¡CINOSCAR & RARITIES LLEGA AL MILLÓN DE VISITAS!

Sin todos vosotros no hubiera sido posible. Hace unos días el blog... ¡superó la cifra del millón de visitas! Muchas gracias a todos los que leéis, comentáis o os habéis acercado alguna vez al muro del blog. Hoy nos vamos de fiesta y guardamos posts para mañana. Habrá más Cinoscar & Rarities si así lo deseáis! Es un placer poder compartir cosas sobre lo que más nos gusta: el cine. Nos leemos y escribimos.

Y atentos al blog... ¡este verano os tenemos preparada una GRAN SORPRESA! Coming very soon...

SEMANARIO 6: LOS POSTS DE LA SEMANA

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG

Semana del 08/04 al 14/08

Crítica: ALACRÁN ENAMORADO, de Santiago A. Zannou
Crítica: LOS ÚLTIMOS DÍAS, de Àlex y David Pastor
Cine año 2000: FUGITIVAS, de Miguel Hermoso
Cine año 2000: LA ESPALDA DEL MUNDO, de Javier Concuera
Cine año 2000: PARA TODOS LOS GUSTOS, de Agnès Jaoui

Cine nórdico: SCREAMING MASTERPIECE, de
Cine queer: THE GREEN, de Steven Williford
El cortometraje: SIGNS, de Patrick Hughes
El cd: 5, de Alizée

Crítica de LOS ÚLTIMOS DÍAS, de Àlex y David Pastor

1. Con motivo del estreno de Los últimos días se ha podido escuchar un debate que debería darnos vergüenza. Se ha discutido hasta qué punto es útil un cine español que filma desde sus innegables limitaciones una historia de corte fantástico que los norteamericanos ejecutan habitualmente con un presupuesto mayor, si bien eso no siempre implica unos resultados mejores. El tema debería sentenciarse con los dos argumentos que siguen. En primer lugar, el cine español, como cualquier cinematografía más o menos pequeña, tiene y debe tener la necesidad y la legimitidad de contar sus problemas locales recurriendo a formatos de corte internacional, camino que ciertos autores vienen transitando con éxito durante mucho tiempo y que permite la venta de nuestros productos al extranjero. Y en segundo lugar, la existencia de una generación de técnicos y artistas preparadísimos, cantera venida de las diferentes y fructíferas escuelas de cine españolas, ha permitido a nuestro cine tener un empaque visual como mínimo notable, algo que solo podemos conseguir si esos nombres del presente y del futuro encuentran proyectos como Los últimos días, y con ellos la posibilidad de trabajar dentro de nuestras fronteras.

2. La influencia de los Estados Unidos, con todo, es tan evidente como inevitable. Hay, eso sí, diferentes maneras de reciclar el conjunto de referentes yankis o paralelos, y gracias a eso un trabajo como el que nos ocupa puede insertarse dentro del variopinto horizonte del cine made in Spain sin necesidad de copiar o pedir prestado el trono de otros. Basta comparar el espectáculo descacharrante y concienzudamente sin sentido de Rec 3: Génesis con el empaque clásico de Los últimos días para tener un esbozo de las diferentes líneas del thriller o terror español reciente, quedando contenida entre ambos extremos la heterogeneidad de tonos y recursos de un grupo de películas y autores que forman una corriente en alza. El cine ejerce su tiranía e impone su imaginario: nos hemos acostumbrado a que el apocalipsis sea exclusivo de las grandes urbes estadounidenses, una soberana estupidez que revela una mirada adocenada por parte del público y una preocupante carencia de ideas nuevas por parte de la industria. Los últimos días busca y encuentra su variación de la fórmula: la agorafobia es paradójicamente el elemento que enclaustra a los personajes y el escenario del pánico es una Barcelona de cielos ámbar y grisáceos. Esa es su aportación y su personalidad: si desde fuera se valora el intento, ni qué decir que tal ejercicio debería contar con más apoyo entre nosotros.

3. Valoremos, por lo tanto, Los últimos días como película autónoma sin perder de vista la tradición de terrores colectivos que la antecede. La película de los hermanos Pastor es lo más parecido a una road movie emocional entre túneles de metro y alcantarillas. Marc (un solvente Quim Gutiérrez), un ingeniero informático, encuentra en un mundo patas arriba la figura del padre (que a su vez busca a su propio padre: hablamos de Enrique, el personaje de Jose Coronado). El terror, en otras palabras, es portador de inesperados significados: el protagonista se ve obligado a 'sobrevivir', y en esa aventura encuentra las claves para, acabada la debacle, poder 'vivir'. El título, en definitiva, no se refiere a los días que acaban con la civilización tal y como la concebimos sino al periodo de transición anterior al cambio, al nacimiento de otra civilización. Esa es la novedad de la cinta: presentada bajo los membretes propios de lo fantástico, sus directores encuentran en la motivación de su héroe (la ansiada reunión familiar) la posibilidad de abrazar un misticismo poco frecuente que pretende impactar y hacer reflexionar al espectador. La película acaba siendo una suma de capas bastante interesante: al evidente homenaje a la ciudad condal se suma una historia de redención y una trama de amistad masculina que dan sentido a la causa del personaje, y con ella la de todos sus semejantes. De hecho, no hay opción más espiritual y a priori anticomercial que dejar la enfermedad que atenaza a la humanidad de la película sin explicación lógica: el símbolo puede a la ciencia.

4. Hemos dado con el elemento diferenciador: solo nos queda dar luz a las flaquezas de la historia. Y aquí enlazamos con el primer punto: aunque a nivel estético hemos llegado a una cima considerable, los guiones siguen siendo todavía la gran asignatura pendiente. A Los últimos días no le faltan ideas pero no siempre cuenta con al inventiva suficiente para plasmarlas. De esta manera, la película se divide en dos partes poco armónicas. En un inicio la trama in media res se sucede con flashbacks de lo sucedido antes de extenderse el pánico, una decisión criticable que aporta más bien poco: un arranque costumbrista que incluyese el elemento fantástico en mitad del metraje hubiese sido una solución más interesante, por mucho que la campaña publicitaria del film adelantase la sorpresa de la historia. Paralelamente, el segundo tramo se sucede a partir de pequeñas intuiciones que dan pie a nuevos macguffins: según esta lógica, la visión de un ciervo campando por la ciudad justifica la aparición posterior de un oso, la ambigua escena en lo alto de la torre permite al guion recuperar un personaje en la revuelta del supermercado, y la inconclusa desaparición de otro personaje al derrumbarse un edificio hace posible la pervivencia del misterio final (saber si el reencuentro se producirá en un espacio exterior aparentemente inexpugnable). Demasiado truco y retruécano, en definitiva, para explicar una historia en el fondo más apegada a lo intimista que a lo espectacular.

5. Los últimos días, en resumen, es una película meritoria pero irregular. La obligación de responder a los códigos del género y al mismo tiempo alterarlos con nuevas aportaciones es un trabajo magno que no se resuelve con equilibrio: de ahí que el público conformista critique una falta de ritmo que, sin ser alarmante, es fácilmente detectable; y de ahí que los que quieran explorar más universos que el estrictamente apocalíptico estén en su derecho de pensar que los hermanos Pastor, a la hora de desvelar todas sus cartas, dan gato por liebre. Merece atención su narrativa con ecos de Comac McCarthy, pero el exceso de datos acaba matando el interés de la audiencia. Los últimos días es innegablemente una crítica a la falta de humanidad de una sociedad global y tecnológica con un reverso absolutamente cruel y frustrante: ahí está el personaje del vecino anciano, invisible por culpa del mal colectivo de 'no querer ver' o 'no poder salir', para jugar con los argumentos filosóficos que queramos. Pero el hecho de que la historia tenga varios finales posibles resta potencia a todo el conjunto, no tanto por la multilectura de su plano final sino porque la película podría terminar en cuatro o cinco momentos diferentes de la acción y ser una unidad de significado plenamente sólida. Los últimos días es un paso más hacia la 'película total' que nuestro cine, a base de tanto intento y talento, puede conseguir en breve. Eso si las tijeras del PP y el prejuicio colectivo hacia el cine español no acaban sentenciando la verdadera apocalipsis del sector. Porque una de las posibles interpretaciones de Los últimos días podría ser la exposición de una cinematografía que o bien no quiere o bien no puede salir al exterior a proclamar su multilingüismo, en sentido literal y figurado.

Para exploradores de películas complejas.

Lo mejor: Defensores y detractores concordarán que la película tiene atmósfera.

Lo peor: Dista de ser el golpe de autoridad que precisa nuestra industria.

Nota: 6

Crítica de ALACRÁN ENAMORADO, de Santiago A. Zannou

Carlos Bardem, escritor de la novela Alacrán Enamorado, reconoció en el Zannou de El truco del manco el talento necesario para llevar a la gran pantalla la pulsión de los personajes marginales y extremos de su historia. Con la cinta estrenada en toda España, no cabe duda de que Bardem, que se ha reservado el segundo papel masculino más importante de la función y otra intervención para su hermano Javier, tuvo muy buen ojo a la hora de fichar a Zannou. El film se describe por dos marcas: en primer lugar, se sirve de las directrices clásicas del cine de boxeo, con una historia de redención personal bastante habitual en la ficción pugilística y con una no menos recurrida descripción del 'maestro frustrado' que instruye y guía a su pequeño saltamones como si de un padre se tratase; y en segundo lugar, es evidente la pervivencia de un cine ligeramente romántico que en lugar de pervertir los códigos amorosos pone la premisa 'chico conoce chica' en un marco diferente, en este caso describiendo el evidente pero potente choque de trenes que surge al poner en un mismo plano un joven de ideario nazi y una chica mulata. Esta doble vertiente enriquece a Alacrán enamorado, ya que el film funciona como trama juvenil y al mismo tiempo tiene la madurez que reclama un perfil de público más elevado. Solo por eso el film amplifica los horizontes del reciente español, sin olvidar su esfuerzo por dar buenos personajes a toda una generación de nuevos talentos: Álex González apaliza y vence en el que es de momento el papel de su carrera, la hastiada construcción del entrenador parece tener ecos eastwoodianos y Miguel Ángel Silvestre tiene el lado visceral y animal del primer Javier Bardem -  es indudable que de haber sido concebida veinte años atrás el principal protagonista hubiese recaído en el español más internacional -. Al final ni se impone la crítica social ni el romance folletinesco: Alacrán enamorado queda como una película con momentos poderosos y una atmósfera turbia, oscura y cortante que deja mal cuerpo. Puñetazos consistentes que aun siendo una evolución lógica de las corrientes sociales de nuestro cine pelean en una liga inferior con respecto títulos europeos de temática paralela como La ola o El odio. Por explicar la historia que explica y por venir firmada por parte de quien viene firmada (esto es España, señores), la película recibirá más golpes en el ring de los que realmente merece: de ahí que sea importante abrazar esta Alacrán enamorado como una de las sorpresas más agradables del cine español de este 2013.

Para amantes de las mezclas consistentes.

Lo mejor: Cine y realidad, boxeo y racismo, se funden con bastante atino.

Lo peor: El final revela ciertas complacencias del conjunto.

Nota: 6'5

Crítica de LA ESPALDA DEL MUNDO, de Javier Corcuera

El dolor, en todas partes

LA ESPALDA DEL MUNDO, de Javier Corcuera (España, 2000)

¿De qué va?: Tres historias, reflejos de un mismo mundo injusto. En Perú, un niño se levanta a las seis todas las mañanas para picar piedra en una cantera cercana para ayudar a su familia. En Suecia, un kurdo exiliado nos cuenta la historia de su esposa Leyla, una política kurda encarcelada en Turquía. Y en Texas, los padres de un reo condenado a muerte se reúnen con un grupo de víctimas con la esperanza de poner fin a una de las taras del sistema judicial norteamericano.

Palmarés: Premio de la Crítica Internacional del Festival de San Sebastián 2000. Premio de la OCIC del Festival de La Habana 2000. Seleccionada para el Festival de Sundance 2001 y Mar de Plata 2001. Premio Turia 2001 al mejor director novel. Nominación al mejor artista revelación para Javier Corcuera por parte del Círculo de Escritores Cinematográficos de España.

Valoración: Un relato punzante de diferentes olvidados y desheredados en lugares distintos del planeta. Diferentes espacios y diferentes expresiones del dolor que dibujan un desolador 'estado de las cosas'. Corcuera habla de temas mayores (explotación infantil, conflicto árabe, pena de muerte) y sus imágenes escuecen: en ellas no hay ningún intento de manipular o adoctrinar a la platea, porque el objetivo es acercarnos tres bocanadas de vidas truncadas capaces de sacudir nuestra mirada conformista, bienestante y primermundista. Corcuera evita el documental de investigación, ni tan siquiera pretende tener uno u otro efecto en el público: filma a escasos milímetros de la realidad, al pie del cañón, a primera línea de fuego. Por separado y juxtapuestas, sus historias son algunos de los fragmentos más contundentes que ha dado el cine español de los últimos años. Cine social que pone voz y convierte en noticia tres escándalos ocultos y cotidianos. Echar por tierra las desigualdades e injusticias depende de todos nosotros, de quienes gobiernan y de quienes gobiernan a los que gobiernan: por lo menos La espalda del mundo, cine puro, crudo y duro, consigue que intuyamos lo que la verdad esconde.

Para ciudadanos con conciencia.

Lo mejor: El montaje eficaz y nada partidista.

Lo peor: ¿Habrán silenciado un peliculón como este precisamente por tratar cuestiones que molestan? Tememos que sí.

Nota: 7

Parte 1: El niño

Crítica de PARA TODOS LOS GUSTOS, de Agnés Jaoui

En la variedad está el gusto

PARA TODOS LOS GUSTOS (LE GOÛT DES AUTRES), de Agnés Jaoui (Francia, 2000)

¿De qué va?: Nada es lo que parece. Las primeras apariencias engañan y los prejuicios son malos compañeros. Dos amigos comen en un restaurante, pero en realidad son dos compañeros de trabajo. Son el chófer y el agente de seguridad de un empresario que está a punto de cerrar un contrato con un grupo iraní. Aunque el alto ejecutivo parece un ser petulante, en realidad es un hombre de buen corazón. Y aunque no está familiarizado con el arte, se queda prendado por la actriz de una obra de teatro en la que interviene su sobrina. Encuentros y desencuentros de distintos personajes en cuyos actos y en cuyas palabras se manifiesta la eterna heterogeneidad de opiniones, gustos y maneras de vivir.

Palmarés: Nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. 4 premios César de 9 nominaciones: mejor película francesa del año 2000, mejor actor de reparto (Gérard Lanvin), mejor actriz de reparto (Anne Alvaro) y mejor guion original. Gran protagonista de la temporada de premios galos del año 2000: fue galardona con dos Étoiles d'Or y tres Lumière. EFA al mejor guion europeo del año y nominada a la mejor película. Turia y David di Donatello a la mejor película extranjera, y en esa categoría candidaturas al Guldbagge sueco, el Cóndor argentino y el British Independent Film Award.

El dato: Primera película de Agnés Jaoui y todavía hoy su máximo éxito de taquilla (vendió casi 4 millones de entradas en Francia) a la que le seguiría Como una imagen y Háblame de la lluvia. Jaoui también interpreta a la camarera libertina y vendedora de marihuana de la película. Jaoui y Bacri, además de ser actores de larga trayectoria, escriben el guion de la película y de todas las cintas mencionadas: ambos han sido matrimonio durante 15 años. La pareja también firmó el guion de la obra teatral Cada uno busca su gato, que dos años después de su estreno en las tablas fue llevada al cine por Cédric Klapisch con Jaoui y Bacri como actores. Jaoui también ha grabado dos discos donde mezcla ritmos tan variados como el flamenco, el bolero y el fado.

Valoración: La alta comedia tiene en Para todos los gustos su gran obra maestra contemporánea, una película ácida e inteligente con unos diálogos astutos, una descripción de personajes asombrosa y unos actores en estado de gracia. Todo son aciertos en este Allen a la francesa o Resnais a la americana. No conectará con todas las sensibilidades, pero si se accede a las complejidades de todos sus rincones uno disfruta de lo lindo. Para todos los gustos es un gran fresco de la variedad de opiniones, estilos de vida y clases sociales de una Europa urbana. Aunque pueda parecer una película burguesa y acomodaticia, la cinta innova con un humor finísimo que va de la parodia sin aspavientos al chiste sesudo. Una de sus grandes bazas es que todos sus personajes, aun siendo representaciones de las contradicciones y miserias de todos nosotros, resultan reales y cercanos, buenas personas: hay espacio para la reflexión, pero ningún atisbo para la depresión de un cine social, entre ellos el francés, más empeñado en retratar las sombras que las luces. Para todos los gustos es luminosa. O mejor: compleja, rica en su paleta de colores y matices. A algunos sus palabras les taladrará la cabeza. A otros les llevará a un nirvana que casi nunca consigue el cine de nuestros días. En Para todos los gustos parece que no pasa el tiempo, que no se nos cuenta nada y a la vez se condensa todo, que es perfecta de cabo a rabo, que es imposible prever sus giros y que cuando estos acontecen parecen los más naturales, los únicos posibles. Uno siente unas ganas irrefrenables de verla y volverla a ver en un eterno bucle. Para todos los gustos consigue que sus personajes sean al final de la función nuestros amigos, y que a la vez nos quedemos pensando en la salud de nuestras relaciones con los demás. Para todos los gustos consigue que viéndola ponga mi total atención en una historia que siendo ajena me compete y describe como ser humano. Logrando, además, que viéndola o recordándola me sienta más feliz que antes. Cine con mucha vida. Película de cabecera para todo cinéfilo que además de pasar un buen rato quiera escudriñar en sus entrañas, sin acritudes ni malos rollos. Si en la vida y en el arte la risa con mensaje pero sin moralina es lo más difícil de conseguir, nadie debería robarle a Para todos los gustos el título de absoluta joya.

Para reir y reflexionar.

Lo mejor: El guion, de los más redondos jamás escritos.

Lo peor: A algunos les enervará su toque intelectual - artístico.

Nota: 9

Crítica de FUGITIVAS, de Miguel Hermoso

No matar, no mangar, no mentir

FUGITIVAS, de Miguel Hermoso (España, 2000)

¿De qué va?: Una banda de delincuentes decide robar una administración de loterías de Madrid y fugarse hacia el sur. Los planes se truncan cuando Tony y Laura, la sobrina de su novio Juanjo de apenas siete años, son abandonadas en mitad de la carretera: Juanjo se ha escapado con todo el botín y sus dos compinches les persiguen. Laura decide llevar a la niña junto a su padre, un cantaor de flamenco. Pero esquivar a sus persecutores no será nada fácil, y su periplo se alargará hasta recorrer de punta a punta toda la costa andaluza.

Palmarés: Premio Goya a la mejor actriz revelación (Laia Marull) y mejor canción original (Fugitivas, de Manuel, Natboccara y JJ Chaleco). Premio Turia a la mejor película española del 2000. Tres premios ASECAN, incluyendo mejor película. Premio del público del Festival de Chicago. Premio a la mejor actriz (Laia Marull) y mejor banda sonora (Antonio Meliveo) del Festival Internacional de Ft. Lauderdale. Nominaciónal mejor actor de reparto (Juan Diego) del Círculo de Escritores Cinematográficos de España.

El dato: La película duró muy pocas semanas en cartel, pero logró un notable éxito de crítica. Es la primera ganadora del Goya a la mejor canción, categoría que se concedió por primera vez ese año 2000. Laia Marull ganó también su primer Goya: a día de hoy es la única actriz que puede presumir de tener todos los Goyas posibles (premio como protagonista de Te doy mis ojos, secundaria por Pa negre y revelación por el film que nos ocupa). Es uno de los primeros papeles de María Galiana tras la exitosa Solas de Benito Zambrano y solo meses antes de que fuese popular por ser la abuela de la familia de la longeva serie Cuéntame. Tiene una de las bandas sonoras más celebradas del último cine español, con música flamenca y melodías de guitarra española: Niña Pastori hace un cameo en la película y canta Cai, éxito de su tercer álbum Cañaílla que suena en los títulos de crédito de la cinta.

Valoración: Es un placer bucear en el baúl de obras del reciente cine español y encontrarse una perla como Fugitivas, tan desconocida como singular. Aunque en su momento tenía el suficiente potencial para ser un título de culto instantáneo, el hecho de que haya permanecido oculto todos estos años le ha conferido mayor energía. Fugitivas no se parece a nada ni a nadie del cine local de ultimísima factura: a su aliento enteramente español (no solo por la evidencia del flamenco y el paisaje andaluz: en ella planea el alma del cine de Eloy de la Iglesia y otros) se le añade un esquema de road movie femenina muy interesante, herencia directa de un cine del espectáculo de arraigue norteamericano (podría ser sin problemas nuestra Thelma y Louise). Así, entre persecuciones, molinos de viento y olor a jamón serrano y gazpacho discurre una bellísima historia de dos mujeres (una mujer inconsciente y una niña muy madura) que buscan su lugar en el mundo mientras esquivan las magulladuras de un pasado que les persigue. Un thriller con espacio para el drama crudo y la comedia surrealista. Y aunque algunos la acusarán de ir a más revoluciones de la cuenta, Fugitivas encierra una realidad de marginados y perseguidos más que reconocible, llevando la temática social a los mimbres disparatados de las ficciones imposibles de tiros y volantazos. Entre las estaciones de servicio, la soledad de la carretera y el componente desalmado-simpático de sus secundarios se cuela un cine con vida que se ve sin pestañear y que se siente a flor de piel, aunque uno no tenga especial preferencia por la guitarra española y el cante jondo. De esas historias que se quedan grabadas en la mente para bien o para mal: a unos les generará rechazo, a nosotros nos inspira una ternura inconmesurable.

Para escépticos del thriller español.

Lo mejor: Es personal y vibrante.

Lo peor: Que su tendencia a lo kinki le reste espectadores.

Nota: 7'5

CORTOMETRAJES: SIGNS, de Patrick Hughes

CORTOMETRAJES 07: SIGNS, de Patrick Hughes (Australia, 2008)

Comentario: Dos actores, un par de escenarios y ninguna línea de diálogo. Material suficiente para contar una preciosa historia de amor entre dos desconocidos que intercambian impresiones cada mañana enviándose mensajes escritos desde las ventanas de sus oficinas. Un esquema sospechosamente parecido, por no decir copiado, al del corto de Disney Paperman, recientemente galardonado con el Oscar de Hollywood. Signs no corrió tanta suerte, aunque desde su estreno en su Australia natal el marzo de 2008 se ha convertido gracias a internet y los festivales especializados en una pieza de culto. La estructura es tan dulce como sencilla: ocho minutos en el que asistimos al despertar de un personaje sumido en la terrible vorágine de lo cotidiano. Una forma curiosa de hacernos ver que estamos rodeados de pequeñas señales y seres que pueden cambiar el rumbo de nuestras vidas en el momento menos pensado. Para los que tienen la intuición o simplemente desean encontrar el amor de sus vidas a la vuelta de la esquina. Precioso. Pero volviendo a lo de antes... ¿alguien puede explicarnos por qué no se dio cancha a esta joya y sí a la citada Paperman? No hay parecido (o plagio) que por bien no venga y nunca es tarde si el cortometraje en cuestión es bueno (muy bueno). Disfruten de Signs.

Para enamoradizos con remedio.
Lo mejor: Aúna sencillez y originalidad.
Lo peor: Querer encontrar algo más que la otra media naranja.

Nota: 7

La calumnia: Crítica de THE GREEN, de Steven Williford

The Green habla de esa homofobia que permacene latente y que solo necesita una pequeña chispa para salir a la superficie en forma de llama. Michael es un profesor de instituto respetado por todos, al menos en apariencia. Está preparando la que será su primera novela, es bastante popular entre los alumnos y el claustro de profesores, y su relación con Daniel no hace más que afianzarse con el paso de los años. Todo se romperá cuando una calumnia atente contra la imagen pública y la vida privada de Michael. De la noche a la mañana todo se lee en clave perspicaz, y esa zona rural que debía ser un remanso de paz tras huir de la ciudad pasa a ser territorio de hostilidades y desconfianzas. The Green contiene una poética muy sutil al contarnos la lucha de alguien que creía que ya no tenía que luchar por nada. No es una película combatiente, si acaso un melodrama que, con independencia de la subtrama queer, nos explica aquello que ya sabíamos por otras obras: una acusación puede ser tomada como un hecho, y un rumor acaba por tener más repercusiones que aquello que se sabe de primera mano. Una película que funciona por la endereza de sus actores al dar vida a un guión claustrofóbico que una vez estalla el conflicto persigue a su protagonista hasta el fin del martirio. Lástima que The Green quede un tanto afeada por un final rocambolesco, increíble por poco verosímil pero también por gratuito. Parece que al final el debutante Steven Williford no quiere ir al meollo de la cuestión y hace un leve rodeo o paseo por el jardín del título: hubiera sido interesante ver un desarrollo fiel al cine de juicios que tanto gusta a los estadounidenses. Aún con todo, es una película notable que sorprendente se ha estrenado directamente en Itunes, Amazon y otras plataformas digitales pese a contar con un público potencial en aumento y una posible carrera en cines. The Green no acaba de ser una radiografía completa y compleja del odio, pero al menos tiene la fuerza de esos casos pequeños cuya dureza se presta a interesantes generalizaciones y reflexiones.

Nota: 6

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MIS CDS: 5, de ALIZÉE

5, de Alizée (Francia, 2013)

Presentación: Con solo 16 años, su álbum de debut Gourmandises, apadrinado por la cantante Mylène Farmer en las labores de producción y composición de letras, consiguió ser uno de los cds en lengua francesa más vendidos en Europa, Asia y América: más de 4 millones de copias en solo un año. El single Moi... Lolita fue uno de los más escuchados del 2001 y le sirvió para colarse en la lista de las 100 mujeres más deseadas del mundo. También destaca Gourmandises, pieza que da nombre al disco. Mes Courants Electriques (2003) no consiguió tener la misma repercusión, si bien el single J'en ai marre repitió fortuna en Francia. Psychédélices, sin el apoyo de Farmer, pasó totalmente desapercibido a excepción de la nueva versión de La isla bonita de Madonna. Une enfant du siècle supone un cambio en su carrera, menos apegado al pop: el single Les Collines (Never Leave You) desaparece de las listas muy pronto pese a contar con el apoyo de la crítica. 5, su quinto trabajo, ve la luz el 25 de marzo 2013.

Reseña: Alizée saltó a la palestra cuando todavía no existía la moda de los talent shows. Con los años no ha podido superar o igualar el éxito del hit Moi... Lolita, y la necesidad de encontrar una personalidad reconocida y reconocible en un panorama musical fragmentado, entre otros factores por los nuevos rostros de los programas televisivos, se hizo evidente en el anterior álbum Une enfant du siècle. 5, por su título y portada, parece la voluntad de iniciar una nueva etapa, consciente de que los sonidos oscuros de su anterior trabajo no funcionaron y de que el pop comercial, carne de descarga, es cosa del pasado. 5 es una nueva Alizée, más madura, más preocupada en crear sonidos atmosféricos que estribillos pegadizos, más centrada en moldear una voz que diez años después de su presentación ha ganado en matices. El disco empieza con A cause de l'automne, pieza con vocación de single a la vieja usanza que bien pudo formar parte del repertorio de Françoise Hardy. 10 ans y Le dernier soufle son canciones rítmicas, con bases 'rockabilly' y la calidez de Coeur du Pirate. Je veux bien es la única concesión al pop rápido que entra a la primera escucha y que casa a la perfección con el repertorio de su primer Gourmandises. Y entre sonidos rock se cuelan los medios tiempos de Mon Chevalier, Jeune Fille o Dans Mon Sac, momentos íntimos en los que Alizée se sirve de apenas un solo de piano o guitarra in crescendo para reivindicar su trabajo como artista completa. En resumen, un cd de corte naïf pero muy consistente y homogéneo que va a la contra de las modas. Un álbum con poco gancho para las radios y el público joven que bailó en su día la intrascendencia de la primera Alizée. Ahora ya no queda nada de esa joven Lolita que cantaba sus dudas sexuales: la picardía de la sex symbol ha dado paso a una artista que busca su espacio dentro de la nouvelle chanson française. Una grata sorpresa: once canciones muy recomendables.

Recomendado para: Curiosos en cambios artísticos radicales.
Los mejores tracks: A cause de l'automne, 10 ans, Jeune Fille, La guerre en dentelle.
Nota: 7

Música islandesa en vena: Crítica de SCREAMING MASTERPIECE

Islandia, pese a tener alrededor de 300.000 habitantes, cuenta con 90 escuelas de música,  6.000 miembros de coros, 400 orquestras e infinidad de grupos indie conocidos y desconocidos que en la isla solo pueden vender en el mejor de los casos unas 300 copias de sus trabajos discográficos. Son datos que aporta Screaming Masterpiece, un documental que repasa el fenómeno de la música islandesa con algunos apuntes históricos pero sobre todo nutriéndose de las actuaciones en directo de bandas fantásticas. El film indaga en las características de la nueva generación de músicos islandeses que trabajan desde la absoluta libertad y que como Múm o Sígur Rós llegan a tener un alcance internacional. Screaming Masterpiece apunta algunos de los motivos que hacen de la música islandesa casi un género musical en sí mismo: factores culturales, la influencia del rock británico de los 70, el paisaje de la isla (lleno de contrastes: de volcanes a glaciales) y la posición en el mapa de Islandia (parte de Escandinavia pero desgajada de la realidad nórdica, entre Europa y América y a su vez parte de ninguna de ambas) moldean de forma invisible el estilo de una música creativa y ecléctica. La parte divertida del film está en ver a artistas noveles cantando y tocando en la soledad de una habitación, de un estudio de grabación o de una iglesia vacía. Pero la verdadera magia es más musical que cinematográfica: asistir a un concierto de hora y cuarto de rock, balada y música alternativa que mezcla la cuerda con la electrónica hecha de pequeños beats, strings, virgerías de Beat Box y sonidos de instrumentos tan singulares como cajas de música, sierras metálicas o el Reactable de Björk. Al final el documental deja abierto el interrogante de por qué la música islandesa es como es, pero tampoco interesa responder la pregunta: Screaming Masterpiece está hecha para el fan de la buena música. Tras ver Screaming Masterpiece dan ganas de empaparse de la escena musical que se vive en los pubs de Reykjavík y de apuntar infinidad de bandas en la lista de descargas pendientes. Si son exploradores curiosos de la música que casi nunca tiene su espacio en los circuitos comerciales, Screaming Masterpiece les resultará un festín.

Nota: 7

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Pueden ver el documental completo aquí:

SEMANARIO 5: LOS POSTS DE LA SEMANA

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CONTENIDOS DEL BLOG

Semana del 01/04 al 07/04 de 2013

Cineranking: Ranking marzo

Crítica: SI FUERA FÁCIL (THIS IS 40), de Judd Apatow

Cine año 2000: CALLE 54, de Fernando Trueba

Cine año 2000: PÍDELE CUENTAS AL REY, de José Antonio Quirós

Clásico moderno: SONATINE, de Takeshi Kitano (Japón, 1993)

Cine nórdico: BEAST, de Christoffer Boe

Cine queer: SEGUNDA PIEL, de Gerardo Vera

 El cortometraje: ÉRAMOS POCOS & LA PRIMERA VEZ, de Borja Cobeaga

La escena: EL SECRETO DE SUS OJOS, de Juan José Campanella

CINERANKING MARZO: LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2013

Un mes más, 47 lectores del blog han votado el mejor cine del 2013. 25 películas superan el 7 de nota y demuestran que la hornada de este año está siendo excelente. Estas son las cintas mejor valoradas:

TOP TEN MARZO 2013

10. MAPA, de León Siminiani (España)

= Nota: 7'6 Votos: 5 Crítica: Link

9. LA NOCHE MÁS OSCURA, de Kathryn Bigelow (EE. UU.)

-1 Nota: 7'62 Votos: 24 Crítica: Link

8. A PUERTA FRÍA, de Xavi Puebla (España)

Nueva Nota: 7'67 Votos: 3 Crítica: Próximamente

7.Empate con una media de 7'77 entre:

LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO, de S. Chbosky (EE. UU.) = Vs.: 22 Crít.: Link

THE MASTER, de P. T. Anderson (EE. UU.) -3 Votos: 26 Crítica Link

6. BLUE VALENTINE, de Derek Cianfrance (EE. UU.)

-1 Nota: 7'83 Votos: 23 Crítica: Link

5. TABÚ, de Miguel Gomes (Portugal)

+4 Nota: 7'87 Votos: 8 Crítica: Próximamente

4. DJANGO DESENCADENADO, de Quentin Tarantino (EE. UU.)

+2 Nota: 7'96 Votos: 29 Crítica: Link

3. Empate con una media de 8 entre:

MÓN PETIT, de Marcel Barrena (España) Nueva Votos: 1 Crítica: Próximamente

PROYECTO NIM, de James Marsh (EE. UU.) = Votos: 2 Crítica: Próximamente

2. SEARCHING FOR SUGAR MAN, de Malik Bendjelloul (Suecia)

= Nota: 8'08 Votos: 12 Crítica: Link

1. AMOR (AMOUR), de Michael Haneke (Austria)

= Nota: 8'37 Votos: 27 Crítica: Link

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NO ESTRENADA A REIVINDICAR

No se han estrenado comercialmente pero están generando miles de comentarios en la blogosfera y las revistas especializadas. Nuestra reivindicada del mes es:

DESPUÉS DE LUCÍA, de Michel Franco (México)
Festivales de Cannes, San Sebastián, La Habana y Chicago. Nominada al Goya.
Nota: 8'33 Votos: 3 Crítica: Próximamente

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EL DUELO DEL MES

CINE DE ÉPOCA + ADAPTACIONES LITERARIAS + CINE BRITÁNICO

¿Dickens o Tolstoi, Newell o Wright?

ANNA KARENINA Nota: 6'44 Votos: 16

vs.

GRANDES ESPERANZAS Nota: 5'5 Votos: 2

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EL VOTANTE DEL MES

Este mes repasamos las notas de Uggo, uno de los concursantes más activos del Cineranking. Para él, todavía ninguna película merece el suspenso. Este es su top:

The Master 9

El atlas de las nubes 8

Hitchcock 7

El lado bueno de las cosas 6

Rebelle (War Witch) 5

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PRÓXIMOS ESTRENOS

8. POSESIÓN INFERNAL (DEVID DEAD), de Fede Álvarez (EE. UU.)
Estreno: 05 de abril
Nota: 5 Votos: 1 Crítica: Próximamente

7. EN EL CAMINO, de Walter Salles (EE. UU.)

Estreno: 19 de abril
Nota: 5'5 Votos: 2 Crítica: Próximamente

6. Empate con una media de 6 entre:
ALACRÁN ENAMORADO, de S. Zannou (España) Estreno: 12/04 Votos: 1 Crít.: Próx.
EL EJERCICIO DEL PODER, de P. Schöeller Estreno: 19/04 Votos: 1 Crít.: Próx.
MEMORIAS DE UN ZOMBIE ADOLESCENTE, de J. Levine (EE. UU.) Estr.:19/04 Vot.: 1
TIERRA PROMETIDA, de Gus Van Sant (EE. UU.) Estreno: 19/04 Votos: 1 Crít.: Próx.
TIPOS LEGALES, de Fisher Stevens (EE. UU.) Estreno: 12/04 Votos: 1 Crít.: Próx.
UN AMOR ENTRE DOS MUNDOS, de J. D. Solanas (Canadá) Estr.: 05/04 Vot.: 3 Crít.: Próx.

5. NOCHE DE VINO Y COPAS (SUPERCLÁSICO), de O. C. Madsen (Dinamarca)
Estreno: 26 de abril
Nota: 6'5 Votos: 2 Crítica: Link

4. Empate con una media de 7 entre:
BÁRBARA, de Christian Petzold (Alemania) Estreno: 05/04 Votos: 4 Crít.: Próx.
NANA, de Valérie Massadian (Francia) Estreno: 19/04 Votos: 1 Crít: Próx.

3. TESIS DE UN HOMICIDIO, de Hernán A. Golfrid (Argentina)
Estreno: 05 de abril
Nota: 7'5 Votos: 2 Crítica: Próximamente

2. Empate con una media de 8 entre:

EFECTOS SECUNDARIOS, de S. Soderbergh (EE. UU.) Estr.: 05/04 Vs.: 1 Crít.: Próx.
TOMBOY, de Céline Sciamma (Francia) Estreno 19/04 Votos: 2 Crít.: Link

1. LA CAZA, de Thomas Vinterberg (Dinamarca)

Estreno: 19 de abril
Nota: 8'5 Votos: 2 Crítica: Link

POST RANKING FEBRERO: AQUÍ

La primera obra maestra de Takeshi Kitano: Crítica de SONATINE

Sonatine no fue reivindicada hasta que Hana-bi: Flores de fuego ganó el León de oro veneciano. De Takeshi Kitano se han aplaudido mucho sus melodramas aunque en realidad el eje que vertebra su filmografía está en el thriller de yakuzas. Por eso ver Sonatine tras haber disfrutado de Hana-bi, El verano de Kikujiro, Dolls y siguientes supone una revelación y sobre todo una guía para, en mi caso, revisar toda la filmografía de Kitano. Sonatine es un western crepuscular en el que Takeshi Kitano, director, y Beat Takeshi, el mismo en calidad de actor, desarrolla todo un mundo de temas y formas que haría propias a lo largo de los años. En Murakawa, el jefe Yakuza que abandona Tokyo junto a sus compinches para huir de un duelo entre bandas, hay mucho del guerrero hastiado, del samurai agotado, del vaquero sin rumbo, del héroe despiadado y del manipulador expeditivo que Kitano ha dirigido e interpretado durante tres décadas. En contraposición a lo visto en Zatoichi, película de formas más tarantinianas que retrataba la violencia desde la hipérbole y el espectáculo, casi a modo de videojuego de filosofía y ambiente feudal, Sonatine marca la tónica más repetida en Kitano al traernos esa citada violencia desde la contención, dejando las víctimas de los tiroteos fuera de plano, dilatando la espera de la muerte con largos planos o filmando los ajustes de cuentas de una forma no por fría menos poética, no por eufemística menos efectiva, prestando única atención al haz luminoso de la pistola al lanzar la bala o al rostro desencajado poco a poco por efecto de la herida mortal. Porque Sonatine es eso: la incertidumbre y al mismo tiempo la certeza de quien se deja llevar por la agonía, arrastrándose hacia un mar simbólico en el que cualquier posibilidad de luchar y seguir adelante queda descartada. 

Murakawa representa el enfermo que no quiere sanarse y que, al no conocer otra cosa que la ley del más fuerte, no teme morir, como antes de perecer tampoco teme matar a quien se le presente por delante. Es la deshumanicación absoluta, la fiera henchida de sangre, y al mismo tiempo el hombre sensible que en su ocaso encuentra un referente femenino con el que expiar pecados y tal vez confesar miedos inconfesables. También el pallaso que utiliza a sus jóvenes súbditos para marcarse una risotadas, el malo que apoyado por la jerárquica organización de su clan no duda en engañar, humillar y poner al límite a sus esclavos. Un poso de maldad e ironía negra que Kitano, en sus orígenes y todavía ahora un cómico de humor extremo, muestra en todo su esplendor en Sonatine: la escena en que Murakawa mata por descuido a un yakuza enemigo ahogándolo en el mar es de una brutalidad y al mismo tiempo de una comicidad absurda de lo más brillante. Y en paralelo a estas escenas que beben claramente del thriller, el drama habita de la forma más cruda en Sonatine: el fresbee rojo que lanza Kitano en la playa es casi una metáfora de la carnicería final, y la playa como lugar de retiro, paraíso (re)encontrado y escenario de juegos infantiles contiene mil y un símbolos.

Como el Kikujiro que ayudaba a un pequeño a buscar a su padre (El verano de Kikujiro), como el agente de policía que cuidaba de su esposa enferma (Hana-bi: Flores de fuego) o como el vagabundo ciego curtido en el arte de la espada (Zatoichi), el Murakawa de Sonatine es un ser de bondad escondida, débil pese a su fachada, o sea, el rostro pétreo, la mirada distraida, la sonrisa lacónica y el caminar encorbado del propio Takeshi Kitano. Sonatine es una película triste que por su naturaleza de thriller corre el riesgo de pasar desapercibida o desecharse directamente en el cajón de sastre donde figura todo el cine de yakuzas de Kitano. Pero Sonatine vuela muchísimo más alto que O'Brother o que la reciente Outrage, tal vez porque de alguna manera es el título visagra que conecta sus heterogéneos inicios (cinematográficos y televisivos) con la etapa más intermacional y personal de su carrera (Hana-bi: Flores de fuego nace como homenaje familiar después de que Kitano sufriese un brutal accidente de moto, y El verano de Kikujiro es el velado homenaje que Kitano hizo a su padre). En el póster español de Sonatine se puede leer 'la respuesta japonesa a Clint Eastwood', y aunque el cine estadounidense forma parte de las referencias kitanianas su obra es mucho más. Sonatine, definitiva, es la primera obra maestra de Takeshi Kitano.

Nota: 8'5

Las mejores escenas: