viernes, 30 de abril de 2010

RANKING: LAS MEJORES PALMAS DE ORO

El Festival de Cannes llego a su edición número 63 y Cinoscar & Rarities quiere repasar las mejores Palmas de Oro de los últimos once años. En el ranking se incluye gran información de todas las ediciones del festival. Disfrútenlo:



11. FAHRENHEIT 9 / 11, de Michael Moore (EE. UU., 2004) Nota: 5

Presidente del jurado: Quentin Tarantino
Gran Premio del jurado: Old Boy, de Park Chan-Wook
Premio mejor director: Tony Gatlif, por Exils
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: 2046, de Wong Kar Wai
La polémica: Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul
La superproducción: Troya, de Wolfgang Petersen
Participación española /hispana: Diarios de motocicleta y La niña santa; La mala educación (film de opertura)
Películas a concurso: Clean, Nadie Sabe, Los edukadores, Como una imagen, Shrek 2 y La vida es un milagro entre otras.

10. LA CLASE (ENTRE LES MURS), de Laurent Cantet (Francia, 2008) Nota: 6

Presidente del jurado: Sean Penn
Gran Premio del jurado: Gomorra, de Matteo Garrone
Premio mejor director: Nuri Bilge Ceylan, por Tres monos
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: Un conte de Noel, de Arnaud Desplechin
La polémica: Serbis (Service), de Brillante Mendoza
La superproducción: Indiana Jones IV y Kung Fu Panda
Participación española / hispana: La mujer rubia y Leonera
Películas a concurso: Vals con Bashir, Il Divo, El silencio de Lorna, El intercambio, A ciegas (film de opertura), Che: el argentino y Linha de Passe entre otras.

9. EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA, de Ken Loach (Gran Bretaña, 2006) Nota: 7

Presidente del jurado: Wong Kar-Wai
Gran Premio del jurado: Flanders, de Bruno Dumont
Premio mejor director: Alejandro González-Iñárritu, por Babel
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: Volver, de Pedro Almodóvar
La polémica: María Antonieta y Southland Tales
La superproducción: El código Da Vinci (film de opertura), X-Men III
Participación española / hispana: Volver, El laberinto del fauno y Crónica de una fuga
Películas a concurso: Red Road, Chanson d'Amour, Days of glory, Los climas y El caimán entre otras.

8. ELEPHANT, de Gus Van Sant (EE. UU., 2003) Nota: 8

Presidente del jurado: Patrice Chéreau
Gran Premio del jurado: Lejano (Uzak), de Nuri Bilge Ceylan
Premio mejor director: Gus Van Sant, por Elephant
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: Dogville, de Lars Von Trier
La polémica: The brown bunny, de Vincent Galo
La superproducción: Matrix Reloaded, de los hermanos Wachowski
Participación española /hispana: Soldados de Salamina y Las manos vacías (Un certain regard), y Las horas del día (Premio Fipresci)
Películas a concurso: El tiempo del lobo, A las cinco de la tarde, Swimming Pool, Mystic River y Las invasiones bárbaras entre otras.
7. EL NIÑO (L'ENFANT), de Jean-Pierre y Luc Dardenne (Bélgica, 2005) Nota: 9

Presidente del jurado: Emir Kusturica
Gran Premio del jurado: Flores Rotas, de Jim Jarmusch
Premio mejor director: Michael Haneke, por Caché (Escondido)
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: Caché (Escondido), de Michael Haneke
La polémica: Batalla en el cielo, de Carlos Reygadas
La superproducción: Star Wars III, de George Lucas
Participación española /hispana: Batalla en el cielo, Habana Blues (Un certain regard)
Películas a concurso: Una historia de violencia, Zona Libre, Sin City, Manderlay, Lemming (film de opertura), Last Days, Election, Match Point (fuera de competición), Sueños de Shangai y Los tres entierros de Melquiades Estrada entre otras.


6. LA HABITACIÓN DEL HIJO (LA STANZA DEL FIGLIO), de Nanni Moretti (Italia, 2001) Nota: 10

Presidente del jurado: Liv Ullman
Gran Premio del jurado: La pianista, de Michael Haneke
Premio mejor director: Joel Coen, por El hombre que nunca estuvo allí; ex aequo con David Lynch, por Mulholland Drive
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: Mulholland Drive y La pianista
La polémica: Moulin Rouge, de Buz Luhrman
La superproducción: Shrek, de Andrew Adamson y Vicky Jenson
Participación española /hispana: Pau i el seu germà (Pau y su hermano)
Películas a concurso: Millenium Mambo, ¿Qué hora es?, Kandahar, En tierra de nadie, El juramento, Elogio del amor y Agua tibia bajo un puente rojo entre otras.


5. EL PIANISTA (THE PIANIST), de Roman Polanski (Gran Bretaña, 2002) Nota: 10
Presidente del jurado: David Lynch
Gran Premio del jurado: Un hombre sin pasado, de Aki Kaurismäki
Premio mejor director: Im Kwon-taek, por Ebrio de pintura y mujeres; ex aequo con Paul Thomas Anderson, por Punch-Drunk Love (Embriagado de amor)
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: El pianista, de Roman Polanski
La polémica: Irreversible, de Gaspar Noé
La superproducción: Star Wars II, de George Lucas
Participación española /hispana: Ninguna
Películas a concurso: El hijo, El adversario, Bowling for Columbine, Felices dieciséis, Intervención divina, Demonlover, Todo o nada y A propósito de Schmidt entre otras.

4. ROSETTA, de Jean-Pierre y Luc Dardenne (Bélgica, 1999) Nota: 10

Presidente del jurado: David Cronenberg
Gran Premio del jurado: L'humanité (La humanidad), de Bruno Dumont
Premio mejor director: Pedro Almodóvar, por Todo sobre mi madre
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: Todo sobre mi madre y El verano de Kikujiro
La polémica: El proyecto de la Bruja de Blair, de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez (Premio de la juventud)
La superproducción: EDTV, de Ron Howard
Participación española /hispana: Todo sobre mi madre y El coronel no tiene quien le escriba
Películas a concurso: La carta, Pola X, Wonderland, Una historia verdadera, Moloch, Ghost Dog y Abajo el telón entre otras.

3. LA CINTA BLANCA (DAS WEISSE BAND), de Michael Haneke (Alemania, 2009) Nota: 10

Presidente del jurado: Isabelle Huppert
Gran Premio del jurado: Un profeta, de Jacques Audiard
Premio mejor director: Brillante Mendoza, por Kinatay
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: La cinta blanca, de Michael Haneke
La polémica: Anticristo (Antichrist), de Lars Von Trier
La superproducción: UP 3D (film de opertura)
Participación española /hispana: Los abrazos rotos y Mapa de los sonidos de Tokio; Agora (fuera de competición)
Películas a concurso: Malditos Bastardos, Fish Tank, Thirst, Buscando a Eric, Vincere, Les herbes folles, Destino: Woodstock, Vengeace y Spring Fever entre otras

2. BAILAR EN LA OSCURIDAD (DANCER IN THE DARK), de Lars Von Trier (Dinamarca, 2000) Nota: 10

Presidente del jurado: Luc Besson
Gran Premio del jurado: Los demonios en mi puerta, de Jiang Wen
Premio mejor director: Edward Yang, por Yi Yi
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: Bailar en la oscuridad, de Lars Von Trier
La polémica: Bailar en la oscuridad, de Lars Von Trier
La superproducción: Vatel, de Roland Joffé
Participación española /hispana: Ninguna (Sergi López como actor de Harry, un amigo que os quiere)
Películas a concurso: Deseando Amar, Infiel, Persiguiendo a Betty, Eureka, La pizarra, Canciones del segundo piso, Pan y rosas, Código Desconocido, La copa dorada y Los destinos sentimentales entre otras.

1. 4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS (4 LUNI, 3 SAPTAMANI, 2 ZILE), de Cristian Mungiu (Rumanía, 2007) Nota: 10

Presidente del jurado: Stephen Frears
Gran Premio del jurado: El bosque de luto, de Naomi Kawase
Premio mejor director: Julian Schnabel, por La escafandra y la mariposa
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: 4 meses, 3 semanas, 2 días y Luz silenciosa
La polémica: Import/Export, de Ulrich Seidl
La superproducción: Ocean's Thirteen, de Steven Soderbergh
Participación española /hispana: Luz silenciosa; La soledad (Un certain regard)
Películas a concurso: Zodiac, Persépolis, Aliento, My blueberry nights (film de opertura), Al otro lado, Aleksandra, Secret Sunshine, Tehilim, The Banishment y Paranoid Park entre otras.

jueves, 29 de abril de 2010

ALGO PASA EN HOLLYWOOD 4 / 10


La industria cinematográfica merecía una comedia que escudriñara sus entresijos y desmontara la realidad de sus participantes: desde actores hasta directores, de productores a meros ayudantes. Algo pasa en Hollywood viene a representar esta original vuelta de tuerca, no sin caer víctima de un guión elegante pero exagerado y totalmente descompensado. Diseñada a modo de sketches, la película arranca con un test screening, la proyección de una película ante un público que la valora antes de que se estrene en las salas y, como ocurre al final de la historia, sea recibida con aplausos y encendidos pitidos en el Festival de Cannes. Podría haber sido un caramelo para el cinéfilo de pro, algo que desgraciadamente no ocurre: demasiada histeria, nómina excesiva de problemas y una línea argumental sin interés. Los mismos pecados de State of Main, por citar otro ejemplo de cine en el cine.



Los mejores momentos del invento están en las escenas más descabelladas, aquellos paréntesis en los que la película se permite algunas licencias cómicas, algún sano desmelene: hablamos de la fuerza del funeral o la tensión final con la barba de Bruce Willis, minutos que funcionan como un todo desgajado de un conjunto mediocre. Tiene gracia ver a Sean Penn y a Bruce Willis interpretarse a sí mismos, incluso a un Robert de Niro que recupera el gancho de antaño. Mala suerte: la función se enfanga en el esperpento, goza de poca credibilidad y no logra involucrarnos como parte activa del mundo que retrata. Demasiada apática, con un ritmo insuficiente y atractivos bajo cero. Es una lástima, pero la idea bien valía un intento. En otras manos hubiera podido ser una obra maestra, la película de festival y estatuillas que aquí interpreta Sean Penn (la película dentro de la película es genial: ¿para cuándo su rodaje?). Cosas que pasan en Hollywood.

miércoles, 28 de abril de 2010

OBRAS A REIVINDICAR: CLEAN (2004)

'Clean' significa 'limpio' en contraposición a lo que consideramos 'dirty' o 'sucio'. Ése es el camino que persigue la protagonista de esta singular película: viajar desde las profundidades de la droga hasta un futuro nuevo, en un nuevo continente y con una vida totalmente distinta. Es en este trayecto cuando la doble acepción de la palabra adquiere toda su fuerza: 'make a clean break' implica 'cambiar de vida', un acto heroico que no está exempto de dificultades. El título es, como se ha demostrado, más que simbólico: en realidad es el lema de una Maggie Cheung dispuesta a recuperar la estabilidad que no tuvo ni como presentadora televisiva, ni como amante de un cantante de rock ni como ex-convinta enganchada a la metadona. Clean siente atracción por el desorden de su personaje y toma el caos para sí misma: la película es un cruce de culturas que, en conjunto, funciona como demostración de las dos tónicas artísticas de Olivier Assayas (una primera parte anclada en el cine norteamericano con las referencias noventeras de Tarantino, Fincher o Van Sant; y un largo desarrollo en un París de lujo, referencia de un cine de autor, más clásico, de inconfundible aroma europeo). Clean, que podría caer en la trama televisiva, se reinventa a sí misma a la media hora de metraje y nos demuestra que todo lo que sigue está trufado de sorpresas. Cheung, rostro habitual en el cine de Yimou o Kar-Wai, vive en primera persona la deriva existencial de su personaje, un ejercicio de empatía que le valió el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes 2004. Y si hemos evocado la palabra 'clean' como leitmotiv de la obra, su final tambien es sutil, astuto, alegre: la corrupción, ese lado oscuro que el espectador teme en todo momento, pierde ante una conclusión abierta que abraza las segundas oportunidades. No es dura, pero tampoco excesivamente blanda; es lírica, pero no presume de demasiada retórica: Clean es entretenida y directa, siempre sencilla... 'limpia', tal y como prometía.



La película se presta a interesantes relaciones. Cheung y Assayas fueron marido y mujer durante bastante tiempo, un vínculo que se demuestra en cada fotograma. La propia Cheung, que vivió en Gran Bretaña hasta la mayoría de edad, trabajó como modelo, una profesión similar a la de su personaje (la exposición pública como detonante de una vida personal pobre, en ruinas). Incluso la aparición de Nick Nolte relaciona el film con títulos como Aflicción: no por casualidad, Clean abarca territorio estadounidense, canadiense y francés, siempre con la impronta asiática de su estrella principal. Pocas rarezas utilizan tanto y tan bien su componente ecléctico, multicultural y esquizoide: Clean es difícil de clasificar aunque, paradójicamente, es un título accesible, nada ampuloso. Una película a recuperar que, como regalo final, nos ofrece una actuación en directo de Maggie Cheung (una melodía susurrada y un cielo a todo color anterior a los títulos de crédito). Apúntenla en la lista de visionados urgentes.

martes, 27 de abril de 2010

LA MUJER RUBIA 6 / 10

El cine de Lucrecia Martel nunca ha sido fácil. La mujer rubia, su tercera obra, es el relato más desnudo de su creadora, y también el más elaborado, con los planos más complejos y una poesía todavía más fúnebre, críptica y enigmática. Martel cuenta por elisión, acoge un tono místico que apabulla y no tiene miedo de adormecer a cierta audiencia. En La mujer rubia no sucede nada y, a la vez, nos invaden multitud de intuiciones y sentimientos. La anécdota es aquí el pilar del relato: una mujer extraña, tan bella y turbadora como las damas de Hitchcock, atropella a una silueta extraña, un perro o una persona, un misterio que nunca responderemos ya que la lluvia, caprichoso símbolo del destino, limpia cual cómplice los restos del crimen. Hay tensión y muerte, pero no asesino (acuérdense de Caché). La culpabilidad es imborrable y Vero, una burguesa decadente, se paseará durante una hora y cuarto cual alma en pena, cual vaquero sin indios ni pistolas. Martel no juicia a su personaje, pero retrata de forma agobiante e irónica la hipocresía de una sociedad que vive de espaldas a los problemas, que no ayuda, que se encierra en su castillo de opulencia y que se pudre lentamente. El final, cuando la película ya se ha confirmado como thriller místico y silente, no es feliz: la protagonista recupera el aliento, deshace su tinte postizo y se difumina en una fiesta cualquiera. Siempre rodeada de gente y, paradójicamente, siempre sola. Y Martel, que eleva a metáfora cualquier detalle, nos deja preguntádonos el por qué de tanta desazón: la crisis de los cincuenta, la soledad, problemas familiares, problemas matrimoniales, falta de afecto o depresión como síntomas más plausibles. En todo caso, enfermedades que, como la película, pesan como una losa, estrujan el cerebro del espectador y ponen a prueba la paciencia de la platea al alargar el cuento, al estirar la retórica. Se añora más consistencia, pero, como ya sucedía en La ciénaga y La niña santa, el tempo que imprime su autora es personal, imborrable, atemporal. Una película que anestesia.



La mujer rubia, que en su día, por un capricho de los productores, fue La mujer sin cabeza (el matiz es importante), es una película fantasmal. La protagonista no hace ni dice demasiada cosa, con lo que la oscuridad de los planos y el ingenio de la directora se las apañan para transmitir más y mejor. En cierta forma, La mujer rubia es una película ingenua: consigue que la apatía de sus seres impregne a la audiencia, pero se olvida que este sentimiento, por sí solo, ni es placentero ni invita al debate. Lo simple y lo grave no casan a la perfección como sí ocurría en La ciénaga. Puede entenderse que Martel se haya confiado tras dos obras excelentes, o también puede entenderse la cinta como la puerta hacia un cine más críptico, mudo y a contracorriente: el tiempo determinará el lugar de una mujer que recibió todo tipo de críticas en el Festival de Cannes de hace unos años. Martel, con sus gafas tamaño familiar y a todo color, sigue siendo una realizadora con un discurso denso, pero sumamente interesante. Lo peor, quizás, de su filmografía, y aún así abierta a múltiples lecturas. Esperamos el relato número cuatro...

lunes, 26 de abril de 2010

LA PELÍCULA DE LA DÉCADA: ÚLTIMAS FINALISTAS

Ya tenemos las últimas finalistas que competirán en mayo. La cosa ha vuelto a estar empatada, aunque en los últimos días la balanza se ha decantado por cinco claras candidatas. Que no sirva de precedente: por primera vez, el blog, a título personal, confiesa que se han elegido las mejores cinco obras. Quiero dejar claro varias cosas:

- La encuesta ha registrado 201 votos, una gran cifra.
- Ninguna película ha superado el umbral del 50%, pero la ganadora de la encuesta por poco lo consigue.
- YA HAY UNA ENCUESTA EN EL MARGEN DERECHO DEL BLOG. ESTARÁ ACTIVA HASTA EL SÁBADO 1 DE MAYO Y LA PELÍCULA CON MENOS VOTOS RESULTARÁ ELIMINADA. De esta forma, nos quedaremos con 9 películas. ¡RECUERDEN: LOS VOTOS OBTENIDOS SE SUMAN!

Aquí tienen el CALENDARIO DE LA PELÍCULA DE LA DÉCADA:

Lunes 3 de mayo: 9 FINALISTAS (La película con menos votos en la encuesta anterior resultará eliminada)

Lunes 10 de mayo: 8 FINALISTAS (La película con menos votos en la encuesta anterior resultará eliminada)

Lunes 17 de mayo: Tras un nueva encuesta, tendremos 7 FINALISTAS (La película con menos votos en la encuesta resultará eliminada).
Acto seguido, SE SUMARÁN TODOS LOS VOTOS QUE LAS PELÍCULAS RESTANTES HAYAN SUMADO DURANTE TODO EL MES. LAS 2 MENOS VOTADAS RESULTARÁN ELIMINADAS. De esto surgirá la ÚLTIMA ENCUESTA, con 5 PELÍCULAS / OPCIONES DE VOTO (sólo se podrá votar 1 título: el ganador).

Entre el 18 de mayo y el 30 de mayo: El blog publicará posts especiales defendiendo a las 5 finalistas.

Martes 1 de JUNIO: Publicación del ranking final con la GANADORA. La cinta ganadora será aquella que logre mejor puntuación en la última encuesta. En caso de empate, se volverá al ranking de todo el mes y la ganadora será el título con mayor número de votos.

He aquí vuestro ranking:

1. MILLION DOLLAR BABY, con 94 votos
Siempre ha sido una de las favoritas y nuestra boxeadora favorita sigue sin conocer la derrota. Se corona como la más votada de las semifinales y esto huele a victoria. Ha conseguido el 46% de vuestros apoyos y es la rival a batir. ¿Ya tenemos ganadora?


2. MATCH POINT, con 87 votos
Sorprende que Match Point siga con tan buen pié porque la competencia era dura. Se confirma como la mejor cinta de Allen y uno de los títulos de referencia. Pasa a la final con mayor facilidad que antaño, y eso también choca. Entre el boxeo y el tennis, las espadas siguen alzadas.


3. POZOS DE AMBICIÓN (THERE WILL BE BLOOD), con 81 votos
Ni el más optimista podía presagiar el éxito de la cinta de Anderson. Sufrió un empate con Expiación y ahora, eliminada la cinta de Wright, pasa a la final sin rasguños. La película de la década ha hecho justicia a esta obra maestra que, como el volcán islandés, sigue activa: su pozo chorrea y huele a gloria.


4. MYSTIC RIVER, con 78 votos
Eastwood competía contra él mismo... ¡y ha ganado por partida doble! Mystic River, un peldaño por debajo de su compañera, pasa a la final y confirma a su director como el mejor de la década (Amenábar, que también se presentaba con doblete, no ha cuajado). El corazón deberá dividirse porque pronto sólo podremos votar a una.


5. VOLVER, con 77 votos
Almodóvar estará en la final y Cinoscar & Rarities se alegra muchísimo. Junto a Camino, será la representación española de una final muy reñida. La tía Paula, Raimunda y sus compinches confirman cuál es la mejor película del manchego. ¿Volverá a ganar?


Las eliminadas han sido:

6. MALDITOS BASTARDOS, con 71 votos
7. LOS OTROS, con 70 votos
8. REVOLUTIONARY ROAD, con 65 votos
9. MAR ADENTRO, con 44 votos

Sorprende el excelente mantenimiento de las películas de Mendes y Tarantino porque, aunque aún son recientes, parece que han calado en la comunidad cinéfila.

LAS FINALISTAS SON:

1. MILLION DOLLAR BABY, con 94 votos
2. ¡OLVIDATE DE MÍ!, con 88 votos
3. MATCH POINT, con 87 votos
4. BROKEBACK MOUNTAIN, con 85 votos
5. POZOS DE AMBICIÓN, con 81 votos
6. AMÉLIE, con 80 votos
7. CAMINO, con 78 votos
8. MYSTIC RIVER, con 78 votos
9. VOLVER, con 77 votos
10. LAS HORAS, con 65 votos

En ROJO: Las películas que, provisionalmente, pasarían a la última encuesta
En NEGRO: La película que, provisionalmente, resultaría eliminada.

El próximo lunes tendremos 9 FINALISTAS (1 menos que ahora) y el número de votos obtenidos subirá. ATENCIÓN: ¡LA ÚLTIMA ENCUESTA SOLO LA DISPUTARÁN LAS 5 PELÍCULAS CON MÁS VOTOS! Nunca 1 voto había sido tan importante. Aún pueden votar por más de 1 título: aprovechen la ocasión. Saludos.

sábado, 24 de abril de 2010

REFLEXIÓN: FROZEN

Cinoscar & Rarities tenía la obligación de encontrar nuevos estilos, nuevas formas de narrar. Frozen se basa sobre una premisa aún no explorada en el Directed by: ¿y si contamos la historia de una mujer... de la que no conocemos absolutamente nada? ¿Sus actos, radicales y al principio incomprensibles, son buenos o malos? Frozen es ambigua y entiende la mujer como alguien complejo y visceral. Frozen entiende que el asesinato, en ocasiones, puede ser el acto de amor más puro: la madre descarriada expía su culpa e inicia un camino doloroso al exterminar aquellas personas que nunca debieron nacer. Frozen entiende la familia como algo salvaje, inestable, corrupto. Frozen cree en el destino y entiende que la desdicha es congénita; que la apatía, cual tara o rasgo físico, se hereda. No hay libertad posible: una hermana está encerrada en la cárcel de la droga, otra en una cárcel real... y la madre, en un mundo de fantasía y falsas apariencias. Frozen significa 'helado': así transcurre la historia, cortante y desordenada; así es el escenario donde transcurre la trama. Como reza la canción de los títulos de crédito 'Me tiene que doler', los seres de Frozen encarnan algo mórbido, tal vez un amor que mata. 'Tengo marfil por costillas y en la garganta arañas', canta Najwa Nimri: hay algo primitivo y cruel en Frozen, un ritual sanguinario, un final fatal... y muchos misterios. La voz narradora se pregunta quién es 'ella' y nunca lo sabremos (no lo debemos saber... en el fondo tampoco lo queremos). Por sus actos los conoceréis y esta aventura se asemeja a un western femenino, a una tragedia antigua, a una road movie en la que solo importa el trayecto, no el destino final. Una posibilidad para disfrutar de las dotes interpretativas de Melissa Leo y un plantel de actrices genial: Sissy Spacek, Saoirse Ronan, Holly Hunter, Bryce Dallas Howard y Abigail Breslin. Feliz lectura.

Pueden leer FROZEN aquí:

http://directedby4.blogspot.com/2010/04/directed-by-4-frozen-xavier-vidal-de.html

viernes, 23 de abril de 2010

LO MEJOR DE... HEATH LEDGER

Heath Ledger nació a principios de abril de 1979, tiempo en el que nadie podía imaginar su repercusión mediática y fama como genial actor de cine. Empezó en la televisión australiana y no tardó en cruzar el charco. Su rostro empezó a ser popular con El patriota de Mel Gibson (¡con solo 20 años!) y con Destino de caballero consiguió la consideración de sex-symbol, un título que renovaría en Casanova. Consiguió dos nominaciones al Oscar, aunque el premio vino de forma póstuma por una película que batió records. La aventura acabó el 22 de enero del 2008, justo cuando Ledger estaba en la cúspide de su carrera. Es una incógnita cómo hubiera continuado la carrera de Ledger tras su soberbio Joker; también es un misterio esa sobredosis accidental que segó su vida. James Dean moderno, niño prodigio, uno de los rostros de la década, un actor que combinó lo comercial con lo indie. Nunca repetía con sus directores y Terry Gilliam es la excepción que confirma la regla. Brokeback Mountain cambió su vida: empezó a jugar en la primera división del star system y su romance con Michelle Williams traspasó la pantalla. Objetivamente, no realizó grandes películas, pero su aportación artística es innegable. Visitó el Festival de Venecia en varias ocasiones, aprovechaba su fotogenia y alimentaba su condición de enfant terrible, ahora en forma de leyenda. Esto no es solo una recopilación de lo mejor de Heath Ledger, sino un homenaje a un actor brillante, una de las pérdidas más tristes del séptimo arte.

LEDGER SEGÚN GILLIAM

EL IMAGINARIO DEL DOCTOR PARNASSUS (2009)
Su último estreno.

EL SECRETO DE LOS HERMANOS GRIMM (2005)
Ledger artista, escritor, trotamundos y cuentista.


EL LEDGER ÉPICO

EL PATRIOTA, de Roland Emmerich (1999)
Bajo el regazo de Gibson. El escudero que devino guerrero.
LAS CUATRO PLUMAS, de Shekhar Kapur (2002)
Superproducción fallida. Bueno en el amor y en la guerra.


NED KELLY, de Gregor Jordan (2003)
Rifle en mano y con barba. Aún así, el film fue un fracaso.


CASANOVA, de Lasse Hallström (2005)
De cama en cama. Un Casanova que decoró carpetas adolescentes.


I'M NOT THERE, de Todd Haynes (2007)
Dylan es épico y Ledger formó parte del puzzle de Haynes. Lástima que falten (y sobren) piezas.



RANKING: LO MEJOR SEGÚN CINOSCAR & RARITIES

5. CANDY, de Neil Armfield (2006)
Ledger llorando, riendo y saltando en un experimento indie.


4. DESTINO DE CABALLERO, de Brian Helgeman (2001)
Demostró que podía protagonizar un film... y ganar todo tipo de torneos. Poder rubio.


3. MONSTER'S BALL, de Marc Foster (2001)
Su papel es pequeño; su personaje, muy grande, la esencia de una trama en carne viva.


2. BROKEBACK MOUNTAIN, de Ang Lee (2005)
Ennis del Mar ya es inmortal. La escena de la década: ese abrazo a una americana simbólica.


1. EL CABALLERO OSCURO, de Christopher Nolan (2008)
Nunca un muerto dió tanto yuyu. Una sonrisa de escalofrío.

jueves, 22 de abril de 2010

SECRET SUNSHINE 7 / 10

Tras la muerte de un ser querido, todos somos susceptibles y vulnerables. Aunque Shin-ae ha sufrido mucho, decide mudarse al pueblo de su difunto marido. Ella no le debe nada a alguien que en su día la pegó y que frustró su carrera como pianista, pero un lazo ancestral la lleva a Milyang. Empieza a trabajar: primeros síntomas de mejora, sus primeros pasos hacia la independencia total y la felicidad plena, sin ataduras ni tapujos. Pero el camino de la protagonista se asemeja al de una heroína desdichada: pierde a su hijo y, como resultado, inicia un viaje hacia los infiernos. Secret Sunshine habla de la soledad, el perdón, el luto y la necesidad de dar sentido a lo más inexplicable y atroz: la muerte, fría e injusta, que persigue a la protagonista. Secret Sunshine es una película larga, pero no densa: evita el lirismo de Kim Ki-Duk y sus formas son más propias de la prosa que de la poesía. Odisea femenina, epopeya en una ciudad de la Corea más ancestral y pueblerina, Secret Sunshine funciona gracias al trabajo de Jeon Do-Yeon, premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes 2007. Es una historia comedida, tranquila, pausada; y, bajo su apariencia de telefilm de lujo, se esconde un haiku bellísimo. Aún así, hay aspectos que no quedan bien resueltos: véase el prescindible personaje de Song Hang-ho.



Secret Sunshine parece la adaptación literaria de una Madame Bovary coreana. Es difícil determinar si estamos o no ante una película religiosa: sí es una historia mística y una descripción de todos los estados que puede experimentar un ser humano (escepticismo, fervor, dudas y locura final). A pesar de su aspecto espiritual, el ritmo es demasiado aséptico y su metraje precisa algunos tijeretazos (no facilita la identificación del espectador con el personaje, un error considerable). Aún así, Secret Sunshine toca temas universales y es difícil sentir indiferencia con un relato de buenas intenciones y resultados más que satisfactorios. A reivindicar, y más tras su fugaz estreno en contadas salas.

miércoles, 21 de abril de 2010

CARTA A TIM BURTON

TOMA 1. Intento de carta 1. Foto: Burton con su amiguito huesudo. ¿O será imaginario? Quién sabe.

Querido señor Burton:

Este bloggero no tenía fuerzas suficientes para escribirle unas líneas, básicamente porque nunca había entendido su cine. Usted es el protagonista del mes y ha conseguido pasar a mejor vida la fama y las cifras de Avatar. Pero la gesta no fue buscada, tampoco su condición de estrella. Nunca ha seguido las modas porque, sin ser consciente, usted las ha creado. Nos despista, señor Burton: continúa siendo el nerd de siempre con su estética lúgubre, casi inexpugnable. Qué piensa, come o siente Tim Burton es un auténtico enigma y usted vive de lo que esconde e insinúa, no de lo que muestra. Es un mago y sus trucos nos desconciertan. Ahora viaja, o vuelve a viajar, hacia el País de las Maravillas y, sin quererlo (como todo, como siempre), ha roto sus propias reglas. Nunca ha sido comercial, pero tampoco plato de pocos; por ello, espero que entienda la decepción que supone para muchos que abrace y siga los esquemas hollywoodienses. Quizás todo forme parte del embrollo y sea uno de sus nuevos números: como buen prestidigitador, sigue inquietándome. Quiero escribirle y no sé qué decir... volveré a empezar.


TOMA 2. Intento de carta 2. Foto: Burton (aunque podría ser la cara de un colgado del montón) con el pin de Batman (aunque podría ser perfectamente un porro de diseño).

Querido señor Burton:

Usted entiende el cine como un exorcismo a todo color. Parece que sus protagonistas funcionan como alter egos personales, algo que, creo, nos debería preocupar. Su estilo es barroco y nos reta. Tanto adorno hastía: aguanto la primera hora de sus propuestas, pero los tramos finales siempre me provocan asco, pena o tedio. Forma parte de la modernidad y del conocimiento cinematográfico de los menos expertos, pero sus seguidores aman el aspecto visual de sus películas; algo, en el fondo, banal. ¿Demasiados peros, no? Todo en usted resulta ecléctico y a la vez coherente. Debe estar contento: ahora es el presidente del Festival de Cannes, un honor que le catapulta como autor respetado en los dos lados del charco. Decir que a uno no le gusta Tim Burton es un atrevimiento y es políticamente incorrecto. Ya ve que no me corto: hablo de Alicia sin haberla visto, pero es que tampoco la quiero ver. ¿Busca dinero o el respeto de la industria? Ahora lo tiene todo y ello aumenta mis contradicciones y mis ganas de escribir. No resulta indiferente, algo básico porque el cine malo es el que no provoca ni pasiones ni enfados. Usted ni me causa alegrías ni me enerva; no es un estorbo, pero viviría mejor sin sus experimentos en la cartelera. ¿Había dicho que era tímido? Rectifico.


TOMA 3. Intento de carta 3. Foto: Burton in his world. Imagen bucólica; ideal, pero de la muerte... (toma juego de palabras).

Querido señor Burton:

Su mujer, a la vez su actriz fetiche, asegura que no sabía nada de los escenarios de Alicia mientras rodaba la película. Efectivamente, nadie sabe nada, tampoco Johny Depp, al que convierte en sombrerero protagonista por defecto, por vicio o, quien sabe, por imposición comercial. Todo el mundo quiere trabajar con usted porque es una referencia, una marca, un sello. Cómo salir airoso de esto: sus adaptaciones de Batman me resultan patéticas, La novia cadáver está, efectivamente, más muerta que viva, El planeta de los simios causa vergüenza ajena, Sweeney Todd me satura, Bitelchús me asusta y Eduardo Manostijeras, típica y tópica, no pudo cortarme ni un pelo. Usted no tiene un pelo de tonto: ¿todo obedece a un plan meditado o al caos del alquimista? Ahora sé el motivo de tanta verborrea. Esto no es una carta hacia Tim Burton, sino la chapucera evocación de un deseo: que Tim Burton en persona me explique qué, cuándo, cómo, por qué y dónde. Conoce mi dirección y espero respuesta. No tenga miedo, aunque su cine dibuje una personalidad enfermiza y reservada (¿o es todo lo contrario?). Un saludo.

Xavier Vidal

martes, 20 de abril de 2010

TULPAN 7'5 / 10

Hacen falta más películas como Tulpan. En un momento en el que la industria parece repetirse con cada nuevo estreno, milagros como este nos recuerdan que la ficción emana de lo real. Tulpan es una película pura que, aunque parece fácil, es de una complejidad infinita: actores, animales e incluso la climatología se alían para crear largos planos secuencia llenos de sutilezas y con la fuerza de lo que inspira verdad. En Tulpan no se nota la mano de un director, la tinta de un guionista, las tablas de un actor o las tijeras de un montaje: hay, afortunadamente, el libre discurrir de la vida, una exaltación de lo cotidiano, una sensación de verismo mezclada con gotas de exotismo. Nuestra mirada occidental juzgaría de buenas a primeras la vida de unos nómadas en la estepa de Kazajstán, pero la película logra que queramos a sus protagonistas, que sintamos como propias sus aventuras diarias y que celebremos actos tan naturales y bellos como el nacimiento de una cabra, la llegada del camión de agua, las dudas de un joven en busca de esposa, los cantos de una niña o los juegos de un bebé. El paisaje desértico, la tundra sin fin que nos impregna y teletransporta con sus pequeños tornados y movimientos de tierra fina se eleva como escenario mágico y primitivo del que surge lo mejor del ser humano. Al concluir la película, uno tiene la impresión de haber viajado durante unos días hacia tierras lejanas, una sensación que no logra ni el mejor de los documentales. Interesante fábula sobre una familia de pastores, sobre niños que crecen, sobre rituales que se mantienen y sobre la diferencia (una vida agreste y peculiar en contraposición al bullicio de la gran ciudad: la gran duda de nuestro orejudo Asa). Tulpan, evocación de la amante imposible, abraza lo vital y contagia su discurso amable. Mejor película en la sección Un certain regard del Festival de Cannes 2008, mención harto merecida.



Tulpan nos hace pensar cuántas películas dejaremos de ver por el simple hecho de no encontrar distribución o festivales que los promocionen. La experiencia que supone ver la película es tan reconfortante como educativa: logra imprimir el respeto hacia un estilo de vida diferente y defender todo lo que nos une. Tulpan, con sus momentos de humor tímido, se impone como última representante de un realismo mágico que vino del sud de América y que viró hacia tierra balcánicas con el mundo de Kusturica. En Tulpan no hay momentos violentos, tampoco hay cabida para el sexo: es un título necesario y familiar que, pese a lo que elide y elude, sintetiza muy bien el papel de la mujer en oriente (la hermana ama de casa que se dedica exclusivamente a cuidar de sus hijos en un entorno hostil, en contraposición a Tulpan, una mujer que viaja a la ciudad para formarse y romper el estigma de su sexo) o el sistema patriarcal (el padre, que a ratos actúa cual tirano, basa la vida familiar; el hijo que debe buscar esposa para confirmar su condición de hombre adulto). Tras la mongola La historia del camello que llora o la iraní Los limoneros llega una historia sana sobre la tolerancia y el alma. Un intercambio cultural de nivel.

lunes, 19 de abril de 2010

LA PELÍCULA DE LA DÉCADA: 5 PRIMERAS FINALISTAS

El blog ha cumplido su palabra. A las 13:00 en punto (hora española), se ha cerrado la encuesta de la FINAL 1 de LA PELÍCULA DE LA DÉCADA. Ayer comenté en Facebook que la terna estaba muy reñida, pero para mi sorpresa 23 votos de última hora que han decantado la balanza. Quiero dejar claro varias cosas:

- que el blog no tiene por qué estar de acuerdo con las elegidas (las encuestas están abiertas a todos y no hay posibilidad de trampa)
- que este blog no tiene ningún contacto con Ángeles González Sinde (ojalá) ni ningún favoritismo hacia las películas nacionales
- que ninguna de las finalistas ha superado el umbral del 50%, algo que aún convierte la última final en un acontecimiento más impredecible
- que la encuesta ha recogido 208 votos, todo un récord de participación


LAS FINALISTAS DE LPDLD que pasan directamente a la final de MAYO son:


1.¡ OLVÍDATE DE MI!, con 88 votos
La película de Kaufman renueva vuestro apoyo y se convierte en la gran favorita para ganar. Ha ganado todas las listas en las que ha aparecido y ha aunado el voto cinéfilo con el más fan. Todo parece indicar que, cuando sólo se pueda votar a una película, muchos elegirán la aventura desmemoriada de Carrey y Winslet. Una victoria que se intuía.

2. BROKEBACK MOUNTAIN, con 85 votos
Se queda a 3 papeletas del primer puesto... algo difícil de imaginar cuando tuvo que sufrir para estar en semifinales. La cinta de Lee ha ganado nuevos apoyos y esto le ha dado oxígeno para la recta final. No ganó en la encuesta de su año (lo hizo Volver): estos vaqueros han cogido carrerilla y apuntan al podio.

3. AMÉLIE, con 80 votos
Esto es, sencillamente, un expediente X (y en mayúscula). Estuvo empatada con Amores Perros en la primera ronda, se dejó ganar ante Los otros y ahora se eleva como un globo sin techo. Nadie podía vaticinar tal apoyo para la película que más ha sufrido en esta carrera. Amélie tiene fieles incondicionales y no han cesado de votar. Nos alegra que la final huela a gominolas francesas.

4. CAMINO, con 78 votos
Es la sorpresa rotunda de la encuesta. Donde va siembra la polémica. Ha vencido a última hora a pesos fuertes como El pianista y El viaje de Chihiro: increíble pero cierto. El camino de Camino, valga la redundancia, tendrá, al menos, una parada más. Y señores... la cosa no admite duda: ha sido más aplaudida que otras favoritas. Cosas del azar y del cine.

5. LAS HORAS (THE HOURS), con 65 votos
La comunidad bloggera se impuso como seguidora de Las horas y un quinto puesto, tras tanto preliminar, sabe a poco. El reloj no se para, pero el ritmo decae y casi se queda fuera. 13 votos la distancian de su rival más próximo, una diferencia que a día de hoy podría ser insalvable. Pero la cuestión es otra: el buque insignia del melodrama moderno sigue queriendo una medalla.

Y AHORA... LAS ELIMINADAS. Deben saber que el número de votos es muy importante porque, a partir de este criterio, elaboraremos el top 20 de La película de la década. ADEMÁS, LAS PELÍCULAS FINALISTAS CONSERVARÁN LOS VOTOS ACUMULADOS PORQUE LA FINAL DE MAYO SUMARÁ NÚMERO DE VOTOS, NO POSICIONES. PERO ESTO ES ADELANTAR ACONTECIMIENTOS... Se han quedado en la cuneta:

6. Empate entre EL PIANISTA Y EL VIAJE DE CHIHIRO con 62 votos
8. EXPIACIÓN, con 53 votos
9. EL ORFANATO, con 22 votos
10. LAS 13 ROSAS, con 12 votos

Destacan varias cosas:
- La película que registró más defensas por parte de los lectores no pasa a la final: hablamos de Expiación (Atonement).
- Las menos votadas son cintas españolas. Parece que la entrada de Camino viene a compensar la falta de cine patrio en los puestos de oro. Todos los comentarios decían que las películas de Lázaro y Bayona no merecían estar en la final: así ha sido.

El lunes que viene tendremos las otras 5 finalistas; y con ellas, la nómina total de seleccionadas. Aún quedan muchas sorpresas y tela por cortar. Continuará... de momento queremos impresiones, lecturas, comentarios, quejas o alegrías. La película de la década ha dictado sentencia.