¿Burton resucitado?: Crítica de FRANKENWEENIE, de Tim Burton

El cine de Tim Burton se ha hecho famoso por su estética reconocible, y muchos han querido leer en esas señas temáticas y visuales la identidad del artista que, aun trabajando más o menos atado a los designios de Hollywood, puede considerarse un autor único en su especie. Aún con esto, ver el cine de Burton desde la fascinación física que despiertan sus imágenes no deja de ser un punto de vista un tanto básico que en verdad no hace justicia a la complejidad de sus películas. En otras palabras: por muy reconocibles que sean los films de Burton respecto a los de sus análogos o contemporáneos, esa impronta no es suficiente para basar nuestro discurso sobre el director de Frankenweenie. En primer lugar, hay que entender a Burton desde su dimensión romántica, porque todavía ahora sus obras parecen tocadas por la gracia y la espontaneidad del niño que ha encontrado en la rutina de hacer películas un motor para vivir y un oficio, un poco como le ocurre al pequeño protagonista de esta aventura animada. En segundo lugar, Burton es primero cinéfilo y luego cineasta, ya que en él prima el guiño y el homenaje, y no la creación de un mundo propio: ello explica que sus películas entronquen con el cuento tradicional (Alicia y el país de las maravillas, Charlie y la fábrica de chocolate) o que directamente remitan a sagas de gran tradición cinematográfica (Batman, El planeta de los simios), a musicales de Broadway (Sweeney Todd) o a series televisivas de culto (Sombras tenebrosas). Burton crea, pero construye a partir del reciclaje y con una bases ya asentadas; y su obra deviene como resultado un estudiado ejercicio de reivindicación de las fuentes que le inspiran ahora y siempre: Burton no quiere superar a sus puntos de referencia, pero sí trabaja por lograr que cada una de sus creaciones esté a la altura de sus pies de página.

Por todo lo apuntado, Frankenweenie resultaba interesante por dos motivos. Por primera vez Burton no solo remite a mundos no propios pero familiares (no costaría describir toda la película como un homenaje explícito a la figura de Frankenstein y otro implícito a todo el cine de serie B) sino que se atreve a poner entre esas influencias al mismo Burton (como ya saben, el film se basa en un cortometraje que el realizador rodó en el 1984), como si por fin el autor quisiese vencer al citador de autores y desnudarse de foma definitiva. Y finalmente, había expectación por saber hasta qué punto la Disney había hecho de la nueva Frankenweenie otro vehículo fácil para la taquilla (remitiendo a la banal pero más promocionada faceta de Burton: la esteticista) o una página en blanco sobre la que Burton pudiese volcar con toda libertad aquello que por inexperiencia o imposibilidades de metraje no había podido llevar a cabo en los 80. Afortunadamente Frankenweenie lleva las señas de Burton: las visuales, obviamente, pero sobre todo contiene 'el alma de Burton' (oscura, infantil, provocativa, surrealista). No podía decirse lo mismo de Alicia en el país de las maravillas, cuyas conexiones con las alas burtonianas solo eran meramente plásticas (y con el 3D muchos defenderán y con razón que ni tan siquiera conservaba ese poso propio de Burton). Todo esto ha llevado a muchos a hablar de Frankenweenie como la resurrección de Burton, y aunque es verdad que supone un paso adelante en su trayectoria la película no funciona con la gracia y el terror que prometía. La sensación es que había muchas ganas de que el film gustase, y aún haciéndolo puede resultar provocador rebajar los ánimos de la mayoría. Frankenweenie no aporta nada, a lo sumo muy poco, con respecto el cortometraje original, y como siempre me sucede con Burton siento que a mitad de la historia la película se cae, como si el castillo de naipes montado por el director se resintiese por un metraje excesivo, algo todavía más imperdonable al tratarse de la ampliación de una historia corta que, para más señas, apenas supera la hora y cuarto de duración. El resultado vuelve a ser una película que hará las delicias de quienes siempre sintieron afinidad o profesaron veneración hacia Burton, pero que difícilmente llenará a los que saben que el director de Sleepy Hollow tiene muchísimo más que contar con estrategias e historias muchísimo más interesantes. A la espera de que Burton sea más una ficha independiente que un coleccionador de mezclas, quien escribe solo se siente satisfecho con el Burton más intrascendente, aquel que cuenta desde la absoluta locura y que por pequeños momentos se desgaja de sus referencias. Por eso, y admitiendo sus mil y un errores, prefiero Sombras tenebrosas a Frankenweenie, ambas estrenadas este año, aún sabiendo que la segunda es mejor película y que será más influyente en el futuro para el cine tanto del propio Burton como de muchos directores en ciernes. Tal vez Burton no necesitaba una resurrección ya que nunca había estado todo lo vivo que muchos apuntaron, aunque esa afirmación haga ruborizar a gran parte de la opinión pública.

Para los que siempre amaron el 'monstruo' Burton
Lo mejor: Burton pareciéndose a lo que debería ser Burton.
Lo peor: Que en ese camino el director solo consiga la mitad de sus objetivos.

Nota: 5'5

SITGES 2012: O APÓSTOLO (EL APÓSTOL), de Fernando Cortizo

Un Burton gallego es posible

O APÓSTOLO (EL APÓSTOL), de Fernando Cortizo (España, 2012)

¿De qué va?: Minutos antes de fugarse de la cárcel, un ladrón de poca monta se entera de la existencia de un tesoro oculto en una aldea cercana a Santiago de Compostela. Tras encontrar a un anciano en el bosque, el reo se instala en el pueblo y empieza a buscar desesperado el prometido botín. Pero lo que parecía la solución definitiva de todos sus problemas será su condena. El protagonista será víctima de una terrible maldición que afecta a todos los habitantes del lugar y que lo ata de por vida a la aldea. Su única posibilidad de salvarse viene de la capital: un párroco y su ayudante deciden pasar una noche en el pueblo.

Reacciones del público en Sitges: La hora no acompañaba, algo que el propio director dijo antes de empezar la sesión. Las tres de la tarde, típica hora del aperitivo, no suele ser el momento perfecto para ver una película, pero en esa ocasión el público se alimentó de las extrañas imágenes de la película. No levantó demasiada euforia a la salida del cine y los aplausos fueron más bien tímidos. Puede que, de nuevo, por la hora, o porque la película, que prometía ser uno de los platos fuertes del festival, no cumplió las expectativas.

Valoración: El apóstol es la película que habría rodado Tim Burton si hubiese nacido en Galicia. Es además una de las apuestas animadas más singulares de los últimos años al tratarse de una stop-motion gótica que capta al detalle la interpretación de actores consagrados como Luis Tosar o Celso Bugallo. Es una historia de meigas, de supersticiones, de ancianos recelosos, de personas que mienten y de desgraciados atrapados por un hechizo de tradición religiosa. Vaya, que es una película de excelente factura que técnicamente puede competir a nivel nacional y que al mismo tiempo es un proyecto muy gallego y local. Animación adulta y de autor que viene a consolidar el fértil panorama cinematográfico español, capaz en los últimos años de parir obras animadas diferentes en tonos, técnicas y resultados pero todas a su vez importantes como Planet 51, Arrugas, Chico y Rita o el éxito Las aventuras de Tadeo Jones. El apóstol difícilmente tendrá la visibilidad de esas cintas, y en parte eso es resultado de una narración con atmósfera sombría y al mismo tiempo de un ritmo cinematográfico poco trabajado, demasiado pausado. En El apóstol se añora más acción, se aprecia su inventiva y sorprende al espectador con imágenes genuinas. Dista de ser redonda pero no hay duda que es un peldaño más hacia la consolidación y la total heterogeneidad del cine animado local. Una rara avis que puede ser la apuesta sivarita para este Halloween, siempre que no apuesten por Frankenweenie. El propio Tim Burton confesó que la ópera prima de Fernando Cortizo le había encantado: háganle caso y visiten la aldea, el bosque y los oscuros personajes de este cuento visto en el Festival de Málaga y futuro nominado al Goya.

Para gourmets de la animación.

Lo mejor: Capta la interpretación de los actores.

Lo peor: Un tempo un tanto apático.

Nota: 6

Tráiler:

SITGES 2012: COMPLIANCE, de Craig Zobel

Algo más que una broma de mal gusto

COMPLIANCE, de Craig Zobel (EE. UU., 2012)

¿De qué va?: Empieza un nuevo día de trabajo en una hamburguesería cualquiera de un lugar perdido de la Norteamérica profunda. Los empleados se visten con sus uniformes, en la cocina empiezan a freirse patatas y carne, el local se llena de gente. El día anterior alguien dejó la puerta del congelador abierta y hay poco stock de bacon y pepinillos, algo que crea un ambiente de tensión entre los trabajadores. Una rutina interrumpida por una llamada de teléfono. Al otro lado del aparato, la voz de un presunto policía insta a la encargada del burguer a retener en una habitación a Becky, una adolescente que se ocupa de atender a los clientes desde el mostrador. Becky está acusada de robar a una cliente. Este es el inicio de una pesadilla dilatada durante largas horas: mientras el presunto policía se dirige al restaurante de comida rápida para detener a la ladrona, la coordinadora debe someter a la presunta ladrona a todo tipo de maltratos, vejaciones y preguntas del todo surrealistas.

Reacciones del público en Sitges: Muchos se quedaron a cuadros con el rótulo final que se puede leer al final de Compliance. La ópera prima de Zobel se basa en más de un caso real sucedido en Estados Unidos, el país donde la realidad supera a la ficción día a día. Ese detalle obliga a ver la película desde otra perspectiva, aunque muchos espectadores, intuyo, no supieron acceder a las alas más perversas del relato. Durante la sesión se escucharon risotadas exageradas, cuchicheos e incluso comentarios del tipo 'hostia', 'pero esta tía es tonta...' o '¿pero no ven que todo es una broma?'. Sin duda, una de las películas más tensas que se pudieron ver en el Auditorio principal del certamen.

Valoración: Destinada a ser una pequeña obra de culto, y a partir de una premisa que no se aleja de lo visto en, por ejemplo, Última llamada de Joel Schumacher, Compliance es un cuento lleno de perversión y terror implícito. Una anécdota mínima acaba dando una parábola de tono realista, a ratos casi documental, que nos obliga a replantearnos las relaciones de poder que se establecen entre las personas, muy concretamente en un ámbito laboral en el que la jerarquía de cargos causa constantes fricciones. Aunque no lo parezca, Compliance es una película de calado social que toma el cine de género como mecanismo de tortura para el espectador y de denuncia final. Una película juguetona que mantiene en vilo. Cargada de un humor envenenado y surrealista, con unas interpretaciones totalmente creibles y un giro final de lo más inteligente. La historia de una calumnia, de una injusticia. ¿Basta con recibir las órdenes de un superior para quebrantar la ley? ¿Quién es el brazo que dicta y ejecuta? ¿Tan culpable es quien actúa con alevosía como quien se deja embaucar por otro? ¿Dónde empieza y acaba lo permisible cuando se trata de impartir justicia? Cuestiones que al acabar la película siguen latentes. Ver Compliance es lo más parecido a abrir la caja de pandora. Una apuesta modesta que funciona con una precisión de hierro. Algunos no se la tomarán en serio. Otros sabrán ver que en lo intrascendente siempre anida lo grave. Y créanme: Compliance angustia a tal grado, causa tal sensación de malestar y consigue que empaticemos tanto con sus víctimas y verdugos que es difícil salir ileso de la proyección. Una de las grandes películas que se vieron en el Festival de Sitges 2012 y que seguramente causará mucho revuelo en la red. No se la pierdan.

Para amantes del cine pequeño pero matón

Lo mejor: Pone muy nervioso, en el mejor sentido de la palabra.

Lo peor: La premisa es, pese a todo, limitada.

Si te gusta esta crítica, vótala en Filmaffinity

Nota: 7

Tráiler:

Matrimonios (des)gastados: Crítica de SI DE VERDAD QUIERES

Meryl Streep, en sus más de cuatro décadas de carrera, ha tenido ocasión de interpretar a la mujer norteamericana en todas sus facetas, épocas y edades, dando vida a seres reales y a personajes nacidos de la pluma de un escritor o guionista. La Streep actriz es intachable, pero todo lo que le rodea se ha convertido con el tiempo en una especie de repelente para el cinéfilo que quiere ver buenas historias defendidas por artistas tan geniales como Streep. En un acto de intentar rentabilizar lo que funciona, los estudios de Hollywood llevan estrenando en los últimos años 'la película de Meryl Streep', como si evocar o nombrar a la actriz ganadora de tres Oscar implicase citar todo un imaginario y género cinematográfico. Sí es verdad que todas las propuestas de Streep reciben en taquilla un gran número de mujeres espectadores que llenan las salas en los días no festivos y que asisten a la sala solas o en compañía: Streep es, por lo tanto, un reclamo y un atractivo, motivo que explicaría la presencia de la actriz de actrices en títulos tan endebles como No es tan fácil y en menor medida Julie & Julia y Mamma Mia. Obviamente eso es una cuestión que a la Streep intérprete le importa bien poco porque sus acólicos siempre encuentran motivos para situarla en el olimpo de todos los premios imaginables, y porque en paralelo a títulos más rentables Streep ha seguido defendiendo obras más pequeñas, a la postre más interesantes y arriesgadas, ni que sea con una aportación casi terciaria como las de Leones por corderos y Las horas.

Si de verdad quieres formaría parte de esos films diseñados para su cabeza de cartel y dirigidos al target prototípico de la misma. Es esa sensación de producto prefabricado y previsible lo que molesta desde el primer momento. En lugar de contar las complejidades maritales pasados o rozados los treinta años de vida conjunta todo está enfocado desde una visión femenina: asistimos al anhelo de una vida en pareja más activa anímica y sexualmente desde el personaje de la esposa frustrada, algo que dice muy poco de la objetividad de la cinta y menos todavía de su sutileza e intenciones. En ese universo rosa tiene todo el sentido del mundo que Streep decida solventar sus preocupaciones refugiándose en la sección de libros de autoayuda de un centro comercial (la idea ya es demencial) y que para colmo el marido cascarrabias acabe suavizando sus malos hábitos tal y como quería la protagonista. Si de verdad quieres es obvia y edulcorada, es complaciente pero también autocomplaciente, se acontenta con ser poca cosa y al mismo tiempo se dirige a una audiencia que tememos no pide ni más ni menos que lo visto en el film. Hay esporádicos momentos de lucidez (los títulos de crédito tienen la frescura y la espontaneidad de la que carece todo el conjunto), y de nuevo valdría citar las adorables muecas de Meryl Streep como principal aliciente para defender lo indefendible. Por desgracia en Si de verdad quieres Streep no interpreta a la mujer norteamericana sino a la parodia o a la caricatura de esa mujer. Las seguidoras de Streep se sentirán identificadas con su personaje, pero el espejo está deformado: aceptar que el film refleja un problema social o personal sería tan peligroso como asegurar que la juventud de hoy en día es la misma que aparece en los reality shows de la MTV. Y es aquí cuando este aparente cuento sobre matrimonios que avivan la llama del amor se convierte en una postal de manual y tonos chiclosos tan falsa y manipuladora como el peor anuncio de compresas.

Para feministas ensimismadas

Lo mejor: Su ingenuidad tiene cierto encanto.

Lo peor: Presentada la premisa, casi todo es un despropósito.

Nota: 5

OSCAR RANKING 08: AÑO 2001

¡Bienvenidos al octavo post del OSCAR RANKING!

Aviso: si te gusta el cine, si te gustan los Oscar... ¡este es tu concurso!

Estamos eligiendo la mejor película nominada a los premios de la Academia de los últimos 20 años. En el margen derecho del blog encontrarás 5 encuestas relativas a las 5 películas nominadas detalladas en la siguiente entrada. Valora del 1 (menor nota) al 10 (mayor nota) los títulos que han marcado a toda una generación de cinéfilos. Atención: ¡sé objetivo a la hora de votar! Y si no viste alguno de los films en juego, ¡no lo votes! Cada semana el blog realizará el cálculo de las notas medias obtenidas por todas las películas, y los resultados los encontrarás al final de cada post en nuestro OSCAR RANKING. ¡Revisa todas las semanas los posts en Butaca K y Cinoscar & Rarities! ¡ Y el 22 de febrero de 2013 la película con mejor nota media será coronada la ganadora del Oscar Ranking! Disfruta de los posts, visiona los videos, vota por tus favoritos... ¡el show está a punto de empezar!

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RESULTADOS DE LA ANTERIOR ENCUESTA:

Por segunda vez consecutiva, el Oscar Ranking ha logrado más de 400 votos, todos los films han superado la media de 7 sobre 10 y se ha logrado un récord de puntajes para una película: American Beauty ha recibido 104 y supera la marca de La vida es bella. La cinta de Mendes gana su tanda con un excelente 7'97 final, lo que la coloca en la sexta posición del ranking general. El sexto sentido también ha entusiasmado y su media alta de 7'86 la coloca en la novena plaza de la lista. La milla verde consigue un muy digno 7'75, mientras que Las normas de la casa de la sidra decepciona con un 7'30. Por su parte El dilema, el film menos visto y votado, se queda con un 7'11. ¿Seguirá la racha de buenas notas una tercera semana?

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73rd. Academy Awards
Gala: 25/03/2001, Shrine Auditorium (Los Ángeles)
Maestro de ceremonias: Steve Martin Opening Speech
Oscar honorífico: Jack Cardiff y Ernest Lehman
Análisis de la gala: Link

Y las nominadas a la mejor película del año 2000 fueron:

CHOCOLAT, de Lasse Hallström
Oscars: 0/5

Ganó: --

País: Reino Unido
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 6'8

Nota IMDB: 7'3

Nota del blog: 7

Fecha de estreno en España: 09/03/2001

Valoración: Miramax y los Weinstein siguieron con la buena racha iniciada con El paciente inglés y Shakespeare in love. Tras Las normas de la casa de la sidra, Chocolat era su baza para el año 2000, una película familiar, de mensaje optimista, de visionado agradable, con una charmant Juliette Binoche y unas imágenes bellísimas que invitan a atracar el armario de los dulces después de ver el film. En esa ocasión las concesiones al cine blanco pero sólido no acabaron en Oscar, si bien Miramax viviría su momento más duro al ver a Cold Mountain el año 2004 sin nominación. Un viaje divertido a la campiña francesa de mitad de siglo XX y un buen título en la lista de películas culinarias donde figura Como agua para chocolate o Julie & Julia. Lástima que no se valorase en su día el genial trabajo de su amplio reparto: desde Lena Olin o Carrie-Anne Moss, últimamente desaparecidas en combate, hasta Peter Stormare, el gitano Johnny Depp y el alcalde Alfred Molina, pasando por la adorable anciana que le dio a Judi Dench su tercera nominación al Oscar (y ya van seis). Un bomboncito que gusta ver y rever cada cierto tiempo.

WO HU CANG LONG (CROUCHING TIGER, HIDDEN DRAGON; TIGRE Y DRAGÓN), de Ang Lee
Oscars: 4/10

Ganó: Película de habla no inglesa, banda sonora original, fotografía y dirección artística

País: Taiwán
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 7'0

Nota IMDB: 7'9

Nota del blog: 7

Fecha de estreno en España: 23/02/2001

Valoración: ¡Qué ingenuos éramos a principios de siglo! La coreografía espadachina de Tigre y dragón supuso en Occidente el descubrimiento de un cine, de una cadencia y de un estilo que casi nunca había logrado colarse en las principales carteleras europeas. Fue precisamente esa sensación de novedad, ampliada con su éxito de taquilla, lo que hizo que Hollywood se arrodillase ante un film a priori contrario a la sensibilidad norteamericana. Ahora, cuando el cine asiático forma parte de nuestro credo cinéfilo, habiendo visto el Lee que vino después y a sabiendas de que los últimos Yimou entre otros han sido productos solventes en lo artístico y en lo económico, volver a Tigre y dragón da cierta pereza y hasta puede sorprender que la obra consiguiese tanto en territorio comanche (la Academia tiene sus obsesiones y cierta euforia objetivamente injustificable hizo que el film concurriese en categorías tan surrealistas como mejor canción).

ERIN BROCKOVICH, de Steven Soderbergh
Oscars: 1/5

Ganó: Actriz protagonista (Julia Roberts)

País: EE. UU.
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 6'4

Nota IMDB: 7'2

Nota del blog: 7

Fecha de estreno en España: 07/04/2000

Valoración: A la Academia le gustan las causas perdidas que al final se ganan y la historia del pez pequeño que se come el grande. Hollywood se acordó de Erin Brockovich, un film de entidad menor, casi telefilmesco, con un guión y unas interpretaciones radiantes, un año después de su estreno, algo inaudito. Y precisamente esa diferencia de meses hizo posible que Steven Soderbergh hiciese historia al tener dos películas en la carrera al Oscar (para ver algo similar recientemente en los Oscar habría que volver al año 1993 en el que coincidían La lista de Schindler y Jurassic Park del señor Spielberg). Anécdotas aparte, fue una de las películas que más aguantó en cartel ese año y que posteriormente más veces se emitió en televisión (menos, eso sí, que Pretty Woman). Roberts cuando se propone algo lo consigue: primero, ser la reina de la comedia estadounidense; luego, denunciar a una multinacional por contaminación de aguas y de paso ganar el Oscar; y finalmente, ser madre y una de las actrices mejor pagadas del planeta Tierra. Sufrimos con Erin, aplaudimos su causa y amamos a Julia: el 'placer culpable' de muchos.

GLADIATOR (EL GLADIADOR), de Ridley Scott
Oscars: 5/12

Ganó: Película, actor protagonista (Russel Crowe), vestuario, sonido y efectos visuales

País: EE. UU.
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 7'8

Nota IMDB: 8'5
Nota: del blog: 4

Fecha de estreno en España: 17/05/2000

Valoración: El de Gladiator es un ejemplo de resistencia en la arena del teatro romano. Estrenada a finales de primavera, éxito en el verano y ya un pequeño clásico en la temporada otoñal, el film de Scott, lejos de encarar la temporada de premios con las pilas desgastadas, supo imponerse en una carrera que pese a todo discurrió sin favoritos ni muchas pasiones. Pero siguiendo con el trazo cronológico, hay que destacar que Gladiator ha quedado totalmente superada por otros blockbusters, incluso por series televisivas que han mirado al pasado en producciones de impecable factura. Scott caía en ciertos anacronismos, errores geográficos, algún gazapo tan mítico como el de la carrera de cuadrigas de Ben Hur y momentos efectistas como la muerte de la esposa de Maximus. Gladiator es la victoria más ajustada en casa de tío Oscar de los últimos años: que entre las tres favoritas se produjese un empate numérico en el medallero (5 de Gladiator frente a los 4 de Tigre y dragón y Traffic) y que Scott no fuese considerado en el palmarés son detalles que ahora, revisando el archivo, son tan significativos que hablan por sí solos. Para ver algo parecido tendríamos que esperarnos hasta el 2006, donde el patrón se repitió con unas similitudes asombrosas: Crash, Brokeback Mountain, King Kong y Memorias de una geisha empataron a 3 Oscar, y la mejor película y el mejor director discurrieron por caminos separados. Al César lo que es del César, y Gladiator a los leones.

TRAFFIC, de Steven Soderberg
Oscars: 4/5

Ganó: Director, actor secundario (Benicio del Toro), guión adaptado y montaje

País: EE. UU.
Tráiler: Link

Nota Filmaffinity: 7'2

Nota IMDB: 7'7

Nota del blog: 8

Fecha de estreno en España: 09/02/2001

Valoración: De largo la mejor película de su año, algo de lo que dieron fe sus cuatro Oscar, Traffic merece ocupar un espacio especial dentro de los films de historias cruzadas. Soderberg, a diferencia de Thomas Anderson o Iñárritu (y estos a su vez con estrategias narrativas y visuales dispares), propone varias líneas argumentales sobre el mundo del tráfico y consumo de drogas que funcionan por la potencia de las historias contadas. Soderberg no narra ni por elisión ni por yuxtaposición de imágenes (no es, en definitiva, una película cuya prosa quede en manos del montaje), y en contra de la constante moderna de 'películas mosaico' deja que los diferentes personajes encuentren su espacio, y a su vez que la trama que representan vaya tomando forma de modo independiente (prueba de ello es que los personajes, contradiciendo la máxima de las short cuts, nunca o casi nunca coinciden en tiempo y en plano). Traffic es una película de frontera pero el modo de dirigir de Soderberg (con los cambios de luces, tendencia al cine feísta sin esperpentos, gran sentido de la acción y del drama) es claramente europeo. En Erin Brockovich partía de otros corsés: los del cine de superación personal. La denuncia de injusticias y de problemas que nos afectan aquí y ahora une a ambas películas. Sin ser perfecta, la Academia demostró al defenderla que a veces el cine en mayúscula es de un valor tanto social como cinematográfico incontestable: este blog hubiese pagado por ver un pleno al cinco.

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Mejor canción del año:
THINGS HAVE CHANGED, de Jóvenes prodigiosos
Bob Dylan
Actuación en la gala y discurso: Link
Actuación de Björk con I've seen it all: Link
Canciones nominadas del año: Link
Bandas sonoras nominadas: Link

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AÑO 2000 -2001

FESTIVALES:

Sundance: Girlfight, de Karyn Kusama (EE. UU.)

Berlín: Magnolia, de Paul Thomas Anderson (EE. UU.)

Cannes: Bailar en la oscuridad, de Lars von Trier (Dinamarca)

Karlovy Vary: Eu Tu Eles, de Andrucha Waddington (Brasil)

Venecia: El círculo, de Jafar Panahi (Irán)

Locarno: Baba (Father), de Wang Shuo (China)

San Sebastián: La perdición de los hombres, de Arturo Ripstein (México)

Toronto: Tigre y dragón, de Ang Lee (Taiwán)

Sitges: Ed Gein, de Chuck Parello (EE. UU.)

PREMIOS:

Globo de oro: Gladiator / Casi famosos

SAG reparto: Traffic

Independent Spirit: Tigre y dragón, de Ang Lee

EFA: Bailar en la oscuridad, de Lars von Trier (Dinamarca)

Bafta: Gladiator, de Ridley Scott

César: Para todos los gustos, de Agnès Jaoui

Goya: El Bola, de Achero Mañas

David di donatello: La habitación del hijo, de Nanni Moretti

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EL RINCÓN DE KOSTI: 

Con 2001 no llegó una odisea en el espacio, pero sí el nuevo milenio a la Academia, aunque las películas que llegaban eran todas del milenio anterior. Por eso no es de extrañar que en vez de mirar al futuro, los académicos premiaran al pasado, pero sin olvidarse de nominar dos películas que comparten director, a otro que el año anterior también tuvieron en cuenta y de viajar hasta China para traerse las artes marciales más artificiosas del milenio.

Un viaje también hacemos para llegar hasta la ganadora de este año. Con Gladiator nos ubicamos en la mismísima Roma Imperial, el gran Imperio conquistador de territorios extranjeros, la del orgullo tras victoriosas batallas, la de Emperadores justos y otros no tanto, la Roma en la que un soldado podía acabar siendo un gladiador y pasar de luchar por su patria a hacerlo por su vida. Y ahí que tenemos a Russell Crowe con la consigna “Soy Máximo Décimo Meridio, padre de un hijo asesinado, esposo de una mujer asesinada, y alcanzaré mi venganza en esta vida o en la siguiente” (la cita es aproximada), y además encarnando a un hispano, que eso queráis que no, acaba llegando, aunque sea un poco ¿no?... Al grano, que me lío. Su premio generó alguna que otra controversia, ya que ese año se encontraba compitiendo con grandes actuaciones, y la suya pareció no convencer por encima de esas otras. Si a eso sumamos que al año siguiente consiguió una nominación más meritoria, y no lo ganó, pues se entiende más aún la insatisfacción. Pero ese es un tema que trataremos la semana que viene. Gladiator era sin duda la apuesta más fuerte de las cinco nominadas, y acabó convenciendo a los de Hollywood, pero ¿y al público? La inmensa mayoría se decantará por una respuesta positiva, pero seguro que hay un pequeño sector que apostaba más fuerte por la propuesta de historias paralelas de Soderbergh o la arriesgada cinta de Ang Lee. Yo, personalmente, creo que es una ganadora justa, aunque mis preferencias, al contrario que el año pasado, se iban con el director sueco y su dulcísima propuesta: Chocolat. Lejos de empalagar, cual chocolate con leche edulcorado (yo siempre he sido más del chocolate negro, más amargo y placentero) Hallström consigue enamorar con la repostera y su grupo de gitanos, y aunque lo engloba dentro del formato de comedia romántica (formato que por cierto se le da bastante bien), le sale una mezcla perfecta, que en mi caso sería algo así como un chocolate puro al 70%; otros quizás prefieran el chocolate blanco, todo depende del paladar y de su punto de vista. Por si no ha quedado claro, Chocolat es un toque fresco y dulce dentro de las cinco nominadas, aunque sí es cierto que Juliette Binoche y Johnny Depp como pareja chirrían un poco, pero lo hacen tan sumamente bien, que nos olvidamos de su incompatibilidad, de eso, y de que Depp ha conocido papeles mejores. Sin embargo, es la cinta que a mi más me conquistó en este año de incertidumbre milenaria.

Desde Francia viajamos a Estados Unidos para descubrir el negocio de las drogas con Soderbergh y un reparto de escándalo. Tanto él como Benicio del Toro (además del guión y del montaje) consiguieron sus estatuillas, algo no tan raro en caso del portorriqueño, pero sí en el del director si tenemos en cuenta que rara vez, director y película no coinciden, y así sucedió este año. Parece ser que el trabajo del bueno de Steven convenció más que el de Ridley Scott, pero la fuerza del gladiador superó a la de las historias paralelas entre México y Estados Unidos. El caso es que la película está bien a nivel narrativo, no tanto al artístico, en el que Soderbergh abusa sobremanera de los filtros de color, con la única intención, parece, de ubicarnos correctamente en un espacio o en otro. En cualquier caso, resultó bastante cansino, aunque obviamos este aspecto y nos centramos en la narración. Si hay alguien que sorprende en esta cinta es, para mi, Erika Christensen, la hija adicta de Michael Douglas, en un papel corto pero bastante intenso, de esos a los que Hollywood (y en algún momento también la Gran Bretaña) nos tiene tan acostumbrados. Sobra decir que Catherine Zeta-Jones está fantástica, una actriz con la que me es imposible no disfrutar de cada fotograma en el que aparece. Traffic podría haber sido una ganadora bastante controvertida, a pesar de que algunos la consideran la ganadora moral del año.

Y quedándonos en Estados Unidos y también con Soderbergh, algo bastante inusual, que un director coseche el mismo año dos nominaciones por dos películas distintas en las dos categorías más importantes para alguien como él: mejor película y mejor director (de cuatro se llevó al menos 1). Por si fuera poco, sus dos guiones, (aunque realizados por otros él ayudó a llevarlos a la pantalla), estuvieron también presentes. Pero si hablamos de Erin Brockovich nos olvidamos de guión y de director y nos centramos en la figura de Julia Roberts, el único premio conseguido de los cinco a los que optaba la cinta. Para muchos el premio a Roberts es uno de los más cuestionables de la historia de los Oscar, y como el de ella hay muchos. La gran mayoría apostaba por la psicodélica interpretación de Ellen Burstyn en Réquiem por un sueño; otra parte no tan grande prefería a Laura Linney en Puedes contar conmigo; y después había otra pequeña parte que se dividía entre Joan Allen por Candidata al poder y Juliette Binoche por Chocolat; pero dio la sorpresa Julia Roberts… o no. Para mi, teniendo en cuenta los papeles que solía realizar (Pretty woman incluida, una película con la que disfruta como el que más), Julia dio aquí el campanazo con una interpretación sobresaliente, con su consecuente merecida estatuilla. ¿Cuestionable premio?, he de decir definitivamente que no. La historia de este personaje sigue las reglas de una historia real: ritmo narrativo medido, interrupciones dramáticas intensas y una dramatización suficiente para cubrir la cuota de pantalla. La cinta se deja ver, pero más allá de Julia Roberts, poco había.

Y para terminar con las nominadas, seré muy corto respecto a Tigre y dragón, una cinta de la que me resulta muy complicado hablar, porque, a día de hoy, me sigue pareciendo uno de los mayores timos del cine. Más allá de las artes marciales, de los vuelos imposibles y de los viajes “anti-gravedad” por la corteza terrestre, no le vi demasiada gracia a la película de Ang Lee. Y si este año de celebración  de gala de los Oscar empezaba con el milenio, para mi empezaban los años de decepciones en los Oscar, y el primero esta Tigre y dragón, que ganó el Oscar a mejor película de habla no inglesa sobre una obra muy superior: Amores perros.

Los olvidos de este año fueron múltiples, ya que hubo varias películas que obtuvieron nominación en otras categorías pero no en la principal como Billy Elliot, Bailar en la oscuridad o Quills, más teniendo en cuenta que se encontraba entre las cinco nominadas Tigre y dragón. Y para acabar, mi top personal de las cinco nominadas del año:

1. Chocolat

2. Gladiator

3. Traffic

4. Erin Brockovich

5. Tigre y dragón

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NUESTROS TOPS: LOS MEJORES FILMS DEL 2000

(según año de producción)

KOSTI BGY:

1. Chocolat, de Lasse Hällstrom (Reino Unido)

2. Billy Elliot, de Stephen Daldry (Reino Unido)

3. Quills, de Philip Kaufman (EE. UU.)

4. Bailar en la oscuridad, de Lars von Trier (Dinamarca)

5. Frequency, de Gregory Hoblit (EE. UU.)

6. Plata quemada, de Marcelo Piñeyro (Argentina)

7. American Psycho, de Mary Harron (EE. UU.)

8. Snatch, cerdos y diamantes, de Guy Ritchie (Reino Unido)

9. Battle Royale, de Kinji Fukasaku (Japón)

10. Memento, de Christopher Nolan (EE. UU.)
Menciones especiales: Amores perros, de Alejandro González Iñárritu; Gladiator, de Ridley Scott; La maldición del escorpión de Jade, de Woody Allen; Réquiem por un sueño, de Darren Aronofsy; y The Hole, de Nick Hamm

XAVIER VIDAL

1. Bailar en la oscuridad, de Lars von Trier (Dinamarca)

2. Amores perros, de Alejandro González Iñárritu (México)

3. La comunidad, de Álex de la Iglesia (España)

4. Para todos los gustos, de Agnès Jaoui (Francia)

5. El bola, de Achero Mañas (España)
6. Gracias por el chocolate, de Claude Chabrol (Francia)

7. Traffic, de Steven Soderbergh (EE. UU.)

8. Juntos (Tillsammans), de Lukas Moodysson (Suecia)

9. Deseando amar (In The Mood for Love), de Wong Kar-Wai (Hong Kong)

10. Memento, de Christopher Nolan (EE. UU.)

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Palmarés completo:

Película: GLADIATOR Link

Película de habla no inglesa: TIGRE Y DRAGÓN (Taiwán)
Película documental: EN BRAZOS DE UN EXTRAÑO

Director: STEPHEN SODERBERG, por Traffic Link

Actor protagonista: RUSSEL CROWE, por Gladiator Link

Actriz protagonista: JULIA ROBERTS, por Erin Brockovich Link

Actor secundario: BENICIO DEL TORO, por Traffic Link

Actriz secundaria: MARCIA GAY HARDEN, por Pollock: La vida de un creador Link

Guión original: CASI FAMOSOS

Guión adaptado: TRAFFIC

Banda sonora: Tan Dun, por TIGRE Y DRAGÓN

Canción: Things Hace Changed, de JÓVENES PRODIGIOSOS

Dirección artística: TIGRE Y DRAGÓN

Fotografía: TIGRE Y DRAGÓN

Montaje: TRAFFIC

Vestuario: GLADIATOR

Maquillaje: EL GRINCH

Sonido: GLADIATOR

Efectos sonoros: U-571

Efectos visuales: GLADIATOR

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RESULTADOS DEL OSCAR RANKING 
En negrita: entradas de la semana

1. La lista de Schindler 8'40 

2. Cadena perpetua 8'37 

3. Secretos y mentiras 8'35

4. Pulp Fiction 8'22 

5. Fargo 8'11 

6. American Beauty 7'97

7. En el nombre del padre 7'96 

8. El paciente inglés 7'94 

9. El sexto sentido 7'86

10. El piano 7'83 

11. Sentido y sensibilidad 7'79

12. Titanic 7'75 

13. La milla verde 7'75

14. Salvar al soldado Ryan 7'70

15. L.A. Confidential 7'67

16. Mejor... imposible 7'61

17. Forrest Gump 7'5 

18. Lo que queda del día 7'46 

19. La delgada línea roja 7'31

20. Shakespeare in love 7'30

21. Las normas de la casa de la sidra 7'30

22. Elizabeth 7'14

23. El dilema 7'11

24. La vida es bella 7'10

25. El cartero (y Pablo Neruda) 7'05 

26. Braveheart 7'02

27. Full Monty 6'74

28. EL indomable Will Hunting 6'70

29. Shine: El resplandor de un artista 6'66

30. Quiz Show: El dilema 6'47 

31. Babe: El cerdito valiente 6'39 

32. Jerry Maguire 6'36

33. Cuatro bodas y un funeral 6'28 

34. Apollo 13 6'14 

35. El fugitivo 6'13