CRÍTICA | LA LIGA DE LOS HOMBRES EXTRAORDINARIOS, de Stephen Norrington

LA LIGA DE LOS HOMBRES EXTRAORDINARIOS, de Stephen Norrington

3 nominaciones a los Saturn Awards

EE. UU., 2003. Dirección: Stephen Norrington Guión: James Dale Robinson, a partir de la novela gráfica de Alan Moore y Kevin O'Neill Fotografía: Dan Laustsen Música: Trevor Jones Reparto: Sean Connery, Shane West, Naseeruddin Shah, Stuart Townsend, Peta Wilson, Jason Flemyng, Tony Curran, Richard Roxburgh, Max Ryan, Tom Goodman-Hill, David Hemmings, Terry O'Neill, Rudolf Pellar, Robert Willox, Ewart James Walters, Mariano Titanti, Neran Persaud Género: Fantasía. Thriller Duración: 110 min. Tráiler: Link Elección de David Chanatos

¿De qué va?: En la Inglaterra del S. XIX, una serie de incidentes obligan al gobierno a unir una élite de hombres extraordinarios que trabaje como defensa del país. La liga se irá formando poco a poco, a la vez que se va tejiendo un plan para dominar el mundo con armas de última generación.

CRÍTICA ISIDRO: La liga de los hombres (y una mujer) extraordinarios fue una de mis pelis favoritas durante mi tierna adolescencia. Me parecía un pasote que convirtiera en héroes de acción a los protagonistas de los grandes clásicos de la fantasía decimonónica y me flipaba muchísimo su estética steampunk, con ese pedazo cochazo a toda leche por la Venecia del siglo XIX. Era la película ideal para un chaval que se las daba de ávido lector, con todas las patadas y las hostias que reclamaba mi efervescencia adolescente y con las suficientes referencias culturales para reconocer a Dorian Gray y dármelas de listo cuando hasta entonces lo más sesudo que había leído en mi vida era Harry Potter y el Cáliz de fuego. Reconozcámoslo: el concepto mola un huevo, y no me cabe duda de que la novela gráfica de Moore le sacará bastante más jugo al asunto. Pero sí: la peli, buena, lo que se dice buena, no es, con esas frases ridículamente épicas soltadas en el momento más oportuno por un Sean Connery desganado y ese Nautilus monstruoso que se cree góndola. Pero igual de mala es toda la morralla de superhéroes que invade las carteleras cada año y ahí están los críticos clamando a los cuatro vientos sus maravillas. Para pasar el rato cumple. Y Mr. Hyde mola más que Hulk. ★★½

CRÍTICA KOSTI: Stephen Norrington adapta una de las novelas gráficas de Alan Moore, la misma que englobaba entre sus páginas a Alain Quatermain, Dorian Grey o Tom Sawyer. En La liga de los hombres extraordinarios, sin tener muchas pretensiones, asistimos al visionado de un producto entretenido y de calidad con altas dosis de acción y cargado de personajes míticos para disfrute del personal. Y esa es la clave: producto. No estamos ante una obra de arte y ensayo ni una maravilla del séptimo arte, pero da lo que promete; un formato sin mucho fondo para vaciar la mente y dejarse llevar. “La liga” está capitaneada por un Sean Connery comedido pero acertado, y un reparto bastante resolutivo en el que el único pero es la sobrada presencia de una testosterona imparable, aunque eclipsada por la inspiradora presencia de Peta Wilson. La película cuenta además con una ambientación que empuja a un guión algo farragoso y simplón a fluir más fácilmente, encontrando en una opulenta biblioteca o una Venecia carnavalesca grandes aliados. Antes de los Watchmen (más seria y personal) y de Los Vengadores (más rentable y mejor diseñada), entraron en nuestras pantallas estos personajes literarios al servicio del lenguaje de las viñetas, dando como resultado una adaptación factible, resolutiva y divertida; una mezcla heterogénea para una aventura inesperada llena de chascarrillos socarrones. ★★★★

CRÍTICA RONNIE: La primera vez que visioné esta película en su año de estreno recuerdo que me entusiasmaba por varias cosas. En aquel entonces no estaba muy familiarizado con el cómic, pero me llamaba fuertemente la atención una cinta que reuniera los talentos y los tragedias de personajes tan icónicos en la cultura literaria. A medida que leía acerca de la película y su contenido, me parecía en verdad emocionante saber que Mina Harker, El Capitán Nemo, Dorian Gray, Doctor Jekll y Mr Hyde, el Profesor Moriarty, Allan Quatermaine y Rodney Skinner formarían parte de una especia de Liga de la Justicia, además de la presencia de la actriz Peta Wilson, la mujer del momento que venía de protagonizar Nikita, una serie más del montón pero que al menos en mi casa entretenía y gustaba bastante. Después de verla por primera vez no pude más que detestar el tratamiento dado a personajes de tal magnitud, rebajados a simples compinches caricaturescos, que solo me provocaron vergüenza y pena ajena una vez que retomé los cómics de Alan Moore. Pésimas actuaciones, un guión burdo y parchado con elementos inexistentes en la historia original (¿alguien dijo Tom Sawyer?). El diseño de producción podría salvar un poco el producto final, pero los lastres y decepciones que presenta son tantas que el barco termina por hundirse. ★

CRÍTICA XAVIER: La liga de los hombres extraordinarios es una ilustre componente de aquello que podría llamarse "el limbo de las películas de superhéroes". Nadie se acuerda de ella, e incluso en el momento de su estreno no fue demasiado relevante (tampoco fue especialmente denostada). Parte de la culpa la tiene el director Stephen Norrington, pero sobre todo la avalancha de títulos similares que llenaron los cines poco tiempo después. Y para qué negarlo: hay que ser un superhéroe con mucho aplomo para perdurar en el imaginario colectivo. Esta liga que aglutina estética victoriana, vampírica y punk es una reunión de personajes excéntricos, algunos con muy poco atractivo. Sean Connery esconde sus achaques dando rienda suelta a su vertiente "action man", y el resto se ríe para no llorar. Lo peor de todo es que el film no soporta nuevos visionados: sus efectos especiales son anacrónicos, se nota descaradamente que fue rodada en platós y el guión es bastante pobre. Para colmo, es una de las pocas películas "de acción" "sin acción" (en verdad, el film reúne a su "dream team" comiquero para realizar unas cuantas leguas de viaje submarino, desengrasar las prótesis de cadera de Connery y poco más). En definitiva, no le veo ninguna gracia a esta relectura (sacrílega) de algunos de los iconos de la literatura fantástica. Con todo, la maquinaria superheroica es tan aparatosa que no se puede descartar un posible remake, remade, reboot o" re... lo que sea" en el futuro. Sin duda, el margen para mejorar La liga de los hombres extraordinarios es muy grande. Disculpen si el texto parece que lo haya escrito el señor Hyde en plena rabieta. ¿O era Jekyll? Para el caso, tanto da. ★★½

CRÍTICA ALBERTO: Sobre su base gráfica, Stephen Norrington (especialista en cine de acción) dibuja un ejercicio tan estiloso como hueco. Pues lo que podría haber discurrido con cierta profundidad, gracias al amplio abanico de personajes, sus relaciones y su dulce equilibrio entre realidad y ficción, se queda en una mera muestra de cine de acción “palomitero”, que si bien arranca con destreza acaba sucumbiendo al absoluto despropósito. En ciertos momentos, el abuso de efectismos nos hace salirnos continuamente de la trama y sus contenidos. Eso sí, su factura es notable, destacando los ejercicios de ambientación y la excelente gama de efectos visuales, los cuales a veces sucumben al exceso y crean cierta atmósfera de artificiosidad. ★★

NOTA MEDIA del JURADO: ★★½ 

CORTOMETRAJE | NOCHE Y NIEBLA, de Alain Resnais

NOCHE Y NIEBLA (NUIT ET BROUILLARD), de Alain Resnais
Francia, 1955. Documental, 32 min. ¿De qué va?: La cámara de Resnais se adentra en los campos de concentración nazi años después de la Segunda Guerra Mundial. Elección de Daniel Bermeo

CRÍTICA ALBERTO: Si hubiera que mencionar dos películas claves en la historia del cine que comprendan con absoluta claridad las verdades del holocausto judío, una de ellas sería este mediometraje de magistrales aportaciones. Sus brutales imágenes documentales, intercaladas con esas reflexivas muestras gráficas sobre el paso del tiempo en los campos de concentración, erizan la piel por la rotundidad de su mensaje y por las posibilidades expresivas de un ejercicio de obligado visionado. De este modo, con recursos mínimos, el realizador galo erige esta absoluta obra maestra, que atiende al valor reflexivo del que la entiende y la interioriza, porque la muestra doble sobre la masacre acontecida intenta dibujar no sólo valores sensoriales, sino también perpetuar una reflexión que perdure en el tiempo. Poca gente puede quedar inerte ante el fascinante y duro ejercicio que nos perfila la síntesis de los grandes errores humanos del pasado. ★★★★★

CRÍTICA ISIDRO: No sobran los documentales y las ficciones sobre la el holocausto nazi. Se cuentan por cientos, desde diferentes tonos y perspectivas (algunas más afortunadas que otras), pero nunca dejará de sobrecogernos tal horror. Noche y niebla es un documento conciso y directo de una poética desgarradora, que juega a combinar las imágenes de archivo en blanco y negro más dolorosas con grabaciones a todo color en los campos de concentración ya desiertos y abandonados, cuyo contraste estremece. Denuncia implacable y llamada a la memoria. Nunca olvidaremos la barbarie, pero tampoco este documental. ★★★★

CRÍTICA KOSTI: Retratar los horrores del Holocausto siempre va a ser una labor ardua y sólo al alcance de manos con el mayor pulso. Hasta el momento parece que Alain Resnais ha sido el que más pulso ha conseguido mantener. Ese pulso lo traslada a las imágenes, testigos vivos de un pedazo de la historia de la humanidad para dejar en el pasado, pero nunca olvidarlo. Resnais nos transporta a una época terrorífica donde los silencios, las miradas y los escenarios nos sirven de guía del horror, un horror que perdura diez años después entre las paredes que guardaron durante la Segunda Guerra Mundial la mancha más oscura de nuestra historia, y Resnais se hace eco de ese silencio respetuoso que lleva reinando desde entonces en esos campos de concentración en los que otrora tronaban las voces de la inhumanidad. Una obra encomiable y necesaria. ★★★★½

CRÍTICA RONNIE: Resnais documenta un estremecedor capítulo de la humanidad. Durante 32 minutos muestra la deshumanización sufrida por la población judía en los campos de concentración nazi. La grabación mezcla a color los campos abandonados junto a fotografías y videos de archivo en donde se documenta la degeneración sufrida por miles de personas en estos lugares. El objetivo de esta cinta es no olvidar nuestro pasado, mantener alerta la memoria para no repetir errores y atrocidades de antaño. Debemos remarcar que Resais logra mantener vivo su mensaje hasta estos días, y cintas que tratan el tema del Holocausto de la Segunda Guerra Mundial se lo agradecen. ★★★★

CRÍTICA XAVIER: No estamos acostumbrados a que se aborden las heridas de la Segunda Guerra Mundial desde una perspectiva objetiva. Noche y niebla es seguramente el único documento que se acerca a la barbarie desde la distancia y, paradójicamente, desde el respeto más absoluto. Resnais, a base de materiales de archivo, cuenta la vida en los campos de concentración con sangre fría y palabras poéticas, como lo haría un profesor en una clase de historia. La dureza del contexto y la singularidad del texto hacen que Noche y niebla sea un mediometraje desestabilizador. ¿Puede contarse el infierno sin juicios, sin posicionamientos, sin resquemores? Resnais lo logra. Pero quien escribe hubiera preferido más emoción y menos cerebralidad. Noche y niebla no consigue llevar el público a la catarsis, remover los resortes internos que deberían quedar alterados ante una historia de semejante potencia. Conclusión: el corazón y el cerebro están siempre conectados, y esa unión resta ausente en esta impávida, aleccionadora pero nada curtidora Noche y niebla. ★★★

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★★  
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CRÍTICA | DOCE HOMBRES SIN PIEDAD, de Sidney Lumet

DOCE HOMBRES SIN PIEDAD (12 ANGRY MEN), de Sidney Lumet

Oso de oro del Festival de Berlín 1957. Nominada a 3 Óscar, incluyendo mejor película

EE. UU., 1957. Dirección: Sidney Lumet Guión: Reginald Rose Fotografía: Boris Kaufman Música: Kenyon Hopkins Reparto: Henry Fonda, Lee J. Cobb, Jack Warden, E.G. Marshall, Martin Balsam, Ed Begley, John Fiedler, Robert Webber, Jack Klugman, George Voskovec, Joseph Sweeney, Edward Binns, Billy Nelson, John Savoca, Rudy Bond, James Kelly Género: Drama. Thriller Duración: 95 min. Tráiler: Link Elección de Mariano Silva
¿De qué va?: Encerrados en una habitación, los doce componentes de un jurado deben decidir si un adolescente es culpable del asesinato de su padre. Todos defienden la culpabilidad del muchacho menos un hombre. A partir de entonces, las deliberaciones darán un vuelco inesperado.

CRÍTICA ALBERTO: Si tuviéramos que atender a una selección sobre las mejores películas judiciales de la historia del cine, esta historia de compromisos éticos sería una de las elegidas. Pues en ella se fragua el poder de la continua duda, y la tensión que ella conlleva, y esto se explora a través de un conjunto de detalles mínimos: gestos, palabras, miradas, que consiguen perpetuar una auténtica atmósfera de inquietud ante las posiciones encontradas y la evolución de la trama. En este compendio silencioso tiene mucho que decir la notable factura técnica, el brillante trabajo de sus actores (atención a un vibrante Henry Fonda), pero sobre todo la excelsa dirección de un Lumet en sus mejores momentos: su temple, su solidez y su capacidad de configurar personalidades a través del ejercicio de la cámara permiten admirar la valentía de uno de los mejores realizadores de la historia del cine. ★★★★½

CRÍTICA ISIDRO: Doce hombres, miembros de un jurado popular, se reúnen para debatir su veredicto tras asistir a un juicio por asesinato. La vida del reo está ahora en sus manos. Durante poco más de hora y media, en el mismo escenario y a tiempo real, presenciamos el debate de estos doce señores que empiezan a cabrearse en el momento en el que uno de ellos siembra una duda razonable. La película es hábil, sabe perfilar a sus doce protagonistas con una desenvoltura muy natural. Los silencios y las conversaciones triviales se intercalan entre ardientes discusiones y el repaso de las diferentes pruebas, lo que hace que el desarrollo del filme sea verdaderamente apasionante, con un sentido del ritmo muy estudiado. Sí es cierto que a veces peca de soluciones dramáticas algo más teatreras, pero quedan aisladas y no molestan porque es lo bastante intensa y emocionante como para que no importe. También es crítica, tanto con la asunción de prejuicios como con la supuesta infalibilidad del sistema de justicia americano (aunque también hay que reconocer que no habría habido película si el juicio no hubiera sido la patochada que se intuye, con un abogado de la defensa de pacotilla). Y, por último, es una película profundamente humanista y humana. Tanto que hasta huele su humanidad. Encerrados en una sala en pleno verano, con el ventilador roto, me pregunto si en aquella época los desodorantes funcionaban igual de bien que ahora, porque si no llego yo a ser Henry Fonda y mando a la mierda la duda razonable y al reo y voto culpable de primeras nada más que por salir de allí. ... Fuera leches, es un señor peliculón. ★★★★½

CRÍTICA KOSTI: El sentido de la justicia, lo justo e injusto, lo que es correcto y lo que no lo es. Todo un muestrario de conceptos opuestos es lo que encontramos en 12 hombres sin piedad. Sidney Lumet nos planta en un juicio, un proceso que se intuye ha sido largo, tedioso y duro, pero del que únicamente sabemos ha terminado y se procede a la deliberación por parte del jurado. Esos 12 hombres serán quienes muestren al público los hechos y las pruebas, un acierto a nivel literario. En un alarde de teatralidad, la sala del jurado se convierte en un espacio muy limitado con un calor asfixiante que traspasa la pantalla. Un ambiente turbado que va subiendo de intensidad según avanzan los minutos. En esa sala se congregan 12 personalidades diferentes con un solo objetivo: determinar la culpabilidad o inocencia de un joven que enfrenta la pena capital. Es entonces cuando aparece el “hombre número 13”, la duda razonable que moralmente obliga a desequilibrar la balanza hacia el lado del acusado. La película supone un ejercicio antropológico en el que salen a la luz las bondades y defectos del ser humano: la piedad, el racismo, el arrepentimiento, la sabiduría, la lógica, los prejuicios, el odio, el perdón. Lumet deja claro que no todo es negro o blanco, y que en la gama de grises podemos movernos todos, independientemente de nuestras ideologías. Dentro de este estudio antropológico, encontramos auténtico don cinematográfico a nivel técnico, interpretativo y de dirección. La cámara sabe moverse y encontrar en todo momento el plano perfecto con una cuidada fotografía de un blanco y negro pulcro que suda junto a su elenco, un muestrario magnífico de alto nivel interpretativo que encuentra en Henry Fonda y Lee J. Cobb dos némesis que encajan a la perfección. ★★★★½

CRÍTICA RONNIE: Precursora de las películas "legales", el desarrollo de Doce hombres sin piedad es muy interesante. La forma en la que se plantea la posibilidad de que un hombre siembre la duda en el resto del grupo hoy en día puede resultarnos muy familiar y nada sorprendente. La cinta contó un relato que a todos ahora nos resulta ya muy visto pero no es culpa de la película, sino de la escuela que creó en 1957, y su más grande acierto es funcionar como una lección de ética y moral así como una gran lección de cine, con un elaborado trabajo completado solo en una habitación. Destaca el cautivador trabajo de Henry Fonda por encima de un deslumbrante reparto que se vale de los ocurrentes y valiosos diálogos que escribe Reginald Rose, otro de los pilares de esta producción. En general puedo decir que es una obra inmortal e indispensable en el séptimo arte. ★★★★½

CRÍTICA XAVIER: Cuando hace más de una década vi 12 hombres sin piedad por primera vez, la película de Lumet me causó un gran impacto. Ahora vuelvo a ella con otros ojos, y compruebo que parte de esa admiración adolescente sigue todavía en pie: la película es uno de los ejercicios de síntesis y tensión cinematográfica más logrados que se hayan rodado jamás. Con todo, 12 hombres sin piedad, por diferentes motivos, es una película que ha envejecido mal. Su contexto es poco plausible (no hay ningún afroamericano o ninguna mujer entre sus doce justicieros) y su texto resulta algo artificioso (las pausas, los ruidos ambientales, los crescendos y las intervenciones de los personajes discurren con la agilidad y a la vez con la escasa naturalidad de unas fichas de ajedrez bailando en el tablero de juego). Además, partiendo de la base que es una película de vocación social, incluso crítica, el mensaje de 12 hombres sin piedad es tremendamente ambiguo: no habla de la justicia, sino de la manipulación; pone en tela de juicio todos sus resortes (el judicial, el humano... quién sabe si el divino), y por ello resulta plausible pensar que Lumet también nos manipula a su antojo. En definitiva, confieso que guardo sensaciones encontradas con respecto a estos 12 hombres sin piedad. Lo mejor que se puede decir de ella es que sigue siendo una obra única en su especie. Ahora bien: ¿'guilty or not guilty'? Depende. Una buena película (que no maestra). ★★★½

NOTA MEDIA del JURADO: ★★★★½

CRÍTICA | 8 MUJERES, de François Ozon

8 MUJERES (8 FEMMES), de François Ozon

12 nominaciones a los Premios César. Oso de Plata y EFA conjunto a la mejor actriz

Francia, 2002. Dirección: François Ozon Guión: François Ozon y Marina de Van, a partir de la obra de teatro de Robert Thomas Fotografía: Jeanne Lopoirie Música: Krishna Levy Reparto: Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Virginie Ledoyen, Danielle Darrieux, Ludivine Sagnier, Firmine Richard Género: Tragicomedia musical Duración: 100 min. Tráiler: Link Elección de Eduardo Adams
¿De qué va?: En una mansión incomunicada por la nieve, todo está listo para festejar la Navidad. Cuando el patriarca es asesinado, las ocho mujeres de la casa, todas a su manera conectadas con el difunto, intentan encontrar el culpable. La investigación es evidente: la culpable es una de ellas.

CRÍTICA HUGO RUIZ: Un reparto coral de las grandes damas del cine francés reunidas en esta comedia coral del director François Ozon consiguiendo con ella el Premio Lumiere a mejor director y sus actrices el Premio Cine Europeo a todo el reparto femenino. En esta comedia consigue divertir en grupo y divertir a los demás alejándola de cualquier convencionalismo. La película basada en la obra de teatro del mismo nombre en la que se parodia los géneros clásicos como el policial de intriga con su hilarante argumento donde nos sitúa en una casa aislada en la nieve en la que aparece el cadáver de un hombre rico tras su asesinato y ocho posibles culpables…todas mujeres. Estas mujeres las cuales son interpretadas por un gran elenco de actrices: Catherine Deneuve, Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Emmanuelle Beart, Danielle Darrieux, la negra Firmine Richard y las jóvenes Virginie Ledoyen y Ludivine Sagnier sometiéndose a sucesivos interrogatorios y confesiones hasta descubrir la verdad. Ozon parodia también el género musical de los cincuenta donde cada actriz tiene un número musical propio siendo este el instante de la confesión y nos revelan sus más profundas motivaciones. Ozon nos muestra una muy cuidada puesta en escena para esta obra predominantemente teatral con una estética y vestuario de los años cincuenta en la cual a cada una de las mujeres corresponde un determinado vestuario, color, peinado y maquillaje que la caracterizan; de igual forma, cada una de ellas guarda un secreto, e incluso en la presentación el nombre de cada estrella está acompañado por la flor que corresponde a su personaje. Por todo ello se trata de un film con una historia desorbitada y actuaciones algo exageradas, pero haciendo al espectador pasar un buen rato de diversión al ver a estas grandes damas haciendo actuaciones fuera de lo normal y fuera de ese encaje interpretativo al que nos tienen acostumbrados. ★★★½

CRÍTICA ALBERTO TOVAR: A partir de la obra de Robert Thomas se edifica una película de bellas singularidades. Con esta película, mixtura interesante de géneros, François Ozon despliega todas sus capacidades creativas a la hora de dar vida a estas ocho curiosas mujeres, y de este modo consolida una de sus vías más aclamadas. Así es, esta película permanece fervientemente en el recuerdo de aquellos que la disfrutaron, pues 8 mujeres supuso un antes y un después en la filmografía de este interesante realizador, ya que esta historia, a pesar de su precedente, acumula de forma magistral toda una ristra de apreciaciones definitorias sobre el ente de género y su relación sociocultural dentro de la esfera actual. Motivo de continua reinvención por el realizador galo, que en esta película, a riesgo de resultar un despropósito curioso, consigue mantener sólidas todas las partes y nos regala un conjunto de diálogos de admirable inteligencia. Punto y aparte merece el excelente trabajo de todas las actrices, especialmente de Isabelle Huppert y Fanny Ardant. ★★★★

CRÍTICA MAYRA MEZA: Si hay algo que me ha gustado de las pocas películas de François Ozon que he tenido la oportunidad de ver hasta ahora, es la capacidad de este director de recrear historias con muchos matices y de crear personajes que a primera vista no son lo que parecen ser. Ozon sabe recrear situaciones cómicas tirando a ridículas que sin embargo resultan disfrutables y sobre todo, logra convencer al espectador de lo que está contando. 8 mujeres es una comedia musical, pero también es un drama con aires almodovarianos, es una cinta llena de misterio y de intriga ejecutada con mucha precisión y elegancia. La historia de 8 mujeres en busca de una verdad que desentrañará importantes secretos y llevará a sus protagonistas a un desenlace inesperado. Las interpretaciones son muy correctas al igual que las canciones y coreografías. No me llega a fascinar tanto como en su momento lo hizo En la casa, pero sin duda estamos ante una muy agradable película. ★★★½

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TRABAJOS NOVELES | LA BREVE HISTORIA: MENTIRAS, de Inés Pintor y Pablo Santidrián

Cinoscar Summer Festival 2016: Trabajos noveles a concurso
Entrevista a Inés Pintor y Pablo Santidrián, directores de La breve historia: Mentiras

1. ¡Bienvenidos de nuevo a nuestro certamen, Inés y Pablo! En anteriores ediciones tuvimos el honor de contar con dos trabajos de vuestro proyecto La breve historia. Para los espectadores y lectores que no conozcan vuestros trabajos previos, ¿nos podríais contar qué es y cómo creasteis La breve historia?
La breve historia es un proyecto de cortometrajes que iniciamos como proyecto de fin de carrera. Nos conocimos en la universidad y después de trabajar juntos decidimos que queríamos crear algo en común. La breve historia habla de sentimientos, historias sencillas cargadas de emotividad. 

2. Tal y como veíamos en La nada, en Mentiras la cama vuelve a ser un espacio recurrente, muy íntimo y al mismo tiempo cotidiano. ¿Por qué decidisteis incidir en ese elemento en un nuevo fragmento de La breve historia? ¿Qué complejidades, tanto artísticas como técnicas, os supuso esa elección?
La complicación de la cama está en que es un espacio muy íntimo y reducido. Lo más complicado era conseguir la intimidad de los actores con todo un equipo técnico rodeándoles. Los planos cenitales también eran complicados con los medios que teníamos pero gracias al ingenio todo es posible… La cama ya es parte de la simbología de La breve historia. Nos gusta ese espacio compartido que está entre la realidad y el sueño por eso siempre volvemos a ella. 

3. En Mentiras, la pantalla aparece dividida en dos mitades, como dos caras de una misma moneda. ¿Cómo trabajasteis la sincronización de ese ‘doble metraje’, tanto en el set de rodaje como en el montaje? ¿En qué momento decidisteis que algunos de esos fragmentos debían ser en blanco y negro?
Desde un principio teníamos muy claro el montaje por lo tanto no nos supuso ninguna complicación en rodaje, sabíamos que queríamos para cada momento, en nuestra cabeza teníamos claro que se contaba en cada mitad y se lo trasmitimos al equipo de la mejor manera que supimos para que ellos lo tuviesen claro. La decisión del blanco y negro es narrativa y estética, la usamos para hablar de algunos de los recuerdos marcando un poco la diferencia. 

4. En Mentiras se subraya el poder de los objetos pequeños: unas figuras de papiroflexia, un cepillo de dientes… Todo ello compone una atmósfera cercana al cuento, incluso al realismo mágico. ¿Cómo disteis con todos esos elementos? ¿Hay algún componente personal detrás de esos objetos y de vuestra historia?
En nuestras historias siempre hay un gran componente personal. Esos objetos forman parte de los recuerdos de nuestra infancia. En La breve historia pensamos que las cosas más cotidianas están cargadas de importancia, solo hay que pararse a mirarlas y reflexionar. 

5. En uno de los momentos más bellos del corto, el narrador dice que ‘hay algunas mentiras que te hacen tan feliz que se hacen verdades’. ¿Cómo debemos interpretar esa afirmación? ¿Es la consigna de alguien que ha conseguido disfrutar de las pequeñas cosas gracias a la fantasía… o más bien la frase de alguien que no quiere hacer frente a la realidad?
Esa frase es libre de interpretación, habla un poco de las dos cosas, cada espectador debe identificarse de una manera o de otra. Creo que todos pasamos por las dos a lo largo de la vida. Hay mentiras que nos creamos nosotros mismos para evadirnos de la realidad cuando no nos gusta… también hay mentiras que te cuentan, como las mentiras de los padres, que se crean solo para hacer feliz, es una manera maravillosa de potenciar la fantasía. 

6. La música es un protagonista más de Mentiras. En los títulos de crédito podemos leer que la partitura es obra de Inés Pintor. ¿Cómo fue todo ese proceso de creación y musicalización del corto?
Buscábamos una música original para el corto e Inés estudió en el conservatorio durante muchos años. Entre los dos nos pusimos de acuerdo sobre que queríamos transmitir en el cortometraje con la música y ella fue buscando poco a poco. Después, Víctor Fernández Santidrián hizo la instrumentalización de esa partitura y le dio un sonido diferente al original, él siempre nos ayuda con la parte de música y sonido, le da siempre un toque muy personal que ya es parte de La breve historia. 

7. Estamos convencidos que los espectadores se enamorarán de los títulos de crédito de Mentiras. ¿Cómo fue su elaboración? ¡Seguro que esas nubes que vemos en pantalla esconden alguna anécdota interesante!
Nos gusta mucho trabajar los títulos de crédito de nuestros cortos, allí aparecen todas las personas que nos han ayudado y queremos que esa parte en la que se reconoce el esfuerzo de todo el mundo sea parte de la obra en si. Esas nubes las hicimos nosotros mismos y nos volvimos un poco locos para conseguir que quedasen como queríamos, que flotasen en el aire y que no se nos viesen los trucos ni se nos estropeasen. Como anécdota, contar que las guardamos de recuerdo y cada uno tiene un par de nubes encima de su cama. 

8. La breve historia es un proyecto complejo que seguramente os ocupó mucho tiempo. ¿Consideráis ese trabajo como terminado? ¿Qué os ha aportado, a nivel profesional y personal, la experiencia de filmar estos cortometrajes tan especiales?
La breve historia no es un proyecto terminado. Actualmente estamos trabajando en nuestro décimo corto Postales que hemos rodado en octubre de 2015. Este corto es más ambicioso y por primera vez hemos conseguido financiación. Nuestras historias siguen siendo las mismas pero queremos ir avanzando poco a poco. La breve historia nos ocupa mucho tiempo pero es recompensado a nivel profesional y personal. Nos encanta lo que hacemos y sentimos que la gente valora mucho el proyecto. La breve historia nos ha abierto puertas como realizadores. 

9. Tras ver tres cortos vuestros, es imposible no pensar en un largometraje con vuestra firma. ¿Habéis pensado en dar el salto al largometraje? ¿Podéis compartir con nuestros lectores vuestros futuros proyectos, ya sean por separado o juntos?
El proyecto más inmediato es Postales, un cortometraje con el que hemos dado un pequeño salto. En este caso tiene casi 15 minutos de duración y una muy buena producción. Tenemos un guión de largometraje que estamos escribiendo entre los dos. Nos encantaría algún día poder llegar a realizarlo pero poco a poco…nosotros vamos pasito a pasito pero siempre con mucho trabajo, esfuerzo e ilusión. ¡Esperemos que algún día podamos compartirlo también con vosotros! 

10. ¡Muchas gracias por atender un año más a nuestras preguntas! Es un placer sumar un nuevo capítulo de esta ‘breve’ pero ‘intensa’ historia. Os deseamos mucha suerte. Para terminar, os invitamos a que digáis unas palabras a nuestros espectadores y al jurado: ¿por qué deben visionar y votar por vuestro corto? ¿Qué se encontrará la comunidad del certamen en estas Mentiras? ¡Saludos!
Bueno, ante todo muchas gracias, estamos encantados de participar un año más y deciros que con Mentiras os encontraréis una historia sincera y muy personal. ¡Una historia que todos habéis sentido alguna vez y que sale directamente de nuestro corazón! Deseamos que os emocione tanto como a nosotros!

CRÍTICA | LOS AMANTES DEL PONT-NEUF, de Leos Carax

LOS AMANTES DEL PONT-NEUF (LES AMANTS DU PONT-NEUF), de Leos Carax

EFA a la mejor actriz, fotografía y montaje. Nominada a 2 César y 1 Bafta

Francia, 1991. Dirección y guión: Leos Carax Fotografía: Jean-Yves Escoffier Música: VV. AA. Reparto: Juliette Binoche, Denis Lavant, Klaus-Michael Grüber, Daniel Buain, Marion Stalens, Chrichan Larson, Edith Scob Género: Drama social. Romance Duración: 120 min. Tráiler: Link Especial Leos Carax. Cinoscar Summer Festival 2016: Película de inauguración
¿De qué va?: Dos vagabundos se encuentran en el Pont-Neuf de París. Él es un artista circense adicto al alcohol. Ella es una pintora que está perdiendo la visión. Entre ambos surge una curiosa relación de solidaridad y de amistad. Mientras, el puente que los cobija sigue en ruinas y no parece que haya posibilidades de que ambos puedan mejorar su situación.

Los amantes del Pont-Neuf ocupa por méritos propios una plaza de honor en la lista de obras malditas del cine reciente. De hecho, su concepción fue tan tortuosa que es casi un milagro que el film haya llegado hasta nuestros días. Tras un rodaje eterno, cambio de productores, decorados desperdiciados, actores lesionados y unas pérdidas económicas incalculables, Leos Carax afianzó su leyenda con esta historia de amor a contracorriente. Un título marcado por la desdicha y, paradójicamente, el mayor éxito de taquilla y uno de los trabajos más laureados de su director. Los amantes del Pont-Neuf, con sus sombras, sus bajas pasiones y su montaje a trompicones sigue en pie para alegría de unos y disgusto de otros tantos. Un film que no instaura ninguna constante, que no abre ningún género, que no pasará a los anales de la historia... pero que encierra un mundo en sí mismo. Cine, en definitiva, de primerísimo nivel. 

Los amantes del Pont-Neuf es seguramente el film más accesible de Carax o, al menos, el que sigue en mayor medida los esquemas del drama romántico. Con todo, la experimentación de su artífice se hace patente en cada fotograma, hasta el punto que su historia parece seguir una lógica sensorial antes que una verdadera progresión narrativa. Carax no presenta a sus personajes, apenas indaga en su pasado, y a cambio nos ofrece momentos de auténtica sinergia cinematográfica: música, fotografía y montaje se alían para parir una especie de sinfonía extravagante, con espacio para la música clásica y hits contemporáneos, cámara al hombro y planos fijos. Se diría incluso que Carax rueda por intuición, sin más concierto que el caos absoluto: ello explicaría que, tras un arranque onírico (los títulos de crédito en el túnel subterráneo), la película vaya saltando libremente al documental (la visita al centro social), al drama de denuncia (la presentación del puente) y al romance entre parias. Todo, cómo no, de forma ilógica, y seguramente por ello lleno de fuerza y coherencia. Los amantes del Pont-Neuf se revela aquí como una historia de seres imperfectos y al mismo tiempo como una película que pasea sin complejos sus imperfecciones, haciendo de sus carencias una virtud. Artimañanas, sin duda, sólo al alcance de los genios.

Otra de las virtudes de Los amantes del Pont-Neuf es su capacidad para unir forma y fondo. Carax es consciente que su historia se sitúa muy cerca de lo kitch y de lo miserabilista, pero nunca cruza esas líneas rojas. El director no deja que la construcción de una atmósfera reste a la historia. Los amantes del Pont-Neuf, como resultado, resulta un ejercicio lírico pero sin subrayados, misterioso a la vez que accesible, extravagante pero también racional. Y de esa unión surge una de las metáforas más poderosas de cuantas haya dado el cine moderno: el Pont-Neuf del título. Un puente que, a pesar de llevar el adjetivo "nuevo" en su título, lo encontramos en ruinas. Un puente que es personaje y espacio. Un puente que es refugio y al mismo tiempo cárcel. Un puente que simboliza el estado de desidia y depresión que embarga a sus amantes. Un puente que es testigo de una historia de unión, marcada en mayor medida por la necesidad que por el amor. Y, de haber amor, este se expresa de forma inconsciente, casi infantil, y por ello condenado al fracaso. 

A esa imagen del puente destruido y de los amantes que interpretan de forma excelente Denis Lavant y Juliette Binoche nos acogemos para abrir el Cinoscar Summer Festival 2016. Un puente que ahora hacemos nuestro y por el que desfilarán infinidad de películas y directores. Una imagen, además, que podría representar perfectamente la voluntad de acercarnos entre nosotros y al mismo tiempo la imposibilidad de culminar esos lazos. ¿Acaso nuestro festival no es eso: un punto de contacto entre cinéfilos, pero con las limitaciones de "lo virtual"? Pero quedémonos con la parte positiva: la voluntad de tender puentes es lo que cuenta. Una oportunidad de oro para descubrir o revisionar películas tan libres como Los amantes del Pont-Neuf. Porque todos los films que habéis elegido forman parte de los cimientos de este puente de celuloide.  

¡Disfrutad muchísimo del Cinoscar Summer Festival 2016!

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2016 | INAUGURACIÓN

Cinoscar & Rarities inaugura hoy la 4ª edición del Cinoscar Summer Festival. El proyecto empezó allá por 2013 con el objetivo de conocer películas durante el verano. Esa idea inicial alcanza ahora nuevos records: este 2016 contamos con más de 100 obras y más de 50 concursantes. Desde ahora y hasta el 15 de agosto, el muro de este blog se llenará de todo tipo de propuestas: clásicos, películas de culto, cintas de nacionalidades y estilos muy dispares, etc. Una gran fiesta cinéfila a la que estáis todos invitados. Os esperamos en el grupo oficial de facebook del certamen: allí podréis votar en las encuestas, seguir el día a día del festival, comentar las distintas obras y conocer nuevos cinéfilos. ¡Muchas gracias a todos los que formáis parte del CSF4! ¡Que viva el cine!

 

LARGOMETRAJES A CONCURSO
1ª parte, 2ª parte, 3ª parte, 4ª parte

PELÍCULAS DEL JURADO (fuera de concurso)

Lista completa

PODCAST DEL FESTIVAL: LINK

DIRECTOR HOMENAJEADO CSF4: LEOS CARAX (en orden alfabético)
1. "Chico conoce chica" (Leos Carax, Francia, 1984)
2. "Holy Motors" (Leos Carax, Francia, 2012)
3. "Los amantes del Pont-Neuf" (Leos Carax, Francia, 1991)
4. "Mala sangre" (Leos Carax, Francia, 1986)
5. "Pola X" (Leos Carax, Francia, 1999)
6. "Tokyo!" (Leos Carax, Michel Gondry y Bong Joon-ho, Japón, 2008)

LARGOMETRAJES FUERA DE CONCURSO (en orden alfabético)

1. "8 mujeres" (François Ozon, Francia, 2002)
2. "Bertsolari" (Asier Altuna, España, 2011)
3. "Carta a tres esposas" (Joseph L. Mankiewicz, EE. UU., 1949)
4. "Chicas malas" (Mark S. Waters, EE. UU., 2004)
5. "Cisne negro" (Darren Aronofsky, EE. UU., 2010)
6. "Colinas ciegas" (Li Yang, China, 2007)
7. "Compliance" (Craig Zobel, EE. UU., 2012)
8. "El fugitivo" (Andrew Davis, EE. UU., 1993)
9. "Elvira" (James Signorelli, EE. UU., 1988)
10. "Enamorada" (Emilio Fernández, México, 1946)
11. "Exótica" (Atom Egoyan, España, 1994)
12. "Frequencies" (Darren Paul Fisher, Australia, 2013)
13. "Ginger Snaps" (John Fawcett, Canadá, 2000)
14. "It Follows" (David Robert Mitchell, EE. UU., 2014)
15. "La chica que saltaba a través del tiempo" (Mamoru Hosoda, Japón, 2006)
16. "Las canciones del amor" (Christophe Honoré, Francia, 2007)
17. "Popeye" (Robert Altman, EE. UU., 1980)
18. "Punto límite: cero" (Richard C. Sarafian, EE. UU., 1971)
19. "Soñadores" (Bernardo Bertolucci, Reino Unido, 2003)
20. "Un instante en la vida ajena" (José Luis López-Linares y Javier Arroyo, España, 2003)

CORTOMETRAJES A CONCURSO (en orden alfabético)

1. "Alexia" (Andrés Borghi, Argentina, 2013)

2. "Día y noche (Day & Night)" (Teddy Newton, EE. UU., 2010)

3. "Eu Não Quero Voltar Sozinho" (Daniel Ribeiro, Brasil, 2010)

4. "I'm Here" (Spike Jonze, EE. UU., 2010)

5. "Luna" (Alejandro Amenábar, España, 1994)

6. "Meshes of the Afternoon" (Maya Deren y Alexander Hammid, EE. UU., 1943)

7. "Noche y niebla" (Alain Resnais, Francia, 1955)

8. "Paperman" (John Kahrs, EE. UU., 2012)

9. "Paths of Hate" (Damian Nenow, Polonia, 2010)

10. "Rhapsody in Blue" (Eric Goldberg, EE. UU., 2000)

11. "The Big Shave" (Martin Scorsese, EE. UU., 1968)

12. "The Dam Keeper" (Dice Tsutsumi y Robert Kondo, EE. UU., 2014)

13. "The External World" (David O'Reilly, Alemania, 2010)

14. "Validation" (Kurt Kuenne, EE. UU., 2007)

 

TRABAJOS NOVELES A CONCURSO (en orden alfabético)

1. "Afectos" (Gabriel Fojar, Argentina, 2015)

2. "Así como en la lluvia" (Manu Ochoa, España, 2014)

3. "Basura valiosa" (Keven Joab, México, 2015)

4. "Bohemia" (Daniel Farriol, España, 2011)

5. "Danza" (Juan Bagliani, Argentina, 2015)

6. "David Chánatos in Maniac Mansion" (David Chánatos, España, 2014)

7. "Director's Cut" (Pol González Ollé, España, 2015)

8. "El cacique" (Camilo A. Sánchez, Colombia, 2015)

9. "El intercambio" (Memo Romero, México, 2015)

10. "El teléfono de mamá" (Fer Zaragoza Carbonell, España, 2015)

11. "Jueves por la tarde" (Diego Ulloa, Ecuador, 2014)

12. "La breve historia: Mentiras" (Inés Pintor & Pablo Santidrián, España, 2011)

13. "Matanza Avanza. En algún lugar del camino" (Gabriel Manolio, Argentina, 2015)

14. "No mueras posibilidad" (José Miguel Portugués, España, 2013)

15. "Nostalgia" (Luis Lobato, México, 2015)

16. "Proyecto: Aquiles - Orígenes" (Paco Nebot, España, 2015)

17. "¿Puedes ayudarme?" (Pablo González, España, 2015)

18. "Rival" (Daniel Bermeo, Ecuador, 2015)

19. "Subliminal" (Anaís Medina y Tony Navarro, España, 2015)

20. "Tzanzan" (Daniel Jacome, Ecuador, 2015)

21. "Una entrevista peculiar" (David González, España, 2015)

CRÍTICA | SITCOM (COMEDIA DE SITUACIÓN), de François Ozon

Familia de monstruos

Festival de Sitges 1998: Mejor actriz

Francia, 1998. Dirección y guión: François Ozon Fotografía: Yorick Le Saux Música: Éric Neveaux Reparto: Évelyne Dandry, François Marthouret, Lucía Sánchez, Marina de Van, Adrien de Van, Stéphane Rideau, Jules-Emmanuel Eyoum Déido, Jean Douchet Duración: 80 min. Género: Comedia dramática Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/08/1999

¿De qué va?:  En las afueras de alguna ciudad corriente vive una familia en apariencia normal. La estabilidad se rompe cuando irrumpe en la casa un ratón de ojos rojos. En una misma noche, la hija mayor decide tirarse por la ventana, el hijo menor confiesa su homosexualidad, la criada intenta comportarse como una señora, y el patriarca responde sin interés a todos los nuevos acontecimientos para sorpresa de su desquiciada mujer.

Sitcom (Comedia de situación), ópera prima de François Ozon tras su actividad como cortometrajista, es una película que condensa todas sus intenciones en su mismo título: el director francés nos presenta, por lo tanto, una sátira de estructura teatral en la que todas sus situaciones y criaturas aparecen deformadas y exageradas. Un Ozon en una etapa de ferviente creatividad, de juventud irreverente y provocadora. En apenas 75 minutos, el director condensa un sinfín de barbaridades argumentales con el objetivo de poner patas arriba las expectativas de la audiencia, así como las bases sociales y sexuales de los espectadores. En Sitcom (Comedia de situación) se suceden incestos, deseos homosexuales, tendencias suicidas y habitudes masoquistas, de forma que los personajes, aunque reconocibles, siempre actúan de manera exacerbada y libérrima, a la contra de los tipos y prototipos que el film parece apuntar en sus primeros minutos. Ozon también se reserva ciertos juegos narrativos con vocación de macguffins televisivos: así, el tiroteo del inicio no deja de ser un subterfugio poco elegante para poner a la platea en tensión; y a su vez, su kafkiano final salta de lo grotesco a lo metafórico en apenas un segundo, dato que desestabiliza todavía más la sencilla pero turbulenta arquitectura de la historia. Con todo, a pesar de sus fugas, sus esputos y sus debilidades kitch, Sitcom (Comedia de situación), casi siempre al borde del precipicio de la pedantería, atesora cierto humor estancado. Al fin y al cabo, si el título de la obra es también una definición del film, la imagen de la rata de laboratorio encerrada en su jaula bien podría ser la base conceptual que describe toda la película. Un intento por animalizar las constantes burguesas y una forma de poner a intérpretes, industria y espectadores en la rueda del hámster, experimentando con ese cine del ridículo y de la gravedad que poco a poco se ha convertido en la "marca Ozon" por excelencia.

Para conocer los inicios de François Ozon.

Lo mejor: Su libertad.

Lo peor: Que su irreverencia se interprete como mera impostura.

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¡No te pierdas EL PODCAST DE C&R: ESPECIAL FRANÇOIS OZON!

CRÍTICA | BERNIE, de Richard Linklater

El funerario funesto

BERNIE, de Richard Linklater

3 nominaciones a los Critics Choice Awards, 2 a los Independent Spirit Award y 1 al Globo de oro

EE. UU., 2011. Dirección: Richard Linklater Guión: Skip Hollandsworht y Richard Linklater Fotografía: Dick Pope Música: Graham Reynolds Reparto: Jack Black, Shirley MacLaine, Matthew McConaughey, Rick Dial, Gary Teague, Tommy G. Kendrick, Mona Lee Fultz, Wendy Crouse, Grant James, Juli Erickson Género: Comedia dramática Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 07/08/2015
¿De qué va?: Bernie Tiede, el enterrador más querido entre las gentes de su pueblo, es acusado de haber asesinado a una viuda anciana con la que mantenía una curiosa relación. Entre la comunidad se expanden todo tipo de rumores. Pero... ¿es Bernie un asesino?

CRÍTICA | THE FENCER (MIEKKAILIJA), de Klaus Härö

Revolución a golpe de florete

THE FENCER (MIEKKAILIJA), de Klaus Härö

Jussi Awards de la Academia de Cine Finlandés a la mejor película y fotografía. Nominada al Globo de oro

Finlandia, 2015. Dirección: Klaus Häro Guión: Anna Heinämaa Fotografía: Tuomo Hutri Música: Gert Wilden Jr. Reparto: Märt Avandi, Ursula Ratasepp, Lembit Ulfsa, Kirill Käro, Carmen Mikiver, Kaie Mihkelson, Hendrik Toompere Sr. Género: Drama Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 15/07/2016
¿De qué va?: En su huida de la policía secreta, Endel, un campeón de esgrima, empieza a trabajar como profesor de gimnasia en un colegio. Sus clases de esgrima le harán ganarse el afecto de sus jóvenes alumnos, pero también las sospechas del director del centro.

CRÍTICA | VIVA, de Paddy Breathnach

 Jesús de La Habana

VIVA, de Paddy Breathnach

Representante irlandesa a los Óscar 2016. Sección oficial de los festivales de Teluride y Sundance

Irlanda, 2015. Dirección: Paddy Breathnach Guión: Mark O'Halloran Fotografía: Cathal Watters Música: Stephen Rennicks Reparto: Héctor Medina, Jorge Perugorría, Luis Alberto García, Renata Maikel Machín Blanco, Luis Manuel Álvarez Género: Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 08/07/2016
¿De qué va?: Jesús es un joven de 18 años en busca de su identidad. Se gana la vida como peluquero y arreglando las pelucas de un cabaret de La Habana. El día que el dueño del club accede a que Jesús pueda salir al escenario travestido, el padre del chico, un boxeador recién salido de prisión, irrumpe en escena.

CRÍTICA | ¿QUÉ INVADIMOS AHORA?, de Michael Moore

Hola, soy Michael Moore y vengo en son de paz...

¿QUÉ INVADIMOS AHORA? (WHERE TO INVADE NEXT), de Michael Moore

Nominación al Satellite Award y Critics Choice Award al mejor documental

EE. UU., 2015. Dirección y guión: Michael Moore Fotografía: Jayme Roy y Richard Rowley Música: VV. AA. Género: Documental. Sátira política Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/05/2016

¿De qué va?: Tras mantener distintos encuentros privados con miembros de la fuerzas armadas y las élites estadounidenses, Michael Moore decide invadir Europa para saber en qué se está equivocando su país. Bandera en mano, Moore visita Finlandia, Noruega, Islandia, Eslovenia, Francia, Italia, Portugal y distintos países. Sus conclusiones serán lapidarias... o tal vez no tanto.

¿Qué invadimos ahora? es una de las mejores comedias del año. Sin exagerar. Michael Moore hace gala de su vehemente demagogia en esta road movie europea que busca soluciones a los supuestos males de los Estados Unidos. Pero que nadie se asuste: Moore grita mucho pero dice poco. Mejor tomarse ¿Qué invadimos ahora? a cachondeo porque de lo contrario puede resultar un film irritante. Hay motivos para ello. La película habla de las bondades del sistema educativo finlandés, pero no trata el altísimo número de suicidios que registra el país. Cita el revolucionario sistema carcelario noruego, pero no dedica ningún segundo a destacar el auge de los partidos de extrema derecha en Escandinavia. Alaba los menús que comen los escolares franceses, pero no presenta sus elevados índices de sobrepeso infantil. Se maravilla ante la flexibilidad laboral que impera en Alemania, pero no enseña la precariedad que acompaña a la mayoría de los llamados "minijobs". Incluso se sorprende al ver que en Portugal se celebra el día del trabajador, pero no describe cómo ha sacudido la crisis en tierras lusas durante los últimos años. Y como estos, otros tantos ejemplos de dominio colectivo. ¿Acaso Moore se piensa que su audiencia es ingenua, tal vez imbécil? No exactamente. ¿Qué invadimos ahora? se sirve de la exageración y de la parcialidad para conseguir pequeños atisbos de verdad y momentos de comedia genuina. Si bien su humor funciona a la inversa de lo esperado: Moore, empeñado en mostrar los defectos de la sociedad estadounidense y de engrandecer a la europea, nos muestra el proceso de "americanización" que hemos sufrido en el viejo continente. Ello convierte el documental en una gran mentira, lúdica y reflexiva. Una vez más, la farsa está garantizada y la polémica está servida. ¡Que empiece el espectáculo!

Para espectadores que sienten atracción por los cineastas "tocapelotas".

Lo mejor: Su montaje rítmico.

Lo peor: Que Moore no haga escala en España.

CRÍTICA | LA PUNTA DEL ICEBERG, de David Cánovas

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LA PUNTA DEL ICEBERG, de David Cánovas
Festival de Málaga 2016: Sección oficial

España, 2016. Dirección: David Cánovas Guión: David Cánovas, José Amaro Carrillo y Alberto García Martín, a partir de la obra de teatro homónima de Antonio Tabares Fotografía: Juan Carlos Gómez Música: Antonio Hernández Reparto: Maribel Verdú, Fernando Cayo, Bárbara Goenaga, Álex García, Carmelo Gómez, Ginés García Millán, Jesús Castejón, Jorge Calvo Género: Drama. Thriller Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 29/04/2016

Si algo no se le puede negar al último cine español es su capacidad para convertir la actualidad del país en materia cinematográfica de primer nivel. Un mérito más destacable todavía si se piensa en la paleta inmensa de géneros, temas y tonos que abarcan nuestros directores. La cinematografía ibérica ha contado el estallido de la burbuja inmobiliaria (Cinco metros cuadrados), el drama de los desahucios (Techo y comida), el éxodo de jóvenes universitarios en busca de un futuro mejor (Perdiendo el norte) y los escándalos relacionados con la corrupción de ciertas élites (B de Bárcenas). Un cine, en definitiva, conjugado en un presente de desencanto, incluso cuando apela al espectáculo de masas (El desconocido) o a males personales o sociales que a priori poco tienen que ver con la debacle económica (La herida, Stockholm). A día de hoy, la presencia en la cartelera de propuestas como Cien años de perdón y El olivo amplía el ya de por sí heterogéneo abanico de ficciones que explican las relaciones humanas en tiempos de recortes materiales y morales. En el futuro inminente llegarán más películas, seguramente algunas más logradas que otras, pero todas suman y abren vías tanto para la diversión como para la reflexión. Se dice que la sociedad española está muy por encima de sus políticos, y de igual manera puede afirmarse que el cine que se rueda en España discurre varios pasos por delante de sus organismos y ministros de cultura. Y la mejor prueba, de nuevo, la encontramos en los cines con el film que nos ocupa: La punta del iceberg.

La ópera prima de David Cánovas se adentra en los mecanismos de una gran empresa que esconde muchos secretos. La protagonista, una ejecutiva de armas tomar, investiga el suicidio de tres trabajadores, dando pie a una trama detectivesca que, a la postre, cambiará su posición dentro de la compañía. Los actores y el guión que los sustenta hacen avanzar la historia sin histrionismos, con palabras precisas y credibilidad. Con todo, La punta del iceberg interesa más por su tema que por sus formas, hasta el punto de intuirse en demasiadas ocasiones las bases teatrales de su historia. Cánovas, consciente del hieratismo de la propuesta, intenta dinamizar el film con movimientos de cámara y algunos juegos geométricos, pero esos recursos no consiguen dar más energía a un thriller que siempre se intuye más intrincado sobre el papel que en pantalla. Unas imperfecciones que, por fortuna, no restan potencia a su mensaje. La punta del iceberg es un notable retrato del ambiente desquiciante que se respira en muchos despachos. Incluso cuando fuerza las costuras de su libreto, la película reacciona con prudencia (que no con cohibición), una estrategia que le permite hablar alto y claro sobre los abusos de poder y, al mismo tiempo, dejar a la libre interpretación del espectador las alas más oscuras de su argumento. La punta del iceberg reconduce la mirada de la audiencia, pero no la manipula: de ahí que su aportación vaya más allá de lo estictamente cinematográfico y consiga un espacio propio en la lista de películas citadas anteriormente. Con un director más experimentado y un presupuesto más generoso La punta del iceberg hubiera sido una bomba de relojería. Queda, eso sí, una película que puede y debe abrir ojos y conciencias, que no es poco.

Para entender el mundo (laboral) en el que vivimos.

Lo mejor: Verdú y todos los actores.

Lo peor: Su envoltorio formal.