miércoles, 12 de junio de 2013

Un cómico genial: Crítica de DIRCH (A FUNNY MAN), de Martin Zandvliet

El cómico danés Dirch Hartvig Passer murió el 3 de setiembre de 1980 a los 54 años sobre el escenario en mitad de una actuación víctima de un ataque cardíaco. Atrás dejó una de las vidas y de las carreras más apasionantes del cine y el teatro escandinavo. Dirch, la película danesa más taquillera del 2011, repasa los episodios más importantes de su vida. La historia de un hombre que quería ser marinero hasta que descubrió que se mareaba en alta mar. La crónica de una amistad con el actor Kjeld Petersen, pareja artística de Dirch durante muchísimos años. El devenir de alguien que vivía la noche mientras su vida privada llenaba los periódicos locales. Los achaques de un hombre que siempre añoró triunfar como actor dramático. Una película que a priori solo tiene un interés local por hacer referencia a una figura muy concreta: por hacer un paralelismo, sería como si intentásemos exportar una película sobre Gila o Martes y 13 a los países nórdicos. Pero Dirch tiene muchos atractivos. Cuenta con una recreación histórica impecable. Nikolaj Lie Kaas, encargado de encarnar al mito, está impecable, grande, enorme, en la que sin duda es su mejor interpretación. La película es fiel al humor de Dirch y nos lleva a las entrañas del teatro ABC, de forma que el espectador asiste a recreaciones de sketches reales que Dirch ideó a lo largo de su dilatada carrera: puede corroborarse la fidelidad y la calidad de los números cómicos de la película revisando en Youtube actuaciones del verdadero Dirch. Y prueba de la emoción que emana Dirch en su pletórica escena final son los 4 premios Bodil y 6 premios Robert en el año que Melancolía se llevó todos los galardones en Dinamarca y alrededores. Nos separan muchos kilómetros, una tradición cómica y un sentido del humor muy diferentes, y aún así Dirch llega, impacta. Mientras aquí hacemos telefilms horroros de Raphael o la floklórica de turno, los daneses han tomado una de sus figuras artísticas más importantes para hacer un ejercicio de teatro dentro del cine, y de paso una historia muy rica que va más allá de cualquier regionalismo: explica lo difícil que supone conciliar el éxito público con la vida privada, nos acerca la rivalidad de una pareja cómica cuando los aplausos solo van dirigidos a uno de sus miembros (algo parecido pero a lo bestia nos trajo Álex de la Iglesia en Muertos de risa), reivindica la comedia como género mayor siempre relegado a un segundo plano (impresiona la escena en la que Dirch aparece en su primera obra dramática y el público no puede contener la carcajada), y nos trae las complejidades de un hombre que dedicó su corta pero intensa vida al noble oficio de hacer reir (atentos al sutil diálogo inicial). Una gozada para todo el que le guste el teatro, el humor y el cine (no necesariamente biográfico). Lástima que no se estrene en España porque Nikolaj Lie Kaas realiza la interpretación del año. Una obra mayor que no debe pasar en estas latitudes por una simple rareza.


Nota: 8

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martes, 11 de junio de 2013

ESPECIAL ANDRÉ TÉCHINÉ: Crítica de LOS JUNCOS SALVAJES (1994)

LOS JUNCOS SALVAJES (LES ROSEAUX SAUVAGES, WILD REEDS), de André Téchiné (Francia, 1994) 
Ganadora de 4 premios César, entre ellos Mejor Película. Mejor película de habla no inglesa del 1994 según la Asociación de críticos de Nueva York y Los Ángeles. Selección Oficial del Festival de Cannes 1994. Representante francesa en los Oscar 1994.
En el fragmento que el nuevo profesor de lengua y literatura francesa escribe en la pizarra para comprobar el nivel de análisis y comprensión textual de sus estudiantes leemos una bonita historia que resume la esencia de la película. Es la fábula de un junco y un roble que entablan una conversación utópica: el junco, débil y en constante peligro, acaba aguantando en pie y su fuerza termina siendo contra todo pronóstico más efectiva que la de las recias ramas y raíces del robusto árbol. El film más laureado de Téchiné es la historia de varios juncos perdidos, mecidos por el viento, tocados por las inclemencias del tiempo, a punto de ser ahogados por riadas emocionales. Pero el junco sigue adelante a pesar de los pesares. Personajes que dudan, que aman, que se pelean, que hablan, que se encuentran y se desencuentran. Los juncos salvajes contiene varias historias en una: a la consabida trama de iniciación y exploración de las tensiones adolescentes (primeras palpitaciones sexuales, constantes discursos interiores sobre 'quién soy, quién quiero ser y hacia dónde voy') se une un contexto de lo más singular. Téchiné lleva el cine de temática adolescente a otro nivel: la incertidumbre y las certezas de los juncos, sean estudiantes a punto de graduarse, fervientes defensores de un partido político o profesores de a priori impenetrable fachada, quedan enmarcadas en un contexto histórico (el final de la Guerra con Argelia, el llamado 'Holocausto francés') que da cuerpo a los ardores, a las pulsiones y a las relaciones de los personajes.  


Los juncos salvajes es una descripción del fin de la llamada edad de la inocencia, o de un despertar sin aviso ni prólogos ni preliminares en el que los personajes se ven abandonados a su suerte, palpando bajo sus pies un suelo tan inestable como el todo fanganoso del que nace el junco. El film se dirige hacia el verano, y con él a la promesa de un tiempo mejor: en un momento el contrapunto femenino de la historia asegura querer tener diez años más para ser 'una mujer'. Por eso cobra especial importancia el plano final, una escena con un curioso movimiento de cámara en forma de dilatado traveling circular: en ese momento los personajes se funden con la naturaleza (la arcadia juvenil y estival donde anteriormente los jóvenes dieron rienda suelta a sus instintos y dejaron claras sus motivaciones y deseos) y vemos al trío protagonista de espaldas, yéndose hacia otro espacio y al mismo tiempo despidiéndose tanto de un estado, el de la duda, como de los propios espectadores, espías de su proceso de crecimiento. A Téchiné no le interesa la realidad de descubrimiento homosexual: de hecho nunca llegamos a ver la noche de intimación entre François y Serge. El factor político no es prioritario: la guerra sucede extramuros, impone un estado de ánimo y funciona como el elemento latente que distrae y transforma. Y ni tan siquiera el cuento de estudiantes a punto de decidir sus profesiones o vocaciones sale a la superficie como motor de la historia. Ello da prueba de la solidez y del lirismo de Los juncos salvajes, en todo momento ayudada por la complicidad de unos estupendos actores que con el tiempo se han convertido en algunas de las grandes figuras de la reciente cinematografía francesa. Los juncos salvajes es una historia de sentimientos filmados desde la intuición pero con la mano firme de quien sabe qué quiere contar y cómo hacerlo. Por eso Los juncos salvajes funciona como evocación (la Francia de principios de los 60, a la espera de la resolución del conflicto con Argelia: es imposible no entender la profesora culpable y deprimida como el estado de luto y remordimiento de todo un país tras la masacre) y como realidad (los conflictos internos de los personajes son los mismos que atenazan a los jóvenes de ahora, y al mismo tiempo tienen completa vigencia para adultos y ancianos que sienten que sus vidas se tambalean sin aparente motivo). Una de las películas más interesantes del cine francés de los últimos veinte años.


Nota: 8

lunes, 10 de junio de 2013

SEMANARIO 14: LOS POSTS DE LA SEMANA

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CONTENIDOS DEL BLOG


Semana del 3 al 9 de junio de 2013

Estreno: Crítica de BEHIND THE CANDELABRA, de Steven Soderbergh
Estreno: Crítica LA ESTRELLA, de Alberto Aranda

Cine español: Crítica de INTRUSO, de Vicente Aranda
Años 90: Crítica de DE REPENTE, UN EXTRAÑO, de John Schlesinger

Cine nórdico: Crítica de SOUND OF NOISE (Suecia, 2010)
Cortometraje: INVULNERABLE, de Álvaro Pastor
Cd: THE BEST OF CASCADA, de Cascada

MIS CDS: THE BEST OF CASCADA, de Cascada

THE BEST OF CASCADA, de Cascada (Alemania, 2013)
Presentación: Cascada es un grupo de eurodance alemán en activo desde 2004 y formado por la cantante Natalie Horner y los productores musicales DJ Marian y Yanou. Tras vender más de 14 millones de copias de sus ábumes de estudio, el grupo participó en la preselección alemana, el Unser Song für Mälmo, para concurrir por Alemania en el Festival de Eurovisión: su canción Glorious resultó la vencedora gracias a los 12 votos del público local, y en la final consiguió un discretísimo puesto número 21 con 18 puntos. Su participación en el eurofestival ha ido acompañada de la publicación de The Best Of Cascada, un repaso a los numerosos sencillos que el grupo ha dado a luz en esta década de trayectoria. Es uno de los pocos grupos europeos que presume de haber estado en las listas de ventas estadounidenses y en su palmarés figura el European Border Breaker Award y el International Dance Music Award.
Reseña: Poco se puede decir de Cascada, un grupo sumamente conocido que hemos cantado y bailado hasta la saciedad. The Best Of Cascada cumple el objetivo de cualquier greatest hits: dar cuenta de las melodías y los estribillos más premiados de su carrera. Un recorrido por la mejor música intrascendente que causa la euforia absoluta en las discotecas de medio mundo. A los Cascada, tal vez por cultivar una música facilona y aparentemente prefabricada, se los ha tendido a menospreciar, y aunque sus grandes éxitos solo sirvan para seguir la fiesta en casa o para ambientar sesiones de gimnasio es importante destacar tres cosas: la voz de Natalie es suficientemente potente como para defender diferentes estilos, menos comerciales y más líricos, algo que beneficia al grupo a la hora de hacer remixes de todo tipo; Glorious, su tan criticado hit eurovisivo, dista de ser su peor tema (y la versión acústica incluida en el álbum corrobora que se trataba de una de las mejores canciones del ESC 2013); y algunos cortes como Because the night, Everytime we touch o The Rythm of the Night, aunque a muchos les pese, ya tienen entidad de tracks generacionales. Una concesión a la música choni no va mal... Un cd que, reconozcámoslo ya, escucharemos bastante este verano.


Recomendado para: Adictos al 'cardioschlager' y fiesteros de campeonato.
Los mejores tracks: The World Is In My Hands, Summer of love y todos los citados.
Nota: 6

domingo, 9 de junio de 2013

CORTOMETRAJES: INVULNERABLE, de Álvaro Pastor

CORTOMETRAJES 15: INVULNERABLE, de Álvaro Pastor (España, 2005)
Palmarés: Biznaga al mejor cortometraje del Festival de Málaga 2005. Premio al mejor actor (Antonio Naharro) del Festival de Alcalá de Henares y del Brest European Short Film Festival.
Comentario: Invulnerable cuenta la historia de un profesor de instituto que descubre que es portador del virus del SIDA. Su vida se derrumba de la noche a la mañana. Pero de puertas afuera, sigue yendo a clase, intimando con un compañero de trabajo y frecuentando clubs de alterne por la noche. Pastor nos acerca el drama de su personaje con un estilo que bebe del documental y del drama en primera persona. El SIDA ha dejado de ser un estigma, pero sigue siendo un tabú. Un documento como Invulnerable, bien escrito y notablemente dramatizado y filmado, sirve para tomar conciencia del problema y a la vez emocionarnos con una historia que podría ser la nuestra. Algunas escenas como la confesión en la sala de profesores rebosan veracidad y humanidad. Aprenderán y se sentirán tremendamente conmovidos. Un cortometraje necesario y muy bien ejecutado. Un logro.


Para los que hablen sin pelos en la lengua
Lo mejor: El riesgo de la propuesta.
Lo peor: Que alguien pueda sentirse escandalizado.

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Nota: 8

sábado, 8 de junio de 2013

Crítica de INTRUSO, de Vicente Aranda

Amigos y amantes
INTRUSO, de Vicente Aranda (España, 1993)
¿De qué va?: Luisa, Ángel y Ramiro fueron en el pasado grandes amigos y amantes. Luisa se casó con Ramiro, pero Ángel de alguna manera siempre ha estado presente. Ahora Ángel vuelve de la forma más inesperada: Luisa lo encuentra enfermo y mendigando por las calles de Santander.
Palmarés: 5 nominaciones a los premios Goya 1993: mejor película, mejor actor protagonista (Imanol Arias), mejor director, mejor montaje y mejor banda sonora original. Nominación al Fotogramas de Plata a la mejor actriz española del 1993 (Victoria Abril). Premio en el Festival de Gramado a la mejor banda sonora.
El dato: La película se rodó en orden cronológico en Santander y en una finca situada a las afueras de Madrid. Ese mismo año Aranda estrenó dos películas: esta y El amante bilingüe, ambas con Imanol Arias, y las dos tras su única victoria en los Goya con Amantes. Los tres actores protagonistas ya habían coincidido en El Lute: camina o revienta (1987), por lo que eran viejos conocidos de Aranda. Pese a esto, el papel de Ramiro no tuvo actor durante el proceso de postproducción: el productor ofreció el film al actor francés Daniel Auteil, artista que Abril conocía por sus incursiones en el cine galo, pero Auteil no pudo realizar la película por un problema de fechas. Definida por Aranda como su proyecto más personal, el film se basa en un triángulo amoroso real que fue recogido por la prensa española de principios del S. XX. Naím Thomas, en su primer trabajo en el cine, interpreta a Ángel niño en una breve escena: posteriormente fue muy conocido al participar en la primera edición del talent show musical Operación Triunfo, además de por sus pequeñas apariciones en films como Manjar de amor o Caricias, ambos de Ventura Pons.


Valoración: Aranda, siempre obsesionado con los oscuros designios del deseo, la posesión y el sexo, filma en Intruso un thriller que desde el primer momento está condenado a acabar en tragedia. Entre sombras y al compás de las oscuras notas de José Nieto, el director sabe explorar la psique de sus criaturas con escenas llenas de virulencia. El film funciona al poner en un mismo espacio a tres personajes que se quieren y se odian. La vena más lírica de Aranda aparece en los flashbacks de Ángel, los diálogos llenos de odio de los dos machos o la pasión que desprende el personaje de Victoria Abril. Un cuento tenso e intenso realzado por la complicidad de su trío de actores. Sin ser la mejor obra de Aranda, sí es una de sus obras más claustrofóbicas y dramáticas. Un Aranda condensado y refinado, más europeo que nunca, dando forma al triángulo de amantes más desquiciado y apasionado de su filmografía.

Nota: 6


viernes, 7 de junio de 2013

Terroristas del ruido: Crítica de SOUND OF NOISE, de Ola Simonsson y Johannes Stjärne Nilsson

Imagínense que el profesor de La ola hubiese sido maestro de música. Que Los edukadores fueran un grupo de metaleros rebeldes. O que el 'caratapada' de V de Vendetta hubiese tomado la música y no las bombas como arma arrojadiza para sembrar el caos. Sound of Noise está protagonizada por terroristas del ruido. Músicos que han compuesto una sonata cuyo objetivo es desatar el asombro de propios y ajenos. Piezas artísticas que son manifestaciones públicas críticas sin aparente eslogan, causa o consigna. Una forma amena de sacudir a la masa adormecida. Todo empieza con varios panfletos que decoran las paredes de la ciudad anunciando un concierto sin firma del autor ni lugar ni fecha de la función. Un auditorio, un quirófano y un banco entre otros espacios son los lugares donde estos vagabundos del arte callejero, yonkis de la música no académica, acuden con instrumentos nada corrientes, sincronizando máquinas, ruidos, silbidos, palmadas y golpes en canciones urbanas. Un caso que trae de cabeza a Amadeus Warnebring, un policía hijo y hermano de músicos, que, ironías del destino, detesta la música. Sound of Noise tiene su génesis en el cortometraje Music for One Apartment and Six Drummers. El cortometraje presentaba una idea genial: unos músicos esculpiendo sonidos con los utensilios de una cocina, el mobiliario de un baño o los objetos propios de un dormitorio, todo encuadrado en un ejercicio de arte conceptual y vandalismo 'simpático'. Una premisa argumental tan original y tan simple que uno se pone las manos a la cabeza al pensar que a nadie se le ocurrió antes. A todo esto, Sound of Noise añade unas gotas subversivas a las acciones de sus 'delincuentes' y una subtrama propia del thriller policial que acaba de rematar el tono de parodia de trasfondo sociopolítico del conjunto. Del corto al largo la música ha ganado cuerpo y ha perdido cierta espontaneidad. Sound of Noise habla de las posibilidades lúdicas de los mecanismos de protesta, de un primer mundo carente de inventiva, energía y espíritu crítico; y ni que sea por oposición a la música llamada 'clásica' dilapida las encorsetados, amanerados, tradicionales, caducos mecanismos de producir arte, entendiendo que las expresiones artísticas deben ser antes un grito de rabia que una pieza acorde con la corriente principal de pensamiento y acción. Un mensaje hondo vestido de comedia juvenil, con final apoteósico: las luces de Malmö parpadeando como los leads de una discoteca. Los cineastas Ola Simonsson y Johannes Stjärne Nilsson, a base de strings y metrónomos, han creado una película única en su especie, género musical y cinematográfico en sí mismo. Vendría a ser la Kick Ass sueca con baterías de por medio y coro de monedas y excavadoras. Ni rastro de ese cine sueco trascendente y triste como un crepúsculo en el ártico. Ni ABBA ni electropop ochentero ni hits eurovisivos: rock 'trallero' y alternativa ambiental. Así que si ven a un encapuchado en medio de la calle tocando tambores y platillos no están ante alguien fuera de sus cabales sino ante un friki de Sound of Noise, título de culto sin partitura pero con gancho. Los críticos la tacharán de poco consistente... y con razón. Los nerds amantes de lo nórdico lamentarán que el concierto sea tan corto... y con razón. Una película que entiende que la mejor manera de tocar corazones y conciencias es no tomarse demasiado en serio a sí misma. Si creen que los porrazos de un martillo pueden resultar tan poéticos como una caricia a las cuerdas de una arpa, esta es su película. Ni que sea en forma de música descargada, hará mucho 'ruido'.


Nota: 6'5

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jueves, 6 de junio de 2013

Crítica de DE REPENTE, UN EXTRAÑO (PACIFIC HEIGHTS), de John Schlesinger

Arrendatarios peligrosos
DE REPENTE, UN EXTRAÑO (PACIFIC HEIGHTS), de John Schlesinger (EE. UU., 1990)
¿De qué va?: Patty y Drake, una pareja joven, tienen muchos planes de futuro. Ambos deciden comprarse una gran casa con dos viviendas para alquilar. El primer apartamento lo arrenda un matrimonio asiático que no da problemas. El segundo inquilino, en cambio, se trata de un estafador que no cumple el contrato y decide poner a prueba la paciencia de Patty y Drake. Patty se queda embaraza, Drake pierde día a día más la compostura, y unos y otros se verán inmersos en un proceso judicial eterno.
El dato: La película se rodó en San Francisco y Beverly Hills, California. Recaudó 45 millones de dólares, multiplicando casi por 3 su presupuesto inicial. Pese a esto, el film cosechó unas críticas más bien discretas. Fue la película que Griffith rodó inmediatamente después de Armas de mujer, film por el que estuvo nominada al Oscar, ganó el Globo de oro y se consagró definitivamente como intérprete.


Valoración: La premisa 'extraño entrando en casa ajena' siempre ha funcionado muy bien. Occidente, y como resultado su cine, rinde culto al concepto de 'hogar' y no hay conflicto más básico y perturbador que romper el orden de las cosas al ver tu espacio vital en manos de segundos. Hablamos de una de las bases del cine de terror. También uno de los motores narrativos de títulos tan brillantes y curtidores como La naranja mecánica y Funny Games. Esta De repente, un extraño se debe a otra intrusión casera: la de Atracción fatal (1987), film del que germinó toda una corriente de thrillers de acoso y derribo familiar y laboral, de Instinto básico a Acoso, no siempre de forma atinada. De repente, un extraño tal vez no les suene de nada, y ello ya es un gran indicador para saber qué lugar ocupa el film en toda esta tradición cinematográfica de inquilinos con malas pulgas. Estamos ante una película que aprovecha el éxito, la fotogenia y la solvencia de sus intérpretes en favor de un guion básico pero entretenido, incluso agobiante cuando el mal se apodera de la joven pareja cargada de planes de futuro. No se esperen una trama elaborada: es una película para la sobremesa del domingo que como mínimo salva los muebles, esquiva el ridículo y filma la vuelta al orden de las cosas con cierto ingenio. Típico título de canal de la TDT que engancha con facilidad y deja bastante satisfecho. ¿Hay algo más a caballo entre los 80 y los 90 que el thriller ligeramente sexual, Melanie Griffith y Michael Keaton? Imagínense todo en un mismo cóctel. Para poner el cerebro en remojo.


Para los que dudan entre comprar o alquilar.
Lo mejor: ¡Qué miedo da Michael Keaton!
Lo peor: No está entre los thrillers más destacados de finales / principios de década.

Nota: 6

miércoles, 5 de junio de 2013

Crítica de LA ESTRELLA, de Alberto Aranda

Viendo La estrella uno piensa indudablemente en la necesidad de un cine social que cuente los problemas más inmediatos de la variada idiosincrasia española, y al mismo tiempo se evidencia lo difícil que es acometer con éxito uno de los géneros más complicados aunque injustamente denostados por parte de ciertos sectores de crítica y público. La estrella tiene la fuerza de una ópera prima, le sobran intenciones y recursos, rebosa temple y energía, cuenta con grandes interpretaciones y presenta un variado muestrario de la España más reciente, cuando los debates sobre la inmigración, los trabajos precarios, el boom de la construcción, el maltrato a la mujer y la complicada vida de extrarradio ya avisaban de la crisis que se avecinaba. Con todo, la empatía por la causa de sus personajes y el amplio conocimiento sobre los temas que se tratan, dos requisitos que cumple el realizador Alberto Aranda, no son suficientes para dotar de complejidad a su película. La estrella abarca mucho y aprieta poco, y se entretiene en subtramas argumentales que luego no acaban de congeniar con el conjunto, si bien el espectador entiende la relación de todas las partes y llega a simpatizar con las imágenes por la proximidad y la garra que desprenden. Estamos, por lo tanto, ante una cinta un tanto deslavazada, muy humana y espontánea, pero sin el alma del cine que busca imitar y emular a la vida. La estrella peca de cierto discurso fácil: los personajes masculinos resultan seres de una sola pieza, sin matices, interesados y desconectados de la órbita femenina de la obra; y los giros argumentales finales son más propios de una ficción televisiva que de una sólida narración cinematográfica de hora y media. Su aportación al cine social español será mínima: un bonito homenaje a todos los abuelos, padres e hijos que emigraron de Andalucía a Cataluña y que todavía ahora, a nivel cultural e idiomático, viven entre dos mundos dispares pero a la vez parecidos. Además, el cinéfilo agradecerá la confirmación de Carmen Machi como gran actriz dramática y la vuelta de Ingrid Rubio, uno de esos rostros que siempre apetece ver en la gran pantalla. Una sesión dura y agradable que confirma los grandes valores de nuestro cine, y sobre todo el gran trabajo que queda por realizar para conseguir la excelencia en un cine que sea comprometido pero no parcial.


Para los que creen que la mejor película sucede a pocos metros de nosotros.
Lo mejor: Su naturaleza híbrida entre el gazpacho y el pa amb tomàquet.
Lo peor: Demasiado tópico y poco matiz.

Nota: 5'5

martes, 4 de junio de 2013

Crítica de BEHIND THE CANDELABRA, de Steven Soderbergh


Cada nueva obra de Soderbergh sirve para renovar nuestra admiración hacia su filmografía. En veinticinco años Soderbergh ha dejado una nómina extensa de películas, de temas y tonos variados. Estamos ante un narrador puro: busca buenas historias, y cada historia requiere un modo de proceder, una estrategia de rodaje y un aparato promocional que Soderbergh emprende siempre con pericia y casi siempre con buena nota. Behind the Candelabra, telefilm de la HBO, podría parecer una excentricidad más de su responsable, que lleva varios años amenazando con dejar el cine. Realmente estamos ante un título más de un Soderbergh siempre heterogéneo: es el único autor del que hemos visto cinco películas en tres años, y es de los pocos nombres en activo que han realizado productos comerciales e indies tanto en espíritu como en presupuesto, complacientes o polémicos según el caso respecto el star system de Hollywood. Puede que Soderbergh no deje una de las carreras más brillantes de la modernidad, pero en un tiempo donde se impone el conservadurismo en todos los aspectos es gratificante encontrar directores tan arriesgados, con gran capacidad de mutación y adaptación, con infinita curiosidad por explorar el alma humana en todas sus vertientes. Estamos ante una película que bien podría marcar la bajada del telón: Behind the Candelabra, no por casualidad, conecta con la ópera prima de Soderbergh Sexo, mentiras y cintas de vídeo por su exploración de los intrincados mundos del afecto, la mentira, la manipulación y el materialismo (el círculo se cierra); y a esa relación, el cinéfilo atento sumará otra, ya que Michael Douglas no solo realiza aquí su regreso por la puerta grande tras sufrir un cáncer de garganta sino que renueva el papel de seductor al que dio vida en infinidad de thrillers, añadiendo además una historia que se adapta a sus capacidades como intérprete y que en todos los sentidos sabe a despedida definitiva del cine (muchos mitos del séptimo arte pagarían por acabar su andadura con el estupendo y recurrente plano final de Behind the Candelabra).


El de Soderbergh es un cine de procesos: interesa más la gestación del robo a un casino que los entresijos del gran golpe (los tres Ocean), presta más atención a cómo se forma una epidemia mundial que en el verdadero impacto del virus (Contagio), analiza el funcionamiento interno de quienes forman parte del negocio de la droga montando las imágenes según las relaciones que se establecen entre los personajes (Traffic). Behind the Candelabra tiene la misma estructura, recogiendo de la pasada Magic Mike el interés por lo que sucede entre bambalinas. Estamos ante uno de los retratos más lúcidos de la vida de una estrella de la música, el análisis minucioso de las carencias y querencias de una reinona tan virtuosa en el piano como acomplejada en lo personal. La película recorre transversalmente los diferentes estados que van del apogeo mediático a la caída a los infiernos (Douglas merece el Globo de oro), todo reflejado en el personaje del 'acompañante', ayudante, novio, alter ego y finalmente némesis del artista (espléndido Matt Damon). Behind the Candelabra narra las complejidades del maestro y la oscuridad del discípulo, nos sumerge en un mundo de lentejuelas y apariencias, de aparente pompa y enorme vacío interior. No suena a nuevo, hay que reconocerlo, pero pocos son capaces de escribir diálogos tan acertados y filmar con tanta precisión la relación de dos hombres huérfanos que no conocen la frontera entre la persona y el personaje. El cine norteamericano, por lo general, cae en la mojigatería, pero Soderbergh nunca: ver a Douglas y a Damon sentados en el sofá con la complicidad de una pareja real es un logro inmenso, y eso es posible tanto por la trayectoria de Soderbergh como por las tablas de los actores, que repiten además con el director. Behind the Candelabra rasca la pared de la frivolidad y encuentra un tesoro: entre citas a lo kitch, hortera y recargado habita la humanidad de unos personajes confinados en un mundo cerrado de secretos, miedos y rencillas. No se dejen engañar por su apariencia de biopic o su banda de telefilm: es una gran película. Y además, puede ser la última gran creación tanto de Douglas como de Soderbergh: no la dejen escapar.


Posts relacionados:

Crítica de CHE: EL ARGENTINO
Crítica de CONTAGIO
Crítica de INDOMABLE (HAYWIRE)
Crítica de MAGIC MIKE

Para interesados en el mundo del espectáculo y sus alrededores
Lo mejor: A los pocos segundos de verla sabes que marcará un antes y un después en la carrera de sus responsables.
Lo peor: Que el bagaje de cintas que tratan las oscuridades del artisteo no deje ver el riesgo de guion y dirección.

Nota: 7

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lunes, 3 de junio de 2013

SEMANARIO 13: LOS POSTS DE LA SEMANA

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CONTENIDOS DEL BLOG

 
Semana del 27 de mayo al 2 de junio de 2013

Cinoscar Summer Festival: CARTEL y NOTICIAS

Estreno: Crítica de THE IMPOSTER (EL IMPOSTOR), de Bart Layton
Estreno: Crítica de LA MULA, de Michael Radford

Cine español: Crítica de EL MILAGRO DE P. TINTO, de Javier Fesser
El cortometraje: MÚSICA PARA UN APARTAMENTO Y SEIS PERCUSIONISTAS,
de Ola Simonsson y Johannes Stjärne Nilsson (Suecia, 2001)
El cd: ONLY TEARDROPS, de Emmelie de Forest (Dinamarca, 2013)

domingo, 2 de junio de 2013

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: CARTEL OFICIAL Y NOTICIAS

¡Os traemos más noticias sobre el Cinoscar Summer Festival! 

Antes de empezar, desde el blog Cinoscar & Rarities queremos agradecer a todas las personas que durante los últimos días se han puesto en contacto con nosotros para participar y pedir información sobre el festival. 

Desde el blog estamos trabajando para ofreceros el mejor entretenimiento veraniego posible. El concurso quiere reproducir un verdadero certamen cinematográfico y os tenemos preparadas muchas sorpresas que poco a poco iremos desvelando. 

¿La primera? Aquí la tenéis: el CARTEL OFICIAL de la 1ª EDICIÓN del CINOSCAR SUMMER FESTIVAL. Y habrá más vídeos y afiches: ¡estad atentos!


El cartel es un homenaje al cineasta griego THEO ANGELOPOULOS, realizador al que rendiremos tributo en el festival con diferentes posts especiales.

Otra de las cuestiones que ya os podemos desvelar es la lista de categorías del futuro palmarés del FESTIVAL. Los premiados se dividirán en dos apartados: unas categorías fijas y otras que el blog puede dejar desiertas o premiar en función de los films elegidos (marcadas como 'opcional'). La lista se compone de:

1. CINOSCAR AWARD a la mejor película (oro)
2. GRAN PREMIO del blog (plata)
3. PREMIO del blog (bronce)
4. Mejor dirección
5. Mejor guion
6. Mejor interpretación masculina protagonista
7. Mejor interpretación femenina protagonista
8. Mejor interpretación masculina secundaria (opcional)
9. Mejor interpretación femenina secundaria (opcional)
10. Mejor contribución actoral
11. Mejor contribución técnica
12. Mejor banda sonora (opcional)
13. Mejor vestuario (opcional)
14. Premio 'Rarity del certamen' (opcional)
15. Premio 'Cinoscar a la contribución humanitaria' (opcional)
16. CINOSCAR AWARD al mejor cortometraje
17. PREMIO DE LA CRÍTICA a la mejor película
18. PREMIO DEL PÚBLICO a la mejor película

Cada premio tendrá su logo acreditativo correspondiente al final del certamen. Cómo se decidirán tanto el premio de la crítica como el del jurado os lo contaremos en pocos días.

Y precisamente quedan 7 DÍAS para que termine el PLAZO PARA PARTICIPAR en el Cinoscar Summer Festival. A día de hoy contamos con 23 largometrajes y 8 cortometrajes... ¡pero queremos más! Tenéis tiempo de presentar vuestras propuestas hasta el DOMINGO 9 DE JUNIO a las 23:55h. (hora española). Será entonces cuando demos por cerrada la presentación de obras y empecemos a trabajar para el festival de julio. Podéis revisar el POST DE PRESENTACIÓN donde figura la NORMATIVA del festival: os puede ser útil de cara a diseñar vuestras elecciones.

¡En breve, más noticias!

sábado, 1 de junio de 2013

Crítica de LA MULA de Michael Radford

La mula llega a los cines después de protagonizar uno de los culebrones más sonados del reciente cine español. Los problemas para terminar el rodaje, los desacuerdos económicos de las distintas partes implicadas, la 'no firma' del director Michael Radford con respecto el material filmado, los problemas de montaje por la calidad de algunos fotogramas a la hora de elaborar la versión final y el estreno en salas con la banda de película maldita a sus espaldas son datos conocidos por todos. La cuestión es si como espectadores podemos desentendernos de todos estos antecedentes y disfrutar de la película, y a la vez de si el film puede resistir a su fatídica leyenda y encontrar su lugar tanto en la cinematografía como en la temática en las que se incluye. Afortunadamente, La mula propone una visión pícara y alegre de la Guerra Civil, una fórmula poco explotada que sorprende y convence. A la lista de sorpresas se suma la mayoría de edad como actor que alcanza a cada plano Mario Casas, así como el buen rendimiento de sus compañeros Secun de la Rosa y María Valverde. La mula es entretenida, tiene buenos diálogos, cuenta con algunas escenas divertidas y en general lleva al espectador a una arcadia bélico-amorosa más que entrañable. Pero en lo personal no puedo evitar pensar en la película que La mula pudo ser y no ha sido, o en la propuesta que Radford tenía entre manos y que ahora se ha ensamblado y maquillado bajo mínimos. La mula, más que una obra, es la intuición de una obra, el diamante en bruto al que le falta pulimento. La esencia, intuímos, perdura, pero sus baches y parches son tan numerosos y evidentes que todo el metraje acaba afectado por muerte prematura: algunos secundarios aparecen y desaparecen sin explicaciones, muchos planos son ángulos que saben a descartes de un título mayor y el juego de tiempos directamente es asesinado en esta improvisada versión. Las anécdotas se las llevará el tiempo, y a menor velocidad pero igual de implacable también acabará con La mula, anécdota para cinéfilos que nunca debió pasar de una edición en dvd para mitómanos. El gran damnificado es Mario Casas, que ha perdido la posibilidad de que una gran mayoría tome en serio su trabajo; de rebote, todo el equipo del film; y con ellos, el cine español en general, al perder un más que posible y ya utópico título de referencia y posible tirón comercial dentro y fuera de nuestras fronteras. Todo, por desgracia, muy acorde con el momento social y vital que vive tanto España como su ficción ahogada por la subida del IVA.


Para empollones del anecdotario cinematográfico.
Lo mejor: No es un chiste: Mario Casas.
Lo peor: Saber que detrás del film había mucho más.

Nota: 5'5

viernes, 31 de mayo de 2013

MIS CDS: ONLY TEARDROPS, de Emmelie de Forest

ONLY TEARDROPS, de Emmelie de Forest (Dinamarca, 2013)
Presentación: Emmelie Charlotte-Victoria de Forest, nacida el 28 de febrero de 1993, empezó a ser conocida en la escena musical danesa gracias a diferentes certámenes. Fue precisamente en la gala más importante de la Danmarks Radio, el Dansk Melodi Gran Prix 2013, cuando Emmelie fue popular en toda Europa. Su canción Only Teardrops, compuesta por Lise Cabble, Julia Fabrin Jakobsen y Thomas Stengaard, tomó el relevo de Should've Known Better de Soluna Samay y ganó el concurso, cuya gran final se emitió el 6 de febrero de 2013, venciendo a otras favoritas como Stay Awake de Simone Egeriis, I'm Not Alone de Kate Hall o Unbreakable de Mohamed Ali. La victoria la convirtió en representante de Dinamarca en el Festival de Eurovisión 2013 en Malmö (Suecia), y tras ser la más votada en la primera semifinal, donde actuó en quinta posición, ganó la gala del sábado 18 de mayo con 281 puntos, 53 más que Azerbaiján, el segundo clasificado. Su triunfo le permitió lanzar al mercado Only Teardrops, su disco de debut, que de momento solo se ha distribuido en Dinamarca. Only Teardrops ocupa actualmente las primeras posiciones en los rankings de Itunes de distintos países. Emmelie ha utilizado la rápida fama conseguida para reivindicar su título de tataranieta de la Reina Victoria de Gran Bretaña, ya que su abuelo paterno, el difunto conde Maurice Arnold de Forest, era supuestamente hijo ilegítimo de Eduardo VII.


Reseña: El primer álbum de una cantante nacida al calor de la fama inmediata del Festival de Eurovisión siempre es recibido con suspicacias por los cronistas musicales. Con todo, este Only Teardrops merece una oportunidad: recorre a lo largo de su tracklist las diferentes variantes del pop actual, con melodías para tararear, letras con más jugo de lo habitual y algún momento apoteósico. El álbum abre y cierra con las flautas del hit Only Teardrops, y en una primera escucha podría dar la sensación de estar ante un trabajo prefabricado para dar entidad a una única canción. Es en la segunda escucha cuando la voz de Emmelie gana en matices y la canción ganadora del eurofestival pasa a ser un track más. A grandes rasgos, el cd podría describirse como el álbum que otras artistas pop o bien no se atreven a hacer o bien ya no pueden ofrecer. What Are You Waiting For podría estar firmada por cualquier superventas norteamericana, Hunter & Prey sigue siendo carne de hit parade pero con personalidad, Haunted Heart tiene la calidez vocal y la redondez del estribillo de la última Alanis Morissette (incluso mejorándola), Force of Nature es una balada que evita los tópicos de las baladas, Running In My Sleep tiene cierto aire 'Katie Melua', y Soldier of love recuerda a un Bat For Lashes más luminoso. Change será la canción que de vez en cuando querremos recuperar en nuestro ipod. Tal vez para justificar las flautas de su introducción, Beat the Speed of Sound tiene una base musical asiática bastante innecesaria que convierte un buen tema pop en una melodía de fondo de restaurante chino. Y finalmente la versión acústica de Only Teardrops confirma un dato negativo: el tema, aunque bueno, no tiene mucho tirón, ya que la versión inicial sigue siendo la pieza que mejor aprovecha la estructura del tema (en otros términos: no es Euphoria). Si este será o no el inicio de una gran carrera musical es difícil de prever (la sombra de Loreen es alargada), pero de momento Only Teardrops es un buen disco primaveral que merece trascender los círculos nórdicos y eurofans.


Recomendado para: Adictos al pop agradable y seguidores de los últimos trabajos de Alanis Morissette.
Las mejores canciones: A las apuntadas, añadimos Let It Fall.
Nota: 7

jueves, 30 de mayo de 2013

CORTOMETRAJES: MÚSICA PARA UN APARTAMENTO Y SEIS PERCUSIONISTAS

CORTOMETRAJES 14: MÚSICA PARA UN APARTAMENTO Y SEIS PERCUSIONISTAS (MUSIC FOR ONE APARTMENT AND SIX DRUMMERS), de Ola Simonsson y Johannes Stjärne Nilsson (Suecia, 2001)
Palmarés: Nominado a la Palma de oro al mejor cortometraje del Festival de Cannes 2001. Premio Guldbagge al mejor cortometraje sueco del 2002. Mejor cortometraje en competición en los Festivales de París, Chicago y Capalbio. Mención especial en el Festival de Montreal y mención del jurado en el Festival de Odense.
Comentario: ¡Llamen a la policía! ¡Unos músicos han entrado en mi casa! Y no precisamente para robar. Antes de que las improvisadas audiciones de los personajes de Sound of Noise tuviesen una carga rebelde / contestataria (evolución lógica debido al cambio de los tiempos), la premisa de los cineastas Simonsson y Nilsson era de lo más ingenua. Sobre todo genial. Seis artistas se sirven de los pisos de otros para hacer pequeños conciertos solo para disfrute de ellos mismos. Vale todo: el peluche del perro, el viejo vinilo de la abuela, la aspiradora, la taza del váter, la batidora o las puertas de los armarios. Nada tiene demasiado sentido en este corto con mucho ritmo y ninguna lógica. Surrealista pero altamente disfrutable. Una alternativa a la música solemne de conservatorio: Músico para un apartamento y seis percusionistas, suerte de Jeunet de las nieves, es divertido y pegadizo. Así sí que da gusto que te destrocen la casa. Sin duda, uno de los cortometrajes más originales de los últimos años.


Para quienes llevar el arte urbano al salón de casa.
Lo mejor: Combinación de música e imágenes descachatarrantes.
Lo peor: Que termine el concierto.

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Nota: 8

miércoles, 29 de mayo de 2013

Crítica de EL MILAGRO DE P. TINTO, de Javier Fesser

Hostias en casa de los P. Tinto
EL MILAGRO DE P. TINTO, de Javier Fesser (España, 1998)
¿De qué va?: Desde pequeño P. Tinto está enamorado de Olivia. Su vida discurre sin altibajos: su matrimonio es feliz, trabaja en la empresa familiar y vive austeramente en un antiguo apeadero al lado de una vía por la que pasa un tren cada veinticinco años. Solo un pequeño detalle pone en peligro su equilibrio laboral y familiar: no tiene hijos. Pero el destino tiene deparadas muchísimas sorpresas a P. Tinto, que encontrará descendencia de la forma más inesperada en plena senectud. ¿Se obrará el milagro y persistirá la estirpe de los P. Tinto?
Palmarés: Premio Goya 1999 a los mejores efectos especiales y nominación a la mejor dirección novel para Javier Fesser. Sant Jordi a la mejor ópera prima del año 1999. Mejor director y dirección de fotografía en el Festival de comedia de Peñíscola. Mención especial en el Festival de Locarno.
El dato: Tras los éxitos de Airbag y Torrente: el brazo tonto de la ley, El milagro de P. Tinto se estrenó a finales de diciembre de 1998 con éxito de público y de crítica. Javier Fesser, que ya había dirigido cortometrajes de un corte surrealista y sentido del humor parecido al de su ópera prima, escribió el guion del film al alimón con su hermano Guillermo Fesser, miembro del grupo Gomaespuma. El toque comiquero de la película y su título de insospechada cinta de culto permitió a Fesser dirigir Las aventuras de Mortadelo y Filemón, una de las películas más taquilleras de la historia del cine español y ganadora de 5 Goyas técnicos. Fesser decidió abandonar la comedia y se consagró con Camino, film con el que compitió en San Sebastián y con el que ganó el Goya al mejor director. Actualmente Fesser está inmerso en la postproducción de Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo, tercera parte cinematográfica, en este caso en dibujos animados, de los populares personajes de Ibáñez.


Valoración: Tras el cortometraje El secdleto de la tlompeta, ganador de una veintera de premios, Fesser expandió su humor absurdo a la par que inteligente en El milagro de P. Tinto, una viñeta entrañable que no se parece a ninguna película de la reciente hornada nacional. A modo de un Jeunet francés, deudor del tebeo nostálgico de Ibáñez y compañía, la película mezcla lo imposible, atenta contra la lógica y ofrece un chiste de hora y media nutritivo y delirante. Su espíritu infantil y tierno es su clave del éxito: entre el disparate y la concatenación de mamporros se cuela la humanidad de unos personajes absolutamente entrañables, inmersos sin quererlo en un ocaso de lo más animado. Y aunque la película es fruto de una memoria televisiva y cinéfila mastodóntica (homenaje a Eurovisión incluido), supera el sketch de la pequeña pantalla: sus colores, sus saltos temporales, el trazo de los secundarios y las constantes sorpresas de la trama le confieren una personalidad inusual en nuestro cine. Su nómina de ingredientes es compleja: atentados contra los principios de la gravedad y la lógica, extraterrestres con guiño a Spielberg, flashbacks con nazis de por medio, revisión histórica de lo más cachonda... y todo con un sabor español inconfundible, un guiñol tradicional visualmente rotundo y fiel al espíritu del trazo a lápiz de los dibujos de toda la vida. Sea cual sea vuestro sentido del humor, tanto si os hace gracia la soez más inconfesable al juego de palabras más sivarita, encontraréis suficientes motivos para soltar carcajadas durante la proyección. Evasión con sello de autor.


Para fieles de la comedia absurda.
Lo mejor: Es un cómic original, frenético y elegante.
Lo peor: Buscar algo más que la risa sana.

Nota: 7

martes, 28 de mayo de 2013

Crítica de THE IMPOSTER (EL IMPOSTOR), de Bart Layton

Ver cine y hacer cine siempre ha sido un acto de fe, pero últimamente más que nunca. Seguramente por los cambios en la forma de concebir la realidad-ficción derivados de ciertos espacios televisivos, la ambigüedad se ha instalado en el séptimo arte. Al principio el espectador se sorprendía, como ocurre siempre ante una fórmula nueva, con mentirijillas de lo más endebles: la supuesta veracidad del material filmado de El proyecto de la bruja de Blair hizo correr ríos de tinta. Con el tiempo la impostura se ha ido perfeccionando, y si no hay sorpresa por la novedad esta sí se produce por la originalidad, todavía sin límites, de ciertas fórmulas. Cuesta decidir en el 2013 en qué porcentaje recae el peso de una película en el director, en el montador o en el guionista del film. La duda empezó en la pequeña pantalla (¿hasta qué punto están manipulados los cortes que se ofrecen del reality show de turno?) y era cuestión de tiempo que el debate llegase al cine, todo ello para reformular la forma de producir y consumir películas, una evolución que no por lógica resulta menos destacable. Ahora el espectador no se siente tan atraído por lo enteramente ficticio como por las relaciones entre lo que ve y lo que le es reconocible; en otras palabras, ahora el cinéfilo quiere que le cuenten la última patraña bigger than life, con la condición de que la mentira, a base de maquillarla y repetirla, resulte creíble. Y si la ficción tradicional está en crisis, espacios como Gran Hermano, El último explorador o Me cambio de familia han cambiado el clásico patrón del concurso de toda la vida: ahora lo importante es ver y ser vistos. De hecho, ahora ni tan siquiera existe la prensa rosa: el cotilleo sigue siendo la base, pero el espectáculo surge de la mediatización de quienes años atrás solo eran transmisores de contenidos. El documental participa de todo ello, obviamente con cauces artísticos y narrativos más interesantes que los televisivos. El falso documental vive su gran auge con Searching for Sugar Man o esta El impostor, en ambos casos películas en las que es difícil distinguir dónde empieza y acaba la realidad y la ficción. Los documentales solían remitirnos en sus títulos de crédito a una página web informativa, pero ahora la cosa ha ido a más y directamente descubrimos la película que hemos visto investigando en Wikipedia. El cine ya no se forma de historias sino de imágenes, y a cada espectador, en función de su perspicacia o inocencia, le toca decidir hasta qué punto 'compra' o no lo que está viendo.


Lo dicho parece una cuestión más propia de una clase de teoría de la comunicación o filosofía que estrictamente de cine, pero sin duda es un tema interesante que viene a la mente tras ver El impostor. Si todavía no saben de qué va o qué cuenta la película, aquí no encontrarán ni pistas ni spoilers: hay que ver el film virgen de información, o lo más virgen posible. Lo que sí podemos desvelar es que de la misma forma que Sixto Rodríguez es el héroe del año este impostor está destinado a ser el gran villano del 2013. A diferencia del film sueco, El impostor es, valga la gracia, más impostado: viéndolo, me replanteo más veces lo que se me ofrece, y tal vez por ello me mantengo bastante lejos de su historia. Mientras en Searching for Sugar Man disfruto de la fórmula (es un thriller, un drama, un film musical...), en El impostor pienso que la materia prima es tan valiosa que me gustaría que me la contasen de la forma más tradicional: disfrutándola como un buen ejercicio de cine negro, con actores y un buen guion sin imágenes de archivo ni recreaciones extrañas. El impostor, gusten más o menos sus trucos, deja una buena reflexión: la identidad (quiénes somos, quiénes decimos que somos, quiénes queremos ser) es ahora más líquida que nunca, y más con las posibilidades de engaño que marcan tanto la citada televisión como las redes sociales. El arrivismo es el pan nuestro de cada día, lo importante es copar los titulares y ya no importa realmente ser noticia. El impostor de la película es un loco y un cuerdo, un osado y un cobarde, y sea como sea se parece muchísimo al Truman que vive en estado semiinconsciente protagonizando su propio show. El impostor es un film moderno, pero corre el riesgo de que con el tiempo se descubra que tras el humo no había demasiado que contar. Pero si ahora importa más el subterfugio que el tema, los pretextos que el contexto (y ya no digamos el texto), nadie le quita a El impostor su condición de pequeño gran acontecimiento. ¿El secreto? Hay que ir a la sala del cine para saberlo. Aunque al final nada es tan moderno como parece: ¿dónde queda ese Zelig de Allen o el Fraude de Welles? Que siga entonces el embrollo.


Para los que se quedan embobados viendo a los trileros en acción.
Lo mejor: Su historia es tan increíble que dan ganas de contarla.
Lo peor: Muchos no le seguirán el juego, y están en su derecho de no hacerlo.

Nota: 6'5

lunes, 27 de mayo de 2013

SEMANARIO 12: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG


Semana del 20 al 26 de mayo de 2013

Cinoscar Summer Festival: Vídeo promocional

Cine español: LEO, de José Luis Borau (2001)

Queer cinema: LOS TESTIGOS, de André Téchiné (Francia)
Cine nórdico: ANTES DE LA TORMENTA, de Reza Parsa (Suecia)
Cortometraje: LUCKY BLUE (AZUL DE LA SUERTE), de Hakon Liu (Suecia)
El cd: OVERGROWN, de James Blake (Reino Unido)


sábado, 25 de mayo de 2013

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: ¡NOVEDADES!

¡El CINOSCAR SUMMER FESTIVAL ya está en marcha!


Hasta el momento contamos con 15 LARGOMETRAJES y 2 CORTOMETRAJES a competición. Todavía no os desvelaremos los títulos, pero sí un avance de los concursantes anotados hasta la fecha:

1. Juan Roures
2. Jose Luis Ayala
3. Mayra Meza
4. Ramon Fabregat
5. José Barriga
6. Alejandro Salgado
7. Alex Martín
8. Andrés Ricaurte
9. Kosti Bgy
10. Anna Montes
11. Ulher
12. Dialoguista
13. Félix Redondo
14. Guillermo Navarro
15. Ismael Cruceta

Tenéis hasta el 10 DE JUNIO para presentar vuestras propuestas. Es fácil: se trata de ponerse en contacto con el blog indicando las películas y/o los cortometrajes, anotados en orden de preferencia, con los que queréis participar en el festival. Cada película será motivo de un post especial a partir de JULIO. Tenéis toda la información en el post de presentación.


Hoy os podemos contar 2 noticias:
1. El Cinoscar Summer Festival, al igual que la mayoría de festivales reales, dedicará una panorámica a un autor. En esta primera edición, el homenajeado será el cineasta griego THEO ANGELOPOULOS: La eternidad y un día podrá verse en la sección a competición, y muchas otras cintas del director serán motivo de posts especiales a lo largo del festival.
2. ¡Aquí tenéis el primer VÍDEO PROMOCIONAL del Cinoscar Summer Festival! Y vendrán más. ¡Ojalá os guste!


viernes, 24 de mayo de 2013

Especial ANDRÉ TÉCHINÉ: Crítica de LOS TESTIGOS

Uno de los motores narrativos de todo el cine de André Téchiné es la pasión. Y una de las excusas argumentales para reflejar esa pasión está en el viaje, el éxodo o la huida a la ciudad, siempre la eterna París, como lugar donde cumplir los sueños. También la evocación de la juventud como etapa de locura y aprendizaje. Téchiné cree tanto en la pasión que deja que sus actores buceen en las profundidades de sus personajes, improvisen en las sesiones de rodaje y reescriban día a día el guión de base. Todo ello está en Los testigos, una película muy viva, rica en matices y texturas, con la entidad de esas obras que parecen basarse en experiencias propias, contadas en primera persona o evocaciones de vidas reales. Un cine sentido, un cine desordenado, un cine caótico y un cine inabarcable. No pasa el tiempo para el cine de Téchiné, un autor más joven que nunca en cuyas últimas obras inspira compromiso, nervio y convicción. Los testigos evoca la tragedia que supuso el SIDA en la primera mitad de los 80 en todo el mundo. Manu, un joven recién llegado a la capital, trastoca la vida de un grupo de parisinos de vida más bien acomodada. Téchiné distribuye la historia en tres partes (los buenos tiempos, los malos y la valoración de ambos a modo de clausura), equilibra con bastante atino los lazos sentimentales y profesionales de los personajes, y consigue un convincente retrato de esos primeros testigos del SIDA en un país (Francia) en el que todavía se utiliza la expresión vulgar 'pédé' (en referencia a 'pedófilo') para referirse a los homosexuales (algo que gana vigencia con el recientemente aprobado matrimonio entre personas del mismo sexo). Puede que no tenga la entidad de las mejores obras de Téchiné, puede que en su parte central la historia acabe perdiendo el norte, pero se agradece que a diferencia de otros coetáneos (Resnais, Leconte, Guédiguian) no haya ni un rastro de naftalina o acomodamiento en su mirada: de hecho, Los testigos podría estar firmada por François Ozon, sin ir más lejos. Cine de mirada adulta y formas nuevas que, por fortuna, se niega a morir.


Para enamorados de la sensibilidad del mejor cine francés. 
Lo mejor: Da luz a un tema poco tratado: el caos del SIDA en los años 80.
Lo peor: Ciertos retruécanos narrativos, muy del gusto de cierta intelectualidad gala.

Nota: 7