OSCARS 2014: MEJOR GUION ORIGINAL

Los nominados al MEJOR GUION ORIGINAL son:

 David O. Russell y Eric Singer, por LA GRAN ESTAFA AMERICANA

A favor: Russell es uno de los hombres más solicitados y queridos de la Industria (parece que todo el mundo ya ha olvidado sus pretéritas polémicas en los platós y los desatinos que encadenó en décadas anteriores). Russell, a ojos de Hollywood, es un autor, un artesano que se implica en sus proyectos, y una forma de valorar su supuesta genialidad puede ser concediéndole este Oscar: no por casualidad estamos ante un año con poco nivel y Russell ha concatenado dos victorias consecutivas en los Baftas en este apartado. Si La gran estafa americana resulta sublime o irritante, grandilocuente o inmensa, es gracias a un libreto lleno de digresiones, flashbacks, cambios de voz narradora y saltos bruscos al tradicional orden cronológico. Su paleta narrativa es, en otras palabras, más que amplia, y los Oscar suelen valorar tanto la calidad como la cantidad.

En contra: Mientras que Jonze o Allen sí tienen el estatus de artistas completos (directores y guionistas), Russell sigue siendo una figura extraña. Además, su implicación en el guion es bastante dudosa, ya que la escritura del libreto se ha realizado a cuatro manos. El film ha destacado y gustado por el trabajo de sus actores, pero los elogios por las líneas del guion que recita ese fantástico elenco no han sido una tónica en los escritos y reseñas de la temporada. Es, con todo, la opción más asequible para el académico medio: parece, en definitiva, que la posible victoria aquí de la 'estafa' del año dependerá de las papeletas que tenga el film en otros apartados.

 Woody Allen, por BLUE JASMINE

A favor: Ya hemos perdido la cuenta de cuántas nominaciones suma el gran Woody en esta categoría (él, obviamente, no ha perdido ni un segundo en contarlas). Blue Jasmine es todo lo que le pide Hollywood a Allen: un libreto personal, al mismo tiempo deutor de ciertas corrientes y tópicos literarios clásicos, con personajes que permiten el lucimiento de sus actores y una trama tan rica en matices para la crítica más sivarita como entretenida para el público de a pie. A muchos nos parece un Allen menor, pero la Academia no opina lo mismo: desde que hemos empezado siglo, únicamente Match Point y Midnight in Paris han estado aquí (los votantes, en otras palabras, son muy selectivos, y tendrán en cuenta tanto la influencia de Allen como el éxito arrollador del film en taquilla).

En contra: El Oscar para Midnight in Paris sigue muy reciente en la memoria académica, y casi todos están de acuerdo en afirmar que ese libreto superaba con creces la imaginación y el brío de esta histérica Jasmine. Allen ha sufrido más avatares de los esperados en esta carrera de premios: ser el centro de la polémica, y más en un asunto familiar tan mediático y escabroso, puede espantar a una Academia amante de la corrección que quiere una gala sin protestas, pitadas ni sobresaltos. Allen, simbólicamente, ya tuvo su momento de oro en los Globos de oro con el premio Cecile B. DeMille ('cantado' por cortesía de Keaton): la Academia quiere a Allen, Allen se siente querido... y ambos saben que esta vez el Oscar no caerá en manos del maestro.

 Craig Borten y Melisa Wallack, por DALLAS BUYERS CLUB 

A favor: Dallas Buyers Club ha sido la gran beneficiada de las nominaciones a los Oscar (la Bestias del sur salvaje del año... aunque infinitamente más interesante y con más posibilidades de premio). La presencia del guion puede interpretarse según dos vertientes: en primer lugar, Hollywood ama los films que saben combinar temáticas espinosas propias de la órbita indie con historias que pueden llegar a un público amplio; y en segundo lugar, el hecho de que el film esté 'basado en hechos reales', con reivindicación más que evidente por el universo queer y los problemas del SIDA en los 80 - 90, hace que la propuesta sea muy fácil de convertir en lobby o pancarta. El guion tiene la fuerza arrolladora de sus personajes (va de lo risible a lo excelente, entre lo desaforado y lo comedido), otro dato que le beneficia.

En contra: De todos los guiones nominados es el que menos impacto y nominaciones ha tenido a lo largo de la carrera. Como ocurre con La gran estafa americana, su candidatura es tanto un resultado del 'efecto arrastre' del film en las votaciones como una forma simbólica de valorar un trabajo eminentemente actoral. Por número de opciones, tanto el film de Russell como el de Vallée pueden ganar en otros apartados y tener una estantería de galardones más que considerable. Si el film se impone en los dos apartados de interpretación masculina y en maquillaje y peluquería, la Academia no se enfangará dándole un cuarto Oscar a la película (siendo, virtualmente, la segunda más citada de la noche): el film de Russell necesita premios, pero el de Vallée parece que tiene un par de ellos más que asegurados. De ahí que Dallas Buyers Club figure unos metros más atrás en la línea de salida de contrincantes.

 Spike Jonze, por HER

A favor: Her es, de largo, la historia más actual, más original y más emotiva de la selección (en el otro lado de la moneda, puede que sea también la más incómoda y triste). La Academia no puede perder la ocasión de premiar a un artesano tan personal como Jonze: este año podría repetirse la tendencia del 2005, cuando Olvídate de mi y Michel Gondry ganaron el Oscar (estatuilla para la ficción romántica, alternativa, imaginativa y llamada a ser 'de culto' desde el primer visionado). Cuenta con el Globo de oro y el galardón del Sindicato de Guionistas, por lo que tiene el Oscar casi en la mano. Es la opción más firme, por no decir la única, de la película: suma 5 candidaturas, está en el apartado de 'mejor película' y hay ganas por premiarla.

En contra: Sin títulos potentes en la terna, con la película del año fuera de la categoría (Gravity), la posible ganadora compitiendo en el apartado paralelo (12 años de esclavitud) y muchas bazas con tendencias indies (de hecho, todas menos la de Russell), la categoría de mejor guion original puede dividirse considerablemente en el conteo final de votos. A Her también puede pasarle factura su escasa repercusión en Europa (donde no se ha estrenado, o está a punto de hacerlo en función del país), algo que ya se puso de manifiesto en los Bafta (no nominaron ni a la cinta de Jonze ni a la de Vallée).

Bob Nelson, por NEBRASKA

A favor: Las historias pequeñas pero grandes en sentimientos y humanidad son una constante en esta categoría: para films con apartados técnicos más austeros, la Academia siempre reserva el premio al mejor guion como recompensa simbólica. Payne ya sabe qué es ganar, pero nunca lo ha hecho con un guion no escrito por él: si la Academia valora al firmante del libreto y no al firmante del film como conjunto, el reciente premio para Los descendientes no debería ser un escollo para que Nebraska pudiese dar el campanazo aquí. De largo, es la historia que más enternecerá a una Academia tirando a anciana: las desventuras de un hombre mayor que se lanza a la carretera para revisitar su pasado y conseguir un premio millonario suena a 'good feeling' de Oscar.

En contra: Nebraska tiene todos los números para ser la gran derrotada en la gala del 2 de marzo: sus nominaciones desbordan, pero su lista de premios es más bien enclenque. De nuevo, estamos ante otro caso de film en el que los intérpretes ensombrecen o superan al guion (opinión, obviamente, personal): en ese aspecto, Her es la opción más equilibrada y la que llega a la photo finish con mayor ventaja. La popularidad de sus contrincantes es otra barrera para Nebraska: de alguna manera, resulta curioso que una propuesta 'de autor' tenga un guion no firmado por el director, detalle que la Academia tendrá en cuenta.

QUINIELA DE LOS LECTORES (Total votos: 122)
1. HER, con 66 votos (55%)
2. LA GRAN ESTAFA AMERICANA, con 28 votos (23%)
3. BLUE JASMINE, con 14 votos (11%)
4. DALLAS BUYERS CLUB, con 12 votos (10%)
5. NEBRASKA, con 2 votos (1%)

QUINIELA DEL BLOG
1. HER
2. LA GRAN ESTAFA AMERICANA
3. DALLAS BUYERS CLUB
4. BLUE JASMINE
5. NEBRASKA

Y SI EL BLOG VOTASE...
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5. NEBRASKA

Crítica de TODAS LAS MUJERES, de Mariano Barroso

Por fin una película española se anima a volver a una figura tan nuestra como la del pícaro. Un pícaro que sigue sobreviviendo, ahora con más dificultades si cabe por culpa de la crisis. Sus armas, eso sí, son las mismas de siempre: engaños, engatusamientos, manipulaciones e invenciones varias para conseguir lo inalcanzable. Nacho, el miserable con labia de Todas las mujeres, gasta sus últimos cartuchos, todos ellos en forma de mujer (las pocas que están dispuestas a acompañarlo en su particular naufragio), para maquillar el plan que había hurdido en secreto y que ahora está obligado a confesar, todo producto de la inoperancia clásica del ignorante que quiere vivir del cuento y no puede. Eduard Fernández es el encargado de defender un pobre diablo que pasa de la euforia al fondo del pozo en apenas diez minutos, y que posteriormente vaga errante por la película, su película, a modo de castigo y de evidencia palmaria de sus pecados. La estructura del film (el personaje se enfrenta a seis encuentros o duelos con una némesis femenina) dota a la película de un aire teatral y minimalista: el guion y los actores que recitan cada frase del libreto sustentan toda la propuesta, algo que los Goya supieron valorar y que han premiado con un cabezón al mejor guion adaptado. Con todo, la génesis del proyecto no es cinematográfica, ya que Todas las mujeres es en realidad una serie de seis episodios para el canal TNT que han sido adaptados y recortados para su puesta de largo en la gran pantalla. Ni la picardía del mejor montador y guionista pueden disimular que Todas las mujeres (la película) tiene profundos desajustes narrativos, aunque las frases resulten ingeniosas y aunque todos los actores estén estupendos. Sin haber visto la serie, es evidente que en los 80 minutos de metraje para el cine unos capítulos funcionan mejor que otros y que algunos personajes, por cómicos, resultan del todo difíciles de creer (ahí está la madre que da vida Petra Martínez). La picardía de la crítica ha coronado Todas las mujeres como una de las mejores cintas españolas del 2013, pero en lo personal no puedo evitar sentirme una víctima más, en este caso no femenina, de Nacho y sus malas artes: la película, aunque original, carece de autenticidad, sufre de cierto encorsetamiento, no resulta dinámica y espontánea. Con todo, puede que estemos ante el mejor trabajo en mucho tiempo de Mariano Barroso. Aunque no es suficiente. Volvemos a la falsa promesa del pícaro: 'la próxima, será mejor'.

Para ver a Eduard Fernández otra vez en acción.

Lo mejor: El ingenio de algunos de sus pasajes.

Lo peor: Es más una yuxtaposición de historias que una unión, algo que resta brillo a las bondades del guion y de los actores.

Nota: 5'5

Posts relacionados:
Crítica de LO MEJOR DE EVA, de Mariano Barroso

OSCARS 2014: MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

Los nominados al Oscar a la MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL son:

1. THE ACT OF KILLING, de Joshua Oppenheimer y Christine Cynn (Dinamarca)

Un equipo de cine filma las conversaciones con un grupo de ancianos que en los años 60 orquestró un terrible genocidio en Indonesia. Lejos de filmar la culpabilidad del verdugo, los pobres ignorantes que retrata la película presumen de sus fechorías, recrean la masacre de antaño y siguen convencidos de que los comunistas son todavía ahora un mal a exterminar. The Act Of Killing es una de las películas más inenarrables de la última década: cuesta dar crédito a lo que se ve, pero todavía resulta más pintoresco e inmoral la postura de sus directores, que ridiculizan a unos personajes deleznables y a la vez víctimas de las risas internas de la historia. Estupefacción, pero también enfado. The Act of Killing es de largo lo más impactante que estos Oscar, pero en su corazón no solo anida la negrura de la guerra sino el poco tacto de una 'realidad ficcionada' que nunca antes había pisado terrenos tan fangosos. Para muchos, una obra maestra expulsada cual vómito de las profundidades oscuras del ser humano. Para quien escribe, simplemente desagradable y efectista: un timo.

A favor: Del quinteto, es el documental más visto, comentado y popular. Cuenta con no pocos fans, algo que ya sucedió el año pasado con Searching for Sugar Man. Viene acompañado de un aparato promocional muy potente y ya ha ganado muchos de los premios 'previos' a la estatuilla.

En contra: La película se aleja de las temáticas que la Academia suele premiar en esta categoría. El resto de candidatas parecen opciones o tramas más actuales, algo que resta fuerza a sus posibilidades de Oscar. Hay pocos precedentes de documentales europeos ganadores en Hollywood: de ganar, esta situación se produciría por segundo año consecutivo.

Nota del blog: 4

2. CUTIE AND THE BOXER, de Zachary Heinzerling (EE. UU.)

Es muy curioso que los Oscar no hayan nominado propuestas como Marina Abramovic: la artista está presente o Stories We Tell y sí hayan decidido incluir en su lista de candidatas a Cutie and the boxer, película que combina, con menos fortuna que las citadas, el retrato íntimo familiar con el documental que intenta explorar las interioridades del arte alternativo. A partir del pintor japonés Ushio Shinohara y de su esposa Noriko, Heinzerling nos propone un curioso álbum de fotos a partir de los dibujos de ella y de los lienzos pintados a puñetazos de color por él. El documental prefiere centrarse en la musa del artista que en el artista: de ahí que sepa a film reivindicativo, comprometido con esas pequeñas grandes personalidades y expresiones artísticas que tal vez nunca llenarán galerías, museos o libros. Lástima que otras alas de la casa de los Shinohara queden elididas o contadas a brochazos demasiado gordos: ahí está el curioso dibujo del hijo del matrimonio, tan borracho, problemático y talentoso como su padre.

A favor: Es la apuesta más tierna, y más en una selección repleta de historias incómodas. Puede tener de su parte a un sector de la Academia: los personajes son ancianos militantes, activos y comprometidos con la causa artística, una banda muy fácil de premiar.

En contra:  Antes y después de las nominaciones, estamos ante el documental menos conocido del quinteto. Para el paladar académico puede ser una película minoritaria, 'de arte y ensayo', a la que siempre queda bien premiar pero que difícilmente se impone en la gala final.

Nota del blog: 6

3. DIRTY WARS (GUERRAS SUCIAS), de Rick Rowley (EE. UU.)

Hollywood siempre nomina películas de trasfondo bélico que afectan de primera mano al gobierno norteamericano. Por repetido sentimiento de culpabilidad o por insaciable curiosidad por lo que ocurre en Afganistán, Guerras sucias figura entre las nominadas con un relato nada complaciente y un mensaje provocador: la mayoría de guerras se orquestran desde la Casa Blanca y las víctimas nunca se convierten en noticia. Jeremy Scahill realiza un ejercicio de periodismo valiente y comprometido: la película desmenuza sus investigaciones, su trabajo como reportero de guerra y su papel como azote público de las altas esferas (no os podéis perder las partes en que Scahill es acallado e insultado en encendidísimas tertulias de la televisión estadounidense). La película no tiene final, pero sí un mensaje muy descorazonador. Obra contundente, tal vez lastrada por cierta estructura propagandística y por el endiosamiento de su intrépido protagonista. ¿O bien todo ello son conclusiones involuntarias para restar potencia a un film que evoca pensamientos del todo insportables? Para amantes de las teorías conspiratorias.

A favor: De las nominadas, es la única nominada por el Sindicato de Guionistas. Se ha exhibido en cines y ya está en dvd: la película es titular desde hace mucho tiempo, y todo el ruido generado puede beneficiarle.

En contra: La Academia no premia documentales bélicos desde 2007 y Taxi to the Dark Side: el film encaja en el perfil de 'nominada habitual pero nunca premiada'. Scahill recuerda ligeramente a Michael Moore, un mal precedente para una Academia que no quiere discursos críticos ni demasiados sobresaltos en su mediática gala.

Nota del blog: 7

4. THE SQUARE (EL MIDAN), de Jehane Noujaim (Egipto)
Documental militante, rodado desde el epicentro de las protestas que han llenado la plaza principal de El Cairo y alrededores. Jehane Noujaim consigue poner voz y cara a la situación política de Egipto, y sobre todo logra que entendamos tanto las consignas por las que luchan sus protagonistas (aquí cuesta hablar de personajes) como la cronología de todos los hechos, líderes y titulares que hemos escuchado, casi siempre descontextualizados, desde Occidente. The Square respira verdad por todos los costados, y como ficción es un documental muy bien narrado, bien documentado y filmado, entretenido y didáctico. La Academia tiene una oportunidad de oro para demostrar que sigue apegada y comprometida a las barbaries que ocurren 'aquí y ahora': no basta con una nominación diplomática (ya sucedió algo parecido el año pasado con 5 cámaras rotas). The Square debería ser proyectado en todo el planeta: la candidatura será su trampolín, pero la única forma de dar un final feliz a un documental que por su actualidad carece de punto y aparte es dándole el Oscar. Se lo merece.
A favor: Es la película más actual del grupo. De largo, es el film que ha sido concebido en unas condiciones de rodaje más desfavorables: puede rubricarse una vez más la victoria del 'pez pequeño'.
En contra: La Academia ama la corrección: nominarla es casi un acto de conciencia obligada, pero premiarla implica un posicionamiento político claro, algo muy poco habitual en Hollywood.
Nota del blog: 7

5. A 20 PASOS DE LA FAMA (20 FEET FROM STARDOM), de Morgan Neville (EE. UU.)
Una bonita reivindicación de las coristas que hemos escuchado en infinidad de temas y cuyos nombres desconocemos. Una exposición apasionada de la industria musical, con sus éxitos, sus injusticias y sus 'reglas marcadas': Bowie, Sting, Jagger, Wonder o John aparecen en una película que respira música por los cuatro costados. Y de paso, un repaso por esos hits que hemos escuchado miles de veces y una revisión de las últimas décadas de música, de la explosión de la música negra a la electrónica actual que requiere cada día menos de las singulares 'black voices' de antaño. A todo esto, hay que añadir el factor que puede darle el Oscar al documental más musical de la selección: A 20 pasos de la fama habla del éxito, de sus peligros y de las dificultades que existen para conseguirlo. Monumento mayúsculo a la música norteamericana, una de esas películas que se ven pero que sobre todo se escuchan (y cantan). Película de imágenes de archivo y entrevistas, pero montado de tal forma que es imposible no sentirse en mitad de una ópera apasionante.
A favor: La industria de la música, con numerosos miembros en la Academia del cine, la votará en bloque. Es el film más exportable del grupo. Valora el esfuerzo de aquellas personas que no son reivindicadas, una historia 'de Oscar'.
En contra: ¿Otra vez un documental musical tras Searching for Sugar Man? Su comercialidad puede restarle puntos.
Nota del blog: 7

QUINIELA DE LOS LECTORES (Total votos: 22)
1. A 20 PASOS DE LA FAMA, con 8 votos (37%)
2. THE ACT OF KILLING, con 7 votos (32%)
3. THE SQUARE, con 5 votos (22%)
4. CUTIE AND THE BOXER, con 2 votos (9%)
5. GUERRAS SUCIAS, con 0 votos (0%)

QUINIELA DEL BLOG

1. THE ACT OF KILLING

2. A 20 PASOS DE LA FAMA

3. THE SQUARE

4. GUERRAS SUCIAS

5. CUTIE AND THE BOXER

Y SI EL BLOG VOTASE...

1. THE SQUARE

2. GUERRAS SUCIAS

3. A 20 PASOS DE LA FAMA

4. CUTIE AND THE BOXER

5. THE ACT OF KILLING

SEMANARIO 46: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

 CONTENIDOS DEL BLOG

Semana del 10 al 16 de febrero de 2014

Oscars 2014: Análisis MEJOR GUION ADAPTADO

Oscars 2014: Análisis MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Goyas 2014: VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS

Goyas 2014: LA BUENA VIDA, de David Trueba

Estreno: Reseña de AL ENCUENTRO DE MR. BANKS, de John Lee Hancock

Estreno: Reseña de PHILOMENA, de Stephen Frears

OSCARS 2014: MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Las nominadas al Oscar a la MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA son:

 AMY ADAMS, por La gran estafa americana

A favor: Poco a poco, Adams se ha convertido en una nominada recurrente: suma 5 candidaturas sin premio... y su estadística empieza a coger tintes de drama épico (Glenn Close, con 6 opciones frustradas, liderada la estadística negra del tío Oscar). Por mera compensación, o por pura regla de tres (o de cuatro: algún miembro del reparto de La gran estafa americana tiene que ganar, al menos a priori), Adams es una de las favoritas, aunque su presencia durante la temporada de premios haya sido más bien desigual. Adams es la chica de moda y su interpretación ha sido tanto o más cacareada que sus modelitos, escotes y complementos: determinados gremios técnicos pueden apoyarla como musa o símbolo del último cine norteamericano. Es el personaje más amable de la película: hasta los detractores de la 'estafa' de Russell pueden enternecerse y defenderla en su papeleta.

En contra: ¿Dos años seguidos con dos mejores actrices dirigidas por Russell? Los académicos no son muy dados a los Oscar compensatorios, y Adams, por edad, es la que tiene más margen para ganar el Oscar. De hecho, ¿sería justo que Adams ganase por un papel poco o nada lucido, al menos en comparación con sus anteriores trabajos en The Master, Junebug, La duda y The Fighter? Lawrence ha concentrado parte del aparato promocional de la película: Adams puede ser vista como una 'secundaria protagonista', algo que no ocurre con Blanchett, Dench y Bullock (protagonistas absolutas de sus respectivos largometrajes). El Oscar normalmente premia a personajes al límite, con grandes dramas y escenas de notable lucimiento: Blanchett, Dench y Streep tienen la nominación justificada por ese motivo, mientras que en el caso de Adams parece que no solo se ha valorado un trabajo individual sino una aportación de conjunto (el elenco del film). Datos, en definitiva, que dejan a Adams muy atrás en la línea de salida para la carrera final del Oscar.

CATE BLANCHETT, por Blue Jasmine

A favor: Si Allen llama a la puerta, el Oscar lo hace casi acto seguido. Blanchett será, sin demasiado margen de error, el nuevo intérprete premiado por un film de Allen (la última, otra mujer: Penélope Cruz). Blanchett lo ha ganado todo y lleva en el candelero desde las primeras proyecciones veraniegas del film: lo suyo ha sido una carrera de fondo sin apenas obstáculos y con mucho gas por delante. Blanchett representa la teatralidad, la exageración por exigencias del guion, la intérprete hecha a sí misma y la artista que ha conseguido ser noticia desde su primera nominación por Elizabeth, pero que de alguna manera sigue despegada de toda la órbita y pompa hollywoodiense. El de Blanchett es un papel que materializa el sueño de todo actor: ser requerido por el gran Woody Allen. Y no solo eso: su interpretación, por belleza y potencia, es el que más semejanzas guarda con las damas de la interpretación del viejo Hollywood. Este año, en otras palabras, no habrá sorpresas.

En contra: Allen ha sido titular recientemente por cuestiones extracinematográficas que pueden afectar a las posibilidades de Blanchett. La australiana, además, ha salido en defensa del neoyorkino, por lo que no sería raro que perdiese algunos votos rebeldes. En la Academia hay una ligera saturación de todo lo relacionado con Allen: al premio Cecil B. DeMille y al éxito de Midnight in Paris se añaden los repetidos desplantes del director, eterno ausente cuando hay una alfombra roja de por medio. Dench y Streep cuentan con la violencia promocional de los Weinstein, y Adams y Bullock están en la terna por los films más taquilleros y nominados de la lista. Pero, siendo sinceros, este apartado podría quedar vacío sin demasiado problema: nada, o casi nada, separa a Blanchett de su segundo Oscar.

SANDRA BULLOCK, por Gravity

A favor: Gravity ha cambiado la percepción académica de muchas categorías técnicas, y a su vez ha alterado los criterios clásicos para valorar una interpretación. Bullock lleva a cabo un trabajo de contención dramática y mínimos recursos: su respiración, sus muecas tras la escafandra y su mirada perdida en el espacio son los únicos recursos que tiene durante gran parte del metraje para meterse al público en el bolsillo. El trabajo de Bullock es el de actriz, pero también el de una atleta casi olímpica: el peso físico de su interpretación está al alcance de pocas intérpretes, y eso es algo que han sabido valorar desde el mismo gremio de actores (detalle que no se produjo, por ejemplo, con los personajes animados, interpretados mediante captura de movimientos, de títulos como Avatar). Un premio para Bullock sería una tremenda revolución en el seno de la industria: llega a la última ronda de premios con los deberes hechos y todas las nominaciones previas a sus espaldas. Ya es hora de valorar a Bullock como lo que siempre ha sido: una gran dama del cine de acción.

En contra: En un quinteto de actrices reincidentes a lo que Oscar se refiere, no puede olvidarse el hecho de que muchos todavía no hayan digerido la anterior estatuilla de Bullock por Un sueño posible. Gravity quedará suficientemente premiada en otros apartados: para la mente clásica de la Academia, el trabajo de Bullock carece de la fisicidad dramática de sus competidoras. Bullock fue favorita hace unos años, y ahora ese título recae en Blanchett: es muy difícil alcanzar a la actriz australiana, ya que en su palmarés figuran todos los galardones del año. La tradición de premiar a un intérprete de la 'mejor película' de cada año ha caído en desgracia: cinco de las últimas ocho ganadoras del Oscar a la mejor película no estuvieron representadas en los apartados interpretativos, por lo que una 'no victoria' de Bullock mantiene intactas las posibilidades del film de Cuarón en la categoría reina.

JUDI DENCH, por Philomena

A favor: Desde que supimos de la enfermedad ocular de Dench, muchos marcaron en el calendario de galardones a Philomena como la última opción que tiene la Academia para valorar a una de las grandes damas del cine. Su Oscar por Shakespeare in love no solo es el más lejano en el recuerdo sino que se antoja insuficiente para una artista tan remarcable como Dench: en el oscarizo film del 1998, ella apenas salía ocho minutos en pantalla. Su personaje es la antítesis del papel de la otra veterana del grupo (Streep): Philomena Lee es un 'personaje bombón' que se gana la simpatía de la platea de forma casi inmediata. El de Dench es el único personaje con un referente real, un detalle que la Academia suele tener en cuenta. Dench ya fue noticia el año pasado por Skyfall, por la que perfectamente hubiese podido estar nominada como actriz de reparto.

En contra: Dench no suele protagonizar campañas de promoción, portadas, photo calls y entrevistas: es la actriz 'menos actual' del grupo, y de alguna manera es el nombre que menos se espera que suba al escenario. Philomena carece de la impronta y de los apoyos para convertir alguna de sus cuatro nominaciones en una realidad: la candidatura ya es en sí un premio, y más en un año con tantas interpretaciones protagonistas destacadas. Dench únicamente tiene asegurado el voto british: su situación es claramente desfavorable, y más si pensamos en el antecedente inglés de Mirren y The Queen.

MERYL STREEP, por Agosto (August: Osage County)

A favor: Al recibir el Oscar por La dama de hierro, Streep aseguró que nunca volvería a ganar. La Academia hace caso omiso a la 'actriz de actrices': con Agosto suma nominación número 18, de nuevo por capricho de los Weinstein, de nuevo con un film con pocas candidaturas y de nuevo con un papel de gran hondura dramática (su papel es de esos que crean escuela). No es un ejemplo más de pleitesía académica hacia Streep: ella es, de largo, lo mejor de una película un tanto alicaída. Agosto aspiró al SAG al mejor reparto, y el gremio con mayor peso en el conteo final es el de los actores: todo ello da ciertas alas a Streep.

En contra: Por La dama de hierro se impuso hace solamente dos años: un cuarto Oscar ahora, incluso para una artista todoterreno como Streep, sería un tanto prematuro. Además de recibir el voto de Bullock (su 'amor': ¿recordáis?), no sería raro que concentrase votos entre el gremio de actores (valorarán no tanto 'la interpretación' sino 'el referente' que supone para muchos el apellido 'Streep'). Llega a los Oscar sin ganar nada en la temporada de premios de invierno, su nominación pendía de un hilo en las quinielas y la decisión de cursar como 'protagonista' y no como 'secundaria' fue muy discutida en su día. El número 18 causa sudores, pero tratándose de Streep no hay duda que habrá una decimonovena intentona al hombre dorado.

QUINIELA DE LOS LECTORES (Total votos: 138 votos)

1. CATE BLANCHETT, con 95 votos (68%)

2. SANDRA BULLOCK, con 15 votos (11%)

3. MERYL STREEP, con 14 votos (10%)

4. AMY ADAMS, con 12 votos (9%)

5. JUDI DENCH, con 2 votos (1%)

QUINIELA DEL BLOG

1. CATE BLANCHETT

2. AMY ADAMS

3. SANDRA BULLOCK

4. MERYL STREEP

5. JUDI DENCH

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1. CATE BLANCHETT

2. AMY ADAMS

3. MERYL STREEP

4. SANDRA BULLOCK

5. JUDI DENCH

Crítica de AL ENCUENTRO DE MR. BANKS, de John Lee Hancock

Explicar por qué Al encuentro de Mr. Banks es una película decepcionante implica explicar, aunque sea de forma involuntaria, por qué la cinta no ha contado con el beneplácito de la Academia pese a ser, a priori, un nuevo ejercicio de autocomplacencia, la enésima creación de un Hollywood encantado de verse en el espejo de sus pantallas grandes (sin el resplandor, el brío y el éxito, todo hay que decirlo, de década anteriores). De entre toda la intrahistoria cinematográfica y de entre todas las posibilidades que ofrece la técnica narrativa del 'cine dentro del cine', la película se centra en el duelo entre P. L. Travers, autora de la novela Mary Poppins, y el mismísimo Walt Disney, incapaz de convencer a la escritora para que su estudio convirtiese su novela estrella en película. La cinta nos cuenta el viaje de Travers hasta Los Ángeles, sus tensiones con el equipo encabezado por Disney y las relaciones de amistad-odio que va tejiendo la intratable artista con pequeños personajes como el diligente chófer que la acompaña cada mañana a su despacho de trabajo o los jóvenes encargados de musicalizar una ficción que Travers no quería ver convertida en un burdo musical. Toda esta parte confiere a la película un aire de comedia naif bastante interesante, detalle que es mérito exclusivo de una portentosa Emma Thompson payasesca y a la vez muy sobria que lleva  su personaje al extremo pero nunca al ridículo. Por desgracia, la película se divide en otro tiempo, o lo que es lo mismo, los flashbacks que arremeten a Travers al verse superada por la situación y que dibujan una infancia igual de tragicómica, germen de esa Mary Poppins que la autora siente mancillada en manos del megalómano director de cine. 

Si bien las dos partes de la cinta discurren en paralelo, y aunque sobre el papel el pasado viene a explicar las actitudes de los personajes en el presente (Mary Poppins existió en la vida real en forma de tía severa que encauzó la situación familiar de los Travers tras la muerte del patriarca), el guion es incapaz de ensamblar sus dos historias, de forma que Al encuentro de Mr. Banks se ve como una presentación deslabazada de momentos trágicos y otros pintorescos en los que los supuestos traumas infantiles acaban derivando en personalidades del todo cómicas. El problema es que P. L. Travers aparece ante el espectador como una simple maniática, y Walt Disney queda retratado como un empresario de sonrisa sospechosa (lo mismo puede decirse del idealista padre que interpreta Colin Farell). Vaya, que de Al encuentro de Mr. Banks uno no se cree nada, o casi nada, por mucho que sus actores pongan toda la carne en el asador. Unos y otros resultan antipáticos. Ni es una cinta adulta ni entra en el terreno del cine infantil. Ni describe ni justifica a Travers. Cuenta básicamente muy poco... y el metraje alcanza las dos horas largas. Y la cinefilia no sale de la sala demasiado tonificada: las citas al universo Disney se limitan a los pósters que decoran algunos de los espacios donde se mueven los personajes. En resumen: Al encuentro de Mr. Banks resulta una película un tanto extraña que habrá incomodado a los votantes de los Oscar, y con ellos a gran parte del público. Mr. Banks queda difuminado: únicamente recordaremos de ella una Thompson pletórica que defiende una película que, al no quererse definir, resulta también indefendible.

Para seguidores de la factoría Disney.
Lo mejor: Emma Thompson.
Lo peor: La ambigüedad de los personajes: culpa de guion, principalmente.

Nota: 5'5

OSCARS 2014: MEJOR GUION ADAPTADO

Los nominados al MEJOR GUION ADAPTADO son:

Julie Delpy, Ethan Hawke y Richard Linklater, por ANTES DEL ANOCHECER

A favor: No sabemos si el hasta ahora tríptico amoroso de Linklater tendrá continuación, pero Antes del anochecer sabe a clausura, broche notable, para muchos de oro, que puede considerarse sin demasiada dificultad la mejor obra de la saga. Considerando que el trío nominado ya optó al oro por Antes del atardecer, es evidente que la Academia empieza a estar en deuda con Hawke, Delpy y Linklater. Es el guion más austero del grupo, el más europeo y de corte más clásico: una película que reúne filias muy destacadas contará con más votos de los esperados.

En contra: Es la única nominación de la película, algo que la deja bastante apartada del premio. La Academia suele premiar 'en bloque', y Antes del anochecer ya perdió el mismo día que se hicieron públicas las nominaciones. Ahora bien: el hecho de que la categoría no tenga un favorito claro puede beneficiarla. Un galardón para Antes del anochecer aquí sería una tremenda extravagancia... aunque pondríamos pocas pegas.

 Billy Ray, por CAPITÁN PHILLIPS

A favor: Ray es el veterano de la selección, aunque esta es su primera nominación al Oscar. Su experiencia como escritor de películas de acción y como adaptador de novelas (la más destacada, Los juegos del hambre) ha hecho posible el libreto de Capitán Phillips, seguramente uno de sus mejores trabajos. Guion y montaje son, como todo 'cóctel Greengrass', las claves que dan ritmo, emoción y tensión a la película: de las seis candidaturas del film, esas son sus dos bazas más fuertes. Del grupo, es la película con el recorrido comercial más largo: desde su estreno el pasado otoño se destacaban las bondades de su guion, y todo ello puede acabar en un coherente Oscar.

En contra: Históricamente, la Academia no suele valorar los libretos de los films de acción. De hecho, el guion describe hechos pero no personajes: es tal vez el nominado menos sutil y más comercial del grupo. Si Her se impone en mejor guion original, resultaría bastante curioso, por no decir incoherente, que la Academia optase aquí por el guion más fácil (o como mínimo, el menos retórico).

 Steve Coogan y Jeff Pope, por PHILOMENA

A favor: Es el guion más amable (léase 'manido' y 'manipulador'): huele a libreto academicista desde la primera página - fotograma. En una categoría abierta con aspirantes que pueden tener opiniones encontradas, Philomena puede ser el guion del consenso, la perla british con humor no hiriente, ritmo medido y descripción de personajes que se ganan la simpatía de la audiencia. Si McQueen se queda con el caramelo en la boca y los académicos no quieren mojarse, Philomena puede dar un golpe de efecto y ganar aquí.

En contra: Aunque ahora no parezca la contendiente con menos números en el bombo, hay que recordar que no tenía la nominación asegurada. Si la Academia quiere valorar a intérpretes-escritores, optará por Antes del anochecer, ya que Coogan no cuenta con los suficientes apoyos en Hollywood. Llegará a la gala como el guion menos nominado del quinteto: la temporada de premios impone sus propias normas y Philomena difícilmente saltará al escenario.

 John Ridley, por 12 AÑOS DE ESCLAVITUD

A favor: La norma no escrita dice que las mejores películas son las mejor escritas y las mejor dirigidas. A ello, el Oscar suma la consideración de 'las mejor montadas'. Y de lo dicho, 12 años de esclavitud difícilmente ganará en todos los apartados. Que su referente literario sea más que lejano para los votantes le beneficia: es, simbólicamente, el más 'original' (por autenticidad, no por imaginación) de todos los 'adaptados' presentes. El flojo nivel de la categoría es otro punto a considerar, y más si el film de McQueen se lleva finalmente el gato al agua en la categoría reina.

En contra: Que el film no sea el claro favorito del año es, en parte, culpa de un guion más bien conservador (puede considerarse que las escenas más crudas, y por lo tanto más coherentes con el estilo de su director, responden más a una puesta en escena orquestrada en el set de rodaje, y no a una verdadera aportación del libreto previo). De ganar, sería un premio totalmente conservador: equilibrará la balanza si como decíamos antes se impone Her en la categoría hermana, pero la Academia no debería perder la ocasión de marcar un tanto considerable premiando a Antes del anochecer o El lobo de Wall Street.

Terence Winter, por EL LOBO DE WALL STREET

A favor: Winter, curtido en la ficción televisiva, ha construido uno de los guiones más salvajes y personales de la temporada. En El lobo de Wall Street se intuye el poso de Winter y su trabajo previo en Los Soprano o Boardwalk Empire: en este caso, los mafiosos obedecen a comportamientos de moderna grandilocuencia y sus armas para estafar son las bursátiles. El film de Scorsese funciona gracias a su texto, y la Academia debería valorar tanto la longitud como la actualidad del libreto, así como su pericia para combinar el thriller vitaminado con la comedia entre circense y negra. 

En contra: El verdadero Jordan Belfort no ha aplaudido la película, algo totalmente normal pero que desvela la sensación de malestar que produce el film en muchos espectadores. Margin Call fue un ejemplo reciente de que a los académicos les interesan muchísimo los films sobre la crisis económica, pero el premio es muy difícil. Cuenta con la nominación del gremio de guionistas y esta es la opción más firme que tiene la película para evitar irse de vacío, pero la temporada de premios, lejos de apoyarla, parece que confirmará a Scorsese como uno de los grandes derrotados del próximo 2 de marzo.

QUINIELA DE LOS LECTORES (Total votos: 105)

1. 12 AÑOS DE ESCLAVITUD, con 55 votos (52%)

2. EL LOBO DE WALL STREET, con 28 votos (26%)

3. ANTES DEL ANOCHECER, con 16 votos (15%)

4. CAPITÁN PHILLIPS, con 4 votos (3%)

5. PHILOMENA, con 2 votos (1%)

QUINIELA DEL BLOG

1. 12 AÑOS DE ESCLAVITUD

2. CAPITÁN PHILLIPS

3. EL LOBO DE WALL STREET

4. ANTES DEL ANOCHECER

5. PHILOMENA

Y SI EL BLOG VOTASE...

1. EL LOBO DE WALL STREET

2. ANTES DEL ANOCHECER

3. 12 AÑOS DE ESCLAVITUD

4. PHILOMENA

5. CAPITÁN PHILLIPS

Crítica de PHILOMENA, de Stephen Frears

¿Qué habría sucedido si Searching for Sugar Man hubiese sido una película no documental y al final de la búsqueda hubiésemos tenido a un Sixto Rodríguez interpretado por (imaginación al poder) Jeff Bridges? Obviamente, el film perdería toda su gracia. Y eso es precisamente lo que le ocurre a Philomena, una obra que parece contada siguiendo el manual de la ficción modélica, pero también de la más anticuada. El periodista Martin Sixsmith, vinculado durante mucho tiempo a la BBC británica, escribió un libro en el 2009 contando la búsqueda que emprendió junto a la anciana Philomena Lee y que le llevó a viajar a Norteamérica y a revisitar su pasado como cronista político. Una narración en primera persona, con hipotéticos materiales de archivo o reconstruyendo paso por paso los lugares que transitaron Sixsmith y Lee, podría haber dado una película bastante estimulante. Desgraciadamente, Stephen Frears, cineasta que no hace mucho sí supo filmar a la reina Isabel sin atisbos de condescendencia, cede al telefilm de sábado por la tarde, a la gramática ya conocida, al drama reconocible por un público amplio. Pisar terrenos ya marcados le ha servido al film para conseguir cuatro nominaciones al Oscar, pero la película difícilmente aguantará el paso del tiempo. 

En su primera media hora se agolpan más sinsentidos de los deseados, y el flashback en el que está sumida la anciana Philomena se resuelve de forma exagerada, con una comicidad involuntaria, como si asistiésemos a una versión light de Las hermanas de la Magdalena. Ese arranque logra que pongamos en duda la veracidad de una historia que realmente ocurrió, detalle ya de por sí lapidario: nueva demostración de que el fallo, desde el primer momento, no descansa tanto en la propia historia sino en su planificación como relato cinematográfico. Y paradójicamente, todos sus desatinos iniciales (por qué Philomena decide contar su secreto tanto tiempo después, por qué la hija de ésta contacta con tanta facilidad con Sixsmith, por qué éste accede con tanta diligencia al encargo de buscar al hijo raptado de Philomena y por qué las pistas detectivescas son tan fáciles de rastrear son cuestiones que quedan en el aire, más o menos 'justificadas' por la etiqueta 'basado en hechos reales') permiten a la película remontar ligeramente el vuelo y evolucionar hacia una película nueva, igual de comedida, pero más singular. Las miradas arrebatadoras de Judi Dench, el humor británico de gran parte del guion y los inesperados giros de trama hacen que el espectador termine convenciéndose de que Philomena es una historia curiosa, digna de ser contada, y por ende de ser vista. De Philomena queda un agradable encuentro con la gran Judi Dench y una cita mínima a un pasado oscuro en el que la Iglesia movía ficha a su antojo y creía poder castigar a las jóvenes adúlteras deshaciendo esa institución que paradójicamente tanto defienden (la familia), pero no hay ningún atisbo de crítica, de emoción o de conmoción por parte de un film al que se le ven las costuras desde los títulos de crédito iniciales. 

No sabemos qué pensará el verdadero Martin Sixsmith de la película, aunque seguramente habrá tenido un ataque de furia similar al que sufre el personaje de Emma Thompson en Al encuentro de Mr. Banks. La cuestión es que, en lo personal, sigo viendo a Philomena como una road movie expiatoria y sanadora, en la que el pasado se nos cuenta sin rodeos a cámara, y en el que el periodista realmente actúa como tal y lleva las riendas del material escrito y grabado. Y no son tics de modernidad gafapasta: Philomena, en la desatinada versión que ahora se estrena, dulcifica todo el tremendismo que define a la historia, y por ello me parece poco cabal, nada humana, por mucho que apele al buenismo y al afecto de la audiencia. Un ejercicio de 'cine rosa' rodado con ligera astucia, pero sensiblero y domesticado al fin al cabo.

Para los que creen que el subtítulo 'based on true events' lo justifica todo.

Lo mejor: El pulso tragicómico que se libra entre Dench y Coogan.

Lo peor: Manipular al público implica mentirle: sus nominaciones al Oscar, más que un desatino (que también), me parecen un peligro mayúsculo.

Nota: 5'5

Crítica de LA BUENA VIDA, de David Trueba

La vida es una chanson française

LA BUENA VIDA, de David Trueba (España, 1996)

¿De qué va?: Tristán vive en Madrid, estudia en el Instituto Francés y está obsesionado con perder la virginidad. Acostumbrado a la protección y el cariño de sus padres, Tristán aprende a vivir a solas con su abuelo tras la repentina muerte de sus padres. Su tía, preocupada por el chico, y su sobrina, la atractiva Lucía, irrumpirán en el mundo de Tristán de la noche a la mañana. Lucía lleva a su novio recién llegado de Praga al piso de Tristán, el chico empieza a suspender en el colegio y el abuelo intuye que le queda poco tiempo de vida.

Palmarés: Premio especial del jurado del Festival de Karlovy Vary 1997. Premio Sant Jordi al mejor actor español del 1996 para Luis Cuenca. Premio Turia a la mejor ópera prima española. Goya a la mejor interpretación masculina de reparto para Luis Cuenca, además de tres candidaturas en los apartados de dirección novel (Trueba), intérprete novel (Jiménez) y guion original.

El dato: Trueba contó con Luis Cuenca para sus posteriores proyectos Obra maestra y Soldados de Salamina, últimos trabajos del actor ya que Cuenca falleció en Madrid el 21 de enero de 2004. La buena vida es el primer trabajo de Ramallo y de Jiménez: el primero apareció en el cortometraje de Jonás Trueba Cero en conciencia, y la segunda se hizo sumamente popular al ser uno de los rostros de la serie Al salir de clase. Daniel Monzón valoró a la película con la puntuación máxima, 5 estrellas, en el número de enero de 1997 de la revista Fotogramas, y posteriormente contó con Fernando Ramallo y Joel Joan, cabezas de cartel del film, para su ópera prima El corazón del guerrero, también nominada al Goya; y dirigió a Lucía Jiménez en La caja Kovak una década después.

Reseña: La familia Trueba es muy francesa. Prueba de ello son las tres óperas primas de sus miembros más ilustres, Fernando (Ópera prima), Jonás (Todas las canciones hablan de mi) y David (La buena vida), obras diferentes en ritmos y estilos, pero de alguna manera todas vinculadas al sentido romántico y lírico de la generación de la Nouvelle Vague. En el cartel de La buena vida se dibujan los colores de la bandera gala, la madre que interpreta Vicky Peña sueña con ir a París, y al final de este cuento sobre el descubrimiento del mundo a los umbrales de la adolescencia David Trueba lleva a todos sus personajes a la ciudad de la Torre Eiffel en una preciosa culminación de la Francia querida de la chanson, Baudelaire, el fromage y los ideales de la revolución francesa. En el país vecino gustó mucho esta preciosa composición, triste e implacable a la vez que luminosa y alegre, pero en Madrid y alrededores entusiasmó mucho más: así lo demostraron los Goya de su año, que encontraron en la chispeante imaginación del novel David Trueba una oportunidad de oro para premiar al veterano y muy estimable Luis Cuenca, actor que llena todos los planos en los que aparece y que eclipsa el film por entero. Un templado Fernando Ramallo y la 'lolita' Lucía Jiménez defienden esta historia de personas obligadas a crecer antes de tiempo que convierten cualquier acto cotidiano en una experiencia de crecimiento personal. Trueba escribe un guion que rebosa amor y buenos diálogos, pero tal vez fragmenta demasiado el relato en partes que no siempre se complementan armónicamente, detalle que produce en el espectador la sensación de ver diferentes películas en un mismo metraje de poco más de 100 minutos. La buena vida, con todo, transmite más autenticidad que Obra maestra y Bienvenido a casa, historias todas ellas ligadas al espíritu de la estirpe Trueba. Uno de los debuts más estimulantes de los últimos años.

Para francófilos de pro.
Lo mejor: Todos los actores, tanto los veteranos como los noveles.
Lo peor: En el fondo, contiene varias películas en una.

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Crítica de VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS, de David Trueba
Goyas 28: VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS



Nota: 6'5

GOYAS 28: VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS (2013)

Título: VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS Director: David Trueba Guion: David Trueba Género: Tragicomedia Duración: 105 minutos Reparto: Javier Cámara, Natalia de Molina, Jorge Sanz, Ariadna Gil, Francesc Colomer, Ramón Fontserè, Ángel de Andrés Producción: Canal Plus, Televisión Española y Fernando Trueba Producciones Cinematográficas Fecha de estreno: Preestreno internacional el 23/09/2013 en el Festival de San Sebastián, estreno en salas el 31/10/2013 con 132 copias (no fue distribuida por la cadena de cines Cinesa) Recaudación: 252.00 euros en su semana de estreno; antes de la gala de los Goya, no superaba los 700.000 euros recaudados y contaba con poco más de 100.000 espectadores Nota Filmaffinity: 6'8 Nota IMDB: 7'0 Nota blog: 7 Palmarés destacado: Cine Latino Award del Festival de Palm Springs para David Trueba; sección oficial del Festival de San Sebastián 2013; 3 premios CEC (película, guion original y actriz revelación) de 7 nominaciones; 2 premios Feroz (mejor director y guion original); nominación al Fotogramas de Plata al mejor actor del año (Javier Cámara: premio todavía por deterinar) Premios del blog: Nominación al Cinoscar Award a la mejor película española y/o hispana del 2013 DVD: Todavía por editar. Inédita en alquiler, formato doméstico y Filmin Tráiler nacional: Link Perfil oficial Facebook: Link Crítica: Link del blog Etiqueta: Goyas 2014

Sinopsis: España, año 1966. Antonio es un profesor de inglés de provincias. Aunque su carácter es optimista, está un tanto desanimado. En sus clases utiliza las canciones de los Beatles para acercar el inglés a sus alumnos, y su afición por la música del grupo británico le lleva a emprender un viaje del todo loco. Con su destartalado coche verde y con la inesperada compañía de dos jóvenes de futuro incierto, parte rumbo a Almería, donde John Lennon está rodando una película. ¿Logrará ver Antonio a su particular héroe? Un film sobre tiempos difíciles y esperanzas inquebrantables.  6 premios Goya / 7 nominaciones

Sus competidoras:

15 años y un día, de Gracia Querejeta 0/7 (crítica) (tráiler)

Caníbal, de Manuel Martín Cuenca 1/8 (crítica) (tráiler)

La gran familia española, de Daniel Sánchez Arévalo 2/11 (crítica) (tráiler)
La herida, de Fernando Franco 2/6 (crítica) (tráiler)

Nos representaba al Oscar:

15 años y un día, de Gracia Querejeta (no seleccionada)

(post 1) (post 2)

Finalistas:

Alacrán enamorado, Caníbal y La gran familia española

Nominaciones completas Premios Goya 2014: Link

Quinielas del blog Premios Goya 2014:

Quiniela 1 (29/08), Quiniela 2 (28/12), Quiniela Gaudí (01/02), Quiniela 3 (06/02)

Edición XXVIII de los Premios Anuales de la Academia de las Artes

y las Ciencias Cinematográficas de España (Hotel Auditorum, Madrid) Gala completa

Lectura de nominaciones: Sede de la Academia, martes 07/01/2013, a cargo de Quim Gutiérrez, Clara Lago y Enrique González Macho. Video 1, Video 2

Fiesta de candidatos: Teatros del Canal de Madrid, lunes 20 de enero.

Reportaje, Fotos, Video

Spot de los Goya 2014: Video, Making of, Fotos

Maestro de ceremonias: Manel Fuentes Monólogo inicial

Presidente de la Academia: Enrique González Macho

Vicepresidentas de la Academia: Judit Colell y Marta Etura

Discurso del presidente: Video

Audiencia: 19'8% de share, 3.567.000 espectadores

Alfombra roja: Fotos

Todos los vídeos de la gala: Link

Página Los Goya 2014 en RTVE: Link

Palmarés:

Película: VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS, de David Trueba

Director: DAVID TRUEBA, por Vivir es fácil con los ojos cerrados Video

Actor protagonista: JAVIER CÁMARA, por Vivir es fácil con los ojos cerrados Video

Actriz protagonista: MARIÁN ÁLVAREZ, por La herida Video

Actor reparto: ROBERTO ÁLAMO, por La gran familia española Video

Actriz reparto: TERELE PÁVEZ, por Las brujas de Zugarramurdi Video

Actor revelación: JAVIER PEREIRA, por Stockholm Video

Actriz revelación: NATALIA DE MOLINA, por Vivir es fácil con los ojos cerrados

Director novel: FERNANDO FRANCO, por La herida

Guion original: David Trueba, por VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS Video

Guion adaptado: Mariano Barroso y Alejandro Hernández, por TODAS LAS MUJERES Video

Música original: Pat Metheny, por VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS

Canción original: Do you really want to be in love?, de LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA

Película documental: LAS MAESTRAS DE LA REPÚBLICA

Película iberoamericana: AZUL Y NO TAN ROSA (Venezuela) Video

Película europea: AMOR (AMOUR) (Austria)

Goya de honor: JAIME DE ARMIÑÁN Reportaje

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GANAR NO FUE FÁCIL: CINE ESPAÑOL QUE VIVE... Y SOBREVIVE

2013 fue un mal año para el cine español. El gobierno del PP, con José Ignacio Wert como Ministro de Cultura, Educación y Deportes, orquestró una subida del IVA que dejó a cero la cuenta de muchos cines (salvo fiestas y descuentos puntuales). Las cifras recaudadas fueron pobres, por no decir raquíticas. La lluvia fue, aunque intermitente, una de las protagonistas de la velada: hasta en los telediarios se hablaba de un simbólico anticiclón que azotaba la costa cantábrica. El citado Wert finalmente no asistió a la gala (el primer desplante de un ministro en 28 años de Goyas), y ello lo convirtió en el gran protagonista de todos los comentarios. A la entrada del teatro, centenares de manifestantes se agolparon para criticar los ERE de Coca-Cola o la política de desahucios del gobierno: muchos de los presentes saltaron la alfombra roja y les mostraron su apoyo. En Twitter, la aparición en la alfombra roja de cada nuevo vestido o la entrega de cada premio tuvo un volumen destacado de tweets. Malos presagios que ni las brujas de De la Iglesia podían esquivar...

O tan vez no. Finalmente la Academia apostó por Vivir es fácil con los ojos cerrados, la road movie melancólica y agradable de David Trueba (segundo miembro de la familia Trueba en arrasar en los Goya). Javier Cámara rompió la maldición y a la sexta fue, en su caso, la vencida. Lo mismo para la bruja Terele Pávez, que hizo diana en su quinta candidatura: su premio puso en pie a la platea y supo a galardón honorífico. Y entre tanto, una gala sorprendente, porque la ristra de nominados era muy variada y sin favoritos claros: los Forqué, el Fotogramas de Plata y los premios de este blog se decantaron por La herida, los recién inaugurados Feroz cayeron del lado de Stockholm y 3 bodas de más, Caníbal arrasó en los ASECAN, y Vivir es fácil con los ojos cerrados sólo tuvo su precedente de éxito en la gala de los CEC. Contradiciendo el título del film (inspirado, a su vez, en una canción de los Beatles), ganar el Goya no fue fácil.

Maribel Verdú y Álex de la Iglesia fueron los grandes ausentes de la ceremonia, una lástima teniendo en cuenta que ambos lograron interesantes récords desde la distancia: Verdú, conseguir con su décima nominación ser el intérprete más citado en toda la historia de los Goya; y De la Iglesia, hacer que Las brujas de Zugarramurdi, además de su film más galardonado (ocho cabezones de diez posibilidades: El día de la bestia tuvo seis), se convirtiese en la película con mayor número de premios sin estar nominada a mejor película. El que no pasó a la historia fue el presentador Manel Fuentes: seriedad, contados momentos de diversión y un trabajo más bien correcto, sin más (estupendos, eso sí, los sketches con los anteriores presentadores de la gala hablando por teléfono, así como las ya clásicas parodias de los films nominados).

Con todo, el palmarés difícilmente contará entre los hitos académicos. En un año de cine variado (underground, low cost y otros términos), el conjunto de los votantes optó por la película del consenso, la obra que menos enemigos tenía y la cinta cuya historia y narrativa dejaba mejor sabor de boca en la platea (algo por otra parte de agradecer en tiempos de crisis global). La herida y Caníbal, finalmente, fueron huesos demasiado duros para el paladar académico, y el resurgir (o la reformulación) de la comedia española no fue valorada como se esperaba (La gran familia española, la más nominada, se conformó con dos menciones, y 3 bodas de más no sumó galardón). No hubo, por lo tanto, el golpe de efecto de La soledad o el consenso de años anteriores: queda, tal vez, la imagen de una Academia que, aun pendiendo de un hilo, sigue fiel a su política de premiaciones.

Pocos titulares, más allá del sorprendente palmarés. A pie de alfombra, Inma Cuesta, Blanca Suárez, Belén Rueda y Natalia Molina fueron las reinas del escaparate de la moda goyesca. Silvia Abascal, de nuevo en los Goya tras su ictus, confirmó su buen estado de salud. Aitana Sánchez Gijón fue de las pocas que se atrevió con el rojo, muy acorde con el color de la alfombra. Y RTVE consiguió una emisión cuanto menos peculiar: diferentes cámaras filmaron la gala en directo desde el backstage, la sala de prensa, la platea de asistentes y la alfombra roja (ojalá el despliegue técnico tenga continuación en próximos años).

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SE DIJO

El monólogo incial de Fuentes hizo que echásemos de menos la chispa de Eva Hache o Andreu Buenafuente. Con un maquillaje de ojos exagerado y una gestualidad sobreamanerada, dijo que lo mejor de este país es nuestra ficción y que nuestras aficiones, a ojos del Goya, son 'la roja' y 'la carne roja', en referencia a las cintas de Arévalo y Cuenca. Más atinado fue su comentario sobre el cacareado spot navideño: Esto es una lotería. Pablo Berger, buenas noches. ¿Tu próxima película también será de terror? Venís bien, pero sabéis que os iréis mal. Estáis tensos. Un festival.

Goya low cost.¡Y Bayona anunciando KH7!

Javier Pereira, el primer premiado de la noche, presumió un involuntario perfil de pintalabios alrededor de su mejilla, seguramente resultado de un beso de felicitación demasiado efusivo antes de subir al escenario. Su discurso fue largo y completo: no se dejó a nadie en el tintero.

Enrique González Macho firmó su discurso presidencial más cercano, más emotivo y más espontáneo... pero también el más serio: dijo las cosas sin rodeos, por su propio nombre y sin suavizar un ápice los distintos problemas con los que lidia el cine español. Esta vez no estaba acompañado de su equipo de vicepresidentas. Incluso se intuyeron lágrimas en los ojos de Macho: la gratitud y la rabia, quizás, de quien sabía que tras los Goya se despedía no solo de la presidencia de la Academia sino del mundo del cine tras el cierre de Alta Films.

Álex O'Dogherty ironizó con un show musical-dialogado con el injusto trato de los cortometrajes. Gracias a él, la entrega de unos premios nada menores fue uno de los mejores momentos de la gala. El director del mejor corto de ficción, Abstenerse agencias, también dejó una perla: Es más cara la incultura que la cultura. 

Terele Pávez consiguió poner en pie a todos los asistentes. ¡Ay Álex! Es la tercera vez que estoy aquí por ti. Os quiero tanto. Tengo 74 años y llevo en esto 60 así. 60 años queriéndoos y agradecida. Siempre he trabajado... de vez en cuando, pero he trabajado.

Jaime de Armiñán protagonizó uno de los Goya de honor más bizarros con una anécdota parisina sobre jotas, Borau y casinos difícil de reproducir. Menos mal que Macho puso un cortafuegos de por medio para no alargar más la gala (finalmente no llegó a las 3 horas habituales).

Natalia de Molina dio la sorpresa y estalló en lágrimas. Gracias por creer en mi, David, en un momento en que es muy difícil creer en nada. A Javier, porque eres mi maestro. Como dice mi personaje: ¡yo no quiero que nadie decida por mi!

David Trueba, con su locuacidad e inteligencia habitual, se acordó de Juan Carrión, profesor de 89 años de Cartagena en que se basa la película. Más tarde, Javier Cámara volvió a homenajear al involuntario protagonista de la noche. Javier confesó que he soñado este momento muchas veces y Trueba dijo sentirse sorprendido porque soy del Athletic y suelo perder.

Marián Álvarez, con su Goya 'cantado': A Fernando Franco. No va a haber premios en este mundo para valorar lo que me has dado a mi. Eres talentoso y generoso. A Andrés Gertrudix, aunque no le gustan estas cosas. A todas las mujeres que luchan por nuestros derechos. No vamos a permitir que decidan por nosotras (en clara referencia a la ley del aborto de Gallardón).

Momentos chanantes (y no dialogados). El popular Chicote, dentro del video cómico de Caníbal. Y Ernesto Sevilla presentando el 'Goya a la mejor película que no se ha hecho': la ganadora, '23-F, versión Transformers'; y como nominada, una hilarante 'Saber y ganar, la película'.

¡Este es el primer Goya de Venezuela!: entusiasmo entre el equipo de Azul y no tan rosa, no estrenada en España. También marchó, en este caso para Argentina, el Goya a cinta animada: Futbolín se impuso al 'Justin' de Antonio Banderas. También fue curioso el recuerdo de Roberto Álamo al desaparecido Philip Seymour Hoffman.