lunes, 27 de julio de 2015

SEMANARIO 93: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG: ESPECIAL CINOSCAR SUMMER FESTIVAL


Sección oficial 30:  LOS PECES ROJOS, de José Antonio Nieves Conde
Sección oficial 31: RÉQUIEM POR UN SUEÑO, de Darren Aronofsky
Sección oficial 32: LA BICICLETA VERDE (WADJDA), de Haifaa Al Mansour
Sección oficial 33: ¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ, de Stanley Kubrick
Corto 11: MORE, de Mark Osborne
Trabajos noveles 16: MASACRE, de Andoni Garrido
Trabajos noveles 17: INF..., de Gabriel Fojar
Trabajos noveles 18: LA BREVE HISTORIA: LA NADA, de I. Pintor y P. Santidrián

domingo, 26 de julio de 2015

TRABAJOS NOVELES | LA BREVE HISTORIA: LA NADA, de Inés Pintor y Pablo Santidrián


Trabajo novel Nº 18. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.
Entrevista a Inés Pintor y Pablo Santidrián, directores de La nada

1. ¡Saludos, Inés y Pablo! Gracias por formar parte un año más del Cinoscar Summer Festival. La nada se incluye dentro del proyecto La breve historia. Para aquellos que no tuvieron ocasión el año pasado de visionar La guerra fría, ¿podéis contarnos qué es y cuáles son las claves de La breve historia
La breve historia son cortometrajes que hablan de sentimientos. Películas sobre peceras, mares azules y camas. Un proyecto de cortometrajes que se distribuye gratuitamente a través de nuestra página web, www.labrevehistoria.com y cuyas piezas tienen en común su estética y temas, tratando las relaciones personales desde un punto de vista muy íntimo. 

2. La nada es la única pieza novel a concurso de la sección oficial dirigida por dos realizadores. A la hora de concebir un proyecto y de rodar, ¿cómo os repartís el trabajo? ¿qué ventajas o inconvenientes os aporta trabajar ‘al alimón’? 
Aunque hay aspectos en la producción de un cortometraje que hacemos por separado, la mayor parte del trabajo lo hacemos juntos. Formar un buen equipo es toda una ventaja para nosotros, permitiéndonos apoyarnos el uno en el otro para hacer lo que más nos gusta. 

3. Al igual que en La guerra fría, en La nada vemos una dirección de actores muy cuidada. En La breve historia habéis tenido ocasión de trabajar con algunos de los intérpretes más jóvenes y prometedores del panorama nacional. ¿Cómo trabajasteis con vuestros intérpretes? ¿Resultó difícil conseguir la atmosfera de intimidad que se respira en el corto? ¿Les disteis alguna directriz especial? 
Trabajar con Miguel Diosdado para La nada fue muy interesante. El corto juega entre la realidad y el mundo de los sueños, llegando a causar confusión sobre donde acaba una y empieza el otro. El trabajo con Miguel se basaba en esa confusión, en coger experiencias reales sobre la pérdida y el abandono y mezclarlas con aquello que nos hubiese gustado realmente que pasase. 


4. ¿Hasta qué punto podemos considerar La nada y los distintos fragmentos de La breve historia un retrato personal o generacional? ¿Qué hay de vosotros, en lo íntimo y en lo profesional, en La nada? 
En La breve historia y en La nada echamos todo lo que llevamos dentro. Cada historia se nutre de algo que hemos vivido y sentido y lo convertimos en algo que pueda sentir todo el mundo, que pueda relacionarlo con su propia historia personal. La breve historia somos nosotros, pero también es toda persona que la hace suya, que se identifica con ella y que siente algo dentro al verla. 

5. Y si hemos hablado del equipo artístico, no podemos dejar de citar al equipo técnico. ¿Os ha acompañado el mismo equipo en todo el proceso de creación de La breve historia? Imaginamos que en los sets de rodaje habéis formado una familia muy particular. 
La nada fue la primera breve historia con sonido directo. Hasta entonces nuestro equipo era de solo dos personas y fue entonces cuando creció y se hizo una familia. Desde La nada el equipo ha ido creciendo poco a poco hasta hoy. 

6. La cama vuelve a ser un espacio recurrente en La nada. Nos ha fascinado la idea de la sábana convertida en un gran lienzo con texto. ¿De dónde nace la idea? ¿Surge de algún referente cinematográfico confesable? Estamos convencidos que los espectadores quieren conocer anécdotas al respecto. 
Tenemos un amigo que abrió un blog hace unos años. En él, escribía cada día qué había soñado la noche anterior. Hablamos con él sobre que nos sería imposible acordarnos de los sueños que habíamos tenido, que solo seriamos capaces de hacerlo si apuntásemos los sueños nada más despertarnos. Si los escribiésemos en, como por ejemplo, la sabana de la cama. Aunque nunca llegamos a ponerlo en práctica en la vida real, lo hicimos en La nada


7. Los colores predominantes (blanco y azul) ayudan a crear unos espacios etéreos y enigmáticos. ¿Cómo trabajasteis el cromatismo del corto? ¿Era un aspecto prioritario o surgió de forma intuitiva?  
Hace poco nos pidieron que definiésemos a La breve historia en una sola palabra y contestamos azul. Aunque para La nada intentamos alejarnos del mar, de los cielos y del color azul, éste siempre encuentra la manera de colarse en nuestras historias. En este caso, si fue contagiándose de azul después de haberlo grabado. 

8. La nada puede definirse como un conjunto de capas oníricas, de sueños dentro de sueños. ¿Podemos hablar de una ciencia ficción romántica? ¿Erais conscientes de estar explorando terrenos propios del cine de género? 
No lo habíamos pensando como ciencia ficción romántica, pero el término nos encanta. Es cierto que si con otros cortometrajes de La breve historia nos centrarnos en la soledad, el abandono o la insatisfacción, La nada intenta recrear esa angustia única que solo ocurre cuando se nos rompe el corazón. Una angustia que te permite vivir en un mundo paralelo, el de los sueños o las fantasías, con tal de no aceptar la realidad. 

9. ¿Estáis preparando algún proyecto? ¿Tenéis una nueva obra en el tintero? Nos encantaría conocer qué ideas tenéis entre manos. 
Estamos empezando a grabar una breve historia muy especial para nosotros, porque es el resultado de la participación de muchas personas. Todas ellas han aportado un trozo de su breve historia y queremos que el resultado llegue a todos los que la han hecho posible. Además, estamos empezando la preproducción de otro cortometraje no tan breve, una historia de amor de vuelta al mar. 

10. ¡Muchas gracias por responder a nuestra entrevista! Una vez más, os felicitamos por La breve historia y os deseamos mucha suerte en el certamen. Para terminar, nada mejor que daros la opción de escribir unas palabras a nuestro público: ¿qué encontrarán en el corto? ¿por qué deben visionarlo y votarlo? ¡Saludos!
La nada es una historia sobre esos sueños que nos ayudan a escapar de la realidad. Una historia sobre aferrarse a algo que nunca quisiste perder. Sobre poder tener todo lo que siempre has soñado, aunque solo sea en sueños. Algo que, en mayor o menos medida, a todos nos ha pasado. Enhorabuena por esta iniciativa y gracias por el trabajo que hacéis, de verdad.

sábado, 25 de julio de 2015

TRABAJOS NOVELES | INF..., de Gabriel Fojar


Trabajo novel Nº 17. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.
Entrevista a Gabriel Fojar, director de Inf...

1. ¡Saludos, Gabriel! Gracias por formar parte de nuestro festival. Para empezar, nos gustaría que te presentases a nuestros lectores: ¿cuál es tu vinculación con el mundo del cine y tu experiencia como realizador? 
Desde siempre me he sentido parte del cine como espectador, aunque mi vida me llevó por el camino de la actuación, en las tablas; y ese magia que da el teatro, obviamente, siempre la sentí muy diferente a lo que nos entrega la pantalla grande. Pasados los años, ya como profesor de teatro en escuela secundaria, tuve la oportunidad de trabajar con la cámara y de explorar una nueva visión, más puntual en el detalle de la imagen. Fue así que comencé a utilizar la cámara con extensión de mi mirada, y el hecho de que lo que uno hace quede a través del tiempo me sedujo. No es que crea que el teatro no lo hace, sino que los tiempo son más efímeros. A partir de ese momento pude poner mis pequeñas historias en los cortos que realicé: abordé las problemáticas de los alumnos dentro de las escuelas, también la historia argentina, el suspenso, el romance adulto, la ciencia ficción, la filosofía...

2. Inf… es sólo uno de tus trabajos en calidad de cortometrajista. Teniendo en cuenta toda tu filmografía, ¿qué novedad aporta Inf…? ¿Cuál es el elemento que diferencia este corto de otros trabajos tuyos? 
En Inf… traté de imprimir y de mostrar ese mundo paralelo en el que muchas veces viven ciertas parejas. El tiempo que utilicé se explica porque sentí que el climax se iba a lograr con ese tiempo: prolongarlo, haría decaer y perder el ritmo que deseábamos obtener. Siento que con Inf… logré esa muestra interna de los personajes, el dolor que plasman en sus movimientos y el decir.

3. En Inf… nos cuentas una historia en apenas un par de minutos: ¿fue un reto o una prioridad el hecho de ceñirse a un metraje y a un escenario tan limitado? 
Que el guión sea breve fue también parte importantísima de la historia, ya que juego en mi mente con lo que pensarán los espectadores, lo que hubiesen dicho ante una situación así. Dejo que el espectador se haga dueño de la historia, y la reescriban con sus pensamientos.


4. Imaginamos que fue complicado lograr el clímax adecuado a la hora de rodar una escena con gran carga dramática. ¿Cómo fue el trabajo con tus dos actores? ¿Tenían experiencia previa o son intérpretes noveles? 
Con ambos actores había trabajado antes y con la actriz había compartido escenarios años atrás, por lo que fue muy fácil llegar al punto que deseaba lograr. Al actor lo había dirigido una vez en una pequeña muestra teatral: ambos intérpretes se fusionaron con gran profesionalidad, y con los dos hablamos mucho sobre la mentira, el engaño en la pareja, sin dejar de lado el tema de la mentira que atraviesa a los personajes.

5. El trabajo de fotografía en Inf… destaca especialmente. ¿Cómo planificaste los distintos encuadres y movimientos de cámara? 
En la planificación de los distintos encuadres tuvo mucho que ver el storyboard: lo utilicé de manera muy minuciosa, y traté que en la primera toma la cámara entrara en la historia, con cierta timidez, para hacer sentir al espectador que ingresaba a un lugar donde no debía (por este motivo la cámara se detiene por momentos).

6. El título es muy misterioso. Debemos completar la parte que sigue a los puntos suspensivos… ¿o puedes darnos una pista? ¿Qué metáfora encierra el nombre del corto? 
El título Inf… con esos tres puntos suspensivos, busqué, lo cual no significa que lo haya logrado, que el espectador finalizara el título con Infiel, Infeliz, que es la historia que encierra este corto: dos personas viviendo en una mentira compartida. La frase que acompaño a Inf… es (Nada es lo que crees), y esto también abre un abanico de pensamientos sobre la historia.


7. Inf… es un ejemplo admirable de economía narrativa: con apenas unas líneas de guión y el titular de un periódico trazas una historia complejísima. ¿Hasta qué punto la trama encierra una crítica social? ¿Te inspiraste en algún caso o alguna noticia de prensa concreta? Sin duda, el giro que toma la historia en su final dejará sorprendidos a los espectadores. 
La critica social que encierra se relaciona con el hecho de creer que el dinero todo lo puede, y tapa carencias en los sentimientos, así como nos pone en la comodidad de una mentira compartida, aunque muchas veces he tomado parte de vivencias o historias conocidas, este no ha sido el caso: este corto estuvo mucho tiempo rondando mi mente, y creo haberlo plasmado en mi fantasía de la misma forma a como salió.

8. ¿Cómo fueron las jornadas de rodaje? Seguro que puedes compartir con nosotros alguna anécdota de la filmación de Inf… 
Las jornadas fueron arduas, 12 horas durante tres días. Se trabajó mucho, pero no puedo negar que también nos hemos reído con muchas ganas. Una de las anécdotas que aún nos arranca sonrisas está relacionado con el sillón donde está la actriz, ya que, por motivos de técnica, no tenía mucho acolchonamiento y de hecho las maderas le dejaron a la actriz un dolor en su cuello por unos días y tuvo que tomar analgésicos (como verán, la vida del actor es dura).


9. Sabemos que próximamente darás a conocer tu próximo trabajo: Afectos. ¿Nos puedes adelantar algún detalle al respecto? ¿Guarda algún tipo de conexión, formal o temática, con Inf…
El próximo trabajo, Afectos, aunque se conecta con la complejidad de la pareja, no tiene un punto concreto con InfAfectos es la palabra que engloba muchos sentimientos, es el amor en su máxima expresión, el amor bien y mal entendido, que en momentos puede hundirnos y elevarnos con extrema rapidez, una historia que dejará mucho poso en quien la vea.

10. ¡Desde el Cinoscar Summer Festival te deseamos mucha suerte en esta nueva andadura! Para terminar, te ofrecemos la posibilidad de dirigirte a los lectores del certamen: ¿cómo definirías Inf… en pocas palabras? ¿Qué podemos encontrar en tu trabajo? ¿Por qué nuestros visitantes deben visionarlo y votarlo? ¡Muchas gracias! 
Inf … se ha trabajado con el respeto que merece un tema tan complejo como es la doble vida y el engaño. Esta historia deja ese sabor amargo de no poder enmendar los daños sufridos por ambos personajes, pero también deja la reflexión de ¿sentimientos o dinero?, cada quién elige.... Agradezco al Cinoscar Summer Festival todo el apoyo que ha recibido Inf…: mis respetos y agradecimiento a todos ustedes.

viernes, 24 de julio de 2015

TRABAJOS NOVELES | MASACRE, de Andoni Garrido


Trabajo novel Nº 16. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.
Entrevista a Andoni Garrido, directores de Masacre

1. ¡Bienvenido al Cinoscar Summer Festival, Andoni! A modo de introducción, siempre pedimos a los distintos realizadores que se presenten a todos los lectores. ¿Podrías contarnos cuál es tu vinculación con el mundo del cine? 
Mi vinculación con el mundo del cine viene de lejos. Me gustaba tanto el cine y escribir de pequeño que decidí licenciarme en Audiovisuales y especializarme en guión. Después de eso, trabajé de becario en una productora de series en Madrid, pero después volví a Bilbao, mi ciudad, para realizar diferentes proyectos, como varios cortometrajes y una webserie de humor y videojuegos titulada Cómo Conocí a la Chica de Ludisoft, que me ha tenido ocupado el último medio año. 

2. Nacho, el protagonista de tu trabajo, entra sin querer en la ‘habitación del pánico’. ¿Te inspiraste en alguna experiencia personal? ¿En algún compañero de facultad, tal vez? 
Afortunadamente nunca he conocido a ningún compañero de facultad con ganas de liarse a tiros en clase, pero sí que la historia viene de un día que un amigo y yo nos encontramos una cartera tirada en el suelo de la universidad y fuimos 'a donde los bedeles' a llevarla. Nuestra historia con la cartera acabó ahí, pero en mi cabeza sólo acababa de empezar. 

3. El corto fue rodado en Peñota, Santurtzi y Bilbao. ¿Qué partes o escenarios corresponden a cada lugar? ¿El cambio de localizaciones complicó o alargó el proceso de rodaje?
El piso está en Peñota, que se podría decir que es parte de Santurtzi. En Bilbao rodamos la escena de la Universidad, que es la de Sarriko, y la puerta enrejada de la casa, que es Deusto. El único plano que es 100% de Santurtzi es un plano general donde está amaneciendo y se ve el mar. Lo necesitábamos para presentarlo a un concurso, el Santurzine, donde exigían que al menos un plano fuese algún lugar conocido de Santurtzi. ¡Quedamos terceros! 


4. ¿Cómo fue el trabajo con tus actores? ¿Contaban con experiencia previa en el mundo del cine? A nosotros nos ha gustado especialmente la actuación de la madre de Matías, que aporta el contrapunto cómico y bonachón a la historia. 
Casi todos los actores son de teatro o de otros cortometrajes, aunque varios de ellos ya habían trabajado para televisión previamente. Por ejemplo, nuestro psicópata, Endika, había trabajado en Goenkale, una serie de la televisión vasca. Charly, uno de los policías, era regular en Vaya Semanita, un programa de humor muy mítico aquí. Y Yeray justo estaba haciendo una webserie en la que tenía un pequeño papel, y después de eso se convirtió en el prota de la webserie que estoy haciendo ahora. Y sí, el personaje de Tía Laura es muy simpático, y me duele no haber podido grabar, por falta de tiempo, una escena genial en la que, cuando llega Matías a casa, la tía les hace ir a la cocina a merendar. Una escena muy tensa pero muy graciosa a la vez. 

5. El cortometraje se cierra con un plano muy inquietante. ¿Has pensado en realizar una segunda parte? La masacre a la que alude el título sigue en suspenso… 
Segunda parte no, pero película sí. Tengo el guión de la película escrito y, la verdad, me encanta. Es una de esas pelis de varias historias que se entrecruzan y el destino hace que acaban de la peor manera posible. Ahora ando retocándolo para enviarlo a diversas productoras. Espero que en alguna guste. 

6. Masacre es un gran homenaje al cine de terror. ¿Qué opinión te merece ese género? ¿Destacarías algunos títulos que te inspiraron en la creación del cortometraje? 
Siempre me ha gustado mucho el cine de terror, aunque no diría que este corto es de terror. Más bien es un thriller chungo. Mi género favorito es el thriller, es donde mejor me muevo. Terror he tratado de escribir alguna vez, pero no me sale tan bien. prefiero verlo, aunque últimamente no me satisfago con nada. La última que vi que me gustó mucho fue el remake de Evil Dead


7. Los personajes adultos (la madre, los policías) resultan muy naifs, mientras que los jóvenes responden con violencia física o verbal. Incluso al inicio del cortometraje la pareja de amigos se ríe de su compañero de clase. ¿Todo ello obedece a una voluntad de parodiar o de criticar algún aspecto concreto? ¿Te apetecía citar, velada o directamente, a ciertas conductas de ciertos jóvenes de hoy en día? 
Sí, y esto se verá muy bien en el guión de largometraje si algún día se convierte en película. He tenido mucho más tiempo y páginas para desarrollar a estos personajes y ahora se les comprende mucho mejor. Supongo que el mensaje final es que los extremismos nunca son buenos, y menos si están fundamentados en odio y rabia hacia los demás. Porque al final los perjudicados somos todos, la sociedad, representada por Nacho, que a la vez es algo hipócrita, pues también se burla a escondidas de los que son diferentes. 

8. El clímax de la historia tiene lugar en una habitación relativamente pequeña. ¿Fue difícil rodar en ese espacio? 
Fue tremendamente difícil, sobre todo a la hora de colocar los focos y evitar ángulos de cámara que mostraran partes de la habitación que habían sido “arregladas” para ganar algo más de espacio durante el rodaje. 


9. ¿Tienes algún proyecto entre manos? Nos encantaría conocer algún detalle de tus futuras creaciones. ¿Te has planteado dar el salto al largometraje?
Me lo planteo todos los días. Quiero hacer largos, como Masacre, la película y otros más que tengo escritos. Si eso falla pues los convertiré en novela. Cortometrajes también tengo varios con ganas de rodarlos, pero ahora, como prioridad, tengo acabar la webserie, que se podría decir que es casi como una película, ya que dura la friolera de 80 minutos. 

10. ¡Muchas gracias por responder a nuestras preguntas, Andoni! Estamos convencidos que Masacre gustará mucho a nuestros espectadores. Para terminar, nada mejor que dirijas unas palabras a los lectores del post: ¿cómo presentarías Masacre en pocas palabras? ¿Por qué nuestros seguidores deben visionarlo y votarlo? ¡Mucha suerte! 
Este cortometraje cuenta la historia de un tipo, Nacho, que se encuentra una cartera tirada en su facultad. Es de Matías, uno de su clase al que no conoce del todo bien, pero aún así decide ir a devolvérsela a su casa. Sin embargo, una vez allí descubre que está planeando liarse a tiros en la facultad al día siguiente. Justo en ese momento, Matías llega a casa. Si te gusta el cine de tensión y suspense, te encantará este cortometraje.

jueves, 23 de julio de 2015

CRÍTICA | ¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ, de Stanley Kubrick

¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ 
(DR. STRANGELOVE OR: HOW I LEARNED TO STOP
WORRYING AND LOVE THE BOMB), de Stanley Kubrick
Largometraje nº 33: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de Juan Francisco Bigorra
Reino Unido, 1964. Dirección: Stanley Kubrick Guión: Peter George, Stanley Kubrick y Terry Southern Duración: 90 min. Género: Sátira bélica Tráiler: Link Reparto: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, James Earl Jones, Keenan Wynn, Slim Pickens, Peter Bull, Tracy Reed, Jack Creley, Frank Berry, Glenn Beck
¿De qué va?: Un militar ordena en plena Guerra Fría un ataque nuclear contra la Unión Soviética. Distintos altos mandos se disponen a evitar la catástrofe. ¿Conseguirá la cólera incontrolada de un general cambiar el devenir de la Guerra Fría?
Palmarés: Bafta a la mejor película y 4 nominaciones a los Óscar.


RESEÑA MAYRA: En la edición pasada del Cinoscar Summer Festival, una comedia de humor negro que también tenía lugar en una guerra (en ese caso la 2ª Guerra mundial), fue el film Ser o no ser (disfruté mucho aquella peli). Este año, en ese estilo satírico nos encontramos con ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú, que interesantemente también se ambienta en una guerra, en este caso un conflicto entre Estados Unidos y la Unión Soviética. Stanley Kubrick es el cineasta considerado ídolo de muchos: no estoy demasiado familiarizada con la cinematografía de Kubrick, pero de lo visto hasta ahora puedo decir que ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú es una de las películas que más me ha gustado (y eso que ya he visto 2001: Una odisea del espacio). La cinta crea un ambiente cómico pero a la vez de suspense, con buena estructura narrativa y buen ritmo, además de interpretaciones destacables (principalmente por parte de Peter Sellers), una historia que satiriza a ambos bandos dejando ver hasta qué lamentable punto puede llegar el absurdo del ser humano.

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RESEÑA MIGUEL: Si a día de hoy se construyese un museo sobre la perfección en el cine, en el que cada una de sus 100 salas hubiese una pantalla de cine, de tal forma que en cada pantalla se mostrase en bucle infinito las mismas películas, todas los films de Stanley Kubrick estarían expuestas. Incluida esta sátira política que es una de las pocas veces que Kubrick hace un acercamiento al género cómico, que aun así consigue otorgarle la misma épica que le da al resto de sus cintas. Aun sabiendo que para algunos la comedia es un género menor, aquí Kubrick, ayudado por un guión muy agudo, consigue convertir las risas en tensión; sonriendo mientras clavas las uñas al sillón. Peter Sellers, actor al que le cogiera cierta manía, elabora aquí un ejercicio de interpretación sobresaliente, poniéndose en la piel de múltiples personajes; y elevando la película hasta límites desconocidos. Es un film para ver varias veces, para reír, para aplaudir su técnica, y para dar gracias de que Kubrick hiciera películas.

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RESEÑA XAVIER: Aunque muchos lo describieron como un ser afable, cercano y muy simpático, el cine de Kubrick nunca destacó precisamente por su sentido del humor. Dr. Strangelove es probablemente su único intento (excelente, como no podía ser de otra manera) por construir una comedia extrema, entre la sátira y la crítica ácida. El film, a medio camino entre el thriller y la desmitificación histórica, describe los temores y el espíritu grandilocuente de los Estados Unidos durante la Guerra Fría. El baile de sombras y miserias sigue de plena actualidad, así como el tenso ejercicio de cine bélico que Kubrick orquestra en la cuenta atrás aérea más angustiosa que se recuerde en la gran pantalla. En esencia, el film no deja de ser una obra de cámara, una broma de dimensiones reducidas que empequeñece ante una filmografía que consiguió en tantísimas ocasiones la excelencia técnica (probablemente los planos aéreos de la película inspiraron al genio neoyorkino para su posterior aventura espacial). Con todo, el ‘sello Kubrick’, la inteligencia de su firmante y el medido ritmo narrativo vuelven a manifestarse con fuerza. Cine de altos vuelos, en todos los sentidos. Y bien pensado, los reflejos deformados que ofrece la película no distan de la realidad, tanto pretérita como presente. ¿O no tenemos la sensación de que nuestros dirigentes, políticos y militares, hacen y deshacen a placer sin ningún atisbo de decencia y de lógica? Kubrick, una vez más, visionario y maestro.

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RESEÑA DANIEL: Considerada por muchos como la gran obra maestra de Kubrick (por encima de las que a mi criterio son la cúspide de su cine: 2001 y La naranja mecánica), Teléfono rojo: volamos hacia Moscú cuenta con la más grande, fascinante y acertada sátira política que recordamos de aquellos viejos hombres que saben lo que es hacer cine. Un film que podría dividirse en etapas, y una tras otra se sucede con gran atino. Kubrick consigue adentrarnos a la más impensable manera de solucionar los problemas extremos de dos potencias mundiales buscando no solo entretener sino que, como hombres comunes que vivimos alejados de una realidad, hacer fiesta con esos individuos que están al mando y tienen el poder para hacer y deshacer como plazcan. La mofa que el soviético realiza alcanza cotas de habilidad pocas veces vista. De genios y psicópatas, de tontos y suicidas; de miserables y corrientes. El mundo está loco.

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RESEÑA ISIDRO: Si giro la cabeza 90 grados a la izquierda me topo con un pedazo de póster apaisado de Dr. Strangelove. Y si giro la silla 180 grados y engurruño los ojos (soy un poquillo miope) vislumbro el mismo deuvedé que llevé hace 6 años a una clase de Historia del Mundo Contemporáneo para reforzar el capítulo sobre la Guerra Fría (tenía un profesor muy guay que me dejaba proyectar todas las películas que quisiera si tenían que ver con el tema). ¿Qué quiero decir con esto? Pues que ¿Teléfono rojo? me parece una absoluta genialidad (o que soy un poco 'júligan', que a lo mejor), una comedia de suspense sin fisuras e irremediablemente divertida, con el toque justo de caricatura y esperpento y un reparto brillante. Porque no podía haber una sátira más incisiva y oportuna que esta sobre las tensas relaciones entre Estados Unidos y la Unión Soviética (¡el comunismo como una peste que contagia los fluidos corporales!) y la sombra de un cataclismo nuclear más posible de lo que podría parecer. Suerte que el mundo cuenta con el Dr. Strangelove y su plan iluminado por su Führer para salvar a la humanidad… más o menos. Lo cierto es que el panorama que presenta Kubrick es desolador: la estupidez humana es infinita, pero lo más sano que podemos hacer es reírnos de ello.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

La más demoledora sátira sobre la guerra fría y el peligro atómico de la historia del cine. El genio creador de Kubrick desborda en cada secuencia y alterna farsa y drama, crítica ácida y apabullante dominio técnico para relatar esta delirante odisea. La puesta en escena resulta un prodigio de imaginación visual, redondea una obra maestra absoluta, divertida y angustiosa a partes iguales. Miguel Ángel Palomo, El País

Aparente sátira política que toma el peligro nuclear como referente, a través de una historia planteada en un tono eminentemente delirante. Su director, que nunca ha revelado un excesivo sentido del humor, no acabó de ligar todos los extremos de la compleja trama, pero acabó cumpliendo. Lo mejor de la función reside en los tres personajes encarnados por Peter Sellers. Fotogramas, Redacción

NOTA DE LA CRÍTICA

 Filmaffinity: 8'0 / IMDB: 8'5 / Sensacine: 8'7 / Metacritics: 9'25 / Rottentomatoes: 9'65
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VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  
12 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor película
Mejor director: STANLEY KUBRICK
Mejor actor protagonista: PETER SELLERS
Mejor actor secundario: GEORGE C. SCOTT
Mejor reparto
Mejor música original: LAURIE JOHNSON
Mejor guión adaptado: S. KUBRICK, T. SOUTHERN y P. GEORGE
Mejor fotografía: GILBERT TAYLOR
Mejor montaje: ANTHONY HARVEY
Mejores efectos especiales: VV. AA.
Mejor diseño de producción: CLIFTON BRANDON
Mejor canción: We'll meet again

NOTA DEL JURADO

miércoles, 22 de julio de 2015

CRÍTICA | LA BICICLETA VERDE (WADJDA), de Haifaa Al Mansour


LA BICICLETA VERDE (WADJDA), de Haifaa Al Mansour
Largometraje nº 32: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de Raquel Ramos
Arabia Saudí, 2012. Dirección y guión: Haifaa Al Mansour Duración: 95 min. Género: Drama social Tráiler: Link Reparto: Reem Abdullah, Waad Mohammed, Abdullrahman Algohani, Sultan Al Assaf, Ahd Kamel
¿De qué va?: Wadjda es una niña de 10 años con mucha energía. La moral de su entorno prohibe a la niña tener una bicicleta con la que jugar con su amigo Abdullah. La desigual relación entre sus padres, sus vínculos con sus profesores y la influencia de las personas de su entorno harán que Wadjda se enfrente a distintos dilemas. Con todo, la pequeña no cederá en su obstinación por conseguir la ansiada bicicleta.
Palmarés: Nominada al Bafta, Independent Spirit Award y Satellite Award.

CORTO | MORE, de Mark Osborne


MORE, de Mark Osborne
Cortometraje nº 11: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de Jesús Onievar
EE. UU., 1998. Animación, 6 min.

RESEÑA MAYRA: Interesante segundo corto de Mark Osborne, quien luego dirigiría Kung Fu Panda. Metáfora sobre la manera subjetiva que se tiene de ver las cosas y como se ve distinto desde otros ojos. Esta es la historia de un personaje que inventa la fórmula para que su monótono mundo gris tenga color. Una pequeña pieza intrigante y emotiva que merece la pena ser visionada. Nota: 7

RESEÑA MIGUEL: He de reconocer que More es mi corto favorito del festival. En sus escasos 6 minutos ese ser entrañable me emocionó más que muchas películas. Su grandeza visual ligada a una original puesta en escena es totalmente un acierto. Es de los pocos cortos que me dieron ganas de continuar. Nota: 8

RESEÑA XAVIER: La criaturita que protagoniza More se pregunta lo mismo que nosotros: ¿hay algo más tras una realidad gris y rutinaria? Con una Stop Motion de regusto gótico, la música desasosegante de New Order y la empatía del público en el bolsillo, More queda en la memoria como el retrato de un apocalipsis cotidiano que busca y encuentra un resquicio de color. Un cortometraje extraño y entrañable, abstracto y humano, capaz de condensar grandes ideas y momentos en un metraje muy limitado. Como su título, deja con ganas de ‘más’. Nota: 6


RESEÑA ISIDRO: Confieso que More, un aclamado cortometraje que se quedó a las puertas de los Óscar, no me mata, pero teniendo en cuenta el semejante bodrio que le ganó en aquella edición sobre una coneja chocha que se metía en un horno, su derrota fue injustísima. More plantea una efectiva distopía sobre la alineación del hombre, el anhelo de felicidad y la corrupción moral, pero técnicamente la encuentro algo churretosa: la combinación del stop-motion con los dibujos delirantes no termina de explotar, y la música, que por ahí he leído que es un ejemplo de conjunción con las imágenes, me resulta totalmente invasiva. Fantasía, eso eran imágenes y música hechos un todo. Conclusión: buen fondo, forma regular. Nota: 6


RESEÑA DANIEL: More es de aquellas pequeñas obras que cuentan una realidad abrumadora, que nos hacen ver más allá de la infinidad de apariencias que padecemos. Osborne manifiesta la desdicha de un mundo grisáceo, en el que la monotonía es uno de los más terribles males; una sociedad plagada de infelicidad, en busca de momentos utópicos, que los hagan sentir seres útiles. La arrogancia, el poder y la inconformidad son sólo algunos de los temas que toca este esplendoroso corto, digno de análisis y mención. Bravo. Nota: 8

NOTA DEL JURADO:

martes, 21 de julio de 2015

CRÍTICA | RÉQUIEM POR UN SUEÑO, de Darren Aronofsky


RÉQUIEM POR UN SUEÑO, de Darren Aronofsky
Largometraje nº 31: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de Andrés Ricaurte
EE. UU., 2000. Dirección: Darren Aronofsky Guión: Darren Aronofsky y Hubert Selby Jr. Duración: 100 min. Género: Drama experimental Tráiler: Link Reparto: Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, Christopher McDonald, Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Janet Sarno, Suzanne Shepherd
¿De qué va?: Harry es drogadicto. Su madre es adicta a la medicación que toma para adelgazar. Él sueña con tener un futuro con su novia. Ella desea salir en televisión. Sueños dispares, pero con un denominador común: ser felices. Pese a su tenacidad, madre e hijo caerán en picado en una espiral de dolor y locura.
Palmarés: Candidatura al Óscar y al Globo de oro a la mejor actriz. Espiga de oro del Festival de Valladolid 2000 a la mejor película.



RESEÑA DANIEL: Adicción. El diccionario lo define como “hábito o dependencia de quienes usan de alguna droga tóxica”. Adicción. Lo somos. Somos adictos. Somos enfermos. Consumidores de lo que es dañino. De lo que nos mata. Pero cuán disfrutable es el veneno de la vida. Y Arosnofsky lo sabe, y lo sabía cuando tuvo la idea de filmar Réquiem por un sueño. El descenso a los infiernos de una madre y su hijo adictos a dos cosas diferentes es el plano central de esta historia. El film muestra lo sensorial por medio de suculentas imágenes, activa nuestra vista, nuestro deseo, nuestra imaginación. Se burla de la televisión como elemento esclavizador de mentes débiles, de una sociedad manejada al antojo de pocos, dispuesta para echar a miles al despeñadero cerebral. Hace alusión a las drogas y su consumo, como ese elemento destructor del cuerpo, que hace enloquecer nuestra máquina mental y volvernos dependientes de lo que envenena, aunque se deambule día y noche en lo celestial. Réquiem por un sueño impacta, enloquece y asusta. Brillante es un término corto. Se eleva al son de la melodía “Luz aeterna” que vierte sobre cada escena. 

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RESEÑA ISIDRO: En líneas generales, puedo decir que me gusta Arofnos… Afronos…, bueno, Darren, pero tengo una relación rara con él: tiene películas que me gustan muchísimo (Cisne negro, El luchador y sobre todo La fuente de la vida) y películas que no me convencen demasiado (Noé y sobre todo Pi, fe en el caos), y me temo que Réquiem por sueño acompaña a las segundas, y es que en todas las veces que la he visto la sensación principal que me invade es la de estar viendo un anuncio largo del Ministerio de Sanidad contra el consumo de drogas. Y funciona: lo último de lo que tengo ganas después de verla es de pincharme cosas. Pero si una película entera se reduce a un mero “no toméis drogas, niños” tampoco es que tenga demasiada sustancia. Vale, es cierto que deslumbra por su realización y su montaje, efectistas a más no poder pero muy efectivos, y consigue que pases un buen mal rato con posterior dolor de cabeza (doy fe). Y quizás cedo un poco si me decís que las tramas de Burstyn y Connelly tienen más chicha (por cierto, ambas soberbias). Pero no me negaréis que el de Wayans es un personaje de apoyo venido a más cuya exploración emocional no podría haber sido más cutre. Entre lo manipulador y lo pasional, lo churretoso y lo eficaz, quizá este réquiem representa mejor que ninguna otra lo que en líneas generales siento por la filmografía de Aronofsky.

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RESEÑA MAYRA: Réquiem por un sueño es una película sobre las adicciones y sus consecuencias. Aronofsky dirige con acertada fotografía tétricas escenas que nos acercan a esta cruda historia, donde sus ambiciosos personajes de a poco se sumergirán en vicios de los que no podrán escapar fácilmente. Es una cinta intensa, con un montaje frenético y vertiginosa banda sonora que cuando se pone en armonía con las imágenes incluso puede resultar perturbadora. Réquiem por un sueño presenta un brutal retrato de devastados personajes que intentando perseguir sus sueños y hacer lo mejor para ellos, terminarán siendo esclavos de sus acciones y arrastrados a un ambiente de autodestrucción. Un drama con buenas interpretaciones, tanto Jared Leto, como Jennifer Connelly y sobre todo Ellen Burstyn realizan un gran labor interpretativa. Sin duda estamos ante una cinta que, aunque dista de ser perfecta, no dejará indiferente a nadie. 

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RESEÑA MIGUEL: Réquiem por un sueño forma parte de esa lista de películas que se incluyen en el imaginario de cualquier joven nacido durante las décadas de los 80 o 90; lista en la que se incluyen otros tipos de films como Matrix, El señor de los anillos, Memento, Saw…, por nombrar algunos. No todas ellas con la misma suerte a nivel crítico en su día de estreno; sin embargo, todas con la seguridad de que perdurarían en los esquemas mentales cinéfilos de miles de jóvenes. Réquiem por un sueño es un claro ejemplo. Todos recordamos su banda sonora épica/machacona, el pinchazo de ese brazo gangrenado, la locura televisiva de la madre, y el “¡Correos, correos, correos…!” de su hiperestimulante final. Pero la pregunta que todos nos hacemos es: ¿sobrevivirá a un segundo visionado quince años después? Las cosas han cambiado, el gusto cinéfilo de su principal target de audiencia ha refinado sus gustos. En donde antes sólo veíamos secuencias de una estética estudiada y funcional, ahora vemos un estilo videoclipero y facilón que tiene la fuerza suficiente para alejarte de la historia. Historia que subraya de la misma forma despiadada y maniquea su pulso narrativo, mostrándonos climax de distinto nivel durante todo el metraje, es decir, la sutileza brilla por su ausencia. La película es un producto hiperbólico chutado de anabolizantes que descansa sobre todo en las espaldas de sus actrices, que regalan un brillante trabajo interpretativo. La respuesta a la pregunta es sencilla: Réquiem por un sueño no consigue sobrevivir al paso del tiempo al 100%; pero sin duda, ni estos años, ni los que vengan, conseguirán borrar el impacto que proyectó este film en toda una generación. 

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RESEÑA XAVIER: Tomando la herencia noventera de Tarantino y Boyle, Aronofsky firmó una película extrema y sensorial capaz de llevar al espectador a un estado de alucinación psicotrópica. Aronofsky se convierte en un ‘camello’ artístico, y sus personajes y espectadores en unos ‘yonkis’ insaciables. Puro arrebato, como diría Zulueta. U onirismo, según Lynch. La cuestión es que Réquiem por un sueño, en sus formas experimentales, su montaje sincopado y sus desaforadas interpretaciones, resulta una experiencia singular, una pesadilla que deja al descubierto las debilidades y las frustraciones de todas sus criaturas. Aronofsky nunca rebaja su grado de imaginación, tampoco deja que se cuele ningún atisbo de esperanza en su oscura arquitectura. Entendemos perfectamente que la película cuente con un nutrido grupo de fans ‘drogodependientes’, aunque el que escribe por momentos se ha sentido un tanto violentado, inmerso en una espiral de desazón pero también en un bucle desagradable que se repite en demasía. Aprecio el experimento que orquestra Aronofsky, pero no me cautiva, no me trastoca, no logra que sufra su historia o sienta ‘el mono’ en mis carnes. Seguramente ello se debe a que el film, como ya le ocurría a Pi, fe en el caos, está demasiado supeditado a sus giros y trucos formales (Cisne negro, en cambio, es un ejemplo de cine más orgánico, igual de original pero con un andamiaje emocional más rico). Los verdaderos ‘chutes’ cinematográficos no dependen tanto de la estética como de un buen guión. Aun así, felicidades, señor Aronofsky. 

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Aronofsky, ayudándonos a conocer el alma de sus personajes a través de sus ojos, nos involucrará en sus historias y devenir, obligándonos a empatizar con ellos y, por ende, a sufrir con y por ellos y también por nosotros, ya que el único fin del director es hacernos despertar, que nos olvidemos de malgastar nuestra vida deseando propiedades, o destruyendo nuestros valores. Arantxa Acosta, Miradas de cine

Puede resultar un fastidio para algunos espectadores, por su dura visión de la cultura de las drogas. Pero nadie interesado en el poder y la magia de las películas debería perdérsela. Peter Travers, Rolling Stone

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'8 / IMDB: 8'4 / Sensacine: 8'2 / Metacritics: 7'7 / Rottentomatoes: 8'55
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VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  
10 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor director: DARREN ARONOFSKY
Mejor actor protagonista: JARED LETO
Mejor actriz protagonista: ELLEN BURSTYN
Mejor actriz secundaria: JENNIFER CONNELLY
Mejor reparto
Mejor guión adaptado: DARREN ARONOFSKY y HUBERT SELBY JR.
Mejor música original: CLINT MANSELL
Mejor fotografía: MATTHEW LIBATIQUE
Mejor montaje: JAY RABINOWITZ
Mejores efectos especiales: VV. AA.

NOTA DEL JURADO

lunes, 20 de julio de 2015

CRÍTICA | LOS PECES ROJOS, de José Antonio Nieves Conde


LOS PECES ROJOS, de José Antonio Nieves Conde
Largometraje nº 30: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de Óscar Gómez
España, 1955. Dirección: José Antonio Nieves Conde Guión: Carlos Blanco Duración: 90 min. Género: Thriller Tráiler: Link Reparto: Emma Penella, Arturo de Córdova, Pilar Soler, Félix Dafauce, Félix Acaso, Manuel de Juan, María de las Rivas, Luis Roses, Ángel Álvarez.
¿De qué va?: En plena noche de tormenta, un hombre y una mujer llegan a un hotel de Gijón junto al hijo del hombre. Minutos después, la pareja asegura que el joven ha sido arrastrado por el mar debido a las inclemencias metereológicas. Sin cadáver, se inicia la investigación, a la vez que conocemos el turbulento pasado de los recién llegados.
Palmarés: Mención del Sindicato Nacional del Espectáculo a la mejor película española del año (5ª posición, tras Marcelino pan y vino, Historias de la radio, El canto del gallo y Muerte de un ciclista).



RESEÑA XAVIER: José Antonio Nieves Conde, conocido por Surcos, dirigió a mediados de los 50 Los peces rojos, un inusual cine negro con acento ibérico y formas que recuerdan a Hitchcock. El film, uno de los mejores trabajos de la querida intérprete Emma Penella, es una intriga bien armada que consigue dejar expectante a la audiencia con sus múltiples giros. A diferencia de otros títulos de la época, Los peces rojos mira hacia el cine norteamericano y lleva a espacios de la España de posguerra la esencia del mejor suspense. Unos flashbacks muy medidos, una gran dirección de fotografía y una cadenciosa descripción de personajes redondean una propuesta que sigue de tremenda actualidad y que, sorprendentemente, pocos han reivindicado. Penella no es una de las damas rubias de Hitchcock, De Córdova dista de ser un dandi del Hollywood clásico, el ambiente castizo no tiene la solera cinematográfica de las grandes urbes extranjeras… pero poco le falta. Tal vez la película dilata demasiado sus misterios (llegado cierto punto de la historia, el guión desvela sus cartas y el tramo final se intuye un tanto torpe), pero tras verla queda la sensación de haber visitado las alas más oscuras del ser humano. Una historia intrincada sobre la mentira, la manipulación y la ambición. Si no es un clásico del cine español es porque en este país nos falta autoestima; por fortuna, también nos sobra talento. 

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RESEÑA DANIEL: Una tormenta más grande que cualquier lluvia que cae bajo los cielos de Gijón es la que se desata en la historia de Los Peces Rojos, de José Antonio Nieves Conde, una película de cine negro que consigue plasmar con elegancia, incertidumbre y gran virtud una historia enrevesada donde las cosas no son todo lo que parecen y en la que el espectador se vuelve en un investigador más. Una película viva, llena de intriga que pone en evidencia la calidad interpretativa de dos inconmensurables actores (Penella y de Córdova) y en la que los celos, el crimen y la fantasía son el plato principal. Un film intenso que consigue sorprender a lo largo de su metraje, y con ello, además, manifestar la alta calidad de cine español que se dio aun en épocas de difícil trabajo para los cineastas. El final puede parecer precipitado, y aunque ciertamente no es perfecto tampoco desentona el conjunto del film, el cual es loable.

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RESEÑA ISIDRO: Si empiezas a ver Los peces rojos y al poco te das cuenta de que el actor principal, que habla con acento latinoamericano, se parece un huevo al chileno Pedro Pascal, la Víbora de Juego de Tronos, y aparte estás convencidísimo de que en los créditos ponía “Pascal” por alguna parte, cabe la posibilidad de que te tires toda la puñetera película pensando que tiene que tratarse de un familiar de Oberyn Martell. Y digo que solo cabe la posibilidad porque lo más seguro es que te metas tan de lleno en la trama como para ni querer volver a los créditos para comprobar el apellido del actor. Y es que la película engancha. Mola mucho pensar que una cinta sacada de la triste España de los 50 cuente una intriga del mejor cine negro narrada con la precisión de un Hitchcock cañí. Sabe ser un filme de suspense entretenido y muy eficaz sin tomarse demasiado en serio, lo que sumado a esos saltos en el tiempo tan audaces y unos giros de guion sorprendentes me recordó a esa película tan chorra y tan chula de los 90 hoy olvidada: Juegos salvajes. Confieso que si al final le hubieran dado otro giro más al guion habría acabado pasándomelo teta, pero reconozco que la verosimilitud del relato podría haberse resentido un poco más. Pero la verdad es que la disfruté bastante, y la prueba está en que no me metí en Wikipedia hasta que acabó… y no, Arturo de Córdova no tiene nada que ver con Pedro Pascal. 

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RESEÑA MAYRA: Los peces rojos es sin duda uno de los grandes descubrimientos de esta edición del Cinoscar Summer Festival. La cinta cuenta con un guión muy original e inteligente, una historia de suspense hilada con mucha habilidad y dirigida e interpretada de igual manera. Los peces rojos sabe intrigar y enganchar al espectador al puro estilo del cine de Lang o Hitchcock. Puede que no estemos ante una obra maestra pero sin duda poco le falta para lograrlo. Me ha gustado mucho la manera tan ágil con la que se desarrolla el film y las interpretaciones. Nieves Conde ejecuta con mucha destreza esta historia que realmente merece ser descubierta. ¿Que el cine español es malo? Pues creo que no estoy muy de acuerdo con eso. Y esta edición del CSF sin duda lo está reivindicando.

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RESEÑA MIGUEL: Gracia al Cinoscar Summer Festival he conocido esta película sin mucha gloria en el imaginario de los cinéfilos españoles (y del mundo). Buscar ejemplos de cine negro en la cinematografía española, y más en los años “dorados” del franquismo, es una tarea muy complicada. La calidad artística de aquella época iba ligada a la censura y a un carácter propagandístico. Por eso resulta tan sorprendente que Los peces rojos sea un film español de los años 50. Durante toda la película el metraje suda cine negro. La angustiosa atmósfera lo envuelve todo. Y el carismático rostro de Emma Penella nada tiene que envidiar de las actrices del Hollywood de los años de oro. Su final empalidece en comparación con el resto, pero es un mal menor que nuestra memoria tiene que esquivar, para repetir varias veces que estamos ante una joya del cine clásico español. 

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Melodrama un tanto risible que se montaba a partir de la moraleja que la mentira siempre se vuelve contra el mentiroso. El resultado llega a unos límites de insensatez casi delirantes. Lástima que la realización no recurriera a la vena enloquecida, al margen de algunos detalles accesorios, ya que hubiera sido una joya en su género. Fotogramas, Redacción

Un artificio ejercicio de narración, con flashbacks y elementos surrealistas, en el que sorpresivamente el espectador se convierte en cómplice de unos protagonistas tiranizados por un personaje de ficción. Días de Cine, Redacción

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'6 / IMDB: 7'5
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VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  
7 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor película
Mejor director: JOSÉ ANTONIO NIEVES CONDE
Mejor actor protagonista: ARTURO DE CÓRDOVA
Mejor actriz protagonista: EMMA PENELLA
Mejor guión original: CARLOS BLANCO
Mejor fotografía: FRANCISCO SEMPERE
Mejor montaje: MARGARITA DE OCHOA

NOTA DEL JURADO