jueves, 14 de junio de 2012

VISIONADOS VERANIEGOS: CORRE, LOLA, CORRE, de Tom Tykwer

CORRE, LOLA, CORRE (LOLA RENNT, RUN, LOLA, RUN), de Tom Tykwer (Alemania, 1998)
¿De qué va?: Lola acaba de recibir una llamada desesperada de su novio. El chico ha perdido una bolsa de dinero que tenía que dar a un jefe de la mafia y tiene apenas 20 minutos para conseguir una cifra desorbitada de marcos alemanes. Sin dudarlo, y con tal de salvar a su pareja, Lola empieza a correr por las calles de Berlín con destino al banco donde trabaja su padre. ¿Conseguirá Lola lo imposible?
Palmarés: 6 premios de la Academia de Cine Alemán, entre ellos mejor película, director, actriz de reparto y actor de reparto. Película seleccionada por Alemania a los Oscar 1999. Nominada al EFA y León de oro a la mejor película. Premio del público del Festival de Sundance. Nominada al Bafta a la mejor película de habla no inglesa.
El dato: Corre, Lola, corre fue el primer gran éxito de Tom Tykwer, el film que lo lanzó internacionalmente hasta convertirse en uno de los directores europeos más solicitados con El perfume o el fragmento True de Paris, je t'aime. También estamos ante el film que catapultó la carrera de Franka Potente, que en años posteriores trabajó en los EE. UU. Lo mismo podemos decir del en ese momento debutante Moritz Bleibtreu, a día de hoy uno de los grandes actores del actual cine alemán. Pese a ser una película independiente de bajo presupuesto se convirtió en un rotundo éxito de taquilla en Alemania y una de las cintas europeas más populares de finales de los 90. Y fue una de las primeras películas en incluir saltos temporales, estética de videoclip y videojuego, mezcla de imágenes animadas con otras reales... elementos que la han convertido en un título de culto.
Valoración: Dispuesta a modo de tres variaciones del mismo cortometraje, correspondientes a las tres carreras con final diferente que emprende Lola, Corre, Lola, corre es una historia muy entretenida que sabe dotar de tensión a una excusa argumental mínima. Menos es más, y la película no solo propone escenas y mezclas memorables sino una reflexión sobre el azar, el destino, la importancia de 'estar en el momento y en el lugar adecuado'. De hecho, el argumento de la película podría resumirse en esa idea de '¿y si hubiera hecho esto u lo otro... qué hubiera sucedido?'. La vida se vive una vez, pero el cine permite explicar aquello que hubiera pasado en caso de haber tenido una segunda oportunidad. Una cinta fresca, juvenil, frenética e incluso apasionante que debería proyectarse en todas las escuelas de cine. Junto a Reservoir Dogs y pocos títulos más, ejemplo rotundo de thriller vibrante con recursos mínimos y decentísimos resultados.
Nota: 7
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miércoles, 13 de junio de 2012

VISIONADOS VERANIEGOS: CRASH, de David Cronenberg

Atropéllame que me corro...
CRASH, de David Cronenberg (Canadá, 1996)
¿De qué va?: James Ballard mantiene una especial relación con el sexo hasta el punto de ser una obsesión y de compartir fantasías de todo tipo con su mujer. Una noche sufre un terrible accidente automobilístico y acaba postrado en la cama de un hospital. Ya recuperado, visita el desguace. En su primer encuentro con la conductora del otro coche implicado en el accidente no puede refrenar sus instintos sexuales. Ese es solo el inicio de una espiral de coches y escarceos carnales, de otros accidentes de tráfico y penetraciones buscadas y casuales.
Palmarés: Premio del jurado del Festival de Cannes 1996.
El dato: En el año en que el palmarés de Cannes quedó repartido entre tres obras maestras (Palma de oro y mejor actriz para Secretos y mentiras, Gran Premio del Jurado para Rompiendo las olas, y Mejor Director para Joel Coen por Fargo), el Premio del Jurado, reconocimiento importante pero menor, fue para Crash, una de las películas más polémicas, originales y radicales de toda la década de los 90. El jurado valoró la capacidad de Cronenberg por romper moldes y proponer una estética y una ética nunca antes realizada, ni tan siquiera imitada a posteriori, mucho menos igualada. A día de hoy Crash es una obra de culto que genera tantas adhesiones como odios. Y ándense con cuidado, porque muchos cinéfilos gafapastas distinguen un 'Crash bueno' (el de Cronenberg) y un 'Crash malo' (el de Haggis, ganador sorpresa del Oscar por encima de Brokeback Mountain).
Valoración: 1. Como cinéfilo me gusta ver algo que tengo la sensación de contemplar 'por primera vez'. Parece una tontería, pero de vez en cuando no tener el peso de unas referencias, unas influencias por parte del director o un estilo 'copiado' se agradece. Crash es en el 2012 una película genuina que sorprende por su atmósfera perturbadora, oscura, sórdida, enferma y mórbida. Así, con adjetivos potentes. Al fin y al cabo alguien que ve bastantes películas a la semana busca eso: que le sorprendan. Pues bien: Crash deja ojiplático y anonanado al personal. 2. El cine cuenta historias y a día de hoy no sé de qué va Crash. Al rebobinar las imágenes en el dvd uno podría pensar perfectamente que está ante una película porno amateur de los 90. Crash es una colección de sinsentidos, rarezas y disparates. Ver coches empotrándose porque sí en el asfalto o una pareja haciendo el amor en la parte trasera del bólido mientras el conductor no pierde ripio de la escena puede tener su gracia y cierto morbillo. Pero no para quien escribe. 3. Así que Crash me interesa porque me incomoda. No, no soy masoquista, pero hay que reconocer el mérito de Cronenberg por dejarme el cuerpo revuelto. Ahora bien: si detrás de todo esto hay una metáfora de la falta de valores o similares, que no cuenten conmigo para el debate o coloquio final. Eso teniendo en cuenta que como siempre me concedo el derecho a equivocarme y a cambiar de opinión en próximos visionados. De momento sé que es provocadora. Si esa provocación es gratuita o no será tema para un nuevo post.
Nota: 5'5
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martes, 12 de junio de 2012

VISIONADOS VERANIEGOS: THE WOMAN, de Lucky McKee

Tengo una caníbal en el sótano
THE WOMAN, de Lucky McKee
¿De qué va?: Christopher Cleek es un abogado de éxito, un padre de familia intachable y una de las personalidades más respetadas de su pueblo. Pero Christopher es un tarado al que le gusta maltratar a su mujer y escaparse al bosque para cazar animales. En una de sus salidas encuentra a una mujer salvaje y no duda en raptarla, pegarla y esconderla en su sótano. Christopher y los suyos cuidarán de 'La Mujer' sin que nadie lo sepa hasta que la extraña criatura suponga un peligro para todos.
Palmarés: Selección oficial del Festival de Sundance y Sitges 2011. En este último, premio al mejor guión.
El dato: La película es una secuela del film de terror Offspring, en el que se explica el pasado de la mujer protagonista. Las dos películas comparten actriz (Pollyanna MacIntosh) pero no director: de hecho, Offspring no se ha visto nunca en España, y The Woman todavía no se ha estrenado oficialmente. En Sitges algunos espectadores criticaron la película por el supuesto machismo de la trama, incluso algún analista aseguró que la escena del rapto en el bosque había sido 'lo más desagradable del festival'.
Valoración: The Woman utiliza el género del terror y el subgénero del canibalismo para traernos una crítica y parodia de ciertos comportamientos y mentalidades americanas, sobre todo aquellas que se encuentran semiocultas en zonas rurales, algo parecido a lo que narraba Red State. Desgraciadamente el film se regodea en la violencia implícita y explícita de sus personajes, sin dotar de profundidad al conjunto. En el fondo hay reflexión, pero el pringue y el sinsentido cortacabezas acaba por desperdiciar una buena metáfora. Llegada la hora de metraje todo resulta inverosímil y exagerado, algo que ni tan siquiera se explica a partir de las licencias típicas del tipo de cine en el que se encuadra. Solo apta para fans del terror, aunque me temo que los no habituados la encontrarán muy fuerte y los incondicionales de pro la tacharán de blanda.
Nota: 5
Tráiler:

lunes, 11 de junio de 2012

Crítica de SCRE4M, de Wes Craven


Scream es un clásico del terror que reinventó el género durante la década de los 90. Infinitas copias salieron de este fenómeno con algunos buenos resultados y otros pésimos. El caso es que Scream está considerada una de las mejores sagas del género de terror y esta cuarta parte no la desmerece. Los motivos: mismo director, mismo guionista, mismos actores… Es la única saga del género que ha logrado mantener al mismo equipo durante “casi” todas las entregas (recordar que en Scream 3 fue Ehren Kruger quien escribió el guión en lugar de Kevin Williamson, cuya ausencia se notó notablemente). Precisamente por eso da rabia que, aunque la película cumpla más o menos, se quede en una simple secuela, cuando podría haber sido espectacular. Después de más de 10 años, a un regreso tan esperado como éste se le debe exigir mucho más que repetir lo mismo que en las anteriores. No se ha arriesgado nada: la escena inicial es bastante floja, la casquería es poco abundante, los sustos y puntos de giro son previsibles, las coreografías de persecución del asesino escasean y son muy simples, ninguno de los tres personajes principales muere y la revelación del asesino y sus motivos son demasiado forzados, por no mencionar el humor sobrecargado que aparece durante todo el metraje. Pero vayamos por partes.

LA ESCENA INICIAL

Una película dentro de una película dentro de la vida real. Buen truco, pero no es tan original como pretende. Es demasiado cómico, y se queda en pañales frente a las escenas iniciales de Scream y Scream 2. De hecho, parece más Scary Movie que Scream. En mi opinión, puesto que se trata de una secuela-remake-reboot (SCRE4M en lugar de Scream 4), hubiese funcionado mejor con una repetición, aunque suene contradictorio, de los patrones de la escena inicial de Scream 1 (todo un clásico del terror) con dos chicas acosadas telefónicamente por Ghostface, pero mucho más brutal, duplicando la tensión, el suspense, los sustos y la sangre de aquella mítica escena, en lugar de utilizar ese juego de espejos que funciona, pero se vuelve repetitivo y con coreografías de persecución casi inexistentes. Artísticamente se podría haber sacado mucho mayor partido de lo que una escena inicial de Scream supone. Al parecer la escena inicial con Jenny y Marnie fue modificada puesto que la duración era demasiado larga y me temo que la antigua escena que ha quedado fuera del metraje, en la cual moría Jenny primero y luego Marnie, era mejor y más gore. Una lástima.


LA CASQUERÍA

Como fan de la saga puedo ser muy poco objetivo y a la vez mucho, pero como fan del terror soy muy exigente en cuanto a cantidades de sangre, y en eso Scre4m no cumple. Se puede decir que es fiel a la saga en ese sentido, y de hecho critica, dentro de su juego auto paródico y referencial presente también en las anteriores entregas, las películas calificadas porno-gore como Saw o Hostel. Scream no tiene por qué tener nada que ver con estas películas, pero si el tagline es Nueva década, nuevas reglas, cabía esperar unas muertes espectaculares. Nos encontramos con unas muertes que a pesar de estar bien rodadas son bastante simples y carentes de suspense: ess decir, aparición del asesino y puñalada.
  
LOS PERSONAJES

Probablemente este sea uno de los aspectos que cabe valorar más positivamente de Scre4m. La saga se caracteriza, salvo en la tercera, por crear personajes con los que empatizar. Sidney, Dewey y Gale están fantásticos en sus roles y son creíbles, siguen fieles a ellos mismo cada uno en su estilo. Destaco al personaje de Gale como el más potente de todos. Por otro lado, la nueva generación también es bastante decente. En este caso destaco a Kirby, sin duda el personaje con el que más empatiza el espectador.

EL HUMOR

He podido comprobar a través de Internet que la película en el apartado humorístico funciona bastante bien, al menos en Estados Unidos. La verdad es que se ha convertido, como pasó en la tercera, en una comedia con toques de terror, en lugar de ser al revés, que es lo que en realidad pretende. Demasiado sobrecargada de humor y guiños excesivos hacia el espectador. Algunas cosas sobran, pero tampoco desentonan demasiado.


LA REVELACIÓN DEL ASESINO

Probablemente todos esperábamos esto como lo que más.: “¿Qué se habrán inventado esta vez?” El resultado es bastante decepcionante. Un motivo demasiado débil. Aunque supongo que ahí radica su grandeza, teniendo en cuenta que rebuscar algo de las tres primeras sería ya demasiado telenovelístico. Kristen Bell dice que cualquiera puede enloquecer en cualquier momento y alzarse con un cuchillo: el motivo es débil, pero está muy al orden del día en un mundo en el que todos quieren ser famosos sin importar el precio. Supongo que es lo mejor que se les podría haber ocurrido.

En resumen, un película muy inferior a la primera y segunda parte, a caballo entre la segunda y la tercera. No sé si arriesgarme a decir que es peor que la tercera, puesto que ésta fue un invento que desentonaba mucho de las dos primeras, mientras que Scre4m mantiene más el estilo Williamson, pero aún así opino que la tercera mantenía viva la llama de la saga a pesar de todo. Scre4m evoca melancolía por aquella época y precisamente por ello y por el hecho de no haber innovado demasiado (exceptuando el hecho de introducir cuestiones como internet, las redes sociales etc.) opino que esta saga ya está pasada de moda. La taquilla estadounidense lo ha demostrado dándole un poco la espalda: teniendo en cuenta las estadísticas precedentes, se puede considerar que ha fracasado moderadamente. No sabemos si habrá quinta parte, puesto que en principio el film era el comienzo de una nueva trilogía. Por mi parte siempre sería bienvenida, aunque esta vez dejaré mis expectativas en el cajón puesto que ya dudo mucho que me sorprendan. Siempre se puede aprender de los errores para mejorar, pero mientras esto se trate de un invento de los Weinstein hecho solamente para ganar dinero, está claro que no vamos a ninguna parte.


Lo mejor: Hayden Panettiere y la muerte de Olivia. También cabe destacar la fotografía (mantiene un estilo y continuidad al igual que cada entrega de la saga) y la música (Something to die for de The sounds y el grupo en general).

Lo peor: Que se haya quedado en una simple secuela, cuando podría haber roto la regla de que las secuelas van de mal en peor. Por no hablar del tijeretazo que han pegado cargándose grandes momentos como el “Adelante si tienes cojones” de Gale o la muerte de Marnie del comienzo alternativo, así como otras muchas escenas. Por otra parte, recomiendo verla en versión original puesto que el doblaje no es muy bueno.

Nota: 6'5 

Miguel Martín

Soderbergh, el listo: Crítica de INDOMABLE (HAYWIRE), de Steven Soderbergh

Haywire sería el título menor de cualquier filmografía de cualquier cineasta. Pero no de Steven Soderbergh, un hombre que desde un principio entendió el cine como un divertimento y un medio para experimentar. Un hombre que gana la Palma de oro con su primera película y que acaba rodando la trilogía de Ocean se merece todos nuestros respetos. A lo largo de su carrera ha combinado Un romance muy peligroso con rarezas como Bubble o The Girlfriend Experience. Su obra abarca un pequeño capítulo de Eros, el blanco y negro nostálgico de El buen alemán o el curioso binomio sobre la figura del Ché Guevara. La política de Soderbergh está en la constancia pero nunca en la linealidad. Y ni rastro de esos rumores que apuntaban a una retirada voluntaria del cine: el año pasado estrenó Contagio, dentro de unos meses veremos Magic Mike y The Bitter Pill es uno de los título más interesantes del 2013. Sin olvidar que es uno de los pocos cineastas nominado al Oscar por dos películas en un mismo año: Traffic y Erin Bronkovich. Soderbergh se aprovecha de todo ello: hay expectación por ver cada una de sus películas, sin el peso de un sello especifico. Por eso el principio de Haywire se parece a Tarantino y la referencia no es más que un halago. Llegado un momento la película se parece a una entrega de Bourne, y Soderbergh sigue sin despeinarse. Y el film termina con una lucha en la playa que ya querría para sí el mismísimo James Bond. Haywire hay que verla con conocimiento de causa, apreciándola como el entretenimiento intrascendente que siempre fue. Una película rodada entre amigos y para los amigos, con un curioso sentido de la acción más cercano a la coreografía desnuda de mamporros que al despliegue de efectos especiales descacharrantes. Tiene el curioso honor de entretener con los elementos mínimos, porque Soderbergh se divierte rodando y enseñándonos el cuerpo de la debutante Gina Carano en constante contorsión. Sin más. Solo pasará a la historia por ser la película americana que más veces repite el nombre de Barcelona. Porque para colmo Soderbergh ha querido viajar por Europa. ¿Qué es Haywire sino una película de vacaciones? Así que únicamente nos podemos acercar a Haywire con Coca-cola y palomitas, sabiendo que Soderbergh nos brindará un thriller con potencial comercial y aún así diferente al producto rompetaquillas de la sala de al lado. ¡Menudo arte y vaya geta tiene el señor Soderbergh!



Nota: 6

domingo, 10 de junio de 2012

PRESENTACIÓN SECCIONES VERANIEGAS

Cinoscar & Rarities les presenta algunas de las propuestas programadas para este verano en el blog. Obviamente uno promete mucho y quiere hacer muchas cosas, pero al final es imposible abarcarlo todo. Al fin y al cabo se trata de que ahora que hemos llegados a la entrada número 1.200 el espacio ofrezca cosas diferentes. Si así lo desean, en los próximos meses podrán leer esto y mucho más.



1. SEGUNDO ESPECIAL QUEER CINEMA
El año pasado el blog ofreció una semana de Queer Cinema que tuvo muy buena acogida. Esos posts no han dejado de figurar entre los artículos más leidos del blog, quizás porque no muchos espacios dan cobertura a este tipo de cine. El Queer Cinema abarca muchas décadas, autores, géneros y películas, y el especial de este verano quiere dar una visión amplia del Queer Cinema. Clásicos del cine, alguna obra de culto, Palmas de oro destacadas, obras de directores capitales, películas inéditas en España, películas españolas, estrenos recientes... Y sobre todo: ver cómo cinematografías tan diferentes tratan el tema de la homosexualidad en pleno S.XXI. No se lo pueden perder. Previsto inicialmente para agosto.


2. TERCER ESPECIAL CINE NÓRDICO
El seguimiento del Especial Cine Nórdico de los anteriores meses fue toda una sorpresa para el blog. El espacio nació con apenas una treintena de títulos, pero al ver que las críticas interesaban y que el cine nórdico daba para mucho finalmente el especial se alargó más de lo previsto. Suele suceder: una película te lleva a otra, una buena actuación te lleva a interesarte por la filmografía de un actor... así que el blog ya tiene en marcha un nuevo Especial Cine Nórdico. Aunque parezca mentira, quedan muchas películas para comentar.


3. ESPECIAL ANIMACIÓN ASIÁTICA
Hayao Miyasaki y Satoshi Kon merecen un especial para ellos solos desde hace mucho tiempo. Este verano nos acercaremos al mundo Ghibli y alrededores. Una sección que nace como una autoimposición, porque me parece una tontería tener casi todas las películas de ambos en mi 'devedeteca' y no escribir sobre ellas.


4. VISIONADOS VERANIEGOS
Ha llegado un punto que servidor tiene tantas películas en su disco duro que no puede garantizar qué verá primero. Así que un poco como cajón de sastre nace la sección Visionados Veraniegos, donde tendrán cabida todas las películas que aparezcan este verano en televisión o vía descarga. A priori, clásicos, películas de nacionalidades y años diversos... en definitiva, todo aquello que casi nunca encuentra su rincón en la actividad habitual de Cinoscar & Rarities.


5. VUELVEN LAS SERIES Y CINE Y LITERATURA
Secciones clásicas que casi siempre se publican en verano vuelven. Series como Twin Peaks o Los Soprano, y posts de Cine y literatura. Porque uno no solo quiere ver sino leer. Ojalá dé tiempo para todo.


6. BLOCKBUSTERS RESCATADOS
El visionado de Los Vengadores ha despertado el interés de este espacio por aquellas películas de superhéroes que en su día no vi en los cines ni descargué. Ahora me veo más entusiasmado con Capitán América, Thor y blockbusters como Acero Puro o John Carter que el blog no comentó cuando se estrenaron. Películas veraniegas 100%.

sábado, 9 de junio de 2012

CINERANKING MAYO: LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2012

El Cineranking está muy empatado. 35 lectores del blog siguen votando las mejores películas del año. En esta lista se confirman películas que ya aparecían en anteriores posts, y además se suman nuevas propuestas que pueden dar mucha guerra. A día de hoy 32 películas rondan la media de 7, por lo que cualquier nota nueva puede variar considerablemente la tabla. Hay muchas películas de estreno que se han quedado a pocas décimas de aparecer en el post. ¿En el ranking de junio veremos la entrada de, por ejemplo, Los vengadores? De momento empezamos el actual TOP TEN con John Carter:


10. JOHN CARTER
Nueva Nota: 7'33 Votos: 3

 9. Empate con una media de 7'5 entre
DE TU VENTANA A LA MÍA = Votos: 2
ELS NENS SALVATGES Nueva Votos: 2

8. Empate con una media de 7'6 entre
MILLENIUM 1: LOS HOMBRES... = Votos: 16
TAKE SHELTER +1 Votos: 10

7. SHAME
-4 Nota: 7'75 Votos: 16

 6. LA INVENCIÓN DE HUGO
+1 Nota: 7'77 Votos: 22

5. LOS DESCENDIENTES
+1 Nota: 7'79 Votos: 24

4. ARRUGAS
-2 Nota: 7'86 Votos: 7

3. Empate con una media de 8 entre
ALPS Nueva Votos: 1
CRÓNICA DE UNA MENTIRA +1 Votos: 1
SI QUIERO SILBAR, SILBO +1 Votos: 3

 2. INTOCABLE
+3 Nota: 8'1 Votos: 10

1. ¿Y AHORA A DÓNDE VAMOS?
= Nota: 8'5 Votos: 2

En nuestra lista se van acumulando las películas no estrenadas que han llamado muchísimo la atención de los votantes. Ya hablamos de ella en relación a los Globos de oro, pero sigue siendo una de las cintas más votadas y mejor valoradas. A la espera de que llegue a los cines españoles, la película a reivindicar del mes es:

50/50
Nota: 7'29 Votos: 7

¿Y qué nos avecina junio? 5 de los estrenos programados para este mes ya han recibido algunos votos. De todas ellas destaca Lebanon, ganadora del León de oro veneciano. ¿Veremos algunas de estas películas en el ranking de junio? En treinta días, más.

5. INMADUROS (IMMATURI)
Nota: 5 Votos: 1

4. RED STATE
Nota: 5'5 Votos: 2

 3. HYSTERIA
Nota: 6 Votos: 1

 2. LAS CHICAS DE LA SEXTA PLANTA
Nota: 6'5 Votos: 2

1. LEBANON
Nota: 7 Votos: 1

Ver RANKING DE ABRIL

viernes, 8 de junio de 2012

Parodia Burton: Crítica de SOMBRAS TENEBROSAS (DARK SHADOWS), de Tim Burton

Burton es el maestro de las adaptaciones: le tocó dar un nuevo toque al universo Batman, aceptó dirigir una nueva versión de El planeta de los simios, tradujo en imágenes el libro infantil Charlie y la fábrica de chocolate, pasó a la gran pantalla el musical teatral Sweeney Todd y recientemente hizo su versión de Alicia en el país de las maravillas. Una trayectoria curiosa: en la mayoría de los casos estamos ante películas coherentes con el mundo de Burton, de forma que resulta casi inapreciable el material de base de cada obra. Sombras tenebrosas renueva una serie televisiva de los 60 y el esquema se vuelve a cumplir: sin ver los títulos de crédito cualquier cinéfilo podría averiguar sin demasiado esfuerzo que esta es de nuevo una película de Tim Burton. Otra vez con Johnny Depp y Helena Bonham Carter. Con concesiones a universos extraños, con una familia taradísima, con un trabajado contorno visual y una historia tan ridícula como bien ejecutada. Aunque Sombras tenebrosas está destinada a ser un alto en el camino o una ruptura en esa línea burtoniana. Alicia en el país de las maravillas ya supuso una fractura, quizás porque en ella poco o nada quedaba del Burton narrador y sí de un Burton estético. Sombras tenebrosas, por el contrario, tiene un aire de opereta, de chiste, de ejercicio festivo e intrascendente, que recuerda al primer Burton. Donde Alicia en el país de las maravillas parecía un producto nacido por un imperativo comercial, Sombras tenebrosas se divierte desde el primer minuto siendo una obra menor que adopta y desmonta la tradición del cine de terror. Sombras tenebrosas es tan teatral, tan excesiva, incluso tan mala en algunas partes que solo puede caer en el saco de los éxitos burtonianos. Como no fan de Burton, y por tanto más afín al Burton menos serio, Sombras tenebrosas no deja de ser una historia sincera y previsible, descacharrante e insustancial, que en sus momentos de máximo esplendor y cutrez parece mezclar La muerte os sienta tan bien, La guarida y Piratas del Caribe. Me río con las caras de la mala malísima Eva Green. El ejercicio retro protagonizado por Depp no podría ser más acertado: cameo de Alice Cooper y poster de David Bowie a la cabeza. Bonham Carter como doctora 'robasangre' pide a gritos una película para ella sola (algo que parece 'cantar' cual sirena desde las profundidades del mar en el último gag de la cinta). Y el personaje de Michelle Pfeiffer, empeñada en presentarse al espectador bajando la larga escalinata de su mansión, parece una parodia de las 'brujas' que la actriz ha interpretado en su desafortunada carrera (imposible no pensar en Stardust o Hairspray). Vaya, que Sombras tenebrosas gana por la vía del divertimento fácil. Para ello hay que asistir a la sala como lo hizo este blog: no esperando absolutamente nada. Y con el convencimiento de que Burton está sobrevalorado y que solo despunta cuando menos se espera de él. Todas las sombras son tenebrosas, pero no todas las obras burtonianas se prestan a una tarde de cine en familia y con palomitas. 'Una película irregular (incluso regular) pero buena'.


Nota: 6

jueves, 7 de junio de 2012

La Guerra Civil Española, de nuevo: Crítica de MIEL DE NARANJAS, de Imanol Uribe

Dicen que el mejor cineasta es aquel que se adapta a la historia que está contando. A partir de esta premisa muchos afirman que Stanley Kubrick es el gran director de cine de la historia porque a lo largo de su carrera supo dominar todos los géneros, casi siempre firmando clásicos y obras maestras en cada uno de los tonos y registros que tocaba. Por contra, parece que los autores importantes de la actualidad, exponentes de ese cine que visita Cannes y luego se ve en todo el mundo, siguen el esquema contrario: a partir de un estilo propio van abarcando diferentes historias que se podrían encuadrar en géneros diversos. Por eso decimos que vamos a ver 'una de Moretti, Haneke o Von Trier', porque de alguna manera la personalidad del artista supedita su obra, cuando el discurso de la crítica conservadora siempre entendió el arte como un ejercicio de mímesis. Siguiendo con una metáfora, el debate sería establecer si el mejor pianista es aquel que conoce cómo combinar todas las teclas del instrumento o bien aquel que aun limitándose al dominio de pocos acordes es capaz de construir una buena sinfonía. Quizás por el hecho de haberme criado con el cine de las dos últimas décadas mi mirada como cinéfilo está más acorde con el segundo punto de vista. Uno puede ir a ver una película de determinado autor a riesgo de saber qué se va a encontrar, pero eso siempre me parece estimulante porque al fin y al cabo se trata de comprobar qué constantes se repiten y qué modificaciones abre cada obra de, por ejemplo, Almodóvar, dentro, en este caso, de la obra de Almodóvar. Por eso me molesta que digan que una película es 'inferior' porque es 'demasiado de su autor', como si la autoría o la firma caducase llegado cierto momento: eso es lo que dijeron de Mapa de los sonidos de Tokio en relación a la obra de Isabel Coixet, cuando las posibles debilidades del film de la artista catalana podían explicarse partiendo de otras tesis.


Toda esta introducción sirve para entender por qué desde el punto de vista de este blog Miel de naranjas no es una película a destacar. El cine español en conjunto denota cierto academicismo un tanto exasperante: academicismo entendido como 'corrección', pero también con mímesis, o lo que es lo mismo, con la primera de las dos posibilidades que marcábamos anteriormente. Imanol Uribe a lo largo de su carrera ha tocado todos los géneros, incluso ha llegado a vencer en los Goya con El rey pasmado y Días contados, pero por desgracia no tiene el título de gran autor de nuestro cine. Porque para ser autor no basta con ser director. Miel de naranjas en todo momento me parece una película bien escrita, la fotografía siempre opta por el encuadre perfecto, su recreación histórica admite pocos peros... y eso, que debería ir a favor de la cinta, acaba siendo su máximo error. Miel de naranjas ya la hemos visto, y no precisamente porque el tema de la Guerra Civil sea una cuestión recurrente en nuestra cinematografía. No me convencen sus actores protagonistas, algo que me lleva a pensar en una película centrada en sus secundarios, y por lo tanto más arriesgada: Miel, la tejedora que ayuda al grupo de resistentes; su hijo, detenido y retenido en una cantera; el breve personaje de la estupenda Ángela Molina, que en parte da título a la historia... Al film le falta riesgo. Es como el alumno aplicado que lleva los deberes al día y aprueba los exámenes, pero en cuya prosa no se intuye rabia, emoción, vida. Por todo ello Miel de naranjas se acaba pareciendo a un episodio especial de Amar en tiempos revueltos, o sea, parece televisión aun siendo en lo técnico buen cine. Obviamente Kubrick no solo es un genio por haber hecho de su filmografía un muestrario de todos los géneros del séptimo arte. Obviamente a Imanol Uribe se le debe un respeto y su nueva obra dista de ser una mala película. Y con todo, este espacio se queda con La voz dormida, película que se moja a la hora de recordar los tiempos de guerra. Lo más interesante es que en relación a la Guerra Civil tenemos muchas películas de muchos tonos diferentes, algo que enriquece el cine local y muy en concreto el que se incluye en dicha temática. Vaya, que a Miel de naranjas solo le queda destacar por contexto, nunca por texto. Una pena.


Nota: 5'5

miércoles, 6 de junio de 2012

Tres tristes tigres: Crítica de ELS NENS SALVATGES (LOS NIÑOS SALVAJES), de Patricia Ferreira

Las películas sobre adolescentes las escriben los adultos, y quizás por eso muchas historias de jóvenes conflictivos y problemas familiares acaban sucumbiendo al cliché. En Els nens salvatges no hay rastro de condescendencia o miserabilismo, no hay descripciones de brocha gorda ni margen para la crispación. Habrá gente que no sienta ningún tipo de interés por un cine social que siendo ficción intenta reflejar la realidad, algo que en verdad define el cometido del séptimo arte. Habrá gente que entienda que Els nens salvatges podría ser un documental, y que la parcela de la ficción debería ser ocupada por otras propuestas más lúdicas. Pues bien: esa gente se llevará una grata sorpresa con la nueva película de Patricia Ferreira. Una película que respeta al adolescente sin defenderle y sin demonizarlo. Una película que retrata el mundo de los institutos de forma muy acertada con escenas que todos hemos vivido. Una película que aprovecha el marco de los tres niños salvajes para explicar tres modelos de familia diferentes, todos ellos parte de la sociedad de la Cataluña de aquí y de ahora, y de paso hacer una película que en sus entrañas es también un cuento sobre clases sociales (que existen, aunque estén difuminadas, en la España de la crisis económica y de valores). Y por atreverse a ser fiel a la par que creativa, Els nens savatges no debería pasar desapercibida por ser hasta la fecha la única película de la nueva ola de cine catalán que retrata la realidad lingüística de Cataluña, mero marco lógico desde un primer momento para la directora Patricia Ferreira pero toda una lección para más de un ciudadano desinformado. Porque Els nens salvatges, como Tres dies amb la família, sí puede considerarse cine catalán de principio a fin, por hablar de lo que sucede en la Cataluña actual, por ser una crónica local de valor universal.


Entendiendo el valor sociolingüístico de Els nens salvatges, algo que daría para una larga reflexión, hay que acercarse a la película de Ferreira como eso: una película. Aunque el título pueda recordar el cine de François Truffaut la directora señaló otras referencias: Elephant de Gus Van Sant y La clase de Laurent Cantet. Podría decirse que de la primera ha heredado una atracción por las escenas lánguidas y una dirección de fotografía de planos muy cerrados que siguen en todo momento a los protagonistas. Y de la segunda retoma un interés por las sombras del sistema educativo, representado en el personaje de Aina Clotet. Bien pensado, parece lógico que Ferreira mencione esas dos películas, una con un marcado componente estilístico que trata el tema de la educación por omisión, y otra con una temática muy clara y un esforzado ejercicio de simulacro-verdad. De Elephant hay una obsesión por dotar al film de un empaque visual inusual, y más teniendo en cuenta que el cine social que se viene produciendo en los últimos años parece beber del desaliño formal del Dogma o los hermanos Dardenne. Ayudada por la complicidad de sus actores, Ferreira, como Van Sant, filma a pocos centímetros de las caras de los actores y logra que, por ejemplo, ver a Marina Comas caminando con la mirada perdida sea un auténtico espectáculo sin necesidad de más narrativa. Una veracidad para quien habla superior a la teatral y manipuladora, aunque no por ello menos interesante, La clase.



Els nens salvatges funciona en sus momentos aparentemente muertos: la carrera en los grandes almacenes, la escapada a la playa o la tarde en el parque. El choque entre el mundo de los adultos y los adolescentes está tratado con mucho mimo. El problema es que Ferreira no es ni Cantet ni Van Sant, y a ratos Els nens salvatges llega tan desnuda al espectador que pueden verse sus costuras. La impostura visual a la hora de presentar a los protagonistas, enmarcados en una misma pelea, no acaba de casar con la buscada espontaneidad del conjunto. El discurso sobre cómo debemos educar a nuestros pequeños y el conflicto que ello genera acaba por resultar un tanto obvio. Y la intención de Ferreira por dotar de tensión el relato funciona hasta que desvela el secreto de la historia, porque Els nens salvatges, de forma innecesaria, acaba convertida en una película con spoiler incluido. Ferreira controla los tiempos pero no los tonos: la subtrama sobre posibles malos tratos resulta del todo innecesaria, sobrecargando la historia y en parte echando a perder todo lo conseguido en la escueta pero valiosa descripción de los padres. Así que Els nens salvatges, sin ser perfecta, acaba como un documento engrandecido por sus tres actores y un tanto efectista al generar un thriller final del todo gratuito. Al menos estamos ante una pelicula que los mayores verán con interés mientras los pequeños se verán asombrosamente reflejados en sus imágenes, suficiente para que Els nens salvatges nos reconcilie de una vez por todas con el injustamente denostado cine social español.


Nota: 7

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martes, 5 de junio de 2012

REFUGIOS CINEMATOGRÁFICOS: TAKE SHELTER, MELANCOLÍA y LA PIEL QUE HABITO

Muchas de las películas que se han estrenado recientemente entre nosotros han versado sobre apocalipsis físicas y emocionales, debacles económicas que discurren en paralelo a la actual crisis, estados de opresión o insatisfacción que se parecen muchísimo a la confusión que puede sentir el ser humano del S. XXI en un mundo globalizado. El cine como espejo deformado pero lúcido de la realidad deja reflejos, imágenes e historias para la reflexión. En tiempos difíciles no solo debe existir el cine evasión, porque el cine que habla del aquí y del ahora es muy importante. Estampas del presente que darán mucho que hablar del futuro. Refugios cinematográficos que revisitaremos en los próximos años. Esta es una lista de los más interesantes.


Sobre TAKE SHELTER

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La única película que lleva la palabra 'refugio' en su título. Curtis LaForche representa el ciudadano moderno que tiene miedo de repetir los errores de sus ancestros, el padre de familia al que el cine y la vida le ha impuesto el papel de protector y salvador en un momento en el cuesta mantenerse en pie y en equilibrio. La paranoia de LaForche es una enfermedad interna, psíquica. Representa la apatía del hombre vulgar, también la fuerza del ser excepcional. El miedo a no estar a la altura, de no dar la talla, de no cumplir las expectativas. En su caso la construcción de un refugio se convierte en una necesidad imperiosa. El cine nos ha traido miles de huracanes y fenómenos metereológicos imposibles, y LaForche tiene miedo de ese imaginario que lo atormenta. El dominio de las constantes del cine de ciencia ficción ha llevado a muchos a interpretar el final de Take Shelter en un sentido literal, entendiendo que las visiones del protagonista eran verdaderas profecías de un peligro que realmente vendrá y no dejará nada a su paso. Pero la última escena de Take Shelter es mucho más: habla de un miedo que sigue latente, de un estado de emergencia que no se desvanece, de una luz roja que no se apaga. Porque el hombre moderno nunca podrá despojarse de sus telarañas ni abandonar las tinieblas: es frágil y duda. El final de Take Shelter viene a decirnos que nunca estaremos fuera de peligro, que todo puede volver a empezar. Curtis arrastra una enfermedad genética de la que nunca escapará. La vuelta al refugio se hará, por lo tanto, necesaria. Porque las crisis se suceden cíclicamente, porque siempre cabrá la posibilidad de que hoy sea el último día o de que todo se acabe en breve. De la misma manera, la película puede visionarse en un loop sin fin. Acompañamos a Curtis en su periplo y nos vemos arrastrados hasta su miedo endémico. Miedo que se convierte en fascinación al tratarse de una de las grandes obras del último cine norteamericano.


Sobre MELANCOLÍA

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En el cine de Lars von Trier el apocalipsis está reservado para las mujeres. Un privilegio dudoso para unas protagonistas sufridoras. El pequeño Lars, un niño rebelde que no aceptaba las órdenes de padres y profesores, se refugiaba en un cinematógrafo de juguete que proyectaba la cara silente y sufriente de la protagonista de La pasión de Juana de Arco. El niño en Anticristo marcaba el inicio de un viaje hacia la destrucción, el niño de Bailar en la oscuridad daba sentido al trágico musical de Selma, y el niño de Melancolía brinda orden en medio del caos. Porque su artilugio de alambre acaba resultando más útil que el pomposo telescopio de su padre. Y porque ofrece a las mujeres de Melancolía, y con ellas a la audiencia, el refugio definitivo: una simbólica cabaña con palos de madera. El apocalipsis como ejercicio de belleza elegíaca y geométrica: la esfera que se acerca, el recto suelo que se desvanece, el cono protector que salvaguarda a los protagonistas. El niño es la razón por la que Justine lucha con uñas y dientes hasta el final. El niño comprende la depresión existencial de su tía Claire, a la que describe como si fuera una superheroína. Como siempre en el cine de Von Trier la clave está en entender que el danés está en todos y cada uno de sus personajes, desde el más sensible hasta el más miserable, porque todos son caras de una misma figura: la del magnánimo, ególatra y genial Von Trier. Más juegos geométricos: la mansión, grande en la primera parte del film, parece ínfima en el segundo tramo; una limusina no puede circular por el estrecho sendero que separa el mundo de la casa, pero un planeta sí puede entrar en la atmosfera de otro hasta destruirlo. Que el refugio sea obra de un niño no es casualidad. Debemos recuperar la inocencia de los pequeños. El mundo, hasta en su destrucción, es algo tan serio y grave que por fuerza debe ser un juego de niños. Un refugio que emana de Von Trier y que remite a cada uno de los espectadores, apelando a ese niño interior que no puede dejar de contemplar el mundo que le rodea fascinado y aterrorizado. Los personajes de Von Trier tienen una parte aniñada que los define y que al final los salva. En Melancolía es tal la gravedad del conjunto que la niñez se desgaja del cuerpo femenino y en el último instante corre para socorrer a las damas. Ese es el refugio, antes latente, ahora explícito, de todo el cine del danés.


Sobre LA PIEL QUE HABITO

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Pocos hablaron de Vera como una evolución de la mujer en el cine de Almodóvar. Vera es luchadora, carnívora, perspicaz. Vera encarna la mujer moderna que no se deja empequeñecer ante las adversidades, la persona que sabe aguardar el momento adecuado y conocer las debilidades de sus enemigos para acometer una venganza fraguada en la soledad de una habitación vacía, en la lucidez de una cabeza en constante estado de reflexión. Un personaje que en su ambivalencia sexual acaba convertida en sex symbol, femme fatale: la alumna que superó al maestro, la bestia que acabó aniquilando el científico que jugaba con ella. Resulta interesante comprobar que el elemento de unión entre Vera-Vicente es un vestido de estampado floreado. Vicente, ordenando el escaparate de la tienda de su madre, queda descrito como un hombre con sensibilidad femenina; incluso tras 'violar' a Norma recoloca el vestido de la chica como quien ajusta una tela a las formas inertes de un maniquí. Por su parte, Vera vuelve a su casa como mujer triunfal tras desplegar toda su fuerza masculina. El vestido como objeto de culto, elemento de seducción y pieza de arte, la visagra que une el pasado con el presente: ¿te acuerdas de este vestido?, dice Vera tras salir del infierno... La deformidad de los cuerpos y la integridad de las almas. Hay un elemento poético, fatídico, en el final de La piel que habito: Vera puede seducir a la dependienta que ayuda a su madre, una chica lesbiana; pero Vicente, el Vicente de antes, ya no existe, si bien queda lo abstracto, lo básico, lo impalpable, lo verdaderamente importante, la esencia del chico ahora chica. El vestuario en el cine de Almodóvar tenía un papel meramente ornamental, marca de una estética almodovariana mil veces imitada. En La piel que habito la referencia se convierte en símbolo, aquello que siempre había existido en las películas del manchego demanda su momento de máximo protagonismo. El vestido es el vestigio de Vicente y la promesa de una nueva Vera. El refugio de alguien que en el último fotograma protagoniza una salida del armario autoimpuesta  por el destino y encarada con fiereza, demostrando al fracasado Ledgard que su presa no ha cambiado, porque la piel no es el refugio del cuerpo sino un mero emboltorio. El bisturí nunca disecciona ni accede a lo más profundo: el alma, el verdadero refugio de la persona. ¿Y qué salva a Vera, cuál era su refugio en El Cigarral? El arte, la escultura, el yoga. Porque los personajes de Almodóvar crean arte, se emocionan ante la contemplación del arte y tienen un sexto sentido que los conecta con el arte. ¿Qué es el vestido sino el arte que no solo recubre sino que también define?

lunes, 4 de junio de 2012

Crítica de TIL DØDEN OS SKILLER (WITH YOUR PERMISSION), de Paprika Steen

Hay dos personas que en la sombra son los grandes autores del cine escandinavo: Peter Aalbaek Jensen y Anders Thomas Jensen. El primero fundó la productora Zentropa a finales de los 80 con Lars von Trier, con el que estudió en la Escuela de Cine de Copenhague. No hay ninguna película nórdica de los últimos quince años que no haya pasado directa o indirectamente por las manos de Aalbaek Jensen: las más visibles son las obras de Susanne Bier y el propio Von Trier, pero podríamos añadir la mayoría de cintas citadas en el especial cine nórdico del blog. Por su parte Anders Thomas Jensen es el gran guionista del cine danés, nominado dos veces al Oscar  y ganador de una estatuilla por sus cortometrajes, y uno de los directores más taquilleros en Escandinavia gracias a Luces parpadeantes (la más vista en Dinamarca en el 2000), Los carniceros verdes y Las manzanas de Adam (la más taquillera en 2005). Es uno de los pocos profesionales daneses que han trabajado en Estados Unidos: a él le debemos el guión adaptado de La duquesa. Y si decimos que es el firmante de los libretos de En un mundo mejor, Brothers, Después de la boda, Red Road o Wilbur se quiere suicidar no costaría elevarlo como el gran cronista, dramaturgo y representante del cine danés reciente.


En esta lista de buques insignia del cine nórdico podríamos añadir a la actriz Paprika Steen. Steen ha sido dirigida por Anders Thomas Jensen, y en With Your Permission dirige un guión de Jensen (intuimos: compañero, amigo y cómplice). Todo bajo la supervisión de Peter Aalbaek Jensen. Todo lo dicho no es baladí, ni tan siquiera una introducción a la película que nos ocupa. Hay que entender With Your Permission como parte del 'estilo Thomas Jensen', o sea, comedia ligeramente surrealista con personajes paródicos y a su manera muy reales. O lo que es lo mismo: ser conscientes de quién mueve los hilos en el cine del norte de Europa, tan estimulante y tan oculto en esta parte del Mediterráneo. With Your Permission suma y sigue en la nómina de personajes 'jenserianos': dos cantantes de ópera frustrados, una ama de casa que zurra al marido y un esposo escrupuloso al que le gusta imponer y acatar normas, más dos mecánicos que maltratan a sus mujeres a pesar de tener mucho corazón. Las labores de Steen como directora son meramente formales y solo enriquecen la película en una genial dirección de actores. With Your Permission es una película 100% Anders Thomas Jensen, con la particularidad que retiene lo peor de las películas del Jensen director: los primeros tres cuartos de hora son una excelente comedia negra, una estimulante historia de cónyugues que pierden parte de su identidad para complacer al otro; y la segunda parte, víctima de un Jensen menos cañero y más complaciente con los personajes, se centra en una trama de sueños cumplidos y reconquistas amorosas (o sea: de restablecimiento del orden cuando al principio todo brillaba en un caos sostenido y brillante en lo cinematográfico). Aplaudimos el sello de 'comedia Jensen', y aún así no hay ninguna que sea perfecta de principio a fin. Es difícil elegir solo una, y aquí ya entrarían en juego los gustos personales de la audiencia (el blog se moja y se queda con dudas con Los carniceros verdes). Resumen: With Your Permission gustará a los fans de la comedia nórdica negra. Entretiene en todo momento. Complacerá a los ya iniciados, y creará adhesiones entre los recién llegados. Eso aunque la naturaleza raruna de sus seres sea tan postiza como esa rosa pintada de negro que sella el reencuentro de los protagonistas.


Nota: 6

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domingo, 3 de junio de 2012

PELÍCULAS VERANIEGAS QUE ME DA PEREZA VER (Y MIEDO CONFESARLO)

Tenemos en verano a la vuelta de la esquina y las superproducciones no tardarán en hacer acto de presencia en los cine. Terraferma, Ellas, Siempre feliz o Lebanon intentarán convertirse en el contrapunto indie del verano, temporada en la que siempre acaba triunfando alguna propuesta aparentemente más minoritaria. Estas son las 5 películas que todo el mundo verá y que a este blog le causan una pereza tremenda.

MEN IN BLACK 3 En los cines
Mi primer recuerdo de Men in Black me lleva al año 1997. En el videoclub del barrio el VHS de la primera Hombres de negro estaba al lado de la cinta de Spiceworld, y aunque fue relativamente famosa pasé completamente de ella. Luego vi las dos partes y comprobé que su argumento se definía más bien por falta de argumento. ¿Realmente hacía falta una tercera parte? Porque poco o nada puede aportar a la carrera del ya consagrado Will Smith, ese hombre que tiene por afición visitar El hormiguero y por oficio colocar a esposa e hijo en las jugadas cinematográficas más rentables. Nunca vi la maestría o la simpatía que se le presupone en Will Smith, del que solo salvo En busca de la felicidad. Hancock la vi y me arrepentí. De Soy Leyenda pasé olímpicamente. Y estos hombres de negro del S.XXI parecen igual de insustanciales. El azar y las distribuidoras la han estrenado a finales de mayo, como promesa de todos los fritos, refritos, partes, repartes, secuelas y precuelas que llegarán este verano: para empezar, Madagascar 3 y Ice Age 4. Sobreviviremos.

EL DICTADOR Estreno: 13 de julio
Mi sensibilidad cinematográfica me hace totalmente inmune al humor de Sacha Baron Cohen, adalid de una comedia gamberra que no entiendo. Borat no es que no me gustase: me insultó en lo más profundo en una de esas pocas veces en las que el personal tira directamente el precio de la entrada al vacío más absoluto. Cohen me molesta, ya lo haga a propósito, ya sea para vender su personaje, o directamente porque el señor no tiene dos dedos de frente. Este año ya llevamos varias jugarretas dictatoriales desde que se publicitase el rodaje de la película en España (raro honor). El espectáculo de los Oscar fue bochornoso, y ya es hora que alguien diga que el señor Cohen gafó en parte el Oscar para Scorsese. En Cannes volvió a desplegar su tenderete. Y ya tememos su estrategia promocional para julio (se estrenará en viernes 13, otro mal augurio). Con películas así por un momento agradezco no ser crítico de cine y no tener que ver todos los estrenos por obligación.

PROMETHEUS Estreno: 3 de agosto
Debo ser el único cinéfilo que a estas alturas no sabe nada sobre Prometheus. Ni vi tráilers ni me interesé por el argumento. Hablan de la nueva Avatar, y si la referencia es un halago a este blog le causa miedo. Ver a Charlize Theron, Noomi Rapace y Michael Fassbender enmedio de salvapantallas ultrafuturistas puede tener su gracia, eso sí. Y la dirección de Ridley Scott no es garantía de nada (Alien y Blade Runner quedan muy lejanas en el tiempo). Prometheus tiene el aura de esas películas que habrá que ver para estar al día en el café de la esquina o hablando con los amigos. Deseando sorprenderme, aunque de momento viendo los toros desde la barrera. Temo una sesión llena de niños, palomitas, móviles sonando y aire acondicionado a toda potencia. Y nada de gafas 3D, que la cosa parece que durará más de dos horas. ¿Éxtasis friki o tortura china?


BRAVE (INDOMABLE) Estreno: 10 de agosto
La crítica de Toy Story 3 es una de las entradas más leídas del blog, y quizás lo sea porque no ofrece la visión complaciente y encantada habitual de otras páginas. A la Pixar hay que reconocerle sus méritos, pero siempre preferí a la compañía de Lasseter en empresas más pequeñas, sin tanta imaginería visual, con menos metáfora. Up se resumía en sus primeros 10 minutos, y no hace falta más: los euros de la entrada lo valen. De hecho, los cortometrajes de la Pixar resultan en parte más estimulantes que sus largos. Brave apunta a título menor, mala señal para el estudio que perdió su hegemonía en los Oscar por culpa de Rango. Brave luce más Disney que Pixar. Puede que me reconcilie con la Pixar si efectivamente es una historia más sencilla y menos pretenciosa. Aún así no contemplo la asistencia a la sala: por el ordenador y en inglés sin subtítulos, para aprender idiomas...


EL LEGADO DE BOURNE Estreno: 17 de agosto
La primera noticia que tuve de esta cuarta parte de Bourne fue hace una hora revisando la página de Filmaffinity. Primer pensamiento: ¿otra vez? Segundo pensamiento: ¿no será un reestreno oportunista? Tercer pensamiento: imposible, ¡este Bourne es otro! Y cuarto pensamiento: querido Renner, si tus dos nominaciones al Oscar te han servido para hacer Los Vengadores y ser el nuevo Bourne más vale que vuelvas a casa. En su día preferí la acción insustancial de la primera parte, pero luego el señor Greengrass se dedicó a hacer piruetas visuales que me alejan por completo de la historia. Aunque dirija Tony Gilroy, responsable de Michael Clayton, prefiero ver los cambios de The Amazing Spider-Man. Hasta El caballero oscuro: la leyenda renace, sin ser fan de las anteriores, y mucho menos del pomposo Nolan, tiene cierto morbo.