A TODOS: DECISIÓN SALOMÓNICA EN LA PELÍCULA DE LA DÉCADA

Con una polémica tras las espaldas (ríete de Eurovisión, jj.), Cinoscar & Rarities quiere haceros partícipes de una decisión que, aunque ya contemplada por las reglas del proyecto, puede sorprender y despistar a algunos.
Viendo los resultados de la última encuesta (más de 100 votos: ¡muchas gracias!), se ha decidido a seleccionar 4 películas para la semifinal: Buscando a Nemo, Mystic River, Dogville y Elephant. El film de la Pixar pasó de ser cuarta opción a segunda en cuestión de un día, aunque Mystic River (por poco) siempre ha sido la más laureada por vosotros. Elephant y Dogville han estado en contínua disputa y la batalla, que siempre había ganado Dogville, ha acabado con una decisión salomónica: las dos, empatadas, pasan a la semifinal.
Mi decisión se debe a que los 4 films mencionados se han repartido todos los votos, cosa que no ha ocurrido nunca. En encuestas anteriores, muchos films obtuvieron numerosos votos (véase Ciudad de Dios o Atrápame si puedes), pero en esas ocasiones la cosa estaba empatada a nivel global; aquí, la elección de cuatro títulos es indiscutible. La encuesta aún está abierta y en el post del viernes detallaremos el ranking de la encuesta.
Espero que la decisión guste a todos. Sin duda, estamos ente cuatro obras maestras que merecen poder recibir el título de mejor film del 2003.

Saludos a todos!!!!

SICKO 5'5 / 10

Con sumo retraso y sin ningún tipo de promoción, Sicko, el último dardo envenenado de Michael Moore, ha llegado a las salas españolas. Moore, menos protagonista de lo esperado, continúa siendo la estrella en un documental que radiografía con más o menos atino el sistema sanitario de los Estados Unidos, destapando sus desigualdades, verdugos y víctimas. El director no se desvía de su discurso: en Sicko, el verborreico y regordete artista critica a Hillary Clinton, George Bush o el cupo de aseguradoras médicas, empresas regidas por funcionarios y no por médicos. Tras la crítica, entre cruda y socarrona, Moore enseña su flaqueza: una mirada de turista bastante naïf y una visión idealizada del sistema médico de Francia, Canadá, Gran Bretaña o Cuba (no todo es tan bonito como nos quiere pintar el astuto Moore, aunque la reflexión funciona). El director, relegado a la actividad de recopilar información y testimonios, culmina su obra con un final norteamericano y sensacionalista: cual reality show, los héroes del 11-S y otros enfermos reciben atención médica gratuíta en un hospital cubano. Moore, egocéntrico, cree poseer la verdad, pero sus gritos y bromas son tan necesarias como discutibles. Moore triunfa y convence.


Sicko demuestra las dotes cinematográficas de Moore, más allá de las filias y fobias que despierta la persona que esconde el personaje (o el personaje que esconde la persona). Moore domina el tempo cinematográfico, cambia de registro hilando temas e imágenes, realiza un film variado y variopinto con una coherencia de mensaje y estilo indiscutible. Con Sicko, el realizador sube a la categoría de cineasta indiscutible: existe una fórmula Moore y los espectadores que visionan sus películas conocen de antemano lo que el director sabe y puede ofrecerles. De aquí que Sicko, sin deslumbrar, no decepcione y se preste a amables revisiones. Moore demuestra ser un yanki que, aun utilizando técnicas narrativas de la televisión y el cine estadounidense, detesta todo lo que se relaciona con los Estados Unidos. La apareciación es importante porque todo apunta a que, aunque Bush ya no esté en el poder, las obras de Moore continuarán teniendo sentido e interés. Su próxima película, y si los distribuidores no nos lo impiden, nos sacará de dudas.

EL VUELO DEL GLOBO ROJO 9 / 10

Ya desde su título, Le voyage du ballon rouge, con la sutilidad de la 'v' y la 'b', la fragilidad de la 'll' francesa y la rotundidad de su 'r' y 'g', el film evoca las contradicciones del artista, la belleza de la poesía, el caos de unos personajes excéntricos, únicos, vivos e imaginativos. Hsiao Hsien dibuja, deja intuir y olvida la estructura de una narrativa convencional: en la ruptura, el cineasta imprime un tono europeo con toques asiáticos, un ritmo pausado, tal vez la cadencia de lo rutinario, de lo posible, de lo real. El film, inspirado e inspirador, transcurre sin altibajos, como si el relato no tuviera nada extraordinario que contar. Si Un cuento de navidad era prosa hecha celuloide, El vuelo del globo rojo es poesía, silencio, relax. Y tras la calma de sus imágenes cálidas, el film dibuja un personaje protagonista para el recuerdo, una Juliette Binoche sumida en una crisis existencial, artística y económica. Suzanne, encarnación del artista vehemente e hiperactivo, alocado y libre, es ese globo que acompaña a los personajes durante todo el relato: indomable, a la deriva, frágil pero a la vez rojo, intenso, pasional. Hiao Hsien habla del arte y quienes lo crean, defiende unos seres alternativos y un tipo de cine diferente, sensorial, sin pretensiones y minimalista. El vuelo del globo rojo conquista y su poder gana fuerza horas, días después de su visionado. Lo casual deviene eterno, como ese París de ensueño, esa película que Song filma y no acaba, ese cuadro enigmático que no nos cansamos de contemplar. Arte sobre el arte, cine dentro del cine.

La película inauguró en su día una colección de títulos apoyados por el Museo d'Orsay. El segundo título, Las horas del verano, pasó injustamente desapercibida por las salas, algo incoherente porque tanto el título de Assayas como el de Hsien comparten muchos puntos en común: familias desestructuradas, la relación desigual entre hijos y padres o la descripción del artista y todos sus recovecos (véase la mansión de Las horas del verano o la curiosa buhardilla de El vuelo del globo rojo, dos caras distintas de una misma cruz). Binoche, veterana y siempre eficaz, es el rostro protagonista del proyecto, una actriz que vive con sus últimas interpretaciones una segunda juventud (Norteamérica no le ha aportado nada). Si Binoche vuelve a Francia, Hsien viaja hasta la capital gala, evitando la fácil mirada de turista, construyendo un film sigular y a la vez coherente con las señas de su filmografía. Indispensable asistir a sus proyecciones en versión original, la única forma para acercarse a la magia de un título marginado. Único.

PREGUNTAS SIN RESPUESTA: LOS DVDS A DEBATE

- ¿Por qué los dvds, los carteles publicitarios o los folletos de algunos cines incluyen la duración de las películas si la cifra nunca coincide con la realidad?

- ¿Por qué se sigue considerando el tráiler, las filmografías y las fichas técnicas como extras en los dvds?, ¿acaso no será esta una fórmula para enmascarar ediciones básicas y pasarlas por especiales (hecho que implica subirles el precio final)?

- ¿Por qué nos bombardean con dvds de todo tipo, cajas metálicas, cofres con fotos y muñecos... si al final siempre sale un dvd más completo y mejor editado? ¿Para cuando una versión definitiva de toda película que se reedite de forma constante?



- ¿Por qué algunas películas no se editan en dvd o lo hacen con ediciones superlimitadas?

- ¿Por qué muchas películas no pueden subtitularse o oirse en inglés?, ¿cuando la nómina de lenguas y subtítulos que indican las carátulas de los dvds no coinciden, podemos denunciar? Y en todo caso: ¿a qué o a quiénes dirigimos nuestra queja?

- ¿Por qué algunos cines proyectan cintas en salas sucias, poco cuidadas y con una calidad de visión y sonido bastante tercermundista?, ¿en estos casos, qué hacemos: nos esperamos a que la película salga en dvd? El remedio puede ser peor que la enfermedad.



- ¿Por qué la imagen del dvd es más fría que la que ofrece la sala de cine? ¿Alguien sabe por qué el sonido de algunos dvds se dispara en determinadas escenas de acción?

- ¿Cuándo tendremos unos dvds con subtitulos en catalán, vasco y gallego, además de autodescripción para ciegos?

- ¿Por qué algunas películas como Pozos de ambición solo se comercializan con una penosa caja de cartón? ¿Ecologismo o falta de ética?



- ¿Por qué se está empezando a editar antes las películas en Blu-ray si la mayoría de compradores aún utilizan el sistema dvd de toda la vida?

- ¿Por qué, a estas alturas, aún se editan títulos solo en VOS o en sistema de audio 2.0.?



- ¿Por qué en España es dificilísimo acceder a los dvds de las películas de Almodóvar?, ¿por qué el diario El País publicó casi todas las películas del manchego en dvd si estas no tenían una copia previa?, ¿por qué es tan difícil acceder ahora a dicha colección?, ¿por qué la edición especial de ¡Átame! duró unos meses a la venda y no se volvió a editar?, ¿por qué no se edita de una vez el esperado y prometido dvd de Mujeres al borde de un ataque de nervios?, ¿por qué paises como EE. UU., Italia o Francia editan en dvd más y mejor nuestro cine?

- ¿Por qué se editan (poco y mal) en dvd films que no se han estrenado en las salas como El castillo de Michael Haneke o Reyes y reina de Arnaud Deplechin?, ¿por qué debemos conformarnos con Reyes y reina... para cuando una colección completa de las obras de Deplechin?

EL DRAMÁTICO CASO DE TARAJI P. HENSON

El cine cuenta historias, pero también esconde historias. Hollywood ama los papeles de superación personal, cambio físico y actitud histriónica. En este juego, uno no sabe hasta qué punto se está contemplando la vida de una persona o la de un personaje (algo parecido sucedió con The Wrestler y Mickey Rourke). Las penas del boxeador fueron muy publicitadas, pero los Oscar dieron la espalda a otro relato de tragedias y sinsabores. Estamos hablando de Taraji P. Henson, la protectora y madre artificial de Benjamin Button.

'Taraji' significa 'esperanza' en swahili, pero tal curiosidad no se convirtió en vaticinio: Penélope Cruz se llevó el Oscar. Los padres de Taraji se separaron cuando tenía dos años, algo que marcó profundamente a la pequeña Henson. Una vez adolescente, el cómputo de desdichas aumentó: nuestra protagonista se quedó embarazada muy joven y tuvo que interrumpir sus estudios. La biografía de Taraji incluye partes rocambolescas (algunos apuntan que la actriz ha vivido muchos años en el umbral de la pobreza), momentos dignos de la fábrica Disney (cual Susan Boyle, Taraji sorprendió por sus dotes vocales, cualidades que le permitieron participar en la versión teatral de Dreamgirls) y episodios trágicos (su marido murió tras ser acuchillado por un extraño en las calles de Washington). La vida de Taraji P. Henson, al estilo Million Dollar Baby o El color púrpura, precisa un biopic, por no decir una telenovela de trescientos capítulos. Los vestidos, poses, entrevistas y nominaciones de hace unos meses se han acabado: ahora las estrellas, sin maquillaje y algunas sin trabajo, muestran su lado humano. El año que viene veremos más alfombras rojas y disfrutaremos con el espectáculo de los premios y las frivolidades de rigor. Quien sabe si la verdadera película volverá a esconderse tras alguno de los nominados/as de los próximos Oscar. La realidad, sin duda alguna, supera a la ficción.

URGENTE: SOBRE LA PELÍCULA DE LA DÉCADA IX

Visto algunos de los comentarios que ha suscitado el anterior post de LA PELÍCULA DE LA DÉCADA, Cinoscar & Rarities quiere aclarar algunas cuestiones necesarias para el correcto transcurso y entendimiento del proyecto. Los más observadores habrán visto que LA PELÍCULA DE LA DÉCADA, que siempre se publica en viernes, se ha adelantado un día. El motivo es evidente: Cinoscar & Rarities intuía las quejas desde hace bastantes semanas.

1. El proceso de selección de los films en cada post de LA PELÍCULA DE LA DÉCADA es sencillo: se revisan todos los títulos estrenados en España durante un lapso de cuatro meses y se escoge las diez mejores, de forma que tenemos treinta seleccionadas por año. LA PELÍCULA DE LA DÉCADA precisa un primer corte subjetivo para funcionar...

2. En anteriores posts ya se avisaba que algunas películas muy importantes (a nivel de repercusión al menos) quedarían fuera de las listas. Está claro que hay listas mejores que otras... porque no se pueden comparar los estrenos de verano a los de invierno, aunque la propia distinción ya suponga un cliché. Debe recordarse que, tras las encuestas actuales, se decidirá la mejor película de cada año. No hay, por lo tanto, otra mecánica posible. Además, de esta forma podemos analizar el cine de la década de forma ordenada y cronológica.

3. Los que ahora claman la ausencia de El retorno del rey no dijeron nada cuando la primera parte de la saga no fue seleccionada (reitero: la encuesta la votaron muchas personas) y cuando no se incluyó en la lista a Las dos torres. Hablar de una decepción, un fraude o un craso error creo que son términos demasiado fuertes para lo que no deja de ser un juego.

4. Aprovecho la ocasión para decir que King Kong (de Jackson) tampoco será seleccionada (el período setiembre-diciembre '05 también está repleto de buenos títulos... y habrá, cómo no, descartadas). Y el comentario no es gratuito: las listas están elaboradas desde hace mucho tiempo. Está claro que las listas no puedan contentar a todo el mundo, pero también debe decirse que Cinoscar & Rarities, de ser él el último en decidir, no hubiera seleccionado algunos de los títulos que han pasado a las semifinales.

5. El blog espera que este pequeño vache no afecte a las demás encuestas. Las listas siempre incluyen las películas que no han sido seleccionadas, básicamente porque el proceso quiere ser franco con sus votantes.

6. Los que se quejan que unas listas son mejores que otras deben saber que estan en su derecho de no votar o votar, si quieren, a 3, 4, 5 o el número de películas que quieran. No hay un límite. Creo que los films seleccionadas reflejan los gustos de la comunidad bloggera: de aquí que se haya seleccionado El crimen del Padre Amaro y no, por ejemplo, títulos españoles como Hable con ella. Interviene también el factor suerte, y es un elemento que ni el blog ni los votantes pueden controlar. Además, nadie ha dicho que las diez películas de LA PELÍCULA DE LA DÉCADA IX sean malas o no merezcan figurar en la lista. Por algo será...

7. Para saber qué films han sido seleccionados y qué películas se han quedado a las puertas, os remito al margen derecho del blog. Allí encontraréis toda la información. Es verdad que en la lista de 2001 solo figuran las finalistas, básicamente porque Cinoscar & Rarities no podía imaginar el seguimiento del proyecto. Revisando posts anteriores encontraréis la respuesta.

Saludos cordiales a todos. Os animo a participar en las encuestas y expresar vía comentario o mail vuestras alegrías, quejas y demás palabras.

LA PELÍCULA DE LA DÉCADA IX

BUSCANDO A NEMO, de Andrew Stanton y Lee Unkrich
La película más popular de Pixar es una road-movie marina, el viaje didáctico de un padre pez desesperado que busca a su hijo, el famoso Nemo del título. Una obra simpática y agradable que rompió taquillas, ganó un Oscar y vendió muñequitos a cascoporro. Forma parte del ADN de toda una generación de cinéfilos. Imprescindible.







DOGVILLE, de Lars Von Trier
No tengo palabras para describir la película de las películas, el cuento definitivo de la carrera de Lars Von Trier. Impacta emocional e intelectualmente, interesa por todos sus personajes y su socarrón narrador, deviene inmortal con un final tan rotundo como inesperado. Mezcla genial de cine, teatro y literatura, Dogville es una de las mejores películas de la década. Que no ganara en Cannes es sonrojante (¿alguien se apunta a la teoría del complot de Patrice Leconde?).





ELEPHANT, de Gus Van Sant
Inquietante, bella, provocativa, enigmática. La mejor obra de Van Sant es su particular respuesta a la matanza de Columbine, una excusa para subrayar su estilo y hablar de la violencia, las armas, la educación o la anorexia. Título colosal que entusiasma a muchos (¡hi, José!) y repugna a otros. ¿En qué bando situarse? La lista lo tiene muy claro.








GOOD BYE LENIN!, de Wolfgang Becker
Elephant ganó a Dogville en Cannes y Good bye Lenin! ganó a Dogville en los premios EFA. Este extraño círculo demuestra el nivel del cine europeo del 2003, esta vez revisitando un hecho clave dentro de la historia: la caída del muro de Berlín. Cuento sobre la política y la familia, una fábula muy recomendable. Gran banda sonora.









LA FLOR DEL MAL, de Claude Chabrol
Chabrol, fiel a su cita anual, nos regalaba este cuento de odios, secretos y amores familiares. El discurso del francés, siempre sobrio y subversivo, tuvo aquí una obra rotunda que este cronista confiesa haber visto unas cinco o seis veces. Me encanta... y uno no lo puede esconder. Sabiduría cinematográfica. Obra maestra realizado por un maestro.









LAS MANOS VACÍAS, de Marc Recha
Bueno... me acuerdo que era domingo. Llovía. El cine estaba vacío. Y uno, acompañado por su sufridora madre, vio Las manos vacías solo porque la revista Fotogramas la había puntuado con cinco estrellas. Días después, la taquillera me dijo que había sido el único que había visto la película ese fin de semana (duró solo cinco días en cartel). Ahora, con el dvd en la estantería, uno confiesa abiertamente su amor por este drama rural, comedia negra y thriller con cadáver pero sin asesino. Recha: sigue dirigiendo. Otra obra maestra (y van...).




MYSTIC RIVER, de Clint Eastwood
La vi un domingo por la mañana, y por la tarde vi Crueldad intolerable (¡qué época!). Dramón de los pies a la cabeza, Mystic River sigue creando obsesiones, sofocos y llantos. Genial reparto para una película de hierro (el Oscar debía ser suyo). Está destinada a pasar a la historia. Sublime.









SOÑADORES, de Bernardo Bertolucci
Menos mal que un servidor no decide... Soñadores revisita el París de 1968 para erigir una oda a la capital parisina, al cine, a la literatura y a la rebeldía de la adolescencia. Cuento mágico, agradable, divertido y muy sugerente. Bertolucci podría jubilarse: no existe mejor film para cerrar una carrera de sexo, polémica y buen cine. Carne de gourmets.








STORYTELLING (COSAS QUE NO SE OLVIDAN), de Todd Solondz
El relato partido de Solondz es un liviano (solo en apariencia) documental (¿o era ficción?) que pone el dedo en la llaga (o sea, en el puritanismo, la insatisfacción, la mediocridad y la hipocresía de la sociedad norteamericana). Solondz: ¿genio o depravado? (¿o genio depravado?). Tras los paréntesis y los enigmas, los votos.







TE DOY MIS OJOS, de Icíar Bollaín
7 goyas para una película que trajo consigo un necesario debate sobre los malos tratos. Solo mía era notable, pero la maestría de Bollaín, confirmada en Mataharis, es indiscutible. Colosales Marull, Tosar y Peña. Título conmovedor. Quizás un tanto sobrevalorada, pero igualmente importante. Vosotros dictáis sentencia.




¡¡Menuda lista!! Sin duda, una selección de grandes películas. Pero hay ausencias (y espero vuestra indulgencia): he descartado films tan buenos como En la ciudad, La maldición, Hero, Master & Commander, Carmen y... El retorno del rey. Espero vuestras críticas, pero creo que la epopeya de Jackson no es tan buena como los diez títulos seleccionados. Para gustos...

Y como hablamos de gustos, soy consciente que a casi nadie gustó/entusiasmó la lista de la semana pasada. Reitero: fue un verano muy flojo, pero el otoño fue sublime. Las seleccionadas han sido Piratas del Caribe, Bienvenidos a Belleville y En un lugar de África con 29, 13 y 11 votos respectivamente. Deben destacarse los 9 votos de Última Llamada, que por poco entra entre las seleccionadas, y las 7 apoyos a Hulk y Como Dios. Femme Fatale anota un cero de escándalo y Las horas del día, mimada por servidor, se queda con 4 votos muy dignos (La vida mancha, 3 votos).

Esta semana, la lista es muy diferente: títulos conocidos, muy premiados y con muchos seguidores. Hasta ahora, parece que la pugna se la disputan cuatro títulos, pero muchos nombres podrían entrar en el terceto ganador. Dentro de una semana, los resultados.

Aprovecho para recordaros que en julio y agosto no habrá La película de la década (volverá a empezar la última semana de agosto). De momento, el baile de títulos y votos prosigue. ¿Algún favorito?

MENTIRAS Y GORDAS 6 / 10

Hace tiempo vi un documental bastante curioso que reflejaba cómo se veían y distribuían películas en lugares del mundo tan diferentes como Norteamérica, India y Corea del Norte. Los coreanos, víctimas aún de una dictadura represora (la parte Sud se salva), solo pueden acceder a películas creadas y financiadas por el gobierno, obras donde se subrayan los roles sociales y que adoctrinan a su audiencia con mensajes políticos. Aunque el caso de Corea del Norte es más radical (y totalmente repudiable), tal anécdota sirve para demostrar que el cine puede utilizarse para adoctrinar. Si el cine tiene el poder de instruir, este debe tratarse con sumo cuidado porque las imágenes pueden ser vehículo de mensajes vacuos, por no decir armas de discriminación y violencia (aún se recuerdan los vídeos que proyectaban los cines alemanes durante la II Guerra Mundial para justificar el genocidio judío). Este largo rodeo no es gratuito: si la moraleja de una película funciona y es útil, la cinta, independientemente de sus cualidades fílmicas, es irreprochable. Ello ocurre con Mentiras y Gordas, un film que utiliza la ficción para alterar la conducta de su potencial audiencia. Digan lo que digan, Mentiras y gordas cumplirá su objetivo si los adolescentes que la vean piensan un poco (subrayo "un poco": esto no es cine de clase alta). El cine nació siendo un arte popular, un medio accesible a todos los públicos; Mentiras y gordas, desde el momento en el que elige un gran reparto televisivo (grande más por cantidad que por calidad: solo se salvan Hugo Silva y Ana Polvorosa), reivindica esta concepción.




Mentiras y gordas demuestra que un final diferente puede alterar todo lo visto. No estamos, pese a todo, ante una trama con un sorprendente giro final: la estrategia sirve para disimular los defectos de la historia (diálogos insulsos, una ambientación muy pobre, momentos trillados y exagerados), pero no la endiosa ni la convierte en ese film generacional que muchos han proclamado. Salvo las últimas escenas, la película es un desfile de jóvenes desnudos, cuerpos musculados y escenas sexuales. No es una película pornográfica, pero poco le falta: el tratamiento idealizado y endulzado de la homosexualidad (ojalá los jóvenes de hoy en día aceptasen tan bien a sus compañeros/as gays y lesbianas como ocurre en el film) la puede convertir en la Fucking Amal española. Su sabor gay (algo que se intuye desde los títulos de crédito: gran canción de Fangoria y notable selección musical) hará que Mentiras y gordas se comercialice muy bien en América y Europa. Se cumple lo apuntado anteriormente: la película no quiere ser buena, sino ser vista por cuantos más espectadores mejor. La taquilla ha respondido. La película ha salido victoriosa.




Da miedo pensar que las jóvenes promesas de Mentiras y gordas pueden ser, en un futuro, nuestros grandes actores. El nivel interpretativo del film es penoso, como penosas son las series de donde provienen todas las caras bonitas de las fotos: Aída, El internado, Física o química, Los hombres de Paco, etc. Pese a esto, debe subrayarse la valentía de los actores por acceder a interpretar una historia tan coral (aquí no valen los egos de cada uno) y difícil. Se cumple el patrón de sexo, drogas... y música electrónica, aunque contado de una forma fácil, irreal en parte, siempre discutible. Ya se sabe: la crítica cinematográfica es la única que no puede ni debe mentir. Aviso a los padres: estas mentiras no son gordas, sino gordísimas.

CREPÚSCULO 2 / 10

A los chicos y chica del 4E

Desconozco si ver Crepúsculo meses después de su estreno nos ha dado perspectiva o ha alterado nuestro juicio, con clara tendencia a la crítica hiriente y a prejuicios varios. Ya sea desde la objetividad o subjetividad, debe subrayarse una vez más los defectos de una película sin argumento, sin conflicto y sin interés. El fanatismo no parece justificado: nunca se habían resuelto tan mal unos giros de cámara tan forzados, repetitivos, pretendida y pretenciosamente ñoños; unos actores nefastos (lo digo bien alto: ¡el chico no es guapo!) en una historia penosa, con unos efectos especiales de feria, punto inexacto entre Tigre y dragón y Blade Trinity. Crepúsculo es un cúmulo de incoherencias, sinsabores y giros forzados que nunca llegan a conectar con el público adolescente. El film, en todo caso, es una trama de niños y para niños, sin sangre ni sexo, tan blanca e irreal que hiere nuestras pupilas. Nadie puede sentir empatía por un relato inmaduro que promete y luego no nos regala nada. Bonita incoherencia: el amor puro, divinizado, casto e infantil es ahora la tónica cinéfila de los más jóvenes. Espero que alguien se dé cuenta que debe existir un término medio entre Crepúsculo y, por ejemplo, Mentiras y gordas. La realidad es mucho más compleja; el cine, por fortuna, también.

TRES DIES AMB LA FAMILIA 8 / 10

El drama familiar se ha convertido en un rico subgénero del cine contemporáneo. Tras ver títulos sublimes como Un cuento de navidad y Las horas del verano, queda claro que el cine se interesa por la familia, la interacción de sus miembros y los juegos de amores y odios a los que estos se prestan, entendiendo que la familia, institución que asusta, agota y agobia, es imperfecta. Tres dies amb la familia sigue durante una pequeña parte de su metraje el esquema habitual de estos títulos, aunque con una particular impronta mediterránea. Tras las presentaciones (misteriosas, abruptas), el film se revela como una tragicomedia descarnada sobre la familia y sus fantasmas, un cuento in crescendo que nos deja dudas, plantea preguntas e inquieta por lo directo y melancólico de su discurso. Tres dies amb la familia, a parte de confirmar que en Cataluña hay talento a raudales (la ESCAC encaja otra gran victoria), demuestra que otro cine español es posible, más cercano a Europa (la memoria nos lleva a Celebración) que a la zafiedad imperante en nuestro cine.



La ópera prima, austera y amena, incluye a su favor un debate sobre el espectáculo de la muerte (velatorios, posterior repartición de la herencia, reencuentros familiares), un elemento que, pese a no ser nuevo, funciona. Mar Coll cuenta con la complicidad del espectador y remite a nuestras experiencias y sentidos: el film juega a no contar, de forma que el espectador, siempre interesado, se ve obligado a rellenar toda la información que se intuye o que los personajes evitan expresar. Tres dies amb la familia, por lo tanto, es un film de silencios, de contención, de personajes distantes, mediocres e infelices, cristalización de una burgesía decadente que vive en mundo de puertas cerradas, mentiras y apariencias insostenibles (más reconocible y menos fría que las familias pudientes de Claude Chabrol). Debe recordarse que el film ganó tres premios en el pasado Festival de Málaga y que aún no ha llegado a las salas. Tres dies amb la familia precisa promoción y servidor ya la considera una de las mejores películas españolas del año, honor que ya tuvieron en su día los catalanes Coixet, Recha o Serra. Atención a la sublime interpretación de Nausicaa Bonnín: ha nacido una estrella. El texto pasa la pelota a sus lectores, esperando que el film reciba el trato y las críticas que se merece. Imprescindible.

SERIES 17: MOTIVOS PERSONALES

La reciente Acusados, serie notable con una portentosa Blanca Portillo, ha demostrado con sus subidas de audiencia que la ficción española es afín a productos de misterio y acción. Es difícil encontrar series patrias que valgan la pena, pero hay excepciones: además de Acusados, debe destacarse Motivos personales, una historia que ha influenciado a la propia Acusados y que influenciará a títulos venideros. Motivos personales, con un equipo y producción a la española, imitaba excelentemente la estructura de series yankis. Pocas veces la televisión nacional ha engendrado una trama tan alambicada, con giros de guión sorprendentes e interpretaciones de nivel. Motivos personales es la excepción y la esperanza de nuestra pequeña pantalla. El éxito (excelentes índices de audiencia y mejores ventas de sus dvds) no fue pasajero: Marta Calvó realizó el papel de su vida, Concha Velasco y Belén López deslumbraron y reactivaron su carrera (luego continuada en Herederos y Pelotas respectivamente), Jan Cornet inauguraba su carrera cinematográfica (él era el ángel diabólico de Camino), Lydia Bosch presumía de belleza y talento (pese a todo, contínua desaprovechada) y Miguel Ángel Silvestre lucía músculos y labia antes de convertirse en el Duque de Sin tetas no hay paraíso. Motivos personales triunfó y benefició la carrera de todos sus componentes: no puede decirse lo mismo de todas las ficciones españolas.



Uno de los secretos del éxito de Motivos personales fue su estructura: Telecinco no quemó el producto, ofreció resúmenes para los que se iban aficionando paulatinamente a la serie y cerró la primera temporada cuando la historia estaba en su momento cumbre. Cada capítulo seguía una máxima tan difícil como efectiva: explicar muchas cosas sin que la trama principal avance. Motivos personales contagiaba la maldad de la familia Acosta, el sufrimiento de Natalia (Bosch); remitía a nuestra inteligencia y paciencia para seguir el hilo de la historia e inventaba tramas detectivescas que, aunque rocambolescas, atrapaban. Aún no se ha superado el pulso, la complejidad y la tensión de Motivos personales (Círculo rojo lo intentó), una pequeña gran obra que amenizaba las noches del miércoles. Los veintiséis capítulos de la serie, resuelto el enigma y mordidas todas las uñas habidas y por haber, siguen con la frescura del primer día. Qué tiempos aquellos...

LA PELÍCULA DE LA DÉCADA VIII + UNA NOTICIA

BIENVENIDOS A BELLEVILLE, de Sylvain Chomet
Animación delicada, bella, francesa. Dos nominaciones al Oscar para una rara avis de la animación contemporánea, un título a reivindicar. La historia de un niño que quiere participar en el Tour de Francia coleccionó aplausos en innumerables festivales. Belleville también existe.








COMO DIÓS, de Tom Shadyac
Carrey, histriónico, deliciosamente excesivo, protagonizaba un exitazo de taquilla que coleccionó millones y carcajadas. Historia amena, una vuelta de tuerca estimulante a la típica american comedy. Aunque Freeman era dios, Carrey entró en el olimpo del humor. ¿Algún voto friki?









EN UN LUGAR DE ÁFRICA, de Caroline Link
Llegó a las salas tras ganar el Oscar y la película estuvo en cartel durante meses y meses. Versión alemana de Memorias de África, de tono clásico, En un lugar de África supuso un nuevo éxito del cine alemán, aunque con una visión más endulzada de lo deseable. No existen peros: la película conquistó a muchos espectadores. ¿También a los bloggeros?







FEMME FATALE, de Brian de Palma
Thriller que huele a de Palma por los cuatro costados. Una modelo, un paparazzi, el festival de Cannes y una trama de misterio y sexo. De alto voltaje. De Palma, ahora en silencio, volvió a coleccionar las cinco estrellas de muchos críticos. Años después, el entusiasmo parece haberse enfriado. Los votos decidirán.









HULK, de Ang Lee
Lee dirigió una de las mejores películas de superhéroes, un título incomprendido que está por encima de sus compañeras de género. Conelly y Bana vivían un amor atípico en un relato existencialista, con la acción justa y necesaria. La aportación del taiwanés al cine fantástico sigue despertando todo tipo de críticas. Ustedes deciden.








LA VIDA MANCHA, de Enrique Urbizu
Tras La caja 507, Urbizu volvía a crear una obra delicada sobre la ludopatía y la familia. Relato pequeño pero de gran poder, injustamente ninguneado en los Goya. No duden en verla... y votarla. Juan Sanz merecía una nominación al Goya.











LAS HORAS DEL DÍA, de Jaime Rosales
El camino de Rosales empezaba con una rotunda obra maestra. La crónica de un hombre mediocre que mata sin sentido ni motivo aparente fue toda una sensación, una pieza de nivel que hipnotiza, fascina e invita al debate. Perfecta, aunque poco estudiada. ¿Se hará justicia?









PIRATAS DEL CARIBE: LA MALDICIÓN DE LA PERLA NEGRA, de Gore Verbinski
El arranque de una saga millonaria, la perfecta conjunción de cine de acción, familiar y piratas. Depp, mítico Jack Sparrow; Bloom, especialista en protagonizar títulos palomiteros; y Keira Knightley, mucho más que una cara bonita, veían cómo subía su caché y carrera. El barco ya ha atracado y hay cuarta parte a la vista. A falta de votos, el film rebosa millones.







POSESIÓN, de Neil LaBute
Paltrow regresaba a primera fila con una propuesta bizarra, bastante satisfactoria, juego de personajes y tiempos narrativos. LaBute defendía su condición de autor pero crítica y público no supieron qué decirle. Los blogeros decidirán.










ÚLTIMA LLAMADA, de Joel Schumacher
Meses antes de estrenar Veronica Guerin, Schumacher llamó la atención con esta pastilla de adrenalina, un thriller corto pero intenso con un Colin Farrell encerrado en una cabina telefónica. No apta para claustrofóbicos.






La selección refleja el que fue un verano bastante soso cinematográficamente hablando. Pese a todo, estamos ante diez obras estimables que no podemos dejar de revisitar. La encuesta también servirá para saber hasta qué punto los espectadores retienen la magia de La vida mancha y Las horas del día, dos films sublimes que difícilmente lograrán colarse entre los más votados. Sé que la selección no entusiasmará a todos, pero vuestro voto es muy importante para que el resultado final agrade a una amplia mayoría.

Tengo que daros las gracias por la gran acogida de la pasada encuesta: 102 votos! El gran número de votos se debe a que la encuesta estuvo más días activa y que los títulos, en general, eran más populares (y de nivel). Ocho de diez films pasaron de los diez votos y durante muchos días los resultados estuvieron muy empatados. Ya tenemos finalistas: Las horas (ganadora con 44 votos), Chicago (36 votos) y Adaptation (para quien esto escribe, la sorpresa con 33 votos). Ciudad de Dios llegó a ser la segunda más votada, pero algunos votantes castigaron el efectismo de Meirelles con 27 votos nada desdeñables. Atrápame si puedes conquista 25 votos y Lejos del cielo, una obra maestra, retuvo 24 votos. Gangs of New York lo tenía difícil por su mala prensa y el agridulce sabor de boca que dejó entre los cinéfilos; pese a todo, 20 votos no están nada mal. Mi vida sin mí, menos votada de lo esperado, consigue 16 menciones, aunque Coixet merecía más (quizá La vida secreta de las palabras remendará el error). Tanto voto solo dejó dos grandes perdedoras: Bowling for Columbine (7 votos de consolación) y esa maravilla llamada Dolls, cuyos 2 votos, paupérrimos e invisibles, dan a entender que muchos blogeros no han visionado el film de Kitano. Sea como sea, era la opción más exótica y arriesgada y, al final, ha pagado las consecuencias.

Un apunte importante: este mayo eligiréis los mejores títulos de 2004 y el junio continuará con lo mejor del 2005 (hay overbooking de grandes títulos: esto se traducirá en ausencias... que nadie se asuste). En julio y agosto, La película de la década hará un pequeño stop, pero volverá la última semana de agosto con las películas del 2006. Todo está calculado para que cuadren las fechas: es un alto en el camino planeado a conciencia.

Pero que nadie se mueva aún de sus ordenadores. ¿Qué opinan de la lista?, ¿alguna favorita? Como ya habréis comprobado, el blog intentará combinar tres encuestas a la vez para dar más tiempo a los votantes. La semana que viene, más (y menuda lista...).

CANNES '09: EL PALMARÉS IDEAL

NOTA: Aquí se escribe el palmarés que me gustaría. Es una elección a priori, según gustos personales y sin haber visto ningún film (excepto Los abrazos rotos).

PALMA DE ORO: LOS ABRAZOS ROTOS (Broken Embraces, Spain)


MEJOR DIRECTOR: LARS VON TRIER (Antichrist, Dinamarca)


PREMIO DEL JURADO: MAP OF THE SOUNDS OF TOKYO (Spain-Japan)


PREMIO DE LA CRÍTICA: DAS WEISSE BAND (Michael Haneke, Austria) o ANTICHRIST (Lars Von Trier, Dinamarca)



MEJOR ACTRIZ: GIOVANNA MEZZOGIORNO (Vincere) o CHARLOTTE GAINSBOURG (Antichrist)



MEJOR ACTOR: SERGI LÓPEZ (Map of the sounds of Tokyo) o Song Khang-Ho (Thirst)


MEJOR GUIÓN: LOOKING FOR ERIC (Ken Loach, U.K.)