OSCAR RANKING 04: AÑO 1997

¡Bienvenidos al cuarto post del OSCAR RANKING!

Aviso: si te gusta el cine, si te gustan los Oscar... ¡este es tu concurso!

Estamos eligiendo la mejor película nominada a los premios de la Academia de los últimos 20 años. En el margen derecho del blog encontrarás 5 encuestas relativas a las 5 películas nominadas detalladas en la siguiente entrada. Valora del 1 (menor nota) al 10 (mayor nota) los títulos que han marcado a toda una generación de cinéfilos. Atención: ¡sé objetivo a la hora de votar! Y si no viste alguno de los films en juego, ¡no lo votes! Cada semana el blog realizará el cálculo de las notas medias obtenidas por todas las películas, y los resultados los encontrarás al final de cada post en nuestro OSCAR RANKING. ¡Revisa todas las semanas los posts en Butaca K y Cinoscar & Rarities! ¡ Y el 22 de febrero de 2013 la película con mejor nota media será coronada la ganadora del Oscar Ranking! Disfruta de los posts, visiona los videos, vota por tus favoritos... ¡el show está a punto de empezar!

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RESULTADOS DE LA ENCUESTA ANTERIOR:

Se intuía... y los resultados lo han corroborado. La cosecha cinematográfica del año 1996, al menos a juzgar por las elegidas por la Academia, resultó inferior a la de otros años. Solo Sentido y sensibilidad salva los muebles con una media de 7'79 y se coloca en la sexta posición del ranking provisional del Oscar Ranking. El cartero (y Pablo Neruda) gustó pero no convenció: se queda con un 7'05. Y el gran perjudicado es el escocés Wallace: con un 7'02 se demuestra que Braveheart tal vez no mereciese la estatuilla ese año. Babe, el cerdito valiente revolucionó su granja pero no demasiado: ha sido la más votada pero se queda con un pobre dato de 6'39. Y por último, Apollo 13 ni alcanzó la luna ni figurará en el top 10 del concurso: su 6'14 lo relega a la penúltima posición del ranking. Al final del post tienen el TOP 15 al completo. ¡Ojalá las películas de esta semana despiertan más pasiones! ¡Voten!

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69th. Academy Award
Gala: 24/03/1997, Shrine Auditorium (Los Ángeles)
Maestro de ceremonias: Billy Crystal Opening Speech
Oscar honorífico: Michael Kidd Link

Y las nominadas a la mejor película del año 1996 fueron:

THE ENGLISH PATIENT (EL PACIENTE INGLÉS), de Anthony Minghella
Oscars: 9/12

Ganó: Película, director, actriz de reparto (Juliette Binoche), banda sonora (drama), fotografía, montaje, dirección artística, vestuario y sonido

País: Reino Unido
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 7'1

Nota IMDB: 7'3

Nota del blog: 9

Fecha de estreno en España: 19/02/1997

Valoración: Los Oscar siempre han valorado los peplums románticos con gran despliegue técnico. El paciente inglés representa el old Hollywood que nunca pasó de moda y forma parte de unos 90 en los que los académicos dejaron llevarse por la nostalgia y premiaron historias de largo alcance, metraje y complejidad dramática como esta, Braveheart, Titanic y Shakespeare in love. El fallecido Minghella nos dejó su historia más apasionada y apasionante, y demostró ser un director complejo, capaz de coordinar una excelente dirección de actores y con un complejo visual apabullante. Con Cold Mountain no se repitió ni la grandeza ni el aplauso que la Academia brindó a El paciente inglés. Una historia de dunas y lágrimas, la evocación de un romance con final trágico por parte de un herido de guerra. 9 galardones de 12 candidaturas la convierten en uno de los títulos con mejor media en los Oscar. Y para el papel cuché quedó la imagen de la secundaria Binoche, francesa turista en Los Ángeles, ganando el premio por encima de una leyenda viva como Lauren Bacall. De esas películas que es imposible no volver a ver en todos sus pases televisivos. Su banda sonora nos traslada a paisajes y a estados de ánimo que son parte de la historia del cine reciente.

FARGO, de Joel & Ethan Coen
Oscars: 2/7

Ganó: Actriz protagonista (Frances McDormand) y guión original

País: EE. UU.
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 7'8

Nota IMDB: 8'2

Nota del blog: 9

Fecha de estreno en España: 20/06/1996

Valoración: Con Fargo, los hermanos Coen lograron la que todavía hoy es su mejor película. Un retrato despiadado y a la vez enternecedor de la América profunda. La crónica de unos crímenes sin sentido que bajo la apariencia de comedia negra construye un mapa del alma humana, bastante parecido a las llanuras nevadas que presiden cada fotograma. Fargo tiene la negrura típica de los Coen, el sentido del thriller marca de la casa y una trama de existencias rotas que por momentos parece más propia de un producto indie que de un cine negro 'oscarizable'. Fargo presenta una historia basada en hechos reales de forma creible, pausada, inteligente y sumamente conmovedora. La Academia y el jurado de Cannes se enamoró de Frances McDormand en su papel más emblemático, una policía bonachona pero muy lúcida embarazada de siete meses, encarnación y testigo de la candidez y la crudeza que llena el relato. McDormand ganó el Oscar pese a que su personaje no aparecía en gran parte del metraje de la cinta, y la actriz enamoró a Joel Coen, desde ese momento su marido. William H. Macy firmó su mejor personaje: una pena que no concurriera como 'protagonista' en detrimento de los excelentes matones que dan vida Steve Buscemi y Peter Stormare. Un clásico moderno del último cine estadounidense y la cinta que selló el idilio que Hollywood todavía mantiene con los Coen, posteriormente corroborado y consolidado con las estatuillas de No es país para viejos y las nominaciones de Valor de ley entre otras.

JERRY MAGUIRE, de Cameron Crowe
Oscars: 1/5

Ganó: Actor secundario (Cuba Gooding Jr.)

País: EE. UU.
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 6'1

Nota IMDB: 7'2

Nota del blog: 6

Fecha de estreno en España: 28/01/1997

Valoración: ¿Quién no se enamoró del niño de esta película? ¿Quién no se rió de lo lindo con un Gooding Jr. en estado de gracia? ¿Quién no se fijó en esa rubia misteriosa que con el tiempo acabaría siendo una de las grandes: Zellweger? ¿Y quién no reivindicó un Oscar para Cruise tras el desplante de Nacido el 4 de julio? La Academia tiene sus preferencias y Jerry Maguire es el cine de buenos sentimientos, trama de deporte y retrato de un manipulador con gracia que causó sensación entre los votantes. El tiempo no la ha puesto en ningún altar y tal vez sea de las cinco apuntadas la menos recordada. Cameron Crowe, abonado a la comedia romántica con chispa, logró aquí su relato más festivo. Hay veces que en una película todos los factores en juego, sin saber muy bien por qué, funcionan y salvan un film que en otras manos hubiera sido más de lo mismo. Algo parecido le sucede a este Jerry Maguire con una de las sonrisas más bonitas de la historia del cine: la de un Tom Cruise que todavía no se había convertido en la parodia del Tom Cruise de misiones imposibles, hazañas cienciológicas y divorcios encadenados.

SECRETS & LIES (SECRETOS Y MENTIRAS), de Mike Leigh
Oscars: 0/5

Ganó: --

País: Reino Unido
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 7'8

Nota IMDB: 8'0

Nota del blog: 10

Crítica del blog: Link

Fecha de estreno en España: 06/10/1996

Valoración: Me acuerdo perfectamente de la primera vez que vi Secretos y mentiras. Fue el primero año de carrera, un día 'depre', solo en el salón con una manta. El impacto fue brutal. Y todavía reverbera. La mejor película de Leigh es un retrato a pequeña y a gran escala de las miserias y las bondades humanas, la historia de una hija que encuentra a una madre, de una madre que encuentra a una hija, la crónica de dos mundos que entran en contacto para colisionar y reconciliarse. Defendida por dos interpretaciones femeninas que rozan la matrícula de honor, en Secretos y mentiras todo fluye, todo parece emanar de la vida, todo es natural y creíble, todo es punzante y cariñoso, todo emociona y conmociona. El Leigh más certero y depurado que con sus nominaciones al Oscar, en su momento no esperadas pero muy deseadas, pasó al altar de los directores europeos tocados por la varita mágica del tío Oscar. La Academia sigue llamándolo a su fiesta anual y con motivos, casi siempre por sus personalísimos guiones. ¿La única pega? Si se pueden clasificar las obras maestras por grados de maestría, siempre preferiré Rompiendo las olas a esta, aunque Cannes y Hollywood digan lo contrario (el EFA estuvo más acertado). Nada, una minucia de fan quisquilloso. Secretos y mentiras es una de las mejores obras nominadas al Oscar a la mejor película de los últimos años.

SHINE (SHINE: EL RESPLANDOR DE UN GENIO), de Scott Hicks
Oscars: 1/7

Ganó: Actor protagonista (Geoffrey Rush)

País: Australia
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 7'4

Nota IMDB: 7'6

Nota del blog: 6

Fecha de estreno en España: 27/01/1997

Valoración: Rush se sumó a la lista de actores premiados por sus dotes interpetativas y pianísticas donde figura Holly Hunter, Jamie Foxx o Adrien Brody. Rush solo necesitó media hora de metraje para ser galardonado por su David Helfgott, un virtuoso de la música que enloqueció debido a la presión paterna que sufrió en su Australia natal y en Londres, ciudad donde completó sus estudios. Shine no es tanto el retrato de un niño prodigio como la crónica de una influencia familiar dilatada a lo largo del tiempo. Scott Hicks logró una película dura y triste que en apariencia no encaja en el biopic de historias 'bigger-than-life' que la Academia reconoce casi siempre: ese fue su mérito. Lástima que el resplandor del genio brillase por su ausencia en la carrera posterior de Hicks, que recientemente estrenó la pastelona Cuando te encuentre: pasar de rodar con Geoffrey Rush a trabajar con Zac Efron es preocupante. Por eso vale la pena reivindicar Shine como la mejor película del señor Hicks y una de las biografías más desalmadas y sorprendentes de los 90.

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Mejor canción del año:
YOU MUST LOVE ME, de Evita
Andrew Lloyd Webber y Tim Rice
Actuación en la gala: Link
Discurso de agradecimiento: Link
Canciones nominadas del año: Link
Bandas sonoras nominadas (drama): Link
Bandas sonoras nominadas (comedia): Link

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AÑO 1996 - 1997

FESTIVALES:

Sundance: Bienvenidos a la casa de muñecas, de Todd Solondz (EE. UU.)

Berlín: Sentido y sensibilidad, de Ang Lee (EE. UU.)

Cannes: Secretos y mentiras, de Mike Leigh (Reino Unido)

Karlovy Vary: El prisionero de las montañas, de Sergey Bodrov (Rusia)

Venecia: Michael Collins, de Neil Jordan (EE. UU.)

Locarno: Nénette et Boni, de Claire Denis (Francia)

San Sebastián: Trojan Eddie, de Gillies MacKinnon (Irlanda),
ex-aequo con Bwana, de Imanol Uribe (España)

Toronto: Shine, de Scott Hicks (Australia)

Sitges: The Pillow Book, de Peter Greenaway (Reino Unido)

PREMIOS:

Globo de oro: El paciente inglés / Evita

SAG reparto: Una jaula de grillos, de Mike Nichols

Independent Spirit: Fargo, de Joel y Ethan Coen

EFA: Tierra y libertad, de Ken Loach (Reino Unido)

Bafta: El paciente inglés, de Anthony Minghella

César: Ridicule, de Patrice Leconde

Goya: Tesis, de Alejandro Amenábar

David di donatello: La tregua, de Francesco Rosi

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EL RINCÓN DE KOSTI:

Oscar 1997 from KST LEO on Vimeo.

Un año antes de que el Titanic atracara en Hollywood, un paciente grave llegaba desde las Islas Británicas (aunque estaba asentado en Italia), y conseguía arrasar en los Oscar. Bueno, si no arrasar, por lo menos sí hacerse notar bastante. Así fue como El paciente inglés de Minghella se alzó con 9 de los 12 premios a los que aspiraba. Kristin Scott Thomas, Ralph Fiennes y Anthony Minghella (sólo en el apartado de guión adaptado) tuvieron que ceder el trono a Geoffrey Rush, Frances McDormand y Billy Bob Thornton respectivamente. Y si hablamos de El paciente inglés no podemos olvidarnos de la ganadora, Juliette Binoche, un papel bastante soso, más teniendo en cuenta que una de sus rivales, Marianne Jean-Baptiste, había realizado un trabajo fenomenal en Secretos y mentiras. El caso es que El paciente inglés fue como el César, que fue, vio y venció, y convenció, por que la cinta convence, y tiene una amalgama de personajes muy ricos (aunque a alguno le faltase un poco más de chispa o de garra). Por mis comentarios parece que no me gustara como ganadora. Amen de que había otras cintas que no llegaron a estar nominadas y, todavía hoy, me siguen gustando más que este drama, considero a El paciente inglés una digna ganadora, porque es una historia muy completa, rica en matices y personajes; agrupa de forma espléndida el presente con los flashbacks al pasado, y aún así consigue que la historia siga siendo lineal in tempore. Y las escenas entre Fiennes y Scott Thomas no tienen desperdicio. En resumen, de las cinco nominadas no veo ninguna otra que mereciera el premio más que la de Minghella. Ahora bien, que tenía dos grandes contrincantes delante de ella, eso no se puede negar. 

Precisamente la primera de esas contrincantes nos llegó desde un pueblo del norte de Estados Unidos llamado Fargo, de la factoría de los hermanos Coen. Una divertida comedia negra (aunque en ocasiones pareciera más roja, en el sentido cromático de la palabra) que dudo haya olvidado nadie, sobre todo su final. Frances McDormand hace un gran trabajo, pero me faltó ahí el premio a Brenda Blethyn, un papel en Secretos y mentiras que borda, una mujer histérica, interdependiente, con un pasado oculto y que saca de sus casillas a cualquiera. Muchas veces rozaba lo patético el personaje, pero era imposible no sentir cierta lástima por ella. Por eso era un papel, para mi, claramente ganador. Y es que Secretos y mentiras es de esas películas que se nutre de sus personajes. El cine británico, básicamente, suele hacer eso, nutrirse o bien de su personaje principal, de todos ellos o de la trama. En este caso, es de las primeras. Y como ya comenté, la otra gran estrella era Jean-Baptiste, un tándem que, cuando se juntaban en pantalla, existía como un halo de magia, una interconexión perfecta entre ambas, que pocas actrices consiguen. Aún así, sigo sin profundizar en el cine de Mike Leigh, al que debo todavía unos cuantos visionados.

Esta era la segunda contrincante más directa de El paciente inglés. Las dos cintas que quedan, Jerry Maguire y Shine, una por incomprensible y otra por mal desarrollo, no las veo como candidatas a arrebatarle el premio. Jerry Maguire tiene mucha magia, y grandes frases que han quedado para la posteridad… pero el conjunto como película no deja de ser algo de manual: el “malo” que se hace “bueno” y lucha por hacerlo todo bien, para lo que cuenta con un “mejor amigo” (en este caso cliente) e intenta hacer las cosas bien con la chica que tiene al lado. Ahora bien, eso no quita para que aplauda la decisión de la Academia al premiar a Cuba Gooding Jr., porque en sus escenas se come la cámara y la pantalla. Es de las últimas películas que he visto de las que participan en el Oscar Ranking, y me quedé maravillado con la actuación de este actor, si bien no ha hecho nada después que avale que ese premio lo mereciera. Pero como suelo decir, los Oscar están para premiar una actuación concreta, y no la carrera de un actor, que para eso tenemos el Oscar honorífico. En cuanto a Shine, me pareció un poco el timo de la estampita. Me explico. Geoffrey Rush se lleva el premio al mejor actor principal, pero sólo sale media película, y de forma completa sólo en la tercera parte de la misma, cuando teníamos ahí al grandísimo Woody Harrelson con el papel de su vida. Entiendo que tengan que contar la infancia y la juventud del hombre (Shine McShine, que lo llamaría Homer Simpson), pero la película, que arranca bastante bien, se hunde a mitad para poder resurgir en su tramo final, y eso le resta bastante. Por otro lado, el personaje del padre resulta totalmente desquiciante, aunque la interpretación es magnífica.

Este año me faltaron muchas películas, sobre todo una que considero una joya, y es El escándalo de Larry Flynt, con actuación soberbia de Courtney Love, muy fuera de su ámbito típico, que eran los escenarios de conciertos. Trainspotting y Beautiful girls creo que también se hubieran merecido algún reconocimiento, aunque lo de esta segunda creo que son más filias personales que otra cosa.

Y ya, para terminar, ahí os dejo mi orden de preferencia de las 5 nominadas de este año:

1. El paciente inglés

2. Fargo

3. Secretos y mentiras

4. Shine

5. Jerry Maguire

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NUESTROS TOPS: LOS MEJORES FILMS DEL 1996

(según año de producción)

KOSTI BGY:

1. El escándalo de Larry Flynt, de Milos Forman (EE. UU.)

2. Romeo + Julieta de William Shakespeare, de Baz Luhrmann (EE. UU.)

3. Beautiful Girls, de Ted Demme (EE. UU.)

4. Trainspotting, de Danny Boyle (Reino Unido)

5. El paciente inglés, de Anthony Minghella (Reino Unido)

6. Airbag, de Juanma Bajo Ulloa (España)

7. Una jaula de grillos, de Mike Nichols (EE. UU.)

8. La verdad sobre perros y gatos, de Michael Lehmann (EE. UU.)

9. El jorobado de Notre Dame, de G. Trousdale y K. Wise (EE. UU.)

10. Fargo, de Joel & Ethan Coen (EE. UU.)

XAVIER VIDAL

1. Rompiendo las olas, de Lars von Trier (Dinamarca)

2. Secretos y mentiras, de Mike Leigh (Reino Unido)

3. Fargo, de Joel & Ethan Coen (EE. UU.)

4. El paciente inglés, de Anthony Minghella (Reino Unido)

5. Tesis, de Alejandro Amenábar (España)

6. La promesa, de Jean Pierre y Luc Dardenne (Bélgica)

7. Beautiful Thing, de Hettie MacDonald (Reino Unido)

8. Airbag, de Juanma Bajo Ulloa (España)
9. Tierra, de Julio Medem (España)

10. El escándalo de Larry Flynt, de Milos Forman (EE. UU.)

Nota: Todavía no pude ver las francesas Irma Vep de Assayas, Ridicule de Leconte, Un héroe muy discreto de Audiard, Capitán Conan de Tavernier y Comment je me suis disputé... ma vie sexuelle de Depleschin.

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Palmarés completo:

Película: EL PACIENTE INGLÉS Link

Película de habla no inglesa: KOLYA (República Checa) Link
Película documental: WHEN WE WERE KINGS

Director: ANTHONY MINGHELLA, por El paciente inglés Link

Actor protagonista: GEOFFREY RUSH, por Shine: El resplandor de un genio Link

Actriz protagonista: FRANCES McDORMAND, por Fargo Link

Actor secundario: CUBA GOODING JR., por Jerry Maguire Link

Actriz secundaria: JULIETTE BINOCHE, por El paciente inglés Link

Guión original: FARGO

Guión adaptado: EL OTRO LADO DE LA VIDA

Banda sonora (drama): Gabriel Yared, por EL PACIENTE INGLÉS

Banda sonora (comedia): Rachel Portman, por EMMA

Canción: You Must Love Me, de EVITA

Dirección artística: EL PACIENTE INGLÉS

Fotografía: EL PACIENTE INGLÉS

Montaje: EL PACIENTE INGLÉS

Vestuario: EL PACIENTE INGLÉS

Maquillaje: EL PROFESOR CHIFLADO

Sonido: EL PACIENTE INGLÉS

Efectos sonoros: LOS DEMONIOS DE LA NOCHE

Efectos visuales: INDEPENDENCE DAY

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RESULTADOS DEL OSCAR RANKING: 

1. La lista de Schindler 8'40

2. Cadena perpetua 8'37 

3. Pulp Fiction 8'22 

4. En el nombre del padre 7'96 

5. El piano 7'83 

6. Sentido y sensibilidad 7'79

7. Forrest Gump 7'5 

8. Lo que queda del día 7'46 

9. El cartero (y Pablo Neruda) 7'05

10. Braveheart 7'02

11. Quiz Show: El dilema 6'47 

12. Babe: El cerdito valiente 6'39

13. Cuatro bodas y un funeral 6'28 

14. Apollo 13 6'14

15. El fugitivo 6'13

Crítica de MÁTALOS SUAVEMENTE (KILLING THEM SOFTLY)

Mátalos suavemente es una película de hombres malos. Pero malos diferentes. Aquí vemos los que pulsan el gatillo, los que han hecho de la muerte su trabajo y de los Estados Unidos la tierra de las oportunidades. La muerte nunca es dulce y el acto de matar nunca puede ser suave: en todo caso su título es un eufemismo que viene a decirnos que en el cine de Hollywood casi nunca se retrata la verdad de los sicarios, los intermediarios y los asesinos. El gran logro de Mátalos suavemente es huir de la imagen del mafioso estrella que dirige una familia de súbditos a su cargo y que mata sin ningún atisbo de humanidad. Ese es el patrón de El padrino y el esquema que muchos han copiado infinidad de veces. La película de Dominik, en cambio, sucede en la Norteamérica que se debate entre McCain y Obama pero en la que no hay indicios de cambio. La película es la historia de unos cadáveres, como indica el plano final de la propuesta, que son un tanto por ciento anecdótico de los miles de cuerpos que aparecen tiroteados en cualquier cuneta del país por motivos y manos que nunca conoceremos. Dominik somete al espectador a un juego cruel, a un análisis de personajes y a unos diálogos que se suceden en largas escenas, impúdicas e incómodas, ya sea para corroborar la estupidez de unos jóvenes que roban una timba ilegal de póquer o para mostrar el ensañamiento con la que la bestia acaba con sus víctimas. En el fondo, y aquí viene el gran problema de la cinta, Mátalos suavemente es la historia de una anécdota que discurre por caminos bastante trillados. Bien podría interpretarse como una trama mínima llena de matices, algo aplicable a, por ejemplo, Fargo de los Coen, pero personalmente Mátalos suavemente ni me sacia ni me satisface porque sé de antemano todo lo que va a suceder. Una pena porque hay capítulos de series más cortos, con más enjundia, la misma personalidad y más críticos con el mundo que nos rodea. No basta, por lo tanto, ese diálogo final tan violento y prepotente como el antihéroe que interpreta Brad Pitt para elevar Mátalos suavemente a la categoría de película sutil en su violencia tanto implícita como explícita. Tampoco lo será para quien busque una película de evasión y tiros. Al final la película acaba en tierra de nadie porque en el fondo matar con cuidado significa o bien no matar o bien hacerlo de una forma poco apropiada. Porque a Mátalos suavemente le falla la perspectiva. Y sobre todo: una historia más compleja que nos divierta y que nos haga pensar. Quiere ser más europea que americana pero utiliza recursos propios de los Coen y de Tarantino. Que Dominik se aclare y madure sus intenciones. Para entonces seguro que nos brinda la gran película de capos 'hijoputas' que Mátalos suavemente no es.

Para los que busquen una película de gángsters diferente
Lo mejor: Su visión desglamourizada del mafioso.
Lo peor: Exceso de diálogo en escenas que requieren más acción.

Nota: 5

Crítica de A ROMA CON AMOR, de Woody Allen

A no ser que Penélope Cruz entre bambalinas se lo contase, Woody Allen desconoce que en español la palabra 'Roma' es 'amor' leída al revés. A conciencia o por cosas del azar y de las lenguas, justo el terreno resbaladizo pero interesante en el que viene moviéndose Allen en los últimos años, el otrora genio ha creado una película que lleva en su título un concepto espacial (Roma, la ciudad eterna) y otro abstracto (el amor, el eterno pozo de historias), como si entre una y otra idea no hubiese ningún grado de separación, como si el cliché fácil fuera por una vez verdad absoluta. Midnight in Paris no era una gran película, no al mismo nivel que las grandes obras de su director, pero en ella el espectador se sentía cómodo en su atmósfera y se producía algo maravilloso: desde la butaca del cine se sentía parte activa de la trama y quería pasear entre los rincones e indagar en los personajes de la noche parisina, como si la película fuese una nube o sueño del que no se quiere ni desprender ni despertar. Solo por eso Midnight in Paris resultaba una película del todo moderna en la, sobre el papel, nada original historia de 'regreso al pasado'. A Roma con amor, curiosamente, se mueve por fuerzas totalmente contrarias a las del anterior trabajo de Allen. A Roma con amor es una película vieja, no porque Allen vea en Roma la ciudad o el país de sus queridos directores de cine sino porque el guión es claramente inferior a la media alleniana. Una rescataba a Picasso y a Buñuel con gracia, y esta habla de personajes de la Roma actual que parecen ruinas arqueológicas de una Roma de mediados del siglo XX. A Roma con amor es una película sin un eje narrativo: apenas dos personajes externos que aseguran ver todo lo que ocurre en la capital italiana introducen y cierran el relato como si Allen subrayase que la película es un muestrario infimísimo de las historias que él sabe contar y de las tramas que Roma, su musa, le induce a contar. Allen sigue combinando películas brillantes con otras menos compactas, algo que no deja de ser obvio cuando se escribe y filma a relación de film por año, pero A Roma con amor es un caso más sangrante si tenemos en cuenta que en su reparto hay cinco nominados al Oscar. La pobre Penélope Cruz no imita la histeria de su personaje en Vicky Cristina Barcelona sino que parece volver a la rudez pueblerina de su personaje en esa película española tan italiana que era Jamón, jamón. Y me imagino a Alec Baldwin, seguro que honradísimo de trabajar con Allen, preguntando al responsable quién es y qué pinta su personaje en la película. Pero no se lleven a engaño: Allen no chochea ni pierde el norte. ¿Pruebas? Él mismo se reserva el mejor personaje del mosaico, un padre hipocondríaco, cómo no, que descubre las dotes operísticas de su futuro consuegro. A Roma con amor tendrá su gracia para los cinéfilos que todavía no hayan disfrutado con el mejor Allen. Para el resto de los mortales es la cita anual e ineludible con la mente más arrolladora del cine estadounidense. En otras palabras: no es una mala película pero es totalmente prescindible en el conjunto de la obra de Allen.

Para los fans menos exigentes de Allen

Lo mejor: Es, pese a todo, una película de Woody Allen.

Lo peor: No da ganas de ir de viaje a Roma.

Nota: 5

Garci el destripador: Crítica de HOLMES & WATSON, MADRID DAYS

Siempre se suele decir que el cine de José Luis Garci es añejo porque evoca historias de tiempos pasados, algo que admite discusión y que no acaba de describir por entero el cine del madrileño. Garci se sirve de libretos propios, personajes de otros y obras de relumbrón para mantenerse fiel a sus principios y sobre todo a sus materiales de partida. Un ejercicio de mímesis que casi siempre acaba dando obras caricaturescas, acartonadas, tan afines a la cita como a la autocomplaciencia, tan magnánimas como prepotentes. Y a partir de todo ello surge el 'estilo Garci', un sello o marca tan deudora de su valía como creador como de la inspiración de segundos que viene irritando y gustando a muchos desde hace varias décadas. Garci, con mayor o menor fortuna, ha contado historias de todo tipo con ciertos ecos del melodrama clásico que, suponemos, ama. De alguna manera Tiovivo C. 1950 supuso un alambicamiento de ese cosmos 'garciano' al fragmentar la trama en pequeñas historias, escenas costumbristas y retablos provincianos. Y con Holmes & Watson, Madrid Days la obra de Garci llega a otro punto, sin duda el peor tramo de su trayectoria. La nueva película del oscarizado cineasta es una película de ideas: no tiene ninguna historia, y de tenerla esta carece del mínimo interés. Con Holmes & Watson, Madrid Days su cine llega a la cúspide de lo petulante, pomposo, cínico y relamido: nadie se cree los diálogos dieciochescos ni el retrato del famoso detective y su compinche como conversadores y pensadores, nunca como hombres de acción, más ensimismados en sus discursos que verdaderamente atentos por resolver el mínimo misterio que sustenta la trama. Garci es como ese Holmes que se pasea por El Retiro, que habla y que se escucha, lanzando una oda rancia al cocido castizo, al mantón de manila, a la porra, al chulapo de turno y a la guitarra con castañuelas de fondo. Con todo, Holmes & Watson, Madrid Days remite al presente: en su guión hay tanta nostalgia como la evocación de un futuro, nuestro presente, igual de convulso. El interés, eso sí, es mínimo, porque Garci es antes rata de biblioteca que autor. Holmes & Watson, Madrid Days es tan surrealista que parece la parodia de la parodia, o lo que es lo mismo, el peor Garci dedicado en incidir todavía más en sus sempiternos defectos. Además, la película contiene un discurso de lo más despreciable: Alberto Ruiz Gallardón, el político que representa a un partido que quiere matar al cine español, aparece en el film; y al mismo tiempo parece que Holmes & Watson, Madrid Days es una película muy consciente de su cutrez, como si Garci, tras la desorbitada financiación que recibió con Sangre de mayo, hubiese parido su obra más insoportable, hecha por y solo para Garci, haciendo honor a esa idea tan cañí de 'para lo que me queda en el convento, me cago dentro'. Porque Holmes & Watson, Madrid Days parece y debería ser la última carta de Garci, su despido, la necrológica adelantada de un cine que nunca fue ni contemporáneo ni interesante. Este viaje por los salones y los locales de la capital es una sucesión de planos que se difuminan hasta dar otros planos, seguidos de la contemplación de un objeto y de un fundido a negro. Así hasta dar los 140 minutos más agobiantes que este cinéfilo recuerda haber sufrido este año en una sala de cine. Él es el culpable. Garci, el destripador. Lo peor de todo es que antes de verla ya olía a doble ración de naftalina y mucho morro zarzuelesco. Elemental, querido lector.

Nota: 3'5

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BLANCANIEVES de Pablo Berger, representante española a los Oscar 2013

¡Y el blog acertó la quiniela! Muda. En blanco y negro. Un proyecto que se remonta siete años atrás. La revisión con deje andaluz de uno de los cuentos más famosos y más veces adaptado a la gran pantalla. La sensación local desde que se proyectase en Toronto y San Sebastián, en este último todavía pendiente de conseguir algún oro del palmarés que conoceremos este sábado. Blancanieves de Pablo Berger será nuestra representante a los Oscar de Hollywood y a los Ariel mexicanos, con la ventaja que muchos críticos estadounidenses ya le han dado su bendición, que los Weinstein andan entusiasmados con el film y que Maribel Verdú, aquí la madrastra malvada, tiene cierto tirón entre los votantes norteamericanos. Por el camino se han quedado El artista y la modelo de Fernando Trueba y Grupo 7 de Alberto Rodríguez, las otras dos preseleccionadas iniciales. Muy pronto podrán leer la reseña de Blancanieves en este blog. Mañana mismo se estrena en los cines y no hay mejor promoción para la película que su elección por parte de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Cinoscar & Rarities felicita al equipo de la película y lee desea muchísima suerte en la temporada de premios. ¡Aupa Blancanieves!

Evocando la infancia: Crítica de MOONRISE KINGDOM, de Wes Anderson

Si antes de Fantástico Sr. Fox muchos escribimos que solo era cuestión de tiempo que Anderson hiciese una película de animación, con Moonrise Kingdom podemos decir que por fin, tal y como esperábamos, el responsable de Life Aquatic ha construido su gran oda y evocación a la infancia. Moonrise Kingdom es una visita a ese tiempo del amor, de los amigos y de la aventura como se puede escuchar en la mítica canción de Françoise Hardy que aquí sirve de hilo musical para esta epopeya aniñada, huida disparatada y recreación friki de Romeo y Julieta. Anderson lleva una década cómodo en unos personajes adultos que se comportan como seres a medio crecer y a su manera muy vividos (y vívidos), y aquí el orden se invierte ya que los niños son los protagonistas y los que se comportan como auténticos hombres. Anderson viene a decirnos que la causa amorosa, naif e idealista del protagonista es lo más maduro que podría filmar, si bien la parodia, el chiste gráfico y el humor marciano marca de la casa atañe a mayores y a pequeños porque, ante todo, la película se enmarca en el contexto de lo irreal, de lo añejo, de lo imposible. Tal vez por ser una huida o un punto de reflexión e inflexión en su carrera, Moonrise Kingdom destapa el que ha sido, es y seguirá siendo el tema favorito de Anderson: la familia retratada en su versión amable y endiablada, como el primer gran soporte y a la postre la eterna lacra de unos personajes que solo pueden crecer desde la (auto)exploración y la pérdida de raíces. Moonrise Kingdom es todo lo cínica, rara y adorable que podría esperarse de Anderson, si bien en este caso la aventura no me llena de la misma manera que lo hizo Viaje a Darjeeling. Será que este reino es más intrascendente o que, cosas de la vida, nos pilla un poco lejos esa edad en la que contábamos con alegría cada nuevo pelo del sovaco (permítanme la broma), pero Moonrise Kingdom al terminar me deja embobado con una sonrisa de oreja a oreja, y a los pocos minutos la recuerdo como una ficción un tanto inane. Moonrise Kingdom es un viaje nostálgico sin más reflexión que el disfrute instantáneo: no puede decirse que estemos ante una mala película pero sabe a chicle mascado tras haber disfrutado, reido y llorado con el Anderson anterior. Le reprocho a Anderson que tras la postal de colores saturados no haya añadido una nota más honda. La típica película que ensanchará el corazón de los Andersianos de pro y que dejará totalmente fuera de juego a los que antes nunca fueron de colonias con el director de Los Tenenbaums como extravagante monitor. En lo personal accedo a la excursión pero me quedo en el campamento base sin poder disfrutar de extravagancias que casi siempre, desgraciadamente, son solo eso: extravagancias.

Para niños grandes, medianos y pequeños

Lo mejor: Deja atónito hasta el más resabido.

Lo peor: Ser la peor obra de Anderson, aunque eso no sea ni un reproche ni tan siquiera un inconveniente.

Nota: 6

OSCAR RANKING: ¿ES EL OSCAR UN PREMIO RELEVANTE?

El eterno debate. ¿No están los Oscar un tanto desfasados? ¿Lo que opine una Academia más o menos anciana no es más bien poco relevante? En la era de lo digital, ¿tiene sentido el espectáculo de alfombra roja y premios? ¿Los Oscar valoran el arte o solo son un eslogan? Si cualquiera puede grabar imágenes desde su dispositivo móvil y accede a sus películas favoritas por la vía de la descarga, ¿qué importa lo que el hombre de oro diga año tras año? ¿Quedarán los premios de la Academia como vestigio de un tiempo anterior? ¿Se sabrán adaptar a los nuevos tiempos? Y si se adaptan, ¿se perderá de vista la supuesta máxima de valorar el 'mejor cine' de cada temporada?

La alfombra roja o red carpet ha ganado importancia los últimos años como parte importante del espectáculo de los Oscar: la moda se impone a lo estrictamente cinematográfico para que la gala llegue a públicos (en su mayoría jóvenes) que ni vieron ni seguramente se interesarán por las cintas nominadas.

La Academia durante los últimos años ha estado muy preocupada por llegar a un target joven que no solo vea la gala sino que vaya al cine a comprobar la calidad de las películas en competición. Una prueba de la popularidad de los Oscar es que siempre acaparan la lista de trendic topics la vigilia, la noche y el día posterior a su celebración. Vaya, que son esos premios 'oldies' que a pesar de todo interesan a la opinión pública y de los que la gente habla y escribe aunque solo sea para soltar algún chiste de mal gusto. De alguna manera los nuevos tiempos han potenciado lo frívolo, el titular fácil, la noticia que en verdad es una mera anécdota sin importancia, y los Oscar, con ese glamour inherente, el desfile de estrellas, la vanidad del ganador y la admiración de los demás casan a la perfección en el siglo XXI de lo fugaz, lo mediático y la telerealidad. Si eso afecta a la credibilidad de sus palmarés es, como siempre, discutible, porque de hecho cualquier palmarés siempre resultará parcial o discutible según como se mire y según quien hable. Nunca llueve a gusto de todos, pero es muy difícil vivir y ser cinéfilo yendo de espaldas al mundo obviando la importancia, la repercusión y las elecciones y descartes de los Oscar.

Las fobias y filias del tío Oscar: ¿existe un prototipo de 'film de Oscar'? Y de existir, ¿es suficiente para invalidar la fiabilidad de los galardones?

Podría entenderse que ante la poca asistencia del público a las salas comerciales la temporada de premios ha dejado de tener sentido al no servir de escaparate y empuje para el estreno de las películas. Si revisamos los antecedentes de los últimos años nos daremos cuenta que pese a todo sucede justamente lo contrario. Los Oscar se dirigen en su gran mayoría a un público adulto o maduro mayor de 40 años, y eso se demuestra con la lista de dramas o melodramas premiados, los mismos que difícilmente un joven sin demasiada afición al séptimo arte iría a ver a las salas. Es precisamente ese público adulto el que está menos familiarizado con las nuevas tecnologías, el que no descarga películas bien por convicción o porque simplemente desconoce cómo hacerlo. Eso explica el dilatado éxito de El discurso del rey en las salas españolas, que llegó a multiplicar por veinte su recaudación inicial manteniéndose cinco meses en cartel. Y todo ello está detrás de números uno sorpresa como el alcanzado por Los descendientes o los mantenimientos de The Artist. Incluso si vamos más lejos en el tiempo recordaremos el empujón en taquilla que supuso para Babel ganar el Globo de oro, o la vuelta al top 10 de Crash catorce semanas después de su estreno tras romper las quinielas y vencer. Algo que también sucede en Estados Unidos desde que muchas distribuidoras, para 'testar' el gancho y las posibilidades de Oscar de sus películas estrella, lanzan los films en pocos cines para irse convirtiendo poco a poco en auténticos hallazgos, colándose en muchos casos en las disputadas primeras plazas del box office norteamericano. Chicago no empezó con buen pie en taquilla y al final alcanzó una recaudación notable, por ejemplo. El boca-oreja funciona, no con la misma solvencia de los 80 (Un pez llamado Wanda es la película que llegó al número uno yanki con más semanas de diferencia respecto su lanzamiento comercial), sin la efectividad de los 90 (ahora se estrenan más películas en lapsos de tiempo más cortos y la competencia es feroz), pero bastante destacable.

En los últimos años las tornas han cambiado. El factor económico sigue siendo importante pero a distinto nivel. Si El silecio de los corderos, Titanic o Gladiator llegaron a los Oscar convertidos en éxito de taquilla, los nuevos tiempos han provocado que las cifras de recaudación mermen y que los Oscar hayan cambiado de estrategia: ahora es el Oscar el que potencia más si cabe la carrera comercial de películas a priori difíciles de vender como Slumdog Millionaire, En tierra hostil o The Artist.

Confirmado que el Oscar es relevante en cuanto a lo económico (estar en los Oscar implica visibilidad, más espectadores y mayores ganancias) por mucho que hayan excepciones (The Hurt Locker sigue sin ser un film rentable, y en España no se han estrenado todavía films nominados como Rabbit Hole o Blue Valentine) es interesante discutir si este es igual de relevante respeto lo estrictamente cinematográfico. ¿El Oscar premia a las mejores películas? ¿El Oscar hace 'mejor' a la película que premia? A la famosa 'perpetuidad' asociada al premio, ¿una película se convierte en inmortal, atemporal o indispensable por el hecho de tener el Oscar? ¿Puede el Oscar por el contrario 'restar solidez' a una película?

A priori la respuesta es clara. No hay mejor indicador de lo que gustaba, se veía y, en teoría, 'merecía la pena' en cada época que la lista de antiguas nominadas al Oscar. Una película no nominada o no premiada fácilmente puede caer en el olvido, pero eso no sucede con tanta frecuencia si ese film cuenta con el apoyo del Oscar. ¿Son buenas Kramer contra Kramer, Gente corriente o Paseando Miss Daisy? Desde los circuitos críticos o especializados, ¿alguien las recuerda o las reivindica? ¿No son películas con 'visiones' sociales, tipos y estereotipos totalmente desfasados? Sea como sea tienen el Oscar y eso hace que todavía ahora algunas televisiones las programen, se reediten en dvd y las veamos. Bien pensado, solo por el hecho de ser el musical con más Oscars (10) no sería difícil asegurar sin ser demasiado criticado por los demás que West Side Story es el mejor musical de todos los tiempos, algo en el fondo muy discutible si pensamos en films como Cantando bajo la lluvia y si comprobamos que esa cinta solo estuvo nominada en dos categorías. Los Oscar votan pensando en el momento, con respecto 'el año' en cuestión; no piensan que la nueva premiada sucede a tales películas y vendrá sucedida por otras en un futuro, no reparan en el hecho de que otra película de corte similar pero ligeramente superior no tenga el Oscar y otras ganen sin merecerlo con más facilidad. Todo eso explica que Platoon, fiel reflejo de su momento y un tanto difícil de reivindicar hoy en día, ganase el Oscar y que no lo hiciese La chaqueta mecánica o Apocalipse Now, films que quien haya revisado las publicaciones de 'los entendidos' entenderá en seguida como 'mejores' respecto la obra de Stone.

Antes de que la revista británica Sight and Sound diese el título de mejor película de todos los tiempos a Vértigo de Hitchcock Ciudadano Kane, Casablanca y El padrino se disputaban ese puesto. Películas presentes en los Oscar pero que no figuran entre las más premiadas.

Si nos vamos a alguna de las infinitas listas de 'las mejores películas de todos los tiempos' que corren por la red nos daremos cuenta que los Oscar aparecen citados, no en primera página pero al fin y al cabo 'son mencionados'. En IMDB casi todas las películas nominadas año tras año figuran entre los 5.000 títulos con mejor nota media. Y puestos a adivinar qué cintas aparecen más veces en esos 'tops' seguramente tendríamos una lucha entre Ciudadano Kane, El padrino y Casablanca (partiendo de la base que una visión 'europea' tendería a la primera, una visión 'americana' a la segunda y una visión 'melancólica' a la tercera). La de Wells es precisamente una cinta maltratada en los Oscar, mientras que la de Coppola y la de Curtiz fueron victorias 'por la mínima' (3 de El padrino frente a los 8 de Cabaret, 3 de Casablanca frente a los 4 de La canción de Bernadette). Vaya, que ser 'megaoscarizado' no implica estar en una posición más elevada en ese ranking de títulos con más méritos: si apuntásemos en un top films como Titanic, Ben-hur o El retorno del rey (los más premiados con 11 oscars) lo más seguro es que nadie diese crédito a nuestra propuesta.

El Oscar ayuda a dar dimensión a los grandes iconos de la gran pantalla pero las leyendas se forman por unos factores ajenos al Oscar. Para entender esto puede ser ilustrativo explicar una anécdota del film Casablanca, la 'película eterna'. En los años 40 los grandes estudios de Hollywood producían una cantidad enorme de películas y desde los platós y los despachos encadenar un proyecto detrás de otro sin descanso era la tónica habitual. Casablanca era una película más para la Warner Bros, hasta tal punto que los actores recibían el guión de las escenas del día pocas horas antes de rodar y el proyecto arrancó sin tener un final fijado de antemano. Por problemas de presupuesto y por una cuestión de contratos, la famosa escena final en el aeropuerto se tuvo que rodar en un único día: el avión era en verdad una maqueta porque no había dinero para pagar uno de verdad, y los actores eran en realidad enanos contratados a última hora para que en pantalla resultasen creibles las dimensiones del encuadre. Fue famosa la poca química entre Bogart y Bergman fuera de las cámaras, un pasotismo sobre todo por parte de ella: Bergman se pasaba todas las pausas del rodaje llamando a su agente para asegurar su aparición en el film Por quién doblan las campanas, la película que verdaderamente interesaba a la actriz sueca. Pues bien: Bergman estuvo nominada al Oscar por el film de Sam Wood, pero ese año la galardonada fue Casablanca. Obviamente, poco se podía imaginar Bergman, Bogart, Curtiz y todo el equipo del film que habían hecho casi a trancas y barrancas una de las piezas de arte que más veces se mencionarían a lo largo del tiempo.

The Artist y el devenir de su protagonista describen a la perfección la esencia de los Oscar: american dream, melodrama clásico, comedia adulta, nostalgia cinéfila e historia de superación personal. ¿Sigue vigente ese modelo, tanto en popularidad como atención de la crítica especializada, en el 2012?

En resumidas cuentas: ¿es el Oscar un premio relevante? Sí, pero en su justa medida. No lo es en exceso si pensamos en una industria que parece dirigida y construida con tal de ganarlo. Y es más importante de lo que muchos snobs o amantes del cine que discurre por los márgenes serían capaces de reconocer. Ni tan siquiera la Palma de oro, el León de oro o el Oso de oro son garantía de calidad, pero sí son un reclamo comercial (en menor medida, eso sí, que el Oscar), y de hecho son producto de la decisión de un jurado compuesto por poco menos de 10 miembros mientras que entre las filas de la Academia figuran más de 6.000 profesionales, año a año de nacionalidades y tendencias más heterogéneas.

El tiempo es oro: Crítica de IN TIME, de Andrew Niccol

Habrá un tiempo en el que el tiempo será oro, lo ahorraremos y lo gastaremos, será poder y una manera de someter a los que carecen de ese privilegio. Eso al menos es lo que nos dice Andrew Niccol en In Time, una ciencia ficción futurista que toma lo más básico, el tiempo, para crear una parábola más punk que ciber. La ciencia ficción sirve y debe servir para trazar relatos que nos expliquen quiénes somos, qué hacemos y hacia dónde vamos: en este sentido In Time es junto a V de Vendetta o Minority Report uno de los títulos más esforzados del último cine fantástico, y a su vez una lógica continuación de toda la filmografía de Niccol iniciada con Gattaca. In Time, pese a todo, no resiste la comparación ni con el film de McTeigue y menos todavía con el de Spielberg. Pese a ser uno de los blockbusters de nueva factura más inteligentes, In Time pierde fuerza al dirigir su obvio discurso a una audiencia juvenil, más idealista que reaccionaria, o lo que es lo mismo, con más ideas que verdadera vocación de acción. En parte la película funciona a la misma velocidad, y a sus descuidos en lo visual (no logra ni parece querer construir un cosmos compacto estilo Matrix, y apenas se sirve de la frialdad que aportan los diferentes tonos de negros y azules para contextualizar la historia) se suman ciertas trampas que acaban poniendo In Time en el saco de entretenimientos para la muchachada (véase el efectista momento de la muerte de la madre del héroe, la nunca explicada historia del padre del protagonista y la no menos endeble relación de complicidad tanto en lo ideológico como en lo sentimental que se establece entre los cabezas de cartel). No es que resulte molesta su intención de ser cine de palomitas, ni tan siquiera que en su reivindicación del tiempo el film solo quiera ser, paradójicamente, un pasatiempo. El problema es que la historia no está bien hilada, y cuando los personajes no quedan descritos con sus dobleces y sus valores difícilmente podemos creernos su gesta, aunque como sucede aquí la acción 'robinhoodiana' sea del todo loable. In Time se queda un poco en agua de borrajas y cualquier atisbo de metáfora sobre el capitalismo acaba perdiendo fuerza con un final amenazador de segunda parte y poco más. El tiempo es oro: las dos horas de In Time no son una pérdida de tiempo, seguramente cierto público saldrá tocado por su mensaje, pero los que quieran más puede que se queden contemplando el lento pasar de las manecillas del reloj saturados de tanto azúcar revestido de cine político para todos los públicos.

Nota: 5

OSCAR RANKING 03: AÑO 1996

¡Bienvenidos al tercer post del OSCAR RANKING!

Aviso: si te gusta el cine, si te gustan los Oscar... ¡este es tu concurso!

Estamos eligiendo la mejor película nominada a los premios de la Academia de los últimos 20 años. En el margen derecho del blog encontrarás 5 encuestas relativas a las 5 películas nominadas detalladas en la siguiente entrada. Valora del 1 (menor nota) al 10 (mayor nota) los títulos que han marcado a toda una generación de cinéfilos. Atención: ¡sé objetivo a la hora de votar! Y si no viste alguno de los films en juego, ¡no lo votes! Cada semana el blog realizará el cálculo de las notas medias obtenidas por todas las películas, y los resultados los encontrarás al final de cada post en nuestro OSCAR RANKING. ¡Revisa todas las semanas los posts en Butaca K y Cinoscar & Rarities! ¡ Y el 22 de febrero de 2013 la película con mejor nota media será coronada la ganadora del Oscar Ranking! Disfruta de los posts, visiona los videos, vota por tus favoritos... ¡el show está a punto de empezar!

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RESULTADOS DE LA ENCUESTA ANTERIOR:

De infarto. Esta segunda ronda de encuestas ha recibido 100 votos más respecto la primera tanda del Oscar Ranking. Y les prometo que sacar las medias de las películas ha sido muy emocionante. Pulp Fiction ha sido la más votada (81 votos) y la que más dieces y nueves ha recibido. Pero... ¡sorpresa! Cadena perpetua ha sido la ganadora con un 8'37 de media. Le sigue la de Tarantino con un 8'22. Forrest Gump, tras recibir todo tipo de votos, se quedó con una media de 7'5. Quiz Show, a juzgar por el número de votos la película menos vista por todos vosotros del quinteto, se conforma con un 6'47. Y Cuatro bodas y un funeral se queda con un 6'28, si bien consigue mejor nota que el 6'13 de El fugitivo. Con todo esto, La lista de Schindler sigue liderando el Ranking con un 8'4 a solo 3 décimas de la cinta de Darabont. Esto promete, ¡chicos! Esta semana tenemos un viaje a la luna, a Escocia, a una granja australiana, a la campiña inglesa y a la toscana italiana. ¡Elijan su destino, lean y voten!

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68th. Academy Awards
Gala: 25/03/1996, Dorothy Chandler Pavilion (Los Ángeles)
Maestro de ceremonias: Whoopi Goldberg
Oscar honorífico: Chuck Jones y Kirk Douglas

 Y las nominadas a la mejor película del año 1995 fueron:

APOLLO XIII (APOLLO 13), de Ron Howard
Oscars: 2/9

Ganó: Montaje y sonido

País: EE. UU.
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 6'3

Nota IMDB: 7'5

Nota del blog: 5

Fecha de estreno en España: 06/09/1995

Valoración: Ron Howard, antes actor, ha construido una filmografía a medio camino entre la comedia familiar y el espectáculo rabiosamente yanki. Es en esa segunda faceta donde Howard ha tenido mayor éxito en los Oscar, y esta Apollo XIII marca el inicio del idilio que el cineasta mantiene con la Academia. Curioso dato, porque Apollo XIII es un film de lo más frío, apenas recordado, beneficiado por una medida estética espacial y totalmente lastrado por un clímax dramático que no llega. La historia de tres astronautas con destino a la Luna cuya nave averiada sufre serias dificultades para aterrizar con éxito en la Tierra es de lo más aséptica, aunque en pantalla la épica de los sentimientos, el triunfalismo patriótico y el tan temido como esperado happy end acaban por crear cierta empatía (mínima, eso sí) con la gesta (truncada) realizada. Cuesta defender Apollo XIII como entretenimiento puro y duro o como documento histórico; como cine de acción o drama familiar; como película de Oscar o incluso como proyecto fallido. La medianía, al fin y al cabo, que sí tuvo su remuneración con Una mente maravillosa y que en Frost/Nixon tuvo tal vez uno de sus mejores momentos. Lo más anodino de su año.

BABE (BABE: EL CERDITO VALIENTE), de Chris Noonan
Oscars: 1/7

Ganó: Efectos visuales

País: Australia
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 5'7

Nota IMDB: 7'0

Nota del blog: 6

Fecha de estreno en España: 07/12/1995

Valoración: Qué pasó para que Babe, el cerdito valiente estuviese nominada al Oscar es un misterio. Le favoreció ser la película navideña del momento, un éxito rotundo de taquilla, una cinta familiar que los académicos pudieron ver con sus hijos y nietos, un ejemplo de fábula moderna con un discurso más hondo de lo que parece y un ingenioso cuento visualmente novedoso en su momento (de ahí que ganase el premio de efectos visuales a Apollo XIII). Babe siguió la brecha abierta por La bella y la bestia y demostró que la categoría reina no tiene por qué ser cuestión de dramas, aunque muchos podrán argumentar que las mejores cintas infantiles de los 90 (Pocahontas, El rey león, Toy Story) no pasaron de premios menores, que ningún film Disney con actores de carne y hueso llegó a pisar la alfombra roja y que tan solo E.T.: El extraterrestre representó en la zona de 'mejor película' a la larga lista de films familiares ochenteros tan queridos como Los goonies, Los cazafantasmas o Regreso al futuro. El film tuvo secuela e inauguró una tendencia de 'películas infantiles con animales parlanchines' que dio sus últimos coletazos con Stuart Little y Como perros y gatos. El cerdo pastor que tocó muchos corazones y viajó de su granja australiana a Los Ángeles.

BRAVEHEART, de Mel Gibson
Oscars: 5/10

Ganó: Película, director, fotografía, maquillaje y efectos sonoros

País: EE. UU.
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 8'0

Nota IMDB: 8'4

Nota del blog: 7

Fecha de estreno en España: 29/09/1995

Valoración: Lucha, honor, rebeldía. Un movilizador de masas destinado a ser un coleccionista de Oscars. Mel Gibson, antes de convertirse en la sombra de ese héroe de corazón valiente, se comió las partes más suculentas del pastel en un año sin favoritas y sin excesivo nivel en el quinteto nominado. Braveheart es épica, acción, drama bien escrito, buenas interpretaciones y una capacidad digna de elogio por mantener en forma el músculo de la epopeya clásica que la Academia volvería a premiar con Gladiator. Una película potente que, pese a todo, palidece si la comparamos con otras ganadoras del Oscar. No llega a la sutileza de El paciente inglés. Nunca tuvo la popularidad de Titanic. ¿Su máximo estandarte? Convertirse en la película de su temporada y ser la única que podía ganar el premio por una mera cuestión numérica: a Braveheart le sonrió la fortuna estar bien posicionada en apartados técnicos. Un film masculino que funciona. A juicio de quien escribe la mejor de las propuestas al hombre dorado. Así que a William Wallace no le sobra ni el cetro ni el oro recibido. Ahora bien: que esté en las partes altas de nuestro Oscar Ranking será una misión casi imposible, más todavía que el hecho de pedir y conseguir mediante la espada la independencia del pueblo escocés.

IL POSTINO (THE POSTMAN) (EL CARTERO Y PABLO NERUDA), de Michael Radford
Oscars: 1/5

Ganó: Banda sonora (drama)

País: Italia
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 7'4

Nota IMDB: 7'7

Nota del blog: 6

Fecha de estreno en España: 09/10/1995

Valoración: Miramax tenía una gran empresa ese año: defender en Estados Unidos una película italiana dirigida por un autor como Redford que nunca se ha sometido al yugo de Hollywood. El esfuerzo mereció la pena y tuvo sus frutos. Esta historia de amistad masculina y descubrimiento de la literatura y el amor (memorables esos momentos en los que nuestro cartero aprende qué es una metáfora o habla con el escritor chileno a orillas de una playa desierta) se puso a todos en el bolsillo. Massimo Troisi dio vida a un italiano bonachón e inocente con una sencillez y gestualidad memorables: desgraciadamente murió pocos días después de terminar el rodaje por un ataque cardíaco y la Academia lo nominó de forma merecida y póstuma). Los Bafta británicos, los Turia y Sant Jordi españoles, los Cóndor de Plata argentinos, el Amanda noruego, el Lumière francés, el Robert danés y los galardones de las Academias de cine de Alemania y Japón dan viva prueba de que El cartero y Pablo Neruda fue la película de habla no inglesa de la temporada. Aunque no fue profeta en su tierra: el David di Donatello fue para La scuola e Italia apostó por El hombre de las estrellas para el Oscar (estuvo nominada). Una película tan agradable como la melodía de su banda sonora. ¿El film que allanó el terreno para La vida es bella?

SENSE & SENSIBILITY (SENTIDO Y SENSIBILIDAD), de Ang Lee
Oscars: 1/7

Ganó: Guión adaptado

País: EE. UU.
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 7'0

Nota IMDB: 7'7

Nota del blog: 6

Fecha de estreno en España: 22/02/1996

Valoración: Los norteamericanos eligen con mucho celo los artistas extranjeros tocados por la varita de Hollywood. Sentido y sensibilidad era para Ang Lee un reto a todos los niveles. Y para reto el de Thompson, que adaptó el texto de Jane Austen con gran eficacia (no pueden perderse su discurso de agradecimiento en los Globos de oro). ¡Y qué bien que está Kate Winslet en esta película! Melodrama de época que explica la desdicha de dos hermanas desheredadas, marginadas por la sociedad inglesa de su momento y absolutamente enamoradas de dos hombres muy distintos, una desde la euforia más expresiva y otra desde el absoluto silencio. Hay sentido y hay sensibilidad, pero no hace acto de presencia la solidez del mejor cine. Hay algo en la película tan acartonado y viejo como el propio relato. Un film, eso sí, que gustará a los fans de lo british. Pero en perspectiva cuesta reivindicar esta película en la fantástica filmografía del taiwanés. Tiene con todo muchísimo mérito: viéndola quince años después parece que Lee se hubiese criado con el té de las cinco de la tarde y la niebla londinense desde pequeño.

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Mejor canción del año:

COLORS OF THE WIND, de Pocahontas

Alan Menkel y Stephen Schwartz

Nominadas del año: Link
Bandas sonoras nominadas (drama): Link
Bandas sonoras nominadas (comedia): Link

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AÑO 1995 - 1996

FESTIVALES:

Sundance: Los hermanos McMullen, de Edward Burns (EE. UU.)

Berlín: La carnaza, de Bertrand Tavernier (Francia)

Cannes: Underground, de Emir Kusturika (Yugoslavia)

Karlovy Vary: Kolya, de Jan Sverák (Rep. Checa)

 Venecia: Cyclo, de Tran Anh Hung (China)

Locarno: Rai, de Thomas Gilou (Francia)

San Sebastián: El museo de Margaret, de Mort Ransen (Canadá)

Toronto: Antonia, de Marleen Gorris (Holanda)

Sitges: Ciudadano X, de Chris Gerolmo (EE. UU.)

PREMIOS:

Globo de oro: Sentido y sensibilidad / Babe, el cerdito valiente

SAG reparto: Apollo 13

Independent Spirit: Leaving Las Vegas, de Mike Figgis

EFA: Lamerica, de Gianni Amelio (Italia)

Bafta: Sentido y sensibilidad, de Ang Lee

César: El odio, de Mathieu Kassovitz

Goya: Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, de Agustín Díaz Yanes

David di donatello: Vacaciones de agosto, de Paolo Virzì

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EL RINCÓN DE KOSTI:

Libertad. Eso es lo que ansiaba William Wallace para Escocia, libertad. ¿Quién ha podido olvidarse de este personaje gritando libertad? Y es que 1996 se tiñó, para la Academia, del mismo azul cobalto que Wallace y los suyos lucían en el rostro. La gran película épica, la portentosa batalla por el territorio ¿o era por venganza?... Bueno, como fuera, el caso es que hubo guerra, hachazos, muerte, destrucción, masacre y derramamiento de sangre. Suficiente para que los académicos cayeran rendidos ante Mel Gibson. Si no le dieron el Oscar por su actuación, seguro que es porque hubo mejores que la suya, que tampoco fue mala… Pero (porque siempre hay un pero), a pesar de resultarme una cinta grandiosa, apoteósica, encumbrada y entretenida, porqué no decirlo, no la encuentro una ganadora que me satisfaga. Creo, y ya esto es una apreciación muy personal, que los años la han tratado un poco mal. Sigue siendo una película fantástica, pero ha perdido esa magia que seguramente tendría a mediados de los 90. No me llegó a emocionar a pesar de tener escenas de alto contenido emocional, pero no se lleven a engaño, la película me gusta, pero no tanto como para otorgarle esa gran mención.

Hablando de emocionar, llegamos a la segunda de las cintas, una maravillosa historia de amor, tan sencilla como la vida misma pero a la vez con tanta magia y ternura como los propios sueños. No estoy hablando de otra que no sea El cartero (y Pablo Neruda), un viaje a la imaginación de un poeta y un paseo por la sencillez de un pueblo italiano. Philippe Noiret y Massimo Troisi nos hacen disfrutar de la belleza de los versos y de la alegría del amor, ambas acompañadas por serenatas y acordes de una de las bandas sonoras más deliciosas de nuestro continente. Para mi, la clara campeona de las cinco nominadas a mejor película de 1996 (año en el que se celebró la gala). Pero claro, la gran producción en tierras de Nessy, superaron las pretensiones de un pequeño pueblo italiano. En fin, sigamos con el resto de las nominadas…

Grata sorpresa me llevé al observar que entre las cincos nominadas de este año se encontraba un película cuyos personajes principales eran… animales. Sí, Babe, el cerdito valiente, consiguió alzarse entre las 5 mejores del año. Y yo que me alegro. Sí, porque a pesar de tratarse de una película, en principio, carente de interés o tremendamente simplista, no es así. Babe encierra uno de los valores que más denostados están en nuestra época: el respeto hacia los animales, un tema que me suelo tomar con bastante seriedad, y creo que es el punto de partida más interesante de Babe. Además, y me van a permitir el “desacertado” comentario, el cerdito está para comérselo (no en sentido literal). Uno de los personajes no humanos más divertidos y enternecedores que haya podido ver en el cine (con el permiso de Uggy, por supuesto).

Ya sólo me quedan por comentar dos cintas: una de época y otra de astronautas en el espacio. Sentido y sensibilidad es deliciosa, es pulcra y a la vez atrevida, es como la guinda que corona un pastel, en este caso sería la quintaesencia de las nominadas. Emma Thompson hace un trabajo espectacular, tanto delante de las cámaras como detrás de la pluma, y no es de extrañar que esa pluma le otorgara su segundo Oscar tras el recibido por su papel en Regreso a Howards End. Sentido y sensibilidad consigue que veamos el romance desde varios puntos de vista: el de la ensoñación, el de la admiración, el de la juventud, el de la imposición, el de la resignación y el de la verdad, incluso a veces desde un punto de vista superior, flotando entre las nubes. Más allá de esas nubes fue donde viajó el Apollo 13, nave capitaneada por Tom Hanks que tuvo serias dificultades, no así en taquilla, donde se alzó ligeramente. No es una película que adore o resalte, pero tampoco es que la deteste o la ningunee. Simplemente me parece una cinta más, que resalta en el campo técnico, pero tampoco tanto como para otorgarle esa nominación. ¿Acaso no había ese año mejores películas que nominar? ¿Pena de muerte, por ejemplo? ¿Los puentes de Madison? ¿Seven? ¿Sospechosos habituales?... Nunca llueve a gusto de todos.

Para ir terminando, os dejo con las 5 nominadas en mi orden de preferencia:

1. El cartero (y Pablo Neruda)
2. Babe, el cerdito valiente
3. Braveheart
4. Sentido y sensibilidad
5. Apollo 13

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NUESTROS TOPS: LOS MEJORES FILMS DEL 1995

(según año de producción)

KOSTI BGY:

1. Pena de muerte, Tim Robbins (EE. UU.)

2. Seven (Se7en), de David Fincher (EE. UU.)

3. Underground, de Emir Kusturika (Yugoslavia)

4. Heat, de Michael Mann (EE. UU.)

5. Abierto hasta el amanecer, de Robert Rodríguez (EE. UU.)

6. Eclipse total, de Taylor Hackford (EE. UU.)

7. Sospechosos habituales, de Bryan Singer (EE. UU.)

8. Babe, el cerdito valiente, de Chris Noonan (Australia)

9. Copycat, de Jon Amiel (EE. UU.)

10. French Kiss, de Lawrence Kasdan (EE. UU.)

XAVIER VIDAL

1. Underground, de Emir Kusturika (Yugoslavia)

2. La ceremonia, de Claude Chabrol (Francia)

3. Poderosa Afrodita, de Woody Allen (EE. UU.)

4. Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, de Agustín Díaz-Yanes (España)

5. Toy Story, de John Lasseter (EE. UU.)

6. Fallen Angels, de Wong Kar-Wai (Hong Kong)

7. Los puentes de Madison, de Clint Eastwood (EE. UU.)

8. Braveheart, de Mel Gibson (EE. UU.)

9. La flor de mi secreto, de Pedro Almodóvar (España)

10. El odio, de Mathieu Kassovitz (Francia)

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Palmarés completo:

Película: BRAVEHEART Link

Película de habla no inglesa: ANTONIA (Holanda)
Película documental: RECORDANDO A ANA FRANK Link

Director: MEL GIBSON, por Braveheart Link

Actor protagonista: NICOLAS CAGE, por Leaving Las Vegas Link

Actriz protagonista: SUSAN SARANDON, por Pena de muerte Link

Actor secundario: KEVIN SPACEY, por Sospechosos habituales Link

Actriz secundaria: MIRA SORVINO, por Poderosa Afrodita Link

Guión original: SOSPECHOSOS HABITUALES Link

Guión adaptado: SENTIDO Y SENSIBILIDAD Link

Banda sonora (drama): Luis Enríquez Bacalov, por EL CARTERO (Y PABLO NERUDA)
Banda sonora (comedia): Alan Menken y Stephen Schwartz, por POCAHONTAS

Canción: Colors of the Wind, de POCAHONTAS

 Dirección artística: RESTAURACIÓN

Fotografía: BRAVEHEART

Montaje: APOLLO 13

Vestuario: RESTAURACIÓN

Maquillaje: BRAVEHEART

Sonido: APOLLO 13

Efectos sonoros: BRAVEHEART

Efectos visuales: BABE, EL CERDITO VALIENTE

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RESULTADOS DEL OSCAR RANKING: 

1. La lista de Schindler 8'4

2. Cadena perpetua 8'37
3. Pulp Fiction 8'22
4. En el nombre del padre 7'96
5. El piano 7'83
6. Forrest Gump 7'5
7. Lo que queda del día 7'46
8. Quiz Show: El dilema 6'47
9. Cuatro bodas y un funeral 6'28
10. El fugitivo 6'13