CRÍTICA | NO MOLESTAR, de Patrice Leconte

¡Dejadme en paz!

NO MOLESTAR (UNE HEURE DE TRANQUILLITÉ), de Patrice Leconte

Francia, 2014. Dirección: Patrice Leconte Guión: Florian Zeller, a partir del libreto de su obra de teatro Fotografía: Jean-Marie Dreujou Música: Éric Neveaux Reparto: Christian Clavier, Carole Bouquet, Valérie Bonneton, Rossy de Palma, Stéphane De Groodt, Sébastien Castro, Christian Charmetant, Arnaud Henriet, Ricardo Arciaga, Elisha Camacho Género: Comedia Duración: 75 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 26/06/2015
¿De qué va?: Es sábado por la tarde en París y Michel acaba de encontrar un vinilo que llevaba buscando muchos años. Con el disco debajo del brazo y dispuesto a pasar una velada de lo más relajada, diferentes personajes intentan perturbar la paz de Michel. Su esposa quiere confesarle un secreto. Su criada se empeña en pasar el aspirador. Su amante irrumpe en escena con la intención de poner los puntos sobre las íes. Unos operarios rompen las tuberías de su casa. Su vecino está decidido a celebrar una fiesta ruidosa. Su hijo decide ocupar unas estancias del bloque como 'piso patera' para una familia asiática. ¿Qué más puede pasar?

Patrice Leconte forma parte de una extraña estirpe de directores que siempre han realizado las películas que les han dado la gana, sin importar los dictámenes de la crítica y del público, totalmente despreocupados por seguir o dilapidar su imagen de 'auteur' entre las élites cinematográficas. El cine del impulso y del instinto de Leconte vuelve a nuestras salas con No molestar, una película que se diría filmada 'a la antigua' (de concepción teatral, a imagen y semejanza de La cena de los idiotas), pero que en verdad esconde una sátira envenenada a una clase social francesa caduca, racista y patriota, bienestante y radical, que perfectamente podría votar al partido de Marie Le Pen, enarbolar la bandera de la familia tradicional y demás barbaridades. Todo ello queda expresado, aunque de forma subrepticia, en el personaje de Michel, un hombre que vive a la contra de todo y de todos, y que termina siendo la divertida víctima de una ironía del destino: su esposa, su hijo, su amante, su criada, sus operarios, su mejor amigo, su vecino y otros personajes deciden fastidiarle, todos a la vez, la misma tarde de sábado. Leconte recurre al humor amable, al gag comiquero y a los juegos de palabras, y consigue una narración bastante fluida a pesar de sus limitaciones espaciales y temporales (la trama sucede en un mismo bloque de pisos durante escasa hora y media). No molestar acumula despropósitos y momentos ingeniosos, aunque siempre es consciente de su condición de opereta bufa, de broma bien orquestrada. No molesta, tampoco apasiona, pero en todo caso se beneficia de la actitud militante y ecléctica de Leconte, un director que, guste más o menos, siempre tiene algo interesante que contarnos. Y si encima lo hace en unos medidos 75 minutos, con un gran elenco de actores disparatados y con una economía de medios admirable, mejor que mejor.

Para los que siempre han tenido vocación de 'mosca cojonera'.

Lo mejor: Christian Clavier, actor de largo recorrido que en España acabamos de descubrir gracias a Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?

Lo peor: Es fácil avanzarse al gag final del disco de jazz. ¿Por qué las 'chachas' parisinas siempre son españolas?

CRÍTICA | LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO, de Thomas Vinterberg

El 'Orgullo y prejuicio' de Thomas Vinterberg

LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO (FAR FROM THE MADDING CROWD), de Thomas Vinterberg

Reino Unido, 2015. Dirección: Thomas Vinterberg Guión: David Nicholls, a partir de la novela de Thomas Hardy Fotografía: Charlotte Bruus Christensen Música: Craig Armstrong Reparto: Carey Mulligan, Matthias Schoenaerts, Michael Sheen, Tom Sturridge, Juno Temple, Jessica Barden, Hilton McRae, Richard Dixon, Bradley Hall, Jamie Lee-Hill, Eloise Oliver Género: Drama romántico Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 12/06/2015
¿De qué va?: Inglaterra, 1870. Bathsheba Everdene es una joven huérfana con estudios que sobrevive en una pequeña hacienda rural. Al heredar la granja de su difunta tía, se traslada a una localidad más grande. La mujer se transforma de la noche a la mañana en una capataz de mano dura, obstinada y trabajadora. Su buena posición la convertirá en el centro del deseo de tres hombres muy diferentes: un soltero adinerado, un sargento marcado por un desengaño amoroso y un humilde ganadero.

Lejos del mundanal ruido es la primera producción que Vinterberg rueda fuera de Dinamarca, si bien las anteriores It's All About Love y Querida Wendy se filmaron en inglés y con actores norteamericanos. Estamos, por lo tanto, ante una obra que se distancia del resto de la filmografía del director de Celebración, en la misma línea de lo sucedido recientemente con obras de apellidos venidos del cine nórdico como Bier (Serena) y Tyldum (The Imitation Game). ¿Por qué el productor de turno o los responsables en cuestión decidieron que Vinterberg era el artista más indicado para llevar a la pantalla la novela de Thomas Hardy, que ya contaba con una adaptación cinematográfica de mediados de los 60? Tras ver la película, cuesta responder a tal cuestión. Con todo, Vinterberg, un director que hasta ahora parecía más cómodo en historias extremas de formas igual de radicales, ha sabido defender el romance de época de Lejos del mundanal ruido con solvencia y credibilidad, con una notable dirección de actores y un envoltorio técnico fuera de duda. No estamos, por lo tanto, ante una película adocenada o montada a capricho según los intereses de un gran estudio, sino ante una pieza muy consciente de su género, y al mismo tiempo muy respetuosa con la evolución y la personalidad de sus personajes. Vinterberg rinde en todo momento, si bien el segundo tramo del film resulta excesivamente folletinesco. A Lejos del mundanal ruido tal vez le falta pasión y le sobra pulcritud (Vinterberg parece haber interiorizado las máximas de los relatos de época de sello británico), pero cumple con creces como entretenimiento con clase sobre las arbitrariedades del amor, el tiempo y las diferencias sociales. Un drama adulto que demuestra la variedad de registros de Vinterberg, una película que acallará a todas las voces que han acusado al director de efectista. 

Para amantes del drama de época.

Lo mejor: Una Mulligan muy versátil, entre la entereza y la fragilidad.

Lo peor: Que la versión castellana no doble la canción que cantan los personajes de Mulligan y Sheen en una escena clave de la película. Es demasiado puritana: ¡a los actores no se les ve apenas ni un centímetro de piel!

Posts relacionados:

Reseña de LA CAZA (JAGTEN, THE HUNT), de Thomas Vinterberg

Reseña de SUBMARINO, de Thomas Vinterberg

CRÍTICA SERIES | EL MINISTERIO DEL TIEMPO (Temporada 1)

Cambiar el tiempo. Marcar la diferencia.

EL MINISTERIO DEL TIEMPO, de Pablo Olivares y Javier Olivares (creadores)

España, 2015. 1 temporada de 8 episodios, renovada para una 2ª temporada. Emitida por La Uno Género: Ciencia ficción Duración: 70 min. por episodio Tráiler: Link Web oficial: Link Opening Titles: Link Reparto: Rodolfo Sancho, Aura Garrido, Nacho Fresneda, Jaime Blanch, Cayetana Guillén Cuervo, Juan Gea, Francesca Piñón, Natalia Millán, Julián Villagrán, Mar Ulldemolins, José Antonio Lobato
El dato: La serie ha tenido una media de dos millones y medio de espectadores y un share de 12'3%, una cifra que supera la media actual de La Uno. Se estrenó el martes 24 de febrero de 2015, y posteriormente la serie se emitió los lunes en prime time. El canal emitió ocho making offs tras cada capítulo con el nombre de Los archivos del ministerio. Los 'ministéricos', en nombre que reciben los fans de la serie en Twitter, consiguieron que fuera uno de los títulos con mayor target social de la temporada. El hashtag que confirmaba la renovación de la serie se convirtió en trending topic. El canal estadounidense Fox se ha interesado por la serie de cara a un posible remake. Su título internacional es Department of Time. En el momento de escribir esta entrada, la serie se había exhibido en el mercado de Cannes con vistas a emitirse en otros países.

LA FICCIÓN ESPAÑOLA NO PIERDE EL TIEMPO (Reseña sin spoilers)

La televisión española necesitaba quitarse los lugares comunes y las malas costumbres de encima. Sí, amigos: una serie ha logrado marcar la diferencia. El ministerio del tiempo nunca registró grandes datos de audiencia, pero consiguió un justo apoyo en redes sociales y medios especializados. En la televisión pública de hace unos años, con los índices de seguimiento y de calidad de no hace tanto, la serie creada por los hermanos Olivares hubiera sido un fenómeno de masas. Pero nunca es tarde si la dicha, y la serie, es buena, más todavía tratándose de un título en el que el espacio y el tiempo funcionan como coordenadas que cambian con mucha facilidad. ¿Que no sabéis en qué consisten las normas del ministerio? No os preocupéis: os damos todos los datos.

La premisa es tan surrealista que sólo puede ser brillante. Desde hace siglos, el gobierno español cuenta con un ministerio secreto. Todos los monarcas y presidentes del país han supervisado el correcto funcionamiento del ministerio, cuyas patrullas se encargan de viajar en el tiempo y asegurarse de que nada ni nadie altera la Historia en mayúsculas. Se trata, en otras palabras, de preservar los hechos históricos que ya han acontecido para conseguir que el presente no sufra alteraciones. Además, uno de los principios del ministerio es que el tiempo pretérito no puede cambiarse, por mucho que sus trabajadores fantaseen con acabar con Hitler antes de su ascensión al poder, entre otras genialidades. 

Con ese propósito, el ministerio recluta tres personajes de épocas distintas: Alonso de Entrerríos, un soldado del S. XVI condenado a muerte; Amelia Folch, una de las primeras mujeres universitarias de la Barcelona burguesa de finales del S. XIX; y Julián Martínez, un enfermero de nuestros días marcado por la muerte de su esposa. Los protagonistas, ejemplos de la moral de su tiempo, aprovechan su fuerza y su espíritu rebelde para acometer con éxito distintas misiones secretas: entre otros retos, se encargarán de preservar la vida de Lope de Vega, conseguir que España no participe en la Segunda Guerra Mundial o poner orden en la Residencia de Estudiantes en la que coincidieron Dalí, Buñuel y García Lorca. Con todo, ninguno de ellos se limitará a ejercer de policías del tiempo: la posibilidad de volver al pasado (y, en el caso de Alonso y Amelia, de conocer su futuro) hará que los personajes se replanteen el sentido de su existencia, su lugar en el mundo y su capacidad por cambiar el curso de los hechos, unos dilemas que se materializan en el excelente capítulo final de la primera temporada.

¿Alucinante, verdad? Pues todavía sorprende más, y para bien, la eficacia de sus personajes secundarios (especial mención para Irene Larra, una lesbiana avanzada a cualquier tiempo interpretada por Cayetana Guillén Cuervo), sus cuidadas recreaciones históricas (la serie hace un guiño a la serie Isabel, de nuevo con el rostro de Michelle Jenner) y su espíritu entre lúdico y pedagógico. El ministerio del tiempo, además, sabe combinar costumbrismo y humor, de forma que las tramas, en sus saltos de escenario y siglo, aglutinan todo tipo de citas para todos los públicos. Las reflexiones que los personajes hacen sobre la historia de España, la crisis actual y los valores de cada época forman parte de lo mejor de la función. De nuevo, abuelos, padres e hijos pueden sentarse frente al televisor, pero sin necesidad de ceder a la marca blanca y al vodevil familiar tan repetido por la televisión de nuestro país. 

Con todo, El ministerio del tiempo dista de ser perfecta. A los capítulos les sobran 10 minutos de metraje: todavía nos cuesta adaptarnos a los 55 minutos reglamentarios (en España, el concepto de 'prime time' es una locura... aunque este punto lo dejamos para otro texto). Tal vez a la serie le pierde su didactismo, si bien es un aspecto justificable por tratarse de una serie defendida por el ente público (¿qué hubiera hecho otro canal con este material? Nunca lo sabremos). Y, sobre todo, se trata de un producto tan complejo que el espectador necesita varios episodios para 'cogerle el punto' a la historia: de ahí que los 8 capítulos iniciales sepan a poco, y que la resolución de la última entrega, aunque brillante, resulte algo precipitada.

Las bases de El ministerio del tiempo abren la serie a un sinfín de posibilidades, giros, tramas y personajes, por lo que tenemos muchas ganas de saber qué derroteros tomará en el futuro. No cuesta imaginarse una versión extranjera de la serie, ya que la fórmula se presta a que cada país pueda adaptar los postulados del ministerio a sus propias preocupaciones e historia. Tampoco debe descartarse la posibilidad de que la serie, en próximas emisiones, nos sorprenda con más imposibles. De momento, cabe apuntar que los capítulos mejoran a medida que avanzan, que los personajes crecen con el paso de los minutos y que la primera tanda de episodios termina en su momento álgido de misterio e interés. El ministerio del tiempo, en definitiva, es una serie con los índices de inteligencia y originalidad que deberían ser habituales en un país como España. Seguimos varios peldaños por detrás de Italia y Gomorra, de Francia y Les Revenants o de Dinamarca y Forbrydelsen, pero poco nos falta. Que cunda el ejemplo y que se difunda el mensaje (quien escribe también era un escéptico): El ministerio del tiempo vale muchísimo la pena.

CINERANKING | LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2015 (II)

El Cineranking es el proyecto más longevo del blog. Año a año, los lectores de Cinoscar & Rarities y todos los cinéfilos que lo deseen pueden participar y decidir cuáles son las mejores películas de cada temporada. Este 2015 llegamos a una nueva edición con el reto de decidir los títulos más destacados del año. La forma de votar es muy sencilla: basta con mandar vuestro Top 10 de estrenos, en orden de preferencia, al correo electrónico xavi_23990@hotmail.com, con un tweet a @Xavicinoscar o al grupo oficial del Cineranking 2015 en Facebook. A día de hoy hemos reunido 30 tops: a continuación os ofrecemos los resultados provisionales.

Para el Cineranking 2015, compiten todas las películas estrenadas en España entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2015, en cines, formato doméstico, VoD y/o plataformas de visionado en streaming. Semana a semana, con la llegada de nuevos estrenos a las carteleras, los videoclubs y las webs más destacadas, actualizamos la lista de películas a concurso: puedes consultar la lista provisional AQUÍ.

Para el siguiente post, se ha realizado el recuento de tops de la siguiente manera: el film votado en la primera posición de cada top ha recibido 10 puntos; el segundo, 9 puntos; y así hasta llegar al décimo film, valorado con 1 punto. Posteriormente, se ha procedido a sumar todos los puntos de cada película. En el post aparecen las 10 películas con mayor puntuación ordenadas según su total de puntos.

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2015

10. FUERZA MAYOR, de Ruben Östlund (Suecia) =

9. EL AÑO MÁS VIOLENTO, de J. C. Chandor (EE. UU.) -1

8. DEL REVÉS, de Pete Docter y Ronnie Del Carmen (EE. UU.) Nueva

7. FOXCATCHER, de Bennett Miller (EE. UU.) -2

6. LEVIATÁN, de Andrei Zvyagintsev (Rusia) =

5. DESCIFRANDO ENIGMA (THE IMITATION GAME), de Morten Tyldum (Reino Unido) +2

4. NIGHTCRAWLER, de Dan Gilroy (EE. UU.) -1

3. MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA, de George Miller (Australia) +1

2. BIRDMAN, de Alejandro González Iñárritu (EE. UU.) =

1. WHIPLASH, de Damien Chazelle (EE. UU.) =

En dos meses, actualizaremos la lista con los tops de los nuevos votantes. 

Y recuerda: ¡tienes toda la información del CINERANKING 2015 en nuestro grupo de Facebook! ¡Esperamos vuestros tops!

CRÍTICA | LES COMBATTANTS, de Thomas Cailley

Jóvenes combatientes

LES COMBATTANTS, de Thomas Cailley

Premio FIPRESCI de la Quincena de Realizadores, Festival de Cannes 2014. 3 premios César: mejor actriz protagonista, mejor actor revelación y mejor ópera prima

Francia, 2014. Dirección: Thomas Cailley Guión: Thomas Cailley y Claude Le Pape Fotografía: David Cailley Música: Philippe Deshaines, Lionel Flairs y Benoit Rault Reparto: Kévin Azaïs, Adèle Haenel, Antoine Laurent, Brigitte Roüan, William Lebghil, Thibaut Berducat Género: Tragicomedia Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 07/08/2015
¿De qué va?: Arnaud acaba de perder a su padre y se prepara para vivir un verano incierto. Con la intención de reflotar el negocio familiar, empieza a trabajar con su hermano. Un día coincide con Madeleine, una chica reservada, un tanto desgreñada y antipática, que está preparándose para entrar en el ejército. Arnaud decide enrolarse en el mismo curso de supervivencia para estar cerca de Madeleine y, con un poco de suerte, conquistarla.

CRÍTICA | A CAMBIO DE NADA, de Daniel Guzmán

A cambio... ¿de lo mismo?

A CAMBIO DE NADA, de Daniel Guzmán

Festival de Málaga 2015: Mejor película, mejor director, mejor actor secundario y premio de la crítica

España, 2015. Dirección y guión: Daniel Guzmán Fotografía: Josu Inchaustegui Reparto: Miguel Herrán, Antonio Bachiller, Luis Tosar, María Miguel, Antonia Guzmán, Felipe Vélez, Patricia Santos, Miguel Rellán, Fernando Albizu, Sebastián Haro, Roberto Álvarez, Luis Zahera, Ález Barahona, Lara Sajén, Mario Llorente, Carlos Olalla, Beatriz Argüello, Iris Alpáñez, Adelfa Calvo, Manolo Caro Género: Comedia dramática Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 08/05/2015
¿De qué va?: Darío tiene 16 años y una vida a la deriva. Con el único apoyo de su amigo Luismi, una anciana y un mecánico muy particular, el chico se escapa de casa. La historia de un verano en el que Darío conocerá la vida en su estado más puro, pero también sus peligros y sus abismos.

Del cine quinqui de los 80 a algunas de las obras de autores como Aranoa (Barrio), Mañas (El bola) o Rodríguez (7 vírgenes), el cine español ha retratado las distintas problemáticas sociales centrándose en sus principales víctimas: los más jóvenes. El director Daniel Guzmán, en su salto a la dirección, no sigue una senda demasiado novedosa, pero sí sorprende su habilidad para combinar drama y comedia, thriller y costumbrismo, en una historia aparentemente autobiográfica. Miguel Herrán y Antonio Bachiller, los protagonistas del film, destilan autenticidad, derrochan simpatía y se meten al público en el bolsillo con una facilidad pasmosa. Guzmán sortea los peligros del buenrollismo con bastante habilidad, si bien el guión es irregular tanto a nivel de estructura como idiomático: el abuso de muletillas coloquiales o vulgares como 'figura', 'broder' y otras resulta cargante e inverosímil en muchos momentos. Una película correcta en todos sus rubros, si bien su victoria en el Festival de Málaga es un hecho bastante cuestionable y sintomático del cine de nuestro país: todavía seguimos apegados a las estampas sociales 'ni demasiado amables ni excesivamente duras', detalle que dice muy poco del riesgo y de la actualidad tanto de nuestra industria como de la Academia que la representa. A cambio de nada es un canto a la amistad y una muestra de las consecuencias de una educación y acción social negligente, pero poco puede aportar, en forma y discurso, a películas previas. Habrá que esperar unas semanas para saber si los Goya la acogen con el mismo entusiasmo que en Málaga, pero, por si acaso, nos avanzamos a los acontecimientos: sin restarle méritos, se echan de menos más películas como Magical Girl, capaces de expandir horizontes y de sacudir las bases cinematográficas, que títulos como A cambio de nada, asentados en una visión agridulce de la realidad que, por repetición, ha dejado de tener sentido.

Para visitar la periferia madrileña.

Lo mejor: Sus dos actores, favoritos al Goya al mejor actor revelación.

Lo peor: Algunos momentos resultan poco creíbles.

CRÍTICA | AHORA O NUNCA, de María Ripoll

De embrollos y bodorrios

AHORA O NUNCA, de María Ripoll

España, 2015. Dirección: María Ripoll Guión: Jorge Lara y Francisco Rondal Fotografía: Pau Esteve Birba Música: VV. AA. Reparto: Dani Rovira, María Valverde, Clara Lago, Joaquín Núñez, Jordi Sánchez, Alicia Rubio, Víctor Sevilla, Yolanda Ramos, Gracia Olayo, Marcel Borràs, Melody Género: Comedia romántica Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 19/06/2015

¿De qué va?: Eva y Alex se conocieron en Londres durante un curso de verano. Diez años después, deciden casarse en el mismo lugar donde se conocieron. La novia, secundada por sus inseparables amigas y su suegra, ultima los detalles del enlace. El novio, acompañado de distintos amigos y familiares, se dispone a viajar hasta Reino Unido, pero una huelga de controladores aéreos y distintos contratiempos obligan a retrasar el enlace. ¿Lograrán darse el 'sí, quiero' a tiempo?

La comedia española vive un momento dulce tras los éxitos de Ocho apellidos vascos y Perdiendo el norte. Ahora o nunca, el nuevo pelotazo del cine local, sigue al pie de la letra las preferencias de su público potencial: humor costumbrista con chanzas de trazo grueso actualizado con formas propias de la televisión como el montaje ágil y el uso estratégico de canciones y músicas de todo tipo. María Ripoll une en un autobús imposible a un séquito nupcial en el que se detectan dejes 'almodovarianos' y 'carministas', sin olvidar toques de la comedia gamberra de factura norteamericana. También hay espacio para el desfase, las subtramas imposibles, los chistes con connotaciones sexuales, los tópicos de toda la vida y el vodevil de enredos. Mezcla ecléctica, en definitiva, que demuestra una vez más la pericia de María Ripoll a la hora de acogerse a géneros y a espacios diferentes, si bien esa virtud también le lleva a facturar películas de escasa personalidad, sumisas con los formulismos establecidos. Guste más o menos, Ahora o nunca da lo que promete, un detalle que el público valora y que, a juzgar por los datos de taquilla, seguirá dando muchos réditos a nuestro cine. Y si tenemos que mojarnos, Ahora o nunca aprueba, aunque sin entusiasmos: a ratos funciona, por momentos satura; es un placer culpable, pero también carga su nómina de sandeces. Un ejemplo de cine popular perfecto para jornadas intrascendentes: fácil de consumir y de olvidar.

Para los que se apuntan a todos los 'bodorrios' posibles.

Lo mejor: Gracia Olayo y Yolanda Ramos.

Lo peor: Tendremos a Dani Rovira hasta en la sopa.

CRÍTICA | MI GRAN NOCHE, de Álex de la Iglesia

Qué pasará, qué misterio habrá, puede ser...

MI GRAN NOCHE, de Álex de la Iglesia

Festival de San Sebastián 2015: Sección oficial fuera de concurso

España, 2015. Dirección: Álex de la Iglesia Guión: Álex de la Iglesia y Jorge Gerricaechevarría Música: Joan Valent Fotografía: Ángel Amorós Reparto: Raphael, Mario Casas, Pepón Nieto, Blanca Suárez, Carlos Areces, Luis Callejo, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Santiago Segura, Enrique Villén, Hugo Silva, Carolina Bang, Terele Pávez, Carmen Ruiz Género: Comedia negra Duración: 100 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 23/10/2015

¿De qué va?: En pleno agosto, en una nave industrial y entre una masa que reivindica mejoras salariales, un equipo televisivo se dispone a grabar el programa especial de Nochevieja. El cantante Alphonso es la gran estrella, pero el nuevo ídolo juvenil parece quitarle peso en el cartel del show. Los presentadores se pelean, el público repite aplausos y risas falsas... y mientras tanto, en las salas de maquillaje y entre bambalinas, se urden distintos complots, todos disparatados. La crónica de una gran noche en la que puede suceder cualquier cosa.

Mi gran noche confirma aquello que ya sabíamos: el cine de De la Iglesia es una fiesta infinita, delirante y lúcida en la que se dan cita criaturas disparatadas, con una sorprendente capacidad para quitarse sus máscaras y dar rienda suelta a su lado más salvaje. Sin remordimientos, sin que el director ponga límites a su desenfreno, celebrando por todo lo alto el frenesí más desatado. Las películas de De la Iglesia, por todo ello, atesoran un componente catártico y anárquico muy particular que en un principio parecía vinculado al cine fantástico de regusto yanki (Acción mutante, El día de la bestia) y que ahora, en esta noche de espíritu 'raphaeliano' y 'berlanguiano', se revela esperpento netamente castizo. Tan español, vaya, como la liturgia de Nochevieja, la crisis económica, la envidia endémica y la 'telebasura'.

De la Iglesia vuelve a recurrir a la figura del 'pobre diablo' como antihéroe de nuestros tiempos (Pepón Nieto está excelente), insiste en llevar a sus bestias hasta espacios elevados como metáfora de una histeria colectiva sin posibilidad de retorno (Areces y Ordóñez intentan disparar al ídolo de masas a varios metros de altura y entre bambalinas) y nutre su nómina de madres controladoras (Pávez), 'femmes fatales' nada convencionales (Suárez, Bang) y guiños a elementos de la cultura popular (de Raphael a un Mario Casas en clara imitación del Chayanne superventas de turno), entre otros arquetipos. La suma de sus numerosas partes da como resultado una película que, aun pudiendo parecer deslavazada, resulta muchísimo más interesante que las anteriores Las brujas de Zugarramurdi y sobre todo La chispa de la vida. 

Mi gran noche 'sube' rápido, como un cava navideño y efervescente, pero también tiene su enjundia si se disfruta sorbo a sorbo, personaje a personaje, chiste a chiste. Otra obra de arte bizarro para ese estupendo museo de los horrores patrios que es la filmografía de De la Iglesia. Y ya va siendo hora de que alguien diga que, asumiendo que Almodóvar está entrando en el crepúsculo de su carrera, el bilbaíno es el director más popular, personal, respetado y relevante del cine español de nuestros tiempos. Que siga la celebración, a pesar de sus excesos.

Para los feligreses más fieles de De la Iglesia.

Lo mejor: Raphael se ríe de sí mismo y refuerza todavía más su aureola de estrella.

Lo peor: La escena del helicóptero final, más 'mortadeliana' y menos ácida de lo que debería.

CRÍTICA | ISLA BONITA, de Fernando Colomo

Viaje a Menorca

ISLA BONITA, de Fernando Colomo

Festival de San Sebastián 2015: Sección Zabaltegui

España, 2015. Dirección: Fernando Colomo Guión: Fernando Colomo, Olivia Delcán y Miguel Ángel Furones Música: Fernando Furones Fotografía: Alfonso Sanz Reparto:  Olivia Delcán, Fernando Colomo, Nuria Román, Miguel Ángel Furones, Lilian Caro, Tim Betterman, Lluís Marqués Duración: 100 min. Género: Comedia Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 06/11/2015
¿De qué va?: Fer trabaja en el campo de la publicidad, aunque en el pasado fue cineasta. Al recibir la invitación de un amigo suyo, el hombre viaja hasta Menorca con el objetivo de filmar un documental y alejarse del ajetreo de la gran ciudad. Allí, Fer se enamorará de una escultora. La hija de ésta busca a su novio y a su antiguo amante por todos los rincones de la isla. El amigo de Fer tiene problemas con su esposa. Y todos ellos, juntos y revueltos, vivirán unas vacaciones muy animadas.

La banda Picasso, la anterior película de Fernando Colomo, era un producto de humor torpón, rodado en platós y con una voluntad de recreación histórica bastante pobre. Isla bonita es justamente todo lo contrario: un vodevil fresco y ágil, filmado en fantásticos exteriores isleños y con un discurso sobre el arte, el deseo y el amor nada abigarrado, y tal vez por ello sumamente eficaz. Que Colomo tenía y tiene talento innato para la comedia lo sabíamos todos, pero sus últimas películas denotaban cierto desgaste: pasada la moda de la comedia madrileña de los 80 y los ejercicios 'teen' de los 90, el cineasta no había sabido reconectar con el público y parecía rodar por inercia, un tanto desnortado e incapaz de dotar de cierta hondura a unas tramas de enredos que terminaban resultando nimias, incluso zafias. Por todo ello, Isla bonita no sólo es un esplendoroso descubrimiento, sino también la revitalización que necesitaba a gritos la filmografía de Colomo. Parte del cambio se produce gracias a su naturaleza de entretenimiento aparentemente menor, sin demasiadas pretensiones y con diálogos improvisados. Isla bonita es un experimento metalingüístico: Colomo se interpreta a sí mismo y se sirve de sus propias películas para dar a esta aventura veraniega un toque inusual de documental con chispa, con un caos muy ordenado y una gran riqueza de gags. Como los mejores vodeviles, Isla bonita funciona por acumulación de situaciones pero también por la autenticidad de todas sus piezas: ningún personaje tambalea y todo contribuye a incrementar la diversión de la platea. Hacer cine liviano con enjundia es muy complicado y Colomo lo ha conseguido. A ratos parece la adaptación del magnífico episodio viajero de Caro diario, en casi todo momento se intuye la sombra del Allen más locuaz y desenvuelto, y en conjunto la película demuestra la energía de un Colomo que, al asumir las formas de un producto low cost, ha encontrado la libertad creativa de la que no gozada desde sus ya lejanos inicios. Parece pequeña, pero es bonita. Casi preciosa. Una de las películas españolas del año. 

Para urbanitas cansados que quieren oír y oler el mar en noviembre, 

aunque sea desde la butaca del cine.

Lo mejor: Olivia Delcán, un descubrimiento.

Lo peor: No tendrá la visibilidad que se merece.

CRÍTICA | DEMASIADO VIEJO PARA MORIR JOVEN, de Isabel Coixet

Especial Isabel Coixet: Film 1

DEMASIADO VIEJO PARA MORIR JOVEN, de Isabel Coixet

España, 1988. Dirección y guión: Isabel Coixet Música: Carbonell Fotografía: Jesús Escosa Reparto: Gerardo Arenas, Carmen Elías, Emma Suárez, Fernando Guillén, Emilio Lain, David Sust, Bruno Bruch, César Ojinaga, Lloll Bertran, Ana Moratas, Joan Potau Género: Drama Duración: 105 min.

Demasiado viejo para morir joven se presentó el año 1989 en la Sección Zabaltegui del Festival de San Sebastián y reportó a Coixet su primera candidatura al Goya, concretamente en el apartado de  mejor dirección novel. El film no contó con el favor ni del público ni de la crítica, y la propia directora ha renegado de su ópera prima en numerosas entrevistas. Con todo, el film concentra parte del universo y de las constantes de su autora, y es un interesante viaje a la génesis del universo Coixet.

La película cuenta el devenir de Equis, un chico de 25 años, a medio camino entre la movida ochentera y la llamada ‘Generación X’ de los 90, que trabaja como mensajero para ganar algún dinero extra. Durante sus trayectos, Equis conoce una Barcelona de trapicheos, negocios destrangis, bares, cines, descampados, luces de neón y carreteras desiertas; y a la vez, contacta con distintos personajes marcados por la marginalidad y las adicciones a las drogas, todos ellos seres que, al igual que él, viven al borde de la exclusión social y del abismo. Equis conoce a Evax, una chica alegre, naif y un tanto inconsciente que salva al protagonista con una relación primero de amistad y luego de amor. Estamos, seguramente, ante el personaje femenino más libre y energético de toda la carrera de Coixet, una niña grande que no para de repetir su sueño casi infantil, un despropósito muy simpático: quiere montar una discoteca dentro de una iglesia. Y Coixet, como no podía ser de otra manera, abraza, y nosotros con ella, las rebeldías sin causa y las utopías de sus criaturas.

Una película de vidas al límite que sienta algunas de las bases del cine de su artífice. Emma Suárez, la encargada de interpretar a Evax, es sin duda el gran hallazgo del film. Con todo, se nota que se trata de un debut: está presente el pesimismo, la nostalgia y el romanticismo de Coixet, pero la película dista de ser convincente. Demasiado viejo para morir joven carece de ritmo, aunque no deja de resultar curioso e injusto que el film no haya contado con una reposición como se merece. La revista de cine Dirigido por la editó recientemente en dvd, aunque por lo general es una película difícil de conseguir y poco conocida incluso entre los fans de la obra de Coixet. A reivindicar.

Valoración del blog:

¡Escucha EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES dedicado a ISABEL COIXET!

CRÍTICA | DESPUÉS DE LUCÍA, de Michel Franco

Bofetadas impostadas

DESPUÉS DE LUCÍA, de Michel Franco

Mejor película, sección Un Certain Regard: Festival de Cannes 2012

México, 2012. Dirección y guión: Michel Franco Fotografía: Chuy Chávez Reparto: Tessa Ia, Hernán Mendoza, Gonzalo Vega Sisto, Tamara Yazbek Bernal, Paloma Cervantez, Juan Carlos Barranco, Francisco Rueda, Diego Canales Género: Drama Duración: 100 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Alejandra y su padre cambian de residencia, trabajo y colegio. Atrás dejan un duro episodio que ninguno de los dos verbaliza. Pronto, Alejandra empezará a sufrir bullying, pero la chica acalla el problema para no preocupar a nadie de su entorno. Un día, Alejandra pondrá fin a su situación, hasta el punto de que la vida de sus familiares y de sus acosadores cambiará para siempre.

El cine mexicano, al menos los títulos de esa cinematografía que se han exhibido recientemente en los festivales más importantes, parece preocupado en mostrarnos unas dinámicas sociales marcadas por la violencia y la inoperancia de los estamentos policiales, educativos y judiciales. Michel Franco se suma a la corriente de apellidos como Iñárritu, Reygadas y Escalante con Después de Lucía, una película que se coronó en los altares de Cannes al vencer en la sección Un Certain Regard del 2012. Franco sigue fiel a los postulados de sus compatriotas: fueras de campo y silencios recurrentes, ausencia de diálogos y apego por los planos secuencia de gran virulencia, tanto física como verbal. 

Franco consigue una película incómoda que deja a la superficie la peor cara de una sociedad corrompida: no hay ningún atisbo de esperanza, e incluso las víctimas, en última instancia, canalizan el maltrato sufrido con respuestas tan inesperadas como reprobables, como si el México contemporáneo fuera un paraje del 'antiguo oeste' donde todavía existe la ley del 'ojo por ojo'. Por ello, Después de Lucía resulta una película tan desangelada como exagerada, tan dolorosa como manipuladora. Hiere, pero el espectador nunca termina de creerse la dureza del conjunto.

La protagonista del film sufre vejaciones de todo tipo por parte de sus compañeros de clase, pero no avisa ni a sus profesores ni a su padre de la situación que está viviendo en su instituto, un detalle que Franco obvia en beneficio de su historia, pero que al final acaba por resultar del todo inverosímil. Cualquier espectador atento frunce el ceño al ver que los profesores no se percatan en ningún momento del agravio, que la policía actúa con una ineficacia casi cómica o que el padre, amparándose en una depresión nunca aclarada, se muestra demasiado permisivo. Un conjunto reconocible, pero demasiado inhóspito como para ser verdad.

Después de Lucía, en definitiva, termina siendo una cinta de violencia gratuita y de moral más que dudosa. Una película pretenciosa, de principio hermético y de final rocambolesco, tras cuyo visionado uno se pregunta si el mundo que le rodea es tan deprimente como lo filma Franco. En esta ocasión, sin que sirva de precedente, la ficción supera a la realidad. O, dicho de otra manera, su aparente pátina de cine social, veraz y real, acaba en la impostura más molesta.

Para preocupados por el bullying.

Lo mejor: La firmeza con la que Franco acomete las escenas más complicadas.

Lo peor: La impunidad y la ambigüedad moral que encierra la historia.