números uno de taquilla y centrar los corrillos de la cinefilia más sibarita. Curiosamente las dos películas pueden acusarse de cierta intelectualidad desquiciante, personajes con una verborrea extraña que a muchos resultará artificial. En cierto sentido me parece una postura respetable, aunque opto por describir La red social como la historia de un asesinato sin sangre y sin pistolas, sin buenos y sin malos, sin efectos especiales y sin golpes bajos. Lo de siempre pero diferente. También mejor. Y ante todo, una trama que imprime una tensión increible: el espectador no puede pestañear porque la película no admite tregua. Éste es uno de los pocos casos en los que defiendo la versión doblada: todo sucede a tal velocidad que los subtítulos serían un obstáculo para seguir el paso tan acelerado de este personaje central que parece un mix de Una mente maravillosa y la serie The Big Bang Theory. No me parece perfecta (resulta más estimulante la primera hora que el segundo tramo, sin que nada en el fondo llegue a decepcionar), y aún así sí es esa metáfora moderna sobre la amistad y las relaciones humanas que nos habían prometido. David Fincher es un cineasta que gana en interés película tras película. En Zodiac no importaba tanto la identidad del asesino como la descripción de una época; de forma similar, en La red social no es tan importante el Mark Zuckerberg persona/personaje como la carga simbólica de su gesta (en otras palabras, ésto no es un biopic). Versión actualizada de ese 'cine judicial' que tanto gustaba en  la Norteamérica de los 80 y 90. Lo dicho: un cine nuevo. Y encima bueno. Una de las películas del año.

La interpretación: Jesse Eisenberg logra su mejor interpretación. Un personaje complejo. Aunque la verdadera revelación de la película es Andrew Garfield (él tiene las líneas de guión más sentidas). 

El diálogo: El inicio y el final de la película, dos momentos dialogados con estructura circular y lenguas muy afiladas. Una confesión de la novia de Mark al protagonista: Vas por la vida pensando que no le gustas a las chicas porque eres un friki, pero no es cierto. Es porque eres un gilipollas. Lo que se dice un 'zasca' en toda la boca.

Hablando de Oscars: Película, dirección y montaje me parecen opciones plausibles (será difícil que entre en la terna algún miembro del reparto). A día de hoy tiene segura la estatuilla a mejor guión adaptado.

El dato técnico: Me ha seducido su banda sonora. Uno de los soundtracks más arriesgados del año. Sus piezas van del ruido a la electrónica atmosférica.

La escena: La regata de los gemelos Winklevosc. Fincher filma esa escena deportiva con una música de fanfarria y un montaje rápido. Un momento que parece una tira cómica. Fincher dota la escena de un pulso endiablado y caricaturesco. La red social contiene varias películas en una y a veces a uno le gustaría tener un mando a distancia para retroceder la trama y volver a ver y oir ciertos detalles.

Nota: 8

LA ACTRIZ DE LA DÉCADA: ENCUESTA V

Han bastado 4 encuestas para que La actriz de la década supere la cifra mágica de los 1.000 votos. El chat de Los Oscar 2011 se ha llenado esta semana de comentarios en referencia al concurso. La verdad es que la lista de finalistas y posibles repescadas va tomando forma, incluso me atrevería a teorizar sobre el gusto global de los votantes. Dejo mi estudio para más adelante. Y revisando la encuesta número 10, tengo la sensación de que más de un bloggero me llevará directamente a la hoguera (piensen en actrices con la V, W y Z...). ¿Y si les digo que mi ganadora de La actriz de la década está en esta quinta encuesta? Menos mal que servidor ni pincha ni corta. 

- ANNE HATHAWAY es la mimada de los bloggeros y sube hasta los 145 votos. La sigue JODIE FOSTER, que aunque no ha tenido una década muy productiva sigue en el concurso con sus 82 votos.

- MAGGIE GYLLENHAAL se queda en el banquillo de los reservas, nuestro Backstage. Ha reunido 74 votos, sólo 8 menos que Foster. ¿Les he dicho alguna vez lo importante que es CADA VOTO?

- MARCIA GAY HARDEN consigue ser la actriz eliminada con mejor puntuación: 63 votos. Y la gran sorpresa ha sido CHARLOTTE GAINSBOURG: los bloggeros no sólo la han valorado por su soberbio trabajo en Antichrist, sino como la gran secundaria que es. 46 votos la sitúan entre las más queridas.

41. HUFFMAN, FELICITY (09/12/1962; Bedford, Nueva York, EE. UU.)

Antes las actrices de televisión estaban estigmatizadas y nunca podían acceder al cine. Si las anteriores listas ya han sido fiel reflejo del hermanamiento actual entre pequeña y gran pantalla, Felicity Huffman ofrece la guinda del pastel al imponerse como una de las actrices televisivas más respetadas con nominación al Oscar. Mujeres desesperadas lleva apasionándonos 7 temporadas y Huffman sigue batallando con su marido, hijos y trabajos dispares. Y como no quiere perder tiempo contando las menciones que ha obtenido al Globo de oro o al SAG entre otros, se atreve a saltar al cine con Transamérica, un papel incómodo y complejo, la mejor transexual de la década en una road movie muy tierna. Una navidad de locos, Lo dice Georgia, Mamá a la fuerza y Phoebe un Wonderland son sus otras películas de la década; El camafeo, Out of order y Camino a la guerra, sus telefilms; y El ala oeste de la Casablanca, Frasier y The D.A., las series en las que ha colaborado. ¡Lynette Scabo forever!

Máximo logro: Globo de oro, Independent Spirit Award, Satellite Award y premio en los Festivales de Palm Springs, Tribeca y San Diego a la mejor actriz protagonista por Transamérica, nominación al Oscar incluida. SAG y Satellite Award a la mejor actriz televisiva por Mujeres desesperadas, entre muchas otras nominaciones (ya sea por su actuación o por todo el reparto de la serie de Marc Cherry).
La veremos en: Come back to Sorrento. Se rumorea su aparición en Keep Coming Back. Más segura es su aparición en la 7ª y siguientes temporadas de Mujeres Desesperadas.
Curiosidades: Su marido es William H. Macy, con el que tiene dos hijos y con el que forma una de las parejas más estables de Hollywood (se casaron en 1997 y se conocen desde 1982). Ambos saben lo que es estar nominados al Oscar (él por Fargo) y ambos saben lo que es aparecer en la misma película (Magnolia: Huffman era la ayudante que corría por los pasillos del concurso de jóvenes talentos). Creció en Aspen, Colorado, y de allí es su marcado acento. Presume de una excelente amistad con Marcia Cross, Teri Hatcher y Eva Longoria, las demás desesperadas de Wisteria Lane (Huffman ha aparecido en todos los capítulos de la serie).

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42. HUNTER, HOLLY (20/03/1958; Conyers, Georgia, EE. UU.)

¿Quién dijo televisión? La tv vuelve a ser el refugio para otra actriz de gran talento: Holly Hunter y su Savage Grace, vista en España por Cuatro. El compromiso, Thirteen, Levity, Time Code, Las novias de mi novio, Un golpe de suerte y O Brother! han sido las pocas apariciones que ha brindado al cine. Ha sido la madrina de Rodrigo García al aparecer en sus dos primeras películas: Cosas que diría con sólo mirarla y Nueve vidas. La actriz de Crash, La tapadera, El piano y Arizona Baby no ha dejado de trabajar, pero se prodiga poco por las alfombras rojas (los 90 fue su década). Hunter nunca fue una de las actrices favoritas de Hollywood, y aún así sigue imbatible a sus 52 años. Veteranía digna de admirar.

Máximo logro: Nominada al Oscar, Globo de oro, Bafta y SAG a la mejor actriz secundaria por Thirteen. Otras tantas nominaciones por su serie Savage Grace (entre ellas, 3 consecutivas al SAG).
La veremos en: No se le conocen nuevos proyectos.
Curiosidades: Empezó a tocar el piano a los 9 años, y sería precisamente este instrumento el que le daría el Oscar y la Palma de oro. El agente de Sigourney Waver leyó el guión de El piano y lo rechazó. Fue considerada para ser la Mia Wallace de Pulp Fiction y la Carolyn Burnham de American Beauty, papeles que consiguieron Thurman y Bening. Gran amiga de los Hermanos Coen. Parte del jurado de Cannes 1999.

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43. HUPPERT, ISABELLE (16/03/1953; París, Francia)

¿Por dónde empezar? Cómo hablar de la gran dama del cine francés, historia viva del cine europeo. Con temple y belleza, saber estar y sabiduría. Huppert es más que una actriz: es la musa de Haneke y Chabrol, es la quintaesencia del mejor cine de nuestro continente. Esta década ha sido La pianista, Gabrielle, una de Las hermanas enfadadas y una de las 8 mujeres del film de François Ozon. Gracias por el chocolate, Borrachera de Poder, Home, L'amour caché, White Material, Villa Amalia, Un barrage contre le Pacifique, Propiedad privada, Mi madre, La comedia de la inocencia y El tiempo del lobo son pequeñas partes de su larga filmografía. Con tanta actividad, nadie se extraña que Huppert no tenga necesidad de pisar los EE. UU. (Extrañas coincidencias es su única película de la década hablada en inglés). 13 nominaciones al César, 2 copas Volpi, 2 Palmas de oro, 1 Oso de oro, 2 EFA, 1 Bafta... Huppert es una leyenda.

Máximo logro: (Esta década): Palma de oro a la mejor actriz por La pianista. León de oro, David de Donatello y Premio Donostia honoríficos. 2 Premios Lumière, 4 nominaciones al César. Oso de oro compartido con el reparto de 8 mujeres, representante de Francia en los Oscar 2003.
La veremos en: Sans queue ni tête y A perfect weekend. Se rumorea su presencia en Die Blutgräfin. En España tiene pendiente de estreno White Material y Copacabana.
Curiosidades: Su madre era profesora de inglés. Amiga de Kim Cattrall, la Samantha de Sexo en Nueva York. Aunque tiene 13 nominaciones al César, sólo lo ha ganado por La ceremonia. Presidió el jurado de Cannes 2009 y dió la Palma de oro a su amigo Michael Haneke (La cinta blanca). Asistió a la audición para protagonizar El piano (y Holly Hunter está en la lista). Para más inri, toca el piano. Ha trabajado con Godard, Ferreri, Tavernier, Techiné, Haneke, Chabrol, Chéreau, Ozon y Preminger.

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44. JENTSCH, JULIA (20/02/1978; Berlín, Alemania)

Julia Jentsch y Daniel Brühl han sido los grandes descubrimientos del nuevo cine alemán. Los dos compartieron ideología y problemas en Los edukadores, una de las reflexiones políticas, sociales y cinematográficas más atractivas de la década. Con Sophie Scholl: los últimos días consiguió su más ambicioso y al final mejor trabajo, la triste historia de una estudiante detenida, interrogada hasta la saciedad y guillotinada por repartir panfletos en su universidad durante el poder de Hitler. Irónicamente, también tenía un breve papel en El hundimiento. También ha participado para otra autoridad: Yo serví al rey de Inglaterra. Tanto sus primeros telefilms como sus producciones últimas no han pasado las fronteras de su Alemania natal, pero no hay duda que Jentsch es una de las caras más atractivas de nuestro variado cine europeo. Le seguiremos la pista.

Máximo logro: Oso de oro, EFA del público, EFA de la crítica y German Film Award a la mejor actriz protagonista por Sophie Scholl: los últimos días, película nominada al Oscar a la mejor cinta de habla no inglesa.
La veremos en: Muchas de sus películas siguen inéditas en nuestro país. Su último estreno ha sido Hier kommt Lola!
Curiosidades: Tanto su padre como su madre son abogados. Odia ser el centro de atención, por lo que aseguró sentirse incómoda tras la atención mediática y el éxito de Sophie Scholl. Puede que por eso se refugió en el teatro, concretamente en la Munich Kammerspiele, con las obras Antigone, Die Nibelungen y Die zehn Gebote. Toca el piano... y nos preguntamos: ¿cuántas actrices tocan el piano?

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45. JOHANSSON, SCARLETT (22/11/1984; Nueva York, EE. UU.)

Saluden a la Lolita del siglo XXI, a la polifacética, polivalente, atractiva e indomable Johansson. Un metro sesenta y tres bien proporcionado, el mismo que vimos en Los hombres que susurraban a los caballos o Solo en casa 3. Pero ahora la niña ya es mujer, colecciona portadas, canta y se lía con Ryan Reynolds. Ghost World la descubrió como dama indie, terreno en el que siguió con A good woman, A love song for Bobby long o La dalia negra. Ha hecho comedias como In good company, Qué les pasa a los hombres, Diario de una niñera y The perfect score. Ha sido la voz de Mindy en la película de Bob Esponja, salía en ese despropósito llamado Arac Attack, la vimos en blanco y negro en The Spirit, saludó a sus primeras superproducciones con La isla y Iron Man 2, se vistió de época para Las hermanas Bolena, Nolan la quiso para El truco final, Joel Coen la fichó para El hombre que nunca estuvo allí y con La joven de la perla y Lost in Translation vivió su mejor año. ¡Ah! Y por encima de todo, ha sido la nueva inspiración de Woody Allen en Scoop, Vicky Cristina Barcelona y Match Point, su obra maestra, la pieza que ya la convierte en mito voluptuoso, inmortal.

Máximo logro: Cuatro nominaciones al Globo de oro que nunca tuvieron su correlato en los Oscar. Bafta a la mejor actriz protagonista por Lost in Translation.
La veremos en: Lunatic at Large. Se rumorea su aparición en Office Paranormal, Nick Fury y The Avengers.
Curiosidades: Es tres minutos más 'adulta' respecto Hunter Johansson, su hermano gemelo. Defendió la candidatura de Barack Obama e ingresó 2 millones de dólares por ser la imagen promocional de L'Oreal cosmetics. Le ofrecieron actuar en Los cuatro fantásticos, Thumbsucker, Misión Imposible 3, Superman Returns y V de Vendetta. Su debilidad es el queso. Celebró sus 20 años en Disneyland... cuando ya era una de las actrices más famosas del planeta. Dirigió uno de los episodios de New York, I love you.

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46. JOLIE, ANGELINA (04/06/1975; Los Ángeles, California, EE. UU.)

Lady morritos es tan 'jolie' como su apellido. Ange, Angie, AJ y Catwoman para los amigos, Jolie dijo coincidiendo con el estreno de Pecado Original que le excitaba más besar a Melanie Griffith que a Antonio Banderas. Menos mal, porque tuvo que borrarse uno de sus tantos tatuajes al separarse de Billy Bob Thornton y porque con Brad Pitt ha formado una de las familias más raras y guapas del firmamento celebrity, todo para gloria y gracia de la prensa malintencionada. No es actriz de la década porque sus labios no sean operados, que también: más bien por ser la Christine Collins de El intercambio, el atractivo monstruo de Beowulf, la activista de Un corazón invencible y la Tomb Raider del videojuego. Voz en Kung Fu Panda y El espantatiburones, secundaria en El buen pastor y Alejandro Magno, cabeza de cartel en Vidas ajenas y Amar Peligrosamente. Ándense con cuidado porque Jolie ha demostrado su fuerza y elasticidad en Sr. y Sra. Smith, Sky Captain, Wanted y Salt. Toda una leona que ganó el Oscar a los 24 años.

Máximo logro: Nominación al Oscar, Globo de oro, Bafta y SAG por El intercambio (ganó el Satellite Award). 10 nominaciones al Teen Choice Award, 6 al People Choice Award y 8 al MTV Movie Award la sitúan como la actriz más conocida-respetada por la audiencia juvenil. 7 nominaciones al Razzie a la peor actriz... ¡pero nunca lo ha ganado! Cuánta maldad...
La veremos en: The tourist, Gravity (nuevo film de Alfonso Cuarón). Volverá a ser tigresa en Kung Fu Panda 2. Hay rumores de que será la nueva Serena, Marilyn Monroe y Cleopatra.
Curiosidades: Su padre es el actor Jon Voight, con el que no mantiene una muy buena relación. De pequeña quería ser directora de una funeraria y ahora le gusta coleccionar cuchillos: da miedo. Empezó como modelo a los 14 años. Siempre tiene plaza asegurada entre las listas de las más guapas.

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47. KEATON, DIANE (05/01/1946; Los Ángeles, California, EE. UU.)

La actriz de El padrino, Rojos o Annie Hall ha dado la bienvenida a los 60 años rodeada de comedias: Enredos de sociedad, La joya de la familia, Mama's boy, ¡Porque lo digo yo!, Tres mujeres y un plan y La madre de él. Menos mal que la musa de Woody Allen encontró a Jack Nicholson en Cuando menos te lo esperas, una de las comedias románticas más agradables de los últimos años. Algún que otro telefilm redondea su filmografía más reciente. La veterana de la lista colecciona 9 candidaturas a los Globos de oro y suma 4 veces en los Oscar, una por década. Tiene 10 años por delante para ganar otros tantos premios. Con ¡Porque yo lo digo! cursó por el Razzie: ni las más experimentadas pueden librarse de los claroscuros del séptimo arte.

Máximo logro: Satellite Award y Globo de oro a la mejor actriz por Cuando menos te lo esperas, nominación al Oscar y al SAG incluida.
La veremos en: Morning Glory y Tilda.
Curiosidades: La más grande de cuatro hermanos. No se ha casado nunca, aunque algunas voces apuntan a que estuvo enamorada de Al Pacino durante los 70 y 80. Le gusta llevar gafas y vestir de blanco. Ha realizado 8 película con Woody Allen. Su nombre real es Diane Hall y Annie Hall es su doble de celuloide, el personaje que escribió Allen por y para ella. En los 90 dirigió 3 películas.

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48. KEENER, CATHERINE (23/03/1959; Miami, Florida, EE. UU.)

Keener enlaza un proyecto tras otro. Secundaria, nunca protagonista, pero la protagonista de todas las secundarias. Nos explicamos: ella es la cara más aplaudida de un cine radical, no convencional, el mismo que representan Donde viven los monstruos, Smoochy, An american crime, Algo pasa en Hollywood, Hacia rutas salvajes (Into the wild), Synecdoche New York, Full Frontal y The ballad of Jack and Rose (herencia, suponemos, de su anterior Cómo ser John Malkovich). Winterbottom la llevó a Génova y tampoco hace ascos a viajes más comerciales: apareció en Percy Jackson, El solista, La intérprete, Hamlet 2 y Virgen a los 40. Capote le dió su mejor papel. Nunca destaca, pero se la echa en falta si no está. Visible pero invisible. Anónima pero imprescindible.

Máximo logro: Presente en los Oscar, Bafta y SAG por Capote. Nominaciones por An american crime y Hacia rutas salvajes.
La veremos en: Trust, Nailed, The Oranges, The Croods y Peace, Love & Misunderstanding. En España tiene pendiente de estreno Cyrus y Please Give. Se da por segura su colaboración en Maladies.
Curiosidades: Su amiga más conocida es Jennifer Aniston. Divorciada del actor Dermot Mulroney después de 17 años de matrimonio. Ha trabajado 4 veces con Spike Jonze. Miembro del jurado del Festival de Sundance 1997. Es la hermana mayor de Elizabeth Keener, también actriz.

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49. KENDRICK, ANNA (09/08/1985; Portland, Maine, EE. UU.)

Ser parte del reparto de la saga tontorrona del momento (de cuyo nombre no quiero acordarme) no es mérito para estar en la lista. Pero sí lo es si tienes 25 años, una nominación al Oscar y una prometedora carrera por delante. Kendrick respira proporción: es menuda de estatura (1'56 metros) pero enorme como actriz (sus diálogos y muecas en Up in the air figuran entre lo mejor del año). También ha participado en las menos publicitadas Camp, Rocket Science, Elsewhere y Directo a la fama. Una de las más jóvenes de las 100 seleccionadas. Scott Pilgrim vs. The world es su estreno otoñal. Cuando mueran los vampiros sólo se salvará Kendrick, el rostro más jovial e interesante de la función. ¿Será la nueva Winslet, Streep o Blanchett?

Máximo logro: Nominaciones durante toda la temporada de premios por su aportación secundaria a Up in the air (Oscar, Globo de oro, Bafta, Satellite Award, SAG, MTV Movie Award).
La veremos en: The Twiling Saga: Breaking Down Part 1 / 2. Paper Wings.
Curiosidades: Amigo de Adam Lambert, asiduo de la televisión norteamericana. Su hermano mayor también es actor. Consiguió una nominación al Tony con sólo 13 años. Ha realizado televisión, teatro y cine. Su aparición en la saga Crepúsculo ha ayudado a que Kendrick tenga un número considerable de clubs de fans, foros y páginas con su nombre.

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50. KIDMAN, NICOLE (20/06/1967; Honolulu, Hawai, EE. UU.)

Kidman ha conocido su cenit en esta década. Ha tenido la oportunidad de encabezar proyectos casi opuestos y hemos disfrutado de su vis cómica, dramática y fantástica. 2001 fue su año: estrenó Los otros, Moulin Rouge! y Oscura Seducción. Las horas le dió el Oscar, aunque su Virginia Woolf precisara de nariz postiza (igual de comentados han sido sus últimos retoques estéticos). Cold Mountain, La mancha humana, La intérprete, Invasión, Reencarnación, la adaptación de Embrujada, Australia, Nine, Las mujeres perfectas, Margot y la boda y Fur dan buena cuenta de su valía, una lista ecléctica con sus aciertos y sus pequeños descalabros (aún se recuerda el gatillazo de La brújula dorada). Puso su voz al servicio de los pingüinos de Happy Feet y para homenajear a Stanley Kubrick en el documental que repasaba su vida y carrera (recordemos que ella protagonizó Eyes Wide Shut en 1999). Pero su proyecto más radical es Dogville, de Lars Von Trier, la triste historia de una Grace antológica. No todas las estrellas viajarían hasta el norte de Europa para encerrarse en un búnker y rodar en 40 días una película de bajo presupuesto. Esto, entre muchas otras cosas, hace de Kidman una artista diferente.

Máximo logro: Oso de oro, Bafta, Globo de oro y Oscar a la mejor actriz por Las horas. 5 nominaciones a los Globos de oro consecutivas (victoria en 2: Las horas y Moulin Rouge!). Menciones por Moulin Rouge! y Los otros (por esta última, nominación al Bafta y al Goya).
La veremos en: Rabbit Hole, Just go with it, Trespass (de Joel Schumacher), The Danish Girl (de Hallström), Hemingway & Gellhorn. Su ficha de IMBD desvela otros 7 posibles proyectos.
Curiosidades: Mide 180 centímetros. Pasó su niñez y juventud en Australia. De pequeña practicaba ballet. Estuvo casada más de 10 años con Tom Cruise, con el que rodó Eyes Wide Shut, Días de trueno y Un horizonte muy lejano. Tiene miedo de las mariposas. Es alérgica a las fresas. Amiga de Naomi Watts, Russel Crowe, Jim Carrey, George Clooney y Reneé Zellweger. A imagen y semejanza de sus hijos en Los Otros, es muy blanca de piel y eso la obliga a taparse del sol (no es raro verla con un paraguas cuando visita festivales como el de Venecia). Keith Urban es su actual marido.

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REPASO A LAS MEJORES INTERPRETACIONES DEL 2005
(actrices no presentes en la lista de las 100 elegidas)

CARPENTER, Jennifer (El exorcismo de Emily Rose)
JULY, Miranda (Tú, yo y todos los demás)
LÓPEZ, Mónica (El habitante incierto)
MADSEN, Virginia (Entre copas)
MÍNGUEZ, Elvira (Tapas)
MORTIMER, Emily (Match Point, Mi querido Frankie)
OKONEDO, Sophie (Hotel Rwanda)
OZONES, Adriana (Heroína)
POLLEY, Sarah (La vida secreta de las palabras)
REZAIE, Agheleh (A las cinco de la tarde)
SANSA, Maya (Buenos días, noche)
ULLMAN, Liv (Saraband)

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ACTRICES SEMIFINALISTAS

1. PENÉLOPE CRUZ (208 votos, 63%)

2. CATE BLANCHETT (173 votos, 75%)

3. JUDI DENCH (165 votos, 50%)

4. ANNE HATHAWAY (145 votos, 52%)

5. MARION COTILLARD (126 votos, 53%)

6. JODIE FOSTER (82 votos, 29%)

7. AMY ADAMS (70 votos, 30%)

8. HELENA BONHAM CARTER (66 votos, 28%)

BACKSTAGE

1. MAGGIE GYLLENHAAL (74 votos, 26%)

2. JULIETTE BINOCHE (63 votos, 27%)

3. JENNIFER CONNELLY (56 votos, 23 %)

4. VERA FARMIGA (47 votos, 14%)

ELIMINADAS

Marcia Gay Harden (63 votos), Toni Collette (49), Charlotte Gainsbourg (46), Abigail Breslin (45), Annette Bening (43), Sandra Bullock y Kate Hudson (39), Lola Dueñas (36), Kathy Bates (35), Emily Blunt (34), Patricia Clarkson y Salma Hayek (32), Viola Davis y Cameron Díaz (28), Sally Hawkins (27), Catherine Deneuve (26), Halle Berry (23)

Total votos: 229 + 234 + 330 + 275 = 1.068

GOYAS 7: BELLE ÉPOQUE (1992)

Título: BELLE ÉPOQUE Director: Fernando Trueba Guión: José Luis García Sánchez, Rafael Azcona y Fernando Trueba Género: Comedia Duración: 105 min. Reparto: Jorge Sanz, Fernando Fernán-Gómez, Ariadna Gil, Penélope Cruz, Maribel Verdú, Miriam Díaz Aroca, Mary Carmen Ramírez, Gabino Diego, Chus Lampreave, Agustín González, Jesús Bonilla, María Galiana, Manuel Huete, Joan Potau, Michel Galabru, Juan José Otegui, Luis Zagalo, Adelina Andrade, Félix Cubero, Marciano de la Fuente, José Antonio Sacristán Producción: Fernando Trueba P.C., Lolafilms Fecha de estreno: 04/12/1992 Nota Filmaffinity: 6'7 Nota IMDB: 7'2 Nota blog: 7'5 Palmarés destacado: Oscar y Bafta a la mejor película de habla no inglesa, nominada al Oso de oro en el Festival de Berlín 1993, 3 premios en el Festival de Gramado, 4 premios en el Festival de Peñíscola, Sant Jordi y Turia a la mejor película española del año, Premio a la mejor actriz secundaria (Penélope Cruz) por la Unión Española de Actores, Premio al mejor director por el Círculo de Escritores Cinematográficos, 3 Fotogramas de Plata a la mejor película española del año, mejor actor (Jorge Sanz) y mejor actriz (Ariadna Gil) DVD: Warner Bros Pictures (Descatalogada) Tráiler: Link



Sinopsis: La Guerra Civil está a punto de empezar y el joven soldado Fernando decide desertar. En su camino va encontrándose otros desertores, disidentes políticos y gente pintoresca. Manolo, un pintor retirado por sus idearios políticos, le da cobijo. Mientras la guerra asola medio país, Fernando vive en un harén fantástico cuya única motivación y motor es hablar, coquetear, bailar y enamorarse de las hijas de Manolo. Rocío, Clara, Luz y Violeta, sus musas, aprovechan la ingenuidad del joven y lo hacen partícipe de su particular vodevil. Todo cambia cuando la madre de las niñas entra en escena y cuando el tontaina Juanito empieza a suspirar por las chicas. Todo ello, la Belle Époque que vivió escondida, en paralelo, a modo de antítesis de la grave contienda. El único lugar donde el amor y la inocencia vencieron a los fusiles. La bella época de un tiempo feo. 9 premios Goya / 17 nominaciones

Sus competidoras:
El maestro de esgrima, de Pedro Olea 3/11
Jamón jamón, de Bigas Luna 0/6

Nos representaba al Oscar: El maestro de esgrima (no obtuvo nominación)

Edición VII de los Premios Anuales de la Academia de las Artes
y las Ciencias Cinematográficas de España
Lectura de nominaciones: 01/02/1993
Gala: 14 de marzo de 1993, Palacio de Congresos de Madrid
Audiencia: Antena 3, 9'3% de share y 1.356.000 de televidentes
(1ª gala emitida por televisión y la única emitida por Antena 3)
Maestro de ceremonias: Imanol Arias
Presidente de la Academia: Fernando Rey

PALMARÉS:
Película: BELLE ÉPOQUE
Director: Fernando Trueba, por BELLE ÉPOQUE
Actor protagonista: Alfredo Landa, por LA MARRANA
Actriz protagonista: Ariadna Gil, por BELLE ÉPOQUE
Actor reparto: Fernando Fernán-Gómez, por BELLE ÉPOQUE
Actriz reparto: Chus Lampreave, por BELLE ÉPOQUE
Director novel: Julio Medem, por VACAS
Guión original: José Luís García Sánchez, Rafael Azcona
y Fernando Trueba, por BELLE ÉPOQUE
Guión adaptado: Antonio Larreta, Francisco Prada, Arturo Pérez Reverte
y Pedro Olea, por EL MAESTRO DE ESGRIMA
Música original: José Nieto, por EL MAESTRO DE ESGRIMA
Película hispanoamericana: UN LUGAR EN EL MUNDO (Argentina)
Película europea: INDOCHINA (Francia)
Goya de honor: MANUEL MUR OTI

SINGULARIDADES DE UN TÍTULO GENERACIONAL

Fernando Fernán-Gómez al lado de nombres como Penélope Cruz, Ariadna Gil o Jorge Sanz. La veteranía con los nuevos rostros del cine español. Otro relevo se gestaba en la categoría de mejor dirección novel: Julio Medem por Vacas (ganó), Chus Gutiérrez por Sublet y Álex de la Iglesia por Acción Mutante eran candidatos para demostrar quién llevaría las riendas de la industria años después. Cruz sería la actriz del año al protagonizar también Jamón Jamón, la presentación en sociedad de otros dos valores que se convertirían en internacionales: Jordi Mollà y Javier Bardem. Resultado de tanta savia nueva, la taquilla también recobró energía: la recaudación en cines de Belle Époque ascendió a 750 millones de pesetas de la época, multiplicando por 4 su presupuesto de 160 millones. Este éxito inusual quedaba redondeado con la aceptación de público de Jamón, Jamón. La película de Trueba lo ganó casi todo, vió a 3 de sus intérpretes con el Goya (estaban nominados 5 porque Cruz competía por Jamón, Jamón) y dejó a la cinta de Bigas Luna con el marcador a cero. En la vitrina de Trueba, ya llena con los cabezones de El sueño del mono loco, tuvo que dejar espacio para 3 Fotogramas de Plata, el Bafta y el Oscar (ganado un año después y dedicado 'al Dios Billy Wilder'). Un título generacional que aún en su pase televisivo por La Uno en el 2009 tuvo una aceptable cuota de pantalla.

ÉPOCA DE CAMBIOS

Uno de los cambios más sustanciales fue que por primera vez la gala era emitida por televisión. Fue en Antena 3 y estaba programada para las 21:00 de la noche, una hora antes del horario actual (básicamente porque La Uno no quiere prescindir de su Telediario... esquema que, desgraciadamente, sólo se altera si el programa a emitir es un partido de fútbol). Los Goya también se abrían al exterior e inauguraban la categoría a Mejor película europea siguiendo a premios vecinos como los César y los David de Donatello (la primera triunfadora fue la francesa Indochina). Muchos echaron de menos nominaciones para El sol del membrillo, de Víctor Erice (2 premios en Cannes pero invisible para la Academia); El largo invierno, de Jaime Camino; Una mujer bajo la lluvia, de Gerardo Vera; La reina anónima, de Gonzalo Suárez; Después del sueño, de Mario Camus; y Maquinavaja, de Carlos Suárez, una de las películas más taquilleras de esa temporada. La Academia también se apuntó una extravagancia al modificar sus nominaciones 8 días después de su anunciamiento oficial: Vacas entró en mejor música original en detrimento de la descalificada Orquesta Club Virginia, y La marrana ocupó el lugar de mejor fotografía de Jamón, Jamón. Pese a todo, nada alteró que Belle Époque, rodada en Portugal (concretamente a 20 kilómetros de Lisboa), presentada en la Gran Vía madrileña el 4 de diciembre de 1992 (la gente aplaudía incluso durante la misma proyección del film) y vista en el Festival de Berlín 1993, fuera la película del momento.

LAS PELÍCULAS DEL FESTIVAL REC 2010

El responsable de este blog tuvo el placer de asistir a las proyecciones de la décima edición del Festival REC de Tarragona. Una semana, la última de abril, en la que vimos cines de nacionalidades y estilos dispares que no suelen distribuirse en las salas comerciales. Una muestra dedicada a las óperas primas que también ofreció sesiones especiales y pases de cortometrajes varios. La universidad no me dejó todo el tiempo que quería para ver cine; de hecho, vi todos los largometrajes de la sección oficial menos el que resultó ganador: el documental español María y yo (que ya es tener mala suerte). La película Fish Tank inauguró este festival joven pero lleno de futuro que pienso seguir con más atención el próximo año. Les dejo con un pequeño análisis de todas las películas del certamen, títulos pequeños, la mayoría desconocidos, que ojalá gusten a la comunidad bloggera. Obras a reivindicar.

CRYING WITH LAUGHTER, de Justin Molotnivok (Reino Unido, 2009)
¿De qué va?: Joey Frisk es un comediante que actúa todas las noches en un club. Un día asiste a su espectáculo un antiguo compañero de colegio y todo empieza a cambiar. Al caos que domina la vida laboral y personal de Joey se le une la revelación de un secreto del pasado.
¿Qué aporta?: Crying with Laughter es un ejemplo clarísimo de cómo se pueden conseguir grandes resultados con pocos recursos. Al principio se disfruta como una tira cómica bastante socarrona, pero el director lleva su historia hacia terrenos insospechados que mantienen al espectador en alerta. Una película que es una comedia oscura, un thriller surrealista y una tragedia dolorosísima. Una historia que se ve con nerviosismo y que cuando desvela todas sus cartas estalla ante nuestros ojos como una bomba. Uno de los títulos del festival, sin duda.
Recomendada para: Espectadores cansados de películas que siguen el esquema de siempre. Crying with Laughter es todo lo que no esperas que sea.
Cinoscar & Rarities le daría el premio de: Mejor película
Tráiler: Link
Nota: 9


RUNNING TURTLE, de Lee Yeon-Seon (Corea del sur, 2009)
¿De qué va?: Nueva versión de la tortuga y la liebre. Un detective que acaban de suspender de su trabajo quiere dar fin a sus problemas económicos atrapando al criminal más buscado de todo el país. ¿Conseguirá volver a tener el prestigio que tenía entre sus compañeros de comisaría y la confianza de su familia?
¿Qué aporta?: En la proyección se notaba que el público se estaba divirtiendo de lo lindo. Porque Running Turtle es un pastiche inteligente, absurdo y vibrante, desternillante. La crónica de un fracasado con gracia que está a la altura de otras películas asiáticas que sí suelen llegar a las salas. A Tarantino le encantaría, sin duda.
Recomendada para: Fieles del cine asiático y la comedia de acción. Amantes del cine de superhéroes y antihéroes. Para los que crean en un cine de ojos rasgados menos sivarita pero igual de jugoso respecto, por ejemplo, Kitano o Kar-Wai.
Cinoscar & Rarities le daría el premio de: Mejor director y mejor actor (Kim Yoon-Seok)
Tráiler: Link
Nota: 8'5

ANVIL: THE STORY OF ANVIL, de Sacha Gervasi (EE. UU., 2008)
¿De qué va?: Anvil fue un grupo de heavy metal que tuvo sus mejores momentos hace veinte años. Ahora sus integrantes tienen sus familias y trabajos, pero siguen con la banda. En una hora y media veremos sus claroscuros, su caótica gira por Europa y el inquebantable sueño de tres canadienses de cincuenta años por convertirse en estrellas.
¿Qué aporta?: Estamos ante un documental especial, quizás el mejor del año. Un ejercicio cinematográfico que disecciona el sueño americano y la trastienda de la industria musical. También es una historia de tres perdedores con mucho ángel. El vocalista de Anvil vive de forma apasionada el heavy metal. No realiza una gran interpretación: es él mismo, todo en una película que respira autenticidad. Contagiará incluso a quienes detesten el heavy metal. Algo más que la biografía de una banda en la sombra.
Recomendada para: Audiencias que aún no sepan que el documental puede ser tan entretenido y rico en matices como una ficción cualquiera.
Cinoscar & Rarities le daría el premio de: Mención especial del jurado
Crítica completa: Link
Tráiler: Link
Nota: 8

LES BEAUX GOSSES (FRENCH KISSES), de Riad Sattouf (Francia, 2009)
¿De qué va?: El despertar sexual de unos estudiantes con las hormonas muy revueltas. La búsqueda del primer beso será el objetivo número uno de Hervé, un joven con granos en la cara y una madre fumadora empedernida. La adaptación cinematográfica de un cómic galo, el retrato desenfadado pero certero de toda una generación y la notable ganadora del César a la mejor ópera prima.
¿Qué aporta?: Seguro que, de realizar una encuesta, ésta hubiera sido la cinta favorita por el público del festival. Camel, ese joven argelino muy muy salido, hubiera sido el mejor secundario. Una película desenfadada a la que le deseamos una feliz acogida en las salas de medio mundo. ¡Que se estrene en España ya, por favor!
Recomendada para: Los que busquen una película juvenil que describa la joventud de una forma original y real. Nada chavacana y muy nutritiva. Lo contrario, vaya, de nuestras Fuga de cerebros o Mentiras y gordas.
Cinoscar & Rarities le daría el premio de: Mejor guión
Crítica completa: Link
Tráiler: Link
Nota: 7'5

LOST PERSONS AREA, de Caroline Strubbe (Bélgica, 2009)
¿De qué va?: En una zona donde no hay nada y en la que no parece vivir nadie, Bettina sueña con el día de su boda. Su marido Marcus se dedica a supervisar la construcción de unas torres de alta tensión que cubren el horizonte desértico. La hija de la pareja es Tessa, una niña muy retraída que no quiere ir al colegio. Un día Marcus tiene un accidente. Y Szalbocs, un nuevo ingeniero, vendrá al poblado para trastocar la estabilidad de todos.
¿Qué aporta?: La película que no desentonaría en festivales como Cannes o Berlín. Historia de cadencia pausada. Se oyeron comentarios dilapidarios en la salida del cine. Ese día servidor estaba cansado y confieso que Lost Persons Area fue la mayor decepción del festival. Pero con el tiempo ha ganado puntos. Ahora muero por poder volverla a ver.
Recomendada para: Los aficionados a un cine social y europeo con más silencios que diálogos. Los que son fieles a esas películas polémicas que consiguen por igual aplausos e insultos.
Cinoscar & Rarities le daría el premio de: Mejor actriz (Lisbeth Gruwez)
Tràiler: Link
Nota: 6'5

TEHROUN (TEHERÁN), de Nader T. Homayoun (Irán, 2009)
¿De qué va?: Ibrahim recorre las cases de Teherán con un bebé en brazos. Pide dinero con la excusa que es viudo y que no tiene trabajo. Lejos de la realidad, su mujer está a punto de volver a Teherán el mismo día que Ibrahim pierde al bebé. La búsqueda del pequeño nos llevará a conocer la complejidad de una ciudad inmensa donde la pobreza de sus habitantes ha creado pequeñas mafias, negocios fraudulentos. Todo se resolverá en un plano final tan inolvidable como inesperado.
¿Qué aporta?: Irán va asociada a Abbas Kiarostami (¿Dónde está la casa de mi amigo? también era la historia de una búsqueda y una inteligente descripción de la sociedad iraní). Teherán recuerda a Ajami, tiene sus altibajos y podría definir mejor sus objetivos. Pero su final tiene el poder de compensar todo lo visto. Y de que salgamos del cine pensando en una historia local con valores universales.
Recomendada para: Espectadores que cultivan un cine social al estilo Dardenne.
Cinoscar & Rarities le daría el premio de: Mejor fotografía
Tráiler: Link
Nota: 6

EL IDIOMA IMPOSIBLE, de Rodrigo Rodero (España, 2010)
¿De qué va?: Crónica de un joven, sus amantes y sus adicciones en el Barrio Chino Barcelonés. Fernando se enamorará de Elsa, una drogadicta con la que compartirá muchos momentos de complicidad. Al caer la noche, Fernando se pierde en la apatía de una ciudad rota y conoce a personajes variopintos.
¿Qué aporta?: Una curiosísima ópera prima vista en el Festival de Málaga. Una espléndida selección musical caldea una película misteriosa, críptica. Consigue dibujar una atmósfera, pero no una historia consistente. El debut en el cine de Helena Miquel, cantante de Facto Delafé, deja mucho que desear. Sólo sea por sus atributos visuales, vale la pena.
Recomendada para: Quienes quieran descubrir un cine español diferente. Quienes consideren Barcelona su ciudad favorita.
Cinoscar & Rarities le daría el premio de: Mejor banda sonora
Crítica completa: Link
Tráiler: Link
Nota: 5'5