jueves, 17 de agosto de 2017

CRÍTICA | CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY, de Rob Reiner


(Des)encuentros amorosos
CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY, de Rob Reiner
Premio Bafta y nominación al Óscar al mejor guión original
EE. UU., 1989. Dirección: Rob Reiner Guión: Nora Ephron Fotografía: Barry Sonnenfeld Música: Marc Shaiman Reparto: Meg Ryan, Billy Crystal, Carrie Fisher, Bruno Kirby, Steven Ford, Lisa Jane Persky, Michelle Nicastro, Gretchen Palmer, Robert Alan Beuth Género: Comedia romántica Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/04/1990
¿De qué va?: Dos estudiantes recién licenciados coinciden durante un viaje en coche. Él sostiene que la amistad entre un hombre y una mujer es imposible. Ella quiere encontrar un amigo en Nueva York, la ciudad donde desea trabajar. Los años pasan y ambos se reencuentran.



Cuando Harry encontró a Sally ha sabido imponerse como una de las comedias más influyentes de los últimos años. El film, aunque dirigido por Rob Reiner, siempre ha quedado asociado a Nora Ephron, guionista que obtuvo una nominación al Óscar por este encuentro amoroso y que posteriormente, ya como directora, siguió explotando la vis cómico-romántica de Meg Ryan en las inferiores Algo para recordar y Tienes un e-mail. Realmente estamos ante una película que marca la diferencia por su libreto, una mezcla equilibrada de la liviandad más comercial y la ironía típica de Woody Allen. Más allá de su archifamosa escena del falso orgasmo en la cafetería, la película despliega una inteligente descripción de la generación de urbanitas con título universitario y trabajo más o menos estable que a finales de los 80 buscaban el amor en un ambiente de positividad sostenida. Ahora Nueva York brilla menos, Billy Cristal ni se asoma a la gran pantalla, Meg Ryan está tocada y hundida por culpa de la cirugía, Nora Ephron ya no está entre nosotros y la crisis ha hecho que tengamos una visión menos ingenua de la amistad con derecho a roce. Pero el film sigue ahí como icono moderno, haciéndonos creer que Sally y Harry, en su constante toma y daca dialéctico, siguen paseando por Central Park, yendo a fiestas de Nochevieja, visitando a sus amigos, leyendo libros de autoayuda y viendo Casablanca en televisión. De hecho, la historia de los protagonistas se intercala con testimonios de parejas que cuentan anécdotas personales en pantalla, dando a entender que el "encuentro" del film es una historia más en una larga nómina de retales románticos. La estrategia perfecta para, a pesar de algunas escenas y frases poco lucidas, formar parte del imaginario colectivo.


Para románticos adictos a los clásicos del género.
Lo mejor: La combinación "Nueva York + actores + guión ágil pero inteligente".
Lo peor: Alguna ñoñez de más.


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miércoles, 16 de agosto de 2017

LAS PELÍCULAS DE LOS ÓSCAR 2018 | VENECIA


Desde Cinoscar & Rarities repasamos en 4 posts especiales las posibles contendientes a los Premios Óscar 2018. Las fechas de estreno apuntadas en este artículo pueden variar. Para leer el post dedicado al Festival de Cannes, haz click aquí.

Tras unos años un tanto desiguales, parece que el Festival de Venecia, el certamen cinematográfico más longevo del panorama internacional, está recuperando parte de la atención mediática y de los títulos que tiempo atrás concentraba el gigante de Toronto. La apuesta de la Mostra para este 2017 combina grandes estrenos, nombres menos populares y autores de mucho peso que conviven con la variada añada de cine italiano. En el pasado, Birdman, La La Land y Gravity tuvieron su estreno mundial en el lido veneciano, por lo que no es descabellado pensar que la ciudad italiana puede arrojarnos pistas sobre la temporada de premios estadounidense.


De todo su amplio menú destaca Suburbicon, nuevo trabajo de George Clooney como director. Atractivos no le faltan: el guión corre a cargo de los hermanos Coen, la música la compone Alexandre Desplat, la fotografía es obra de Robert Elswitt y en su reparto encontramos estrellas como Matt Damon, Julianne Moore y Oscar Isaac. A juzgar por su tráiler, nos espera una comedia dramática con homenajes al cine negro de antaño y una ambientación de los años 50 que recuerda a Un tipo serio, una de las cintas más notables de la última etapa creadora de los Coen. En EE. UU. se podrá ver el 27 de octubre y nosotros la descubriremos en salas el 8 de diciembre.


El thriller en clave cómica cuenta con más contendientes. El nuevo trabajo del director de Escondidos en Brujas, Martin McDonagh, también se mueve en esas directrices y aspira con honores al León de oro. Hablamos de Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, la historia de una mujer de 50 años que, tras el asesinato de su hija, está tan desencantada con la justicia que decidirá emprender una guerra abierta con la policía de su pueblo. Esa mujer fuera de sus cabales tiene el rostro de Frances McDormand, y en el lado masculino tenemos a Woody Harrelson, Sam Rockwell y Peter Dinklage. Salvo cambio de fechas, veremos "la Comanchería de la temporada" nada más empezar el año nuevo: el 12 de enero.


Por los canales venecianos también se pasearán Abdellatif Kechiche, Hirokazu Kore-eda, Robert Guédiguian, Paul Schrader y Paolo Virzí entre otros, este último con la primera película que rueda fuera de Italia y en inglés. También Alexander Payne, uno de los más beneficiados en el reparto de los Óscar a juzgar por sus anteriores Entre copas, A propósito de Schmidt, Los descendientes y Nebraska. Su nuevo trabajo se llama Downsizing y su argumento sigue siendo un misterio. Sí se conocen casi todos los datos de La Reina Victoria y Abdul, que viajará a Venecia como nombre fuera de concurso. Dirige Stephen Frears, que en el pasado supo sacar el máximo partido en cuanto a premios a sus Philomena y Florence Foster Jenkins. El británico vuelve a los escenarios palaciegos de The Queen con Judi Dench y partitura de Thomas Newman. Su estreno está cerrado para el 22 de septiembre. 


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lunes, 14 de agosto de 2017

LISTA | LAS MEJORES PELÍCULAS DE LOS 90

Durante el último año, el blog Cinoscar & Rarities y El podcast de C&R ha convocado a sus seguidores para elegir las mejores películas de la década de los 90. Tras publicar 10 podcasts y presentar los tops de cada año del decenio, culminamos el especial con una lista que reúne, a juicio de nuestros votantes, LAS MEJORES PELÍCULAS DE LOS 90, ordenadas según el número de votos obtenidos. En caso de empate, las cintas se presentan en orden alfabético.


1. EL SILENCIO DE LOS CORDEROS, de Jonathan Demme 33 votos
2. FARGO, de Joel Coen 31 votos
3. PULP FICTION, de Quentin Tarantino 30 votos
4. UNO DE LOS NUESTROS, de Martin Scorsese 27 votos
5. CADENA PERPETUA, de Frank Darabont 25 votos
5. L.A. CONFIDENTIAL, de Curtis Hanson 25 votos
6. EDUARDO MANOSTIJERAS, de Tim Burton 24 votos
7. FORREST GUMP, de Robert Zemeckis 23 votos
8. EL SHOW DE TRUMAN, de Peter Weir 22 votos
9. MISERY, de Rob Reiner 21 votos
9. TITANIC, de James Cameron 21 votos
9. TRAINSPOTTING, de Danny Boyle 21 votos
10. AMERICAN BEAUTY, de Sam Mendes 20 votos
10. LA BELLA Y LA BESTIA, de Gary Trousdale y Kirk Wise 20 votos
11. AMERICAN HISTORY X, de Tony Kaye 19 votos
11. EL SEXTO SENTIDO, de M. Night Shyamalan 19 votos
11. SEVEN, de David Fincher 19 votos
12. ED WOOD, de Tim Burton 18 votos
12. EL CLUB DE LA LUCHA, de David Fincher 18 votos
12. LA LISTA DE SCHINDLER, de Steven Spielberg 18 votos
12. MEJOR... IMPOSIBLE, de James L. Brooks 18 votos
12. SECRETOS Y MENTIRAS, de Mike Leigh 18 votos
12. SIN PERDÓN, de Clint Eastwood 18 votos
13. EL GRAN LEBOWSKI, de Joel Coen 17 votos
14. LA VIDA ES BELLA, de Roberto Benigni 16 votos
14. TODO SOBRE MI MADRE, de Pedro Almodóvar 16 votos
15. EL REY LEÓN, de Rob Minkoff y Roger Allers 15 votos
15. MATRIX, de Hermanas Wachowski 15 votos
15. TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL, de James Cameron 15 votos
16. RESERVOIR DOGS, de Quentin Tarantino 14 votos
16. SALVAR AL SOLDADO RYAN, de Steven Spielberg 14 votos
16. TOY STORY, de John Lasseter 14 votos
17. EL PADRINO: PARTE 3, de Francis Ford Coppola 13 votos
17. MAGNOLIA, de Paul Thomas Anderson 13 votos
17. TESIS, de Alejandro Amenábar 13 votos
17. THELMA & LOUISE, de Ridley Scott 13 votos
18. ATRAPADO EN EL TIEMPO, de Harold Ramis 12 votos
18. LOS PUENTES DE MADISON, de Clint Eastwood 12 votos
19. EL PACIENTE INGLÉS, de Anthony Minghella 11 votos
19. EYES WIDE SHUT, de Stanley Kubrick 11 votos
19. J.F.K.: CASO ABIERTO, de Oliver Stone 11 votos
19. LA PRINCESA MONONOKE, de Hayao Miyasaki 11 votos
19. ROMPIENDO LAS OLAS, de Lars von Trier 11 votos
19. TOMATES VERDES FRITOS, de Jon Avnet 11 votos
20. ANTES DEL AMANECER, de Richard Linklater 10 votos
20. DRÁCULA DE BRAM STOKER, de Francis Ford Coppola 10 votos
20. EL CABO DEL MIEDO, de Martin Scorsese 10 votos
20. EN EL NOMBRE DEL PADRE, de Jim Sheridan 10 votos
20. LA MILLA VERDE, de Frank Darabont 10 votos
20. LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR, de Julio Medem 10 votos
20. MUERTE ENTRE LAS FLORES, de Joel Coen 10 votos



1. TODO SOBRE MI MADRE, de Pedro Almodóvar 16 votos
2. TESIS, de Alejandro Amenábar 13 votos
3. LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR, de Julio Medem 10 votos
4. ¡ÁTAME!, de Pedro Almodóvar 7 votos
5. ¡AY CARMELA!, de Carlos Saura 6 votos
5. ABRE LOS OJOS, de Alejandro Amenábar 6 votos
5. MARTÍN (HACHE), de Adolfo Aristarain 6 votos
5. UN LUGAR EN EL MUNDO, de Adolfo Aristarain 6 votos
6. SOLAS, de Benito Zambrano 5 votos

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Tras Cine de los 90, Cinoscar & Rarities está realizando un macrosondeo del CINE DEL S. XXI. Nuestro objetivo: decidir entre todos las MEJORES PELÍCULAS DEL 2000 - 2009. Los resultados de la encuesta se darán a conocer a partir de otoño, tanto en el grupo de facebook CINE DEL S. XXI como en el blog y podcast de Cinoscar & Rarities. Necesitamos el mayor número de participantes posibles, así que... ¡no lo dudes! Hay tiempo HASTA EL 30 DE AGOSTO. ¿Cómo participar? ¡Muy fácil! Se trata de elegir las 5 MEJORES PELÍCULAS DE CADA AÑO (o sea: 5 films del año 2000, 5 del 2001... y así hasta llegar al año 2009). Importante: seguimos el AÑO DE PRODUCCIÓN, no de estreno (el año de producción se indica en la ficha de Filmaffinity o IMDB de cada film). Puedes mandarnos tu lista de películas mediante MENSAJE PRIVADO en redes sociales (@CinoscaRarities) o correo a la dirección cinoscararities@gmail.com. ¡Os esperamos!

viernes, 11 de agosto de 2017

CRÍTICA | DESPERTARES (AWAKENINGS), de Penny Marshall


El largo sueño
DESPERTARES (AWAKENINGS), de Penny Marshall
3 nominaciones al Óscar, incluyendo mejor película. National Board of Review a los mejores actores
EE. UU., 1990. Dirección: Penny Marshall Guión: Steven Zaillian, a partir del libro Oliver Sacks Fotografía: Miroslav Ondricek Música: Randy Newman Reparto: Robert De Niro, Robin Williams, Julie Kavner, Ruth Nelson, John Heard, Penelope Ann Miller, Alice Drummond, Judith Malina, Barton Heyman, George Martin, Anne Meara, Richard Libertini, Steve Vinovich, Bradley Whitford, Max von Sydow, Peter Stormare, Vin Diesel Género: Drama Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 15/03/1991
¿De qué va?: Malcolm Sayer es un doctor especialista en neurología que acepta un trabajo en un hospital neoyorkino. Acostumbrado a trabajos de campo y tareas de laboratorio, se siente abrumado con el trato de los pacientes y las relaciones con el resto de médicos. Su curiosidad científica hará que algunos enfermos en estado vegetativo prueben una droga revolucionaria. El primer beneficiado de este método será Leonard Lowe, un hombre que perdió la mobilidad de todo su cuerpo siendo apenas un niño.


Despertares (Awakenings) es un título más en la lista de melodramas académicos que afloran en cada temporada de premios. En esta ocasión, la directora Penny Marshall se sirve del caso real de un neurólogo para desplegar una historia blanca, con buenas intenciones y, por qué no decirlo, notables resultados. La película, a pesar de su tendencia a la sensiblería, reflexiona sobre el trato a los pacientes, el significado de la vida, el amor como vía de escape y la comunicación entre los seres humanos, un muestrario de temas que hacen de Despertares (Awakenings) una cinta muy atractiva, analizable a distintos niveles, tanto científicos como místicos. A la función aporta un Robin Williams menos amanerado de lo habitual (da vida a un médico capaz de obrar milagros) y un Robert de Niro bastante excesivo como paciente afectado de encefalitis letárgica (en un prototipo interpretativo cercano al de otros trabajos nominados como el Hanks de Forrest Gump, el Penn de Yo soy Sam o el Redmayne de La teoría del todo). También destaca su delicada banda sonora, capaz de aportar un toque de realismo mágico incluso en los momentos más dramáticos. La suma final es un producto disfrutable que interesa más cuando se entrega a las deducciones médicas y abandona la descripción de personajes (y, por lo tanto, cuando rebaja sus dosis de "buenismo" fílmico). Reproches aparte, el equipo de Marshall puede estar contento porque Despertares (Awakenings) ha vencido el paso del tiempo con mucha dignidad. Aunque ahora es imposible no visionar la película sin invertir los roles de sus dos estrellas: si pensamos que De Niro es el médico y Williams es el enfermo, como finalmente fue en la vida real, la película se abre a nuevas lecturas que nos llenan los ojos de lágrimas.


Para fieles del melodrama lacrimógeno
Lo mejor: La humanidad de sus actores (Williams merecía también candidatura al Óscar).
Lo peor: El capítulo que compete al romance de Williams y una de sus enfermeras.


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jueves, 10 de agosto de 2017

CRÍTICA | LA HORA DEL CAMBIO, de Salvatore Ficarra y Valentino Picone


Cambiar (pero no mucho)
LA HORA DEL CAMBIO (L'ORA LEGALE)
Italia, 2016. Dirección: Salvatore Ficarra y Valentino Picone Guión: Salvatore Ficarra, Valentino Picone, Edoardo De Angelis, Fabrizio Testini y Nicola Guaglianone Reparto: Salvatore Ficarra, Valentino Picone, Vincenzo Amato, Antonio Catania, Sergio Friscia, Eleonora De Luca, Alessia D'Anna, Ersilia Lombardo, Leo Gullotta Fotografía: Ferran Paredes Género: Comedia. Sátira política Duración: 85 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 11/08/2017
¿De que va?: Pietrammare es un pueblo dominado por la corrupción. Las tornas cambian tras los resultados electorales. Dos hosteleros, amigos y familiares del nuevo alcalde, sufrirán en sus propias carnes lo que implica vivir y trabajar de la forma más "legal".


La parodia nacional sigue dando muy buenos réditos a nuestros vecinos italianos. Tras el éxito de taquilla de Un italiano en noruega, el país alpino prueba suerte en la cartelera veraniega con La hora del cambio, enésima exageración de todos los clichés que se puedan imaginar. Salvatore Ficarra y Valentino Picone dirigen, escriben y protagonizan (en resumen: eclipsan) esta disparatada crónica de un pueblo que, tras celebrar la entrada en el ayuntamiento de un nuevo alcalde, se dará cuenta que vivía mejor saltándose las leyes. La película discute sobre la corrupción, sus efectos y sus participantes, e incluso nos insta a reflexionar hasta qué punto los marcos legales potencian modelos de convivencia artificiales, al borde de lo insostenible. La reflexión, con todo, se evidencia a los pocos minutos de metraje: lo que sigue a su estimulante planteamiento es una comedia ruidosa, con personajes casposos, chistes evidentes y una narración que se apiada de sus odiosos protagonistas. Y es que el cambio, en términos cinematográficos, y a falta de nuevas reformulaciones, ya se produjo décadas atrás: para contextualizar estos tiempos de políticas insensibles y ciudadanos cansados, nada mejor que remitirse al Neorrealismo italiano. O, en su defecto, a Berlanga (más cómico y, en esencia, "más nuestro"). La hora del cambio es puro cómic, espectáculo tontuno, evasión de multicines. Tan acomodaticia y masticada que, en el fondo, propugna el mensaje contrario que parece defender: pan y circo... sin pensar demasiado. Otra oportunidad fallida para ennoblecer una comedia europea que sigue explotando con mínimas variaciones la fórmula de Bienvenidos al norte.


Para espectadores que no se cansan de reírse de las miserias propias y ajenas.
Lo mejor: El arsenal de chistes es tan elevado que, por pura estadística, ríes en algún momento.
Lo peor: Su condescendencia.

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miércoles, 9 de agosto de 2017

CRÍTICA | THELMA & LOUISE, de Ridley Scott


Amigas fugitivas
THELMA & LOUISE
Óscar y Globo de oro al mejor guión. Espiga de oro a la mejor película
EE. UU., 1991. Dirección: Ridley Scott Guión: Callie Khouri Música: Hans Zimmer Fotografía: Adrian Biddle Reparto: Susan Sarandon, Geena Davis, Harvey Keitel, Michael Madsen, Brad Pitt, Christopher McDonald, Stephen Tobolowsky Género: Comedia dramática Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 22/11/1991
¿De qué va?: Thelma es una ama de casa cansada de la tiranía de su marido. Louise es una camarera de vida disoluta que no acaba de comprometerse con su novio. Un fin de semana, ambas deciden viajar por su cuenta y romper la rutina del día a día. Al verse envueltas en un crimen, las dos mujeres deciden escapar hacia Nuevo México.


Antes de arrancar su coche, Thelma & Louise se autofotografían con una cámara polaroid. Esa escena, avance del selfie moderno, describe la esencia todo lo que sigue. La película puede definirse como un cuento de reivindicación femenina, además de una reconstrucción de los códigos de la road movie, un subgénero dominado por lo masculino. Scott se sirve de dos grandes actrices y la mística propia de todo "film de carretera" para brindar un pastiche con arrebatos de comedia, thriller, drama familiar, romance y otros tantos palos que se suman a un abultado cuentakilómetros. Veinticinco años después de su éxito, de Thelma & Louise quedan algunas escenas bien resueltas, la química de sus cabezas de cartel y la sensación de que Scott, por lo general un director poco solvente fuera del cine fantástico, supo aprovecharse de la mística de los paisajes estadounidenses. Con todo, hay que evidenciar que la imagen que se desprende de la mujer en Thelma & Louise ha quedado obsoleta, a la vez que cuesta encajar que todos los personajes masculinos, sin excepción, sean tan desagradables. Lo dicho me distancia enormemente de la historia e impide que pueda disfrutar de esta escapada de tintes feministas, básicamente porque la sensación de libertad, de romper tabúes, de acabar con lo establecido o de ponerse el mundo por montera se asienta sobre una falsedad: el esquematismo de "buenos y malos" tan habitual en el cine norteamericano. Thelma y Louise, ambas desgraciadas pero cada una a su manera, se convierten en fugitivas para diversión del público, si bien esa decisión implica unos riesgos que el final cierra con un simbólico salto al vacío, apiadándose de sus personajes pero sin rebajar los delitos que han ido acumulando entre motel y motel. Quien escribe siente auténtico pavor al pensar que algunas espectadoras, cual Thelma en estado de desesperación, acepten que tener un affaire con Brad Pitt es la mejor manera de dar carpetazo a una existencia que no les satisface. En definitiva, una película notable en sus logros técnicos y artísticos, pero, a riesgo de ser tachado de moralista, con algunos mensajes tan subliminales como deleznables.


Para viajar por la Norteamérica profunda sin moverse de casa.
Lo mejor: Sarandon y Davis.
Lo peor: El paso del tiempo no ha jugado a su favor.


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martes, 8 de agosto de 2017

LAS PELÍCULAS DE LOS ÓSCAR 2018 | CANNES


Desde Cinoscar & Rarities repasamos en 4 posts especiales las posibles contendientes a los Premios Óscar 2018. Las fechas de estreno apuntadas en este artículo pueden variar.

El Festival de Cannes es siempre el principal escaparate cinematográfico y el lugar en el que las películas más destacadas del curso empiezan su carrera comercial. Esta edición de 2017 ha polarizado a todos los presentes, hasta el punto de dejar el medallero sin la tradicional película de consenso que supuso años atrás El hijo de Saúl o Toni Erdmann. Ante tal panorama, es difícil vaticinar qué recorrido internacional y cuántas posibilidades de galardones tendrán las cintas presentadas en la sección oficial cannois.


Todas las atenciones las concentra The Square, Palma de oro y consagración definitiva para el realizador sueco Ruben Östlund. Östlund sorprendió a todos con Play, Involuntario y sobre todo con Fuerza mayor, con la que llegó a la shortlist del Óscar a la mejor película de habla no inglesa. The Square cuenta en clave de sátira los avatares del director de un museo de arte contemporáneo. 140 minutos de humor típicamente nórdico, a priori demasiado radical para los gustos académicos a pesar de la bendición de Pedro Almodóvar y su jurado. Tras inaugurar la sección Zabaltegui-Tabakalera del Festival de San Sebastián, en España la podremos ver a partir del 10 de noviembre.


Sofia Coppola se convirtió este mayo en la segunda mujer en alzarse con la Palma a la mejor dirección. Tras recibir críticas desiguales en Cannes con Maria Antonieta y The Bling Ring, su nueva baza, La seducción, promete devolver a la hija de Francis a la primera división cinematográfica. Se trata de un remake de El seductor, con un granado reparto femenino (Kidman, Dunst, Fanning) que "cuida" un soldado malherido (Farrell). En Estados Unidos ya se ha estrenado y en nuestro país lo hará en breve: su lanzamiento está previsto para el 18 de agosto.


Yorgos Lanthimos sorprendió a todos, primero con Canino y luego con Langosta. Ambas, a pesar de ser dos propuestas poco o nada convencionales, llegaron hasta la alfombra roja del Dolby Theatre, por lo que las expectativas de The Killing of a Sacred Deer, de nuevo con Nicole Kidman y Colin Farrell, son muy altas. La cinta ha confirmado su exhibición en el Festival de Sitges y llegará a las salas generalistas en plena navidad: el 29 de diciembre.


También apunta alto Wonderstruck de Todd Haynes, fábula arty protagonizada por dos niños que habitan Nueva York en dos épocas distintas. Su trabajado envoltorio formal (filmación en blanco y negro, juego de colores, estética preciosista, etc.) hace pensar en varias candidaturas en rubros técnicos, aunque la crítica la recibiera entre entusiasmos y tibiezas. Lo nuevo del responsable de Velvet Goldmine y Carol vuelve a contar con Julianne Moore, como ya hiciera con Lejos del cielo y Safe. Su comercialización en España está confirmada para el primer trimestre de 2018, aunque meses antes tendrá su presentación de largo como Perla del Zinemaldia.


You Were Never Really Here podría darle al excéntrico Joaquin Phoenix otra intentona de Óscar. En paralelo, Robert Pattinson y Adam Sandler, hasta ahora tan alejados de la esfera académica, aspiran a la estatuilla respectivamente con Good Time, thriller de robos y atracos, y The Meyerowitz Stories, dramedia familiar al más puro estilo indie. Ambas, además, parte del catálogo de un Netflix que, tras recibir varapalos en Cannes, quiere resarcirse en el corazón de la industria: Hollywood. O, por qué no, la gloria puede ser para The Florida Project de Sean Baker, la historia de dos niñas que hacen todo tipo de trastadas en una urbanización semiabandonada. Todas ellas, eso sí, tienen garantizado un espacio privilegiado en los Independent Spirit Awards.


Aunque lo mejor en los Óscar es ir de la mano de los hermanos Weinstein. Ese privilegio lo ostenta Wind River, dirigida por Taylor Sheridan, guionista de Sicario y Comanchería. La combinación promete: drama familiar, thriller nevado, referencias a la comunidad india y un notable aroma a western. Aspira a ser la nueva Winter's Bone o Frozen River. El guión, la fotografía y el papel dramático de Jeremy Renner huelen a oro. En unos meses sabremos si su periplo termina en la historiografía de los Academy Awards.

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lunes, 7 de agosto de 2017

SEMANARIO 116 | CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 (II)




¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de Cinoscar & Rarities. En el margen derecho del blog, en la sección 'Semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.


CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 15

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 16
CUANDO VUELVAS A MI LADO, de Gracia Querejeta


CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 17
TOM & VIV, de Brian Gilbert
CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 18
VIVIR RODANDO, de Tom DiCillo

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 19
HAPPY TOGETHER, de Wong Kar-Wai
CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 20
LOS JUNCOS SALVAJES, de André Téchiné
CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 21
M. BUTTERFLY, de David Cronenberg
CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 22
CUERVOS (WRONY), de Dorota Kedzierzawska
CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 23
LA FLOR DE MI SECRETO, de Pedro Almodóvar
CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 24
MOVIDA DEL 76, de Richard Linklater
CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 25
¿A QUIÉN AMA GILBERT GRAPE?, de Lasse Hallström
CINOSCAR SUMMER FESTIVAL | PELÍCULA N° 26
SIN REMITENTE, de Carlos Carreras

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017

sábado, 5 de agosto de 2017

CRÍTICA | ABRACADABRA, de Pablo Berger


La España que despierta tras la hipnosis
ABRACADABRA
España, 2016. Dirección y guión: Pablo Berger Música: Pablo Berger y Alfonso de Vilallonga Fotografía: Kiko de la Rica Reparto: Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota, Josep Maria Pou, Quim Gutiérrez, Priscilla Delgado, Saturnino García, Ramón Barea, Javivi, Julián Villagrán, Rocío Calvo, Javier Antón, Janfri Topera, Fabia Castro Género: Comedia dramática. Fantasía Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/08/2017
¿De qué va?: Tras ser hipnotizado durante el banquete de una boda, Carlos es poseído por un ente diabólico. Su mujer, una ama de casa sin éxito, intentará recuperar a su marido mediante mecanismos muy disparatados.


Con sólo tres películas, Pablo Berger ha construido un universo propio, con concomitancias con otros directores como Álex de la Iglesia y Enrique Urbizu. El bilbaíno recurre a lo cañí, lo choni, lo castizo y distintos elementos de la cultura popular, en su mayoría musicales y estéticos, para realizar películas libérrimas, cuyo sustrato no se olvida del oscurantismo no tan pretérito de nuestro país. El de Berger es un cine de perdedores, de supervivientes, de gente anónima cuya vida discurre entre sombras y extrarradios. Tan nuestro y, en el fondo, tan ajeno.


Abracadabra no sólo supone un paso más en su trayectoria, sino que puede entenderse como la cuadratura de un círculo, el capítulo final de una trilogía, tal vez involuntaria, pero sí coherente en cuanto a riesgo y discurso. Como sucedía con la superlativa Blancanieves, ante Abracadabra el espectador debe acatar los mil y un giros de guión, incluso de género, con la docilidad propia de quien deja y quiere ser hipnotizado: Berger es el único que controla el caos que preside su historia, y sólo a él le corresponde saltar de lo sublime a lo ridículo, del blanco al negro y del Carabanchel proletario a la Gran Vía ociosa en cuestión de segundos.


En todas sus transformaciones, Berger cae por defecto en cierta artificiosidad y bordea la caricatura, no tanto por falta de pericia, sino porque la España de los 80 y del presente es, en esencia, una comedia triste que, por surrealista, se diría ficticia. En ese contexto, Abracadabra suma distintos hallazgos (la conversión de la inofensiva El canto de los pajaritos en una melodía satánica, el uso de un homínido como metáfora de la psicosis primitiva del macho ibérico) y completa una crónica de desdicha: si el Javier Cámara de Torremolinos 73 acataba con estoicismo todo lo que se le pedía y la Macarena García de Blancanieves terminaba su periplo llorando en un féretro, consciente de su mala fortuna, la Carmen de Abracadabra no se achanta ante las adversidades y, en el último segundo, decide tomar las riendas de una historia que siempre la había descrito como "la mujer de", "la prima de" o "la madre de".  


Abracadabra, en resumen, es la confirmación de que la creatividad de Berger no tiene límites y de que sus personajes, tras recibir tantos golpes, han decidido empoderarse de una vez por todas. Un final, además, que conecta con el paseo de Gloria al término de ¿Qué he hecho yo para merecer esto! de Pedro Almodóvar, aunque con una diferencia: Carmen Maura volvía a su casa junto a su hijo, un feliz retorno que Berger niega a su Maribel Verdú, por mucho que la bañe en una lluvia que se intuye sanadora. Porque Abracadabra acaba con un interrogante, abierta a nuevas mutaciones y secundarios cazurros. Como esa España peripatética que vive en bucle, en un escenario in albis, queriendo domar sin éxito su brutalidad con una camisa de fuerza.


Para amantes de las películas valientes.
Lo mejor: Te mantiene en una "sonrisa constante", aunque sus fotogramas no siempre sean cómicos.
Lo peor: Puede despistar a una amplia mayoría.


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