jueves, 30 de abril de 2009

POST 200... Y ALGUNO MÁS

El último post de abril quiere ser una mirada al pasado y al futuro, una rápida revisión de lo que este blog fue, es y será. Cinoscar & Rarities empezó en agosto de 2008 con la crítica de Los girasoles ciegos y fue nutriéndose poco a poco de los blogs colindantes (lo confieso: llevaba mucho tiempo leyendo los espacios de Mark Rubio, Mariano, José Barriga y Juan-Javier). Cinoscar & Rarities quiere seguir este camino ascendente con La película de la década, el Cineranking y otros proyectos que unan a los bloggeros para hablar de cine. La actualización de posts, de ritmo bastante rápido, intentará mantenerse, aunque servidor cada día tiene más trabajo. Si sobrevivimos a mayo, el junio nos deparará las vacaciones, el inicio del Cineranking, el primer run-run de los Oscar y mucho cine. Mayo es sinónimo de Cannes, de exámenes y de superproducciones como Ángeles y Demonios (en mi caso, sumo mi cumpleaños y el Festival de Eurovisión, una fricada que me chifla). Con los ánimos de seguir adelante, igual o mejor, apagamos las 200 velas del pastel. De seguir así, el año acabará con 300 entradas, pequeño gran récord. Saludos a todos los lectores, participantes y bloggeros. Gracias.

miércoles, 29 de abril de 2009

SEÑALES DEL FUTURO 6'5 / 10

Alex Proyas no sabe si definirse como autor (al estilo europeo) o como contador de historias (al estilo norteamericano). La diferencia es importante y Señales del futuro marca una tendencia hacia la segunda opción: Proyas dirige los proyectos que quiere, aunque nunca se involucra en el guión y acepta los preceptos de la industria Hollywood. Lo que Proyas es o no es debe alterar nuestra visión de Señales del futuro, film que se incluye de forma descarada en el cupo de obras comerciales, con muchos efectos especiales y confeccionada para amasar millones en taquilla. Tales palabras no son un reproche, sino la demostración de que Proyas, respetado no sabemos exactamente por qué, juega con sus superiores y estos juegan con él, hecho que hace imposible la independencia y madurez del autor (por no relegarlo a la condición de mero recadero). Aquí está la diferencia entre Proyas y, por ejemplo, Shyamalan, cuyo cine ha influído directamente a Señales del futuro. Sea como sea, el título que nos ocupa es un film diferente y bastante satisfactorio, un tanto más inteligente que sus compañeras de género y más eficaz a la hora de plantear preguntas de nivel y entretener a la audiencia con impecables momentos de acción, terror y misterio. El uso de la música o la planificación de algunas escenas (véase el accidente de avión, perfecto ingerto al estilo Monstruoso o REC) nos hacen pensar qué hubiera sucedido si el proyecto se hubiera engendrado fuera del Hollywood donde los productores importan más que los directores. La pregunta está en el aire, pero tememos que Señales del futuro hubiera podido ser un film de culto.



Señales del futuro es un relato de misterio que deviene una película de catástrofes y que vira sorprendentemente hacia la ciencia ficción más existencialista. ¡Menuda mezcla!... ante tal experimento, no nos extraña que el público salga de la sala un poco aturdido, algo que dice mucho a favor de la cinta. El juego de géneros se relaciona con el factor sorpresa y permite a los autores del guión desplegar su paleta de influencias. Cada espectador preferirá un tono o género de la película, aunque es innegable que la mezcla es interesante hasta el punto de que llega a crear una tensión que no nos abandona hasta los títulos de crédito. No ayuda, pese a todo, un Nicolas Cage que se limita a reproducir las caras y gestos de siempre, actor perdido que nunca mereció el Oscar y que ahora persigue el éxito a toda costa (su héroe triste tras la muerte de la esposa es todo un cliché que no funciona). Si sobreviven a ese final Expediente X, Señales del futuro depara una estimulante reflexión sobre el destino (¿está escrito?, ¿todo es fruto de la casualidad?) y un espectáculo digno, ya sea más por cantidad que por calidad. Recomendable.

martes, 28 de abril de 2009

R.A.F.: FACCIÓN DEL EJÉRCITO ROJO 5 / 10

El cine alemán sigue fiel a su cita anual con el cine político, una forma artística de expiar culpas pretéritas, de apagar hogueras con demasiadas llamas. Que una cinematografía como la alemana reflexione sobre su historia es un elemento muy positivo, no solo a nivel cinematográfico, sino pegagógico y social. El cine, arma de gran poder, trasciende en estos casos la oscuridad de la sala y puede llegar a cicatrizar heridas y a abrir debates. Desde Good bye Lenin! hasta el título que nos ocupa, el cine alemán, severo y astuto, no parece acercarse a su historia de forma complaciente, quizá porque son demasiadas las atrocidades que tuvieron lugar en el siglo pasado. Pasado y presente, modernidad y tradición, confluyen en R.A.F., un film que se analizará a partir del buen sabor de boca que nos dejaron Sophie Scholl, El hundimiento y La vida de los otros. Pese a esto, la película que nos ocupa es una obra totalmente diferente, cuyo tema y transfondo evoca nombres como Los edukadores, Munich, Buenos días, noche o la española Días contados, por citar títulos que se relacionen con bandas terroristas y el radicalismo de sus jóvenes integrantes. R.A.F. es la misma historia, aunque un tanto peor.



La película quiere ser el título definitivo y más completo sobre el grupo terrorista R.A.F., una intención loable, pero no exempta de subrayados y de un metraje alargado en demasía. El devenir de unos jóvenes alemanes que durante la década de los 70 abandonaron sus hogares, se instruyeron cual militares en Oriente Próximo y formaron la consabida banda terrorista es la columna vertebral del relato, el motor narrativo de una primera hora y media bastante satisfactoria. La posterior reclusión en la cárcel y las tramas que conciernen a las generaciones más jóvenes de la banda acaban diluyendo el conjunto, seguramente porque ya hemos visto la misma historia en ocasiones anteriores. El estilo, aunque sobrio, quiere gustar a demasiados públicos e incluye unas escenas de acción (la mayoría, tiroteos interminables) que harán las delicias de las plateas adolescentes. R.A.F., por su manera de entender la acción, se presenta como un film joven que hereda los patrones del cine estadounidense contemporaneo (no en vano estuvo nominada al Oscar). Pese a esto, la estructura biografista, larga y grave hasta decir basta, demuestra que el film quiere seguir fiel a los cánones clásicos de informar, a la obligación moral de ceñirse a la realidad, aunque esta sea alambicada y dificil de resumir. He aquí la paradoja de la cinta: su narración y estilo son tan reconocibles y contradictorios como los personajes del film. R.A.F. titubea y al final no parece dispuesta a abrir un debate sólido y valuoso. Nada que ver, por lo tanto, con los que parecían ser sus referentes.



Parece evidente que, tras esta mezcolanda de documental y cinta de acción (hay cosas peores: solo hace falta recordar Valkiria), el camino para un nuevo episodio de la historia alemana se abre a muchas posibilidades. R.A.F. es el paradigma que no debe seguirse: o se es fiel a la historia (El pianista) o se altera la realidad a favor del entretenimiento, asumiendo todas las consecuencias que ello conlleva y sin ofender a la inteligencia del espectador (El libro negro sería un buen ejemplo). Hay que elegir y Edel, director del conjunto, nunca sabe por donde tirar: este es el talón de Aquiles de un film que no dejará ninguna huella. El año que viene, otra (y esperemos que mejor).

lunes, 27 de abril de 2009

SOBRE EL 3D, LOS MULTICINES Y LAS DESCARGAS



Ángeles González Sinde, nueva Ministra de Cultura, recibió su primer día de mandato críticas totalmente gratuitas por parte de algunos sectores y páginas web, todas ellas alegando que una persona como Sinde, fiel defensora del cine español, reduciría el libre servicio de descargas por internet y obligaría a las televisiones privadas a destinar el canónigo 5% de sus ingresos para ayudar al cine patrio. Unos días antes había llegado a las salas españolas Monstruos contra alienígenas, una película que incluía una pequeña revolución dentro del medio cinematográfico: su distribución combinaba copias en 2D y en 3D, pero solo se llenaron las salas que proyectaban el film en 3D. Este panorama sirve para justificar el camino de una industria que cambia más rápido de lo que los espectadores pueden pensar y asimilar.

Los creadores de Monstruos contra alienígenas han sentado las bases de la animación del futuro y han demostrado que el público, ahora por novedad y dentro de un tiempo por rutina, prefiere ver una película en 3D: puestos a pagar siete euros, el público quiere ver un espectáculo, aunque este poco o nada tenga que ver con la magia del cine. El 3D convierte el cine en un parque temático y eso es un peligro. Si el 3D triunfa es solo debido a una pésima cultura cinematográfica, algo que ha devaluado el medio hasta hacerlo irreconocible. Los productores del futuro podrían desechar proyectos interesantes por el simple hecho de que la historia no se adequa al nuevo sistema, aunque cabría imaginar la existencia de un cine paralelo, mainstream y sin publicidad, que aún tendría más dificultades para llegar a las salas, a su audiencia potencial. El cine era el rodaje de la aventura y ahora es la aventura de rodar.

Otra cuestión a debate está en las propias salas, la mayoría de ellas con un sistema de sonido e imagen ya antigua. El boom de los multicines de los 90 peligra con la entrada del 3D, obligando a cambiar la forma de proyectar y promocionar los films. Si las salas no están preparadas (algunas tampoco querrán ni podrán estarlo), lo más correcto sería decir que el cambio va para largo y que solo tendrá incidencia en las grandes ciudades, donde el público podrá elegir qué película ver y cómo verla. Los más damnificados, en resumen, serán los mismos que ahora. Otra solución es crear salas especializadas con sistema 3D, ya sea dentro o fuera de los actuales multicines. La lucha por la taquilla está servida (en todo caso, el cine en mayúsculas siempre saldría perdiendo).



La batalla de Ángeles González Sinde, aunque parezca anacrónica, tiene mucho sentido. Se ha imprimido la cultura del 'todo vale', nos hemos servido muy mal de términos como 'libertad' o 'democracia' y ahora, cuando vemos cambios y restricciones a la vista, clamamos airados. Lo que realmente propone Sinde es una solución entre lo rendible (a nivel económico) y lo correcto (lo decente) porque nuestro sistema capitalista, al producir, olvida el deber moral; al consumir objetos, llegamos a consumir personas. Los espectadores, da igual como (aunque sea a la fuerza), deben aceptar que no pueden acceder a un cd o una película sin abonar cierta cantidad, acto simbólico con el que la audiencia debe reconocer el esfuerzo de sus creadores, de sus mentes pensantes, de sus artistas. Descargarse una película por internet implica aprovecharse del trabajo de otros (al fin y al cabo, siempre queremos que el esfuerzo lo hagan los demás). Quizá podríamos apuntar una excepción: cuando el sistema no funciona, el ciudadano está en su derecho de poder ver films que, por un motivo u otro, nunca se estrenarán (o lo harán con sumo retraso). Las plataformas de descarga controlada y de pago puede ser una solución, pero nunca el sistema a defender en un futuro.

No sabemos cuanto evolucinará la tecnología, hecho que produce incertidumbre a todos los miembros de la cadena cinematográfica y cinéfila. De momento, nadie puede descargarse un film en 3D, aunque debemos ser cautos: todo llegará. Los dos temas (el 3D y las descargas vía internet), preguntas y a la vez respuestas de un sistema corrupto, demuestran que el visionado y la producción de cine están cambiando. Aún queda mucho por recorrer y debatir hasta poder ver el final del túnel. Lo peor será cuando, al echar la vista atrás, no haya posibilidad de regresar. Los descuidos del presente pueden ser los errores del futuro. Hay que andarse con mucho cuidado... y esto no es una película.

domingo, 26 de abril de 2009

SERIES 15: PADRE DE FAMILIA



a Cristian y a Rafa

No había reparado en Padre de familia hasta que mis dos compañeros de piso, entusiastas e insistentes, llegaron a contagiarme su fascinación por la serie. Pieza fundamental de las sobremesas de La Sexta, la serie es la competidora más notable de Los Simpson, aunque sus formas y temáticas, típicamente yankis, no remiten de forma directa a un público europeo, universal. Es más: las diferencias entre ambas series son tantas y tan variadas que no podemos hablar de dos parejas sinónimas, sino de dos productos complementarios, no commutables y siempre interesantes. Los programadores de La Sexta y Antena 3, seguro que involuntariamente, han creado el perfecto complemento: cuando acaba Homer Simpson empieza Peter Griffin, una perfecta combinación en la que puede verse parte de la evolución y la historia de la televisión, la ficción y la animación contemporánea. En este cambio, las historias han perdido su primacía a favor de las referencias, guiños y homenajes a otras series, talk-shows o elementos de la cultura norteamericana, elementos que a veces se nos escapan. También puede detectarse un embrutecimiento de las tramas, una pérdida de la sutileza, del poder de los símbolos: los diálogos de Padre de familia apuntan directos como flechas y a veces, en su esfuerzo por ridiculizar algo o a alguien, consiguen herir. Padre de familia es mucho más hiperbólica, inflada y exagerada que sus émulos amarillos, un intento brutal de satirizar el american way of life sin complacencias.

La serie peca de ser demasiado directa y su estructura muestra varios gags solapados, una estrategia que funciona pero nunca llega a resultar tan satisfactoria e imaginativa como la de Los Simpson. En esta colección de referencias, merece un apartado especial las citas a películas clásicas y actuales, un ejercicio que el cinéfilo agradece. Esto sirve para justificar que Padre de familia copia muchos elementos de sus precedentes animados, una copia casi necesaria porque la idea inicial de Padre de Familia es pareja a la de, por ejemplo, y salvando las distancias, American Dad. El componente friki, diferencias y semblanzas a parte, ha beneficiado a las series de nueva creación, con lo que productos como Padre de familia se pueden permitir excentricidades, cambios contínuos de guión, chistes de todo tipo y digresiones visuales o argumentales que no reunían las primeras temporadas de los personajes de Matt Groening. Radical, joven y muy adictiva, la serie tiene garantizado su pequeño trono dentro de la historia televisiva. Pese a esto, es difícil (casi peligroso) imaginar una serie venidera más hiriente y gamberra que Padre de familia. El tiempo decidirá.

sábado, 25 de abril de 2009

ANÁLISIS: PALMARÉS DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

La 12ª edición del Festival de cine español de Málaga no ha gozado de popularidad ni de seguimiento, básicamente porque la sección oficial albergaba poco atractivo para la prensa, siempre deseosa de personajes famosos y vestidos bonitos. Málaga, al situarse a inicios de año, no es ni un termómetro del mejor cine español de cada año ni un reclamo publicitario para dar a conocer los títulos a competición. Desgraciadamente, el festival ha quedado como un intento por seguir la estela de los Oscar americanos, con el sabor cutre y mediterráneo que da nuestro carácter, cine y geografía. El Festival de Málaga está lejos de ser un festival de prestigio y su misión es ser una reunión de amigos, aunque el público de a pié no esté convidado a la fiesta. Un certamen que se autoproclamó plataforma de la comedia española nos vuelve a sorprender con un palmarés que, aunque rotundo (pocos títulos se han llevado el pastel: eso siempre es sinónimo de coherencia y fiabilidad), vuelve a laurear sin tapujos al drama. Lejos están los pequeños fenómenos que fueron El otro lado de la cama y Torremolinos 73, dos de las más recientes ganadoras del festival. El eclecticismo de la cita ha tenido ganadoras notables (Héctor, Los aires difíciles o Tapas), diferentes (3 días) e irreverentes (Bajo las estrellas), aunque estos títulos no trascendieron en los premios Goya ni se incluyan entre el mejor cine español de la última década. De aquí que el festival discurra agradable pero sin levantar pasiones, consciente de que todo lo que se dice, escribe y ve en el festival goza del poder de lo efímero.



La vergüenza, de David Planell, ganadora de la Biznaga de Oro

Estreno en cines el jueves 30 de abril

Ganar el Festival de Málaga no supone ninguna seguridad de cara a la taquilla, aunque sí un importante reconocimiento económico que posibilita que autores nuevos puedan labrarse una carrera más allá de sus óperas primas. Fieles al cuento de la lechera, nuestra industria espera hacerse un hueco entre las superproducciones norteamericanas de mayo, una difícil tarea que pretende seguir la estela de Los abrazos rotos y Mentiras y gordas, los dos títulos españoles más taquilleros hasta la fecha. El viento sopla a favor de La vergüenza, ópera prima del catalán David Planell (guionista de Siete mesas de billar francés) y Biznaga de Oro a la mejor película y al mejor guión. La obra propone un tema interesante: la historia de unos padres que devuelven el niño que en su día adoptaron. En definitiva, una trama abrupta, de carga dramática y contenido social. Tres dies amb la família (Tres días con la familia), la cinta que despertó el único gran aplauso de la crítica, triunfa al llevarse los premios a mejor actor (Eduard Fernández, gran intérprete) y mejor actriz (Nausica Bonnín). La película, dirigida por la principiante Mar Coll, narra el reencuentro de una familia coincidiendo con la muerte de uno de sus miembros, una premisa dramática a la que muchos auguran una próspera carrera de éxitos. El niño pez consagra a Lucía Puenzo como una directora de sumo interés. La directora volverá a Buenos Aires con el premio del jurado y consciente de ser una de las autoras más prometedoras de Latinoamérica. El público, extraterrestre de otro planeta, prefiere la comedia y premia a Fuga de cerebros, otro gancho juvenil que intentará ganar espectadores. Finalmente, el Pagafantas de Borja Cobeaga (nominado al Oscar al mejor cortometraje por Éramos pocos) se lleva el premio de la crítica, laurel que refuerza su trayectoria comercial.



En resumen, el festival ha seguido las tónicas habituales, un esquema rígido sin demasiados altibajos ni cúspides. La esperanza reside en tres films: La vergüenza, Tres dies amb la familia y El niño pez, aunque servidor sumaría Agallas, un a priori decente ejercicio de cine de género a la española. Ahora la batalla se librará en las salas y las derrotas serán más fuertes y numerosas. Aún queda mucho año y no debemos alimentar la catástrofe: 2009 puede ser un buen año para nuestro cine... y aún queda el periplo de Cannes (con Almodóvar, Coixet y Amenábar) y el Festival de San Sebastián. Seguimos como siempre pero más contentos, náufragos en busca de un salvavidas económico (ya tenga el nombre y rostro de Torrente o El orfanato) y cualitativo (cito a Camino, cómo no). El año que viene, más.

TRÁILER DE LA VERGÜENZA: http://www.youtube.com/watch?v=5QkxNLqIK8w

TRÁILER DE EL NIÑO PEZ: http://www.youtube.com/watch?v=GjYUSEzjkxY

TRÁILER DE PAGAFANTAS: http://www.youtube.com/watch?v=x4M25HLZbKM

viernes, 24 de abril de 2009

LO QUE LOS OSCAR SE DEJARON

El pasado jueves fue el día del libro, una cita sin par para poder ver (y leer) los libros que inspiraron las películas más sonadas de la pasada temporada. La reflexión que tuve mientras paseaba por los estantes de libros fue inmediata: estos Oscar no han aportado nada. Los libros de Benjamin Button, Slumdog Millionaire y Revolutionary road, todos con las caras de los actores (los escritores deberían denunciar esta actividad mercantilista pero criminal), brillaban entre muchos títulos, un auténtico overbooking de papel, ideas y consumismo. El paseo terminó con dos libros en la mochila: El lector y Gomorra (ojo: ediciones viejas, que son mucho más baratas), dos de las mejores películas de estos Oscar (el curioso caso de la no nominación de Gomorra no tiene nombre). Porque estos Oscar no han tenido el nivel de ediciones anteriores y porque Slumdog Millionaire ha sido la ganadora de la mediocridad (del momento histórico, de sus competidoras, de su productora), me refugié en un supermercado (mal lugar, pese a todo), y me hice con los dvds de Expiación y American Beauty, recuerdos de dos años mucho mejores. Los Oscar pasarán, los libros también... pero ya va siendo hora que alguien diga que las mejores películas no estaban nominadas y que, de las elegidas, The reader era la mejor (rectifico: la menos mala). Una vez en la universidad, una compañera me cedió La princesa Mononoke, la confirmación de que un cine mejor es posible. Al día siguiente se estrenaba Ponyo en el acantilado... esperemos, ya sea al menos por el cineranking, que este año sea mucho mejor. Y de paso, otro deseo: que se publiquen guiones originales de películas como Rachel Getting Married y se publiciten tanto o más que sus compañeras. Por pedir que no quede.

Escrito el jueves 23 de abril.

jueves, 23 de abril de 2009

LA PELÍCULA DE LA DÉCADA VI

8 MUJERES, de François Ozon
Shakespeare, Almodóvar, Minelli y Hitchcock se unían en un film de misterio, familia y traiciones, la película más exitosa de François Ozon; un elogio a la mujer en general y a las actrices francesas en particular. Opereta del absurdo, parodia teatral, broma de colores chillones y coreografías imposibles... Hay algo cutre y a la vez angelical en una cinta que engancha. ¿Alguien ha podido olvidar quién era la asesina?






EL CRIMEN DEL PADRE AMARO, de Carlos Carrera
La carrera de Gael García Bernal empezaba con la iglesia, un inicio satisfactorio para una película incómoda, polémica e interesante. Una parábola sobre la maldad y la pobreza, tanto económica como de espíritu, de una sociedad primitiva. Me impactó mucho con doce años, pero el mensaje, corregido y augmentado, sigue polulando. Nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.






LE FILS (EL HIJO), de Jean Pierre y Luc Dardenne
Olivier Gourmet, Palma de oro al mejor actor, interpretaba el padre por antonomasia dentro del universo Dardenne. Coherente con el concepto de cine de sus autores, la hora y viente de Le fils desfila incomprensible, implacable y nerviosa para culminar en un final abierto, tristísimo, a la deriva. Es tan dolorosa que solo admite un visionado. Una película hecha con el alma que habla sobre el alma. Pese a su sencillez, el film es muy, muy grande.





EL PIANISTA, de Roman Polanski
Palma de oro indiscutible para el magno trabajo de Polanski, justo vencedor en los Oscar y genio incansable. Una de las películas más vistas en el cine y en la televisión, un clásico reconocido por la comunidad cinéfila y los menos entendidos. El mensaje, el poder de este viaje hacia el dolor del exterminio judío es accesible a todo el público. Sobresaltados, aún recordamos sus fotogramas y la banda sonora del conjunto. Pieza indiscutible del séptimo arte.





EL VIAJE DE CHIHIRO, de Hayao Miyasaki
Poderosa en sus imágenes, rica en símbolos e interpretaciones, sabio dibujo y absorbente historia... El viaje de Chihiro es magia en estado puro, un cuento sobre el paso de niña a mujer y todos los cambios físicos y psíquicos que ello conlleva. En su crítica, Jordi Costa escribía que el film era ideal para "aquellos que van al cine para no volver"... y estaba en lo cierto. Servidor la considera la mejor película de animación de la historia. Ahí es nada.





IRREVERSIBLE, de Gaspar Noé
Y Cannes se escandalizó. Noé construía un relato al revés con muertes, violencia, sexo, drogas y una violación de diez minutos en un túnel de tonos marrones y rojos. Fea y a la vez poética, Irreversible es un irremediable título de culto, una cinta que molesta y que nadie parece dispuesto a reivindicar. Sirva su inclusión en la lista para augmentar su número de seguidores y detractores.







LOS LUNES AL SOL, de Fernando León de Aranoa
Agridulce historia que en su momento gozó de popularidad y premios. Bardem construía otro icono de nuestro cine con su orondo, pobre y engreído Santa. Genio de las lágrimas y las risas, Aranoa lograba su obra maestra con un relato sencillo y tierno, crítico a la par que divertido. Gran película, aunque nunca debió ser nuestra representante en los Oscar. De haber elegido a Hable con ella, nuestra querida Spain tendría cinco estatuillas. C'est la vie.





LUGARES COMUNES, de Adolfo Aristarain
La Argentina de la crisis volvía a ser el escenario de una película inteligente, sensible, de magnífico guión y mejores interpretaciones. Lugares Comunes mejora como los buenos vinos con cada visionado. Excelente Sampietro y Luppi en este viaje hacia la jubilación y el amor antes del ocaso. Para sacar el pañuelo y utilizar la cabeza. Brillante.








SEÑALES, de M. Night Shyamalan
Uno es fan de Shyamalan y no lo puede esconder. Estimulante fábula sobre una familia desestructurada que recuperará la fe y la unión de antaño tras un particular contacto con la vida extraterrestre. Shyamalan se impone como autor concienzudo y orador de discursos artísticos, repletos de filosofía y sentimientos. Una obra de arte, como casi toda su filmografía.







UNA CASA DE LOCOS, de Cédric Klapish
Éxito en Francia, este alocado retrato sobre un estudiante que viaja de Erasmus a Barcelona es una comedia divertidísima que pone sobre la mesa un tema poco explotado: la vida universitaria en un lugar desconocido. Vivaracha y dulce, el film es todo un icono que habla e involucra a toda una generación. Obra notable, pero la nostalgia y los afectos personajes engrandecen sus virtudes. Irrepetible.


Las ganadoras de la anterior encuesta fueron Iris (27 votos), Donnie Darko (17 votos) y Smoking Room (10 votos). No me explico el primer puesto de Iris, aunque supongo que la lista, menos vistosa que otras, ha beneficiado a los films más conocidos (caso de Iris). Donnie Darko demuestra aquí que la película entusiasma y que es un clásico para muchos. El voto fan y friki le otorga un digno (y provisional) segundo puesto. Smoking Room, otro puntal de culto, ha ganado por la mínima (Infiel y Audition tenían 9 votos). Me alegra la entrada de un film español, sobre todo porque El otro lado de la cama (8 votos), La caja 507 (7 votos, aunque, por unos días, llegó a ser una de las tres más votadas) y Rencor (¿alguíen la vio?... ¡0 votos!) no han pasado la terna. Valoro los 6 votos de Metrópolis, una gran película. Aquí os dejo con la nueva lista y la nueva encuesta. La película de la década continúa viento en popa a toda vela. ¿Favoritos?

miércoles, 22 de abril de 2009

RESPUESTAS A LAS DUDAS DEL CINERANKING

Aquí os resuelvo algunas cuestiones que no han quedado muy claras a juzgar por vuestros comentarios.

- Se que muchos de vosotros no publicáis la crítica de todas las pelis que veis, por lo tanto, NO ME GUIARÉ POR LAS NOTAS QUE ADJUDIQUÉIS EN LOS BLOGS, SINO LA PUNTUACIÓN QUE DÉIS VIA MAIL O POST. De esta forma podéis enviar las notas un poco más tarde, canviar las puntuaciones (ya sabemos que, al recordar un film, este puede ganar o perder fuerza). Con este procedimiento también eliminamos todas las notas con decimales, sometiendo así vuestro juicio a una valoración de una sola cifra (1,2,3,4,... hasta 10). Os recomiendo escribir vuestras notas en un documento world e irlo rellenando a medida que vayáis viendo películas. De esta forma podéis enviar todas vuestras notas juntas, añadir notas nuevas e incluir rectificaciones (de ser así, podéis mandar el documento cuando y cuantas veces queráis de junio hasta abril).

- Visto el entusiasmo, ACEPTARÉ NOTAS A PARTIR DEL 1 DE JUNIO. Importante: ANTES NO (comprenderéis que es época de exámenes y trabajos, algo que me resta mucho tiempo). El 1 de junio publicaré una lista de films susceptible a vuestros votos (la mayoría no sois de España y siempre es bueno una guía, aunque la lista ya sabéis que la hacéis vosotros).

- Las notas que me habéis enviado vía comentario no las tendré en cuenta. Os invito a realizar una lista más extensa de notas a principios de verano.

- Tranquilos por los que no tenéis acceso a títulos españoles: se trata de votar cuantas más mejor... pero no verlo todo. Aunque repito: el cinéfilo más trabajador tiene premio. CONFIRMADO: MARK RUBIO SERÁ EL DISEÑADOR DEL PREMIO CINERANKING.

- Akane y ElChapa se añaden a la lista de participantes. Recuerdo: el plazo para apuntarse acaba el 1 de mayo. Agradecería vuestra respuesta, ya sea para bien o para mal (no tengáis verguenza, sobretodo los participantes del año pasado...). Una vez confeccionada la lista, no habrá marcha atrás (consultad la lista del margen derecho para confirmar que estáis apuntados).

- He pensado que, además de vuestras notas, necesitamos un procedimiento para eliminar empates. Esta ha sido mi idea: en caso de empate, valoraré la nota más alta y la nota más baja de las películas que estén empatadas. El título que tenga la media más alta, gana (un ejemplo: Frozen River quedó la segunda en el pasado CINERANKING, pero nadie le dio un 10. En caso de empate, Frozen River perdería). De momento no tenéis que procuparos por esto: es un proceso que se hará necesario dentro de unos meses.

Saludos a todos. Agradezco vuestras ganas por concursar. El 1 de junio, se abre el CINERANKING!!!!!.

martes, 21 de abril de 2009

ATENCIÓN: NORMAS DEL CINERANKING 09/10

Con la foto de la ganadora del primer CINERANKING nos disponemos a iniciar una nueva etapa que se prevé tan caótica como intensa e interesante. El futuro debe ir sujeto al pasado, con lo que es importante recordar y reivindicar la esencia del primer CINERANKING y sus participantes. La idea de elaborar una tabla crítica surgió como respuesta a la necesidad de crear una plataforma que diese voz y voto a todos los bloggers, uniéndoles y permitiéndoles compartir sus impresiones cinéfilas. Con tal de acotar la lista de films a votar, Cinoscar & Rarities decidió ceñirse a los títulos nominados al Oscar, con lo que el CINERANKING funcionaba en paralelo a la temporada de estrenos y a la redacción/lectura del blog de Javier y Juan, nuestros cronistas oficiales de los Oscar. Ahora el globo se ha hecho muy grande y es necesaria la aplicación de algunos cambios. He aquí una pequeña lista:

1. En el CINERANKING 09/10 pueden cursar las siguientes películas:
- Films nominados en los Oscar 2010.
- Films estrenados en España y/o en Estados Unidos entre enero-diciembre del 2009 y que no hayan obtenido ninguna nominación en los Oscar 2009.
- Films presentes en los festivales más importantes del 2009, aunque no hayan llegado a las salas.
- Films españoles, con o sin distribución internacional.
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De esta forma, aún pueden concursar títulos como Let the right one in o Gran Torino, pero no The Reader o Slumdog Millionaire. También entrarán a votación obras como, por ejemplo, Antichrist (Cannes 2009), aunque el film no se estrene hasta 2010. Por eso, debéis tener en cuenta que la lista definitiva de películas la haréis vosotros de forma espontánea con vuestros posts en los blogs. Primero trabajáis vosotros, servidor trabaja después.

2. El CINERANKING lo forman gente de múltiples paises, con lo que se hace lógico un periodo de votación bastante amplio. Teniendo en cuenta que los Oscar venideros serán en marzo y que las distribuidoras atrasarán al máximo el estreno de los títulos más importantes, he determinado que los votos podrán efectuarse de mediados de agosto hasta finales de marzo, de forma que en abril podamos tener los resultados finales. El CINERANKING, por lo tanto, funcionará en paralelo al proyecto de LA PELÍCULA DE LA DÉCADA.

3. Reitero: el CINERANKING intenta descriminar el mínimo número de películas posibles. Por ello, la tabla también aceptará films que se hayan estrenado en algún festival importante del 2009 (aunque no haya llegado a las salas), además de películas españolas. Si no podéis acceder a estas películas, cosa obvia, no pasa absolutamente nada. Por otro lado, animo a los bloggeros de España que vean cintas nacionales porque ellos serán los únicos que podrán puntuarlas.

4. Sería ingenuo por nuestra parte intentar que el CINERANKING puntuase todos los estrenos del 2009. Me remito a vuestros gustos cinematográficos para obviar algunas películas que, de ser puntuadas, no recibirían el apoyo de la comunidad (por ejemplo, Fast & Furious 4, Una pareja de tres, etc.). El CINERANKING quiere ser una tabla con buen cine y es vital una primera eliminación de títulos para agilizar la creación e interpretación de los datos. La lista, por lo tanto, la haréis vosotros con vuestras críticas y comentarios en los blogs.

5. Y como agilizar el proceso debe ser nuestra máxima prioriodad, LAS PUNTUACIONES NO ADMITIRÁN NINGÚN DECIMAL, DE FORMA QUE VUESTROS VOTOS DEBERÁN LIMITARSE A UN NÚMERO DEL 1 AL 10, SIN EXCEPCIONES. PESE A ESTO, PODÉIS CAMBIAR VUESTRAS NOTAS (por ejemplo, pasar de un 9 a un 8 o viceversa) CUANDO QUERÁIS.

6. El CINERANKING coincidirá con mi segundo año de carrera, algo que me resta tiempo para confeccionar la lista. Teniendo en cuenta que no tendré un acceso pleno a internet de lunes a jueves, agradecería enormemente que vuestros votos los efectuárais mediante comentario en los posts o correo electrónico (repito: xavi_23990@hotmail.com). No debéis confiaros con la publicación de las críticas (con nota) en vuestros blogs. Además, si adjudicáis, por ejemplo, un 7'5 a un título deberéis reflexionar y decidir si votáis un 7 o un 8.

7. Algún participante ha destacado las pequeñas desigualdades de la idea. Esta vez seré un poco más rígido y todos debemos intentar que no hayan películas votadas por todo el mundo y otras con pocos votos. Si Frozen River y Entre les murs se colocaron en la cima del CINERANKING fue, en parte, porque tuvieron pocos votos (y con nota alta). El CINERANKING no puede ni debe obligar a nadie a ver más o menos películas, pero servidor se reserva la posibilidad de descalificar films por escasos votos. Lo ideal sería que una película estuviera puntuada por, al menos, la mitad de los participantes. Veremos hasta qué punto se hará necesaria la aplicación de esta regla.

8. El CINERANKING, a diferencia de la rutina de muchos bloggeros, no es ni intenta ser unos premios de cine. El interés del CINERANKING reside en el propio cuadro, no en quién se sitúa en las partes altas de la carrera. Entiendo, pese a todo, que un reconocimiento a los films votados hará aumentar vuestra participación e interés. Por lo tanto, se premiará de forma simbólica al/los bloggero/s que más películas vea/n y a la/s película/s con la nota media más alta. ¿Alguien está dispuesto a crear un logo con el PREMIO CINERANKING?

9. En vistas a un mayor número de participantes, la lista puede cambiar de formato. Aún no se ha elegido una plantilla definitiva, pero Cinoscar & Rarities hará todo lo posible por crear una tabla pequeña, simple, accesible, leíble y práctica.

10. La lista de participantes continúa abierta. Repito: puede participar todo el mundo, siempre y cuando se esté dispuesto a seguir estas reglas. Si no aparecéis en la LISTA DEFINITIVA DE PARTICIPANTES (MARGEN DERECHO DE LA IMAGEN), debéis enviarme vuestro deseo de participación mediante comentario en los posts o vía mail. Antes de verano, Cinoscar & Rarities dará la lista cerrada de participantes. EL PLAZO PARA PODER PARTICIPAR TERMINA EL DOMINGO 3 DE MAYO. ¡Daros prisa! (aún faltan bloggeros del año pasado que confirmen o desestimen su participación, como Mariano o Cynthia).

Termino con la lista del año pasado, imagen que ya forma parte de la historia de este blog. Animo a todos los indecisos a participar. Saludos.

lunes, 20 de abril de 2009

LMDLD: 4 MESES, 3 SEMANAS Y 2 DÍAS



Título: 4 MESES, SEMANAS Y 2 DÍAS Título original: 4 luni, 3 saptâmani si 2 zile Dirección y guión: Cristian Mungiu Año: 2007 País: Rumanía Duración: 105 min. Género: Thriller dramático Reparto: Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov, Alexandru Potocean, Ion Sapdaru, Teodor Corban, Tania Popa, Cerasela Iosifescu, Doru Ana, Eugenia Bosanceanu, Marioara Sterian, Monica Alexandrescu, Mihaela Alexandrescu, Costica Babu, Costica Bojog, Cristina Buzbuz, Georgeta Paduraru, Adi Carauleanu, Cristian Ciuzan, Alexandru Conovaru, Emil Coseru, Adina Cristescu y Geo Dobre Palmarés: Cannes 2007 (Palma de oro), EFA 2007 (mejor película y director), mejor película de habla no inglesa (crítica de Los Ángeles, Nueva York, Chicago y Toronto), mejor actriz protgonista (Anamaria Marinca y Laura Vasiliu, XIX Festival de Palm Springs); candidata al Oscar por Rumanía Fechas de estreno: 14/09/07 (Rumanía), 25/01/08 (España) Distribuidora: Golem DVD: Cameo

Sinopsis: 1987, justo en los últimos años del régimen comunista de Ceausescu. Gabita y Otilia comparten habitación en una residencia de estudiantes. Cuando Gabita decide abortar, su amiga reserva una habitación de hotel y contacta con Bebe, un hombre extraño que se compromete a ayudarlas. Todo se complicará y Otilia conocerá los infiernos de una sociedad opresora, realizando un viaje físico e interno. Acabada la noche, ya no habrá vuelta atrás.



EL TEMA COMO EXCUSA

No estaríamos tratando 4 meses, 3 semanas y 2 días como la obra maestra que es si el film, pieza clave dentro de la desconocida y escueta cinematografía rumana, no hubiera ganado el Festival de Cannes. La cinta se presentó durante los primeros días del certamen y la premsa apuntaba que Stephen Frears, presidente del jurado, quería premiar el que era su film favorito. Gracias a Frears y sus compañeros de tribuna pudimos disfrutar de este magno retrato de la amistad y el aborto, sin olvidar una secundaria pero siempre presente crítica hacia el régimen del dictador Ceausescu. Mungiu enamoró (a Frears, a Cannes, a todos) con este crudo relato, con una concepción del tiempo y el espacio muy particular, con una historia que sacude al espectador de principio a fin.

4 meses, 3 semanas y 2 días nos propone una historia de amistad inquebrantable. Las dos amigas sellan un pacto secreto al final del film, pero difícilmente podrán olvidar un episodio que marcará para siempre sus vidas. Otilia es la ayudante de Gabita, su cómplice y fiel compañera de habitación; Gabita es la afectada en todos los sentidos: ella se juega la vida y el dinero, su imagen social y futuro. Mungiu crea un interesante cambio de papeles: la guardiana es la protagonista y la que desencadena la acción acaba siendo un personaje secundario. Con esta estrategia, el director rompe las convenciones narrativas clásicas y destaca el sufrimiento del otro, aunque este actúe por y para una fuerza mayor que no controla pero que quiere. He aquí el altruismo de Otilia y el verdadero tema de la obra: la amistad como elemento que mueve a las personas, como elemento necesario en una sociedad empobrecida económica y moralmente. Además, la amistad solo tiene sentido entre mujeres: ellas son las eternas marginadas y deben luchar conjuntamente. El film se eleva como la historia de una unión, aunque ello implique rechazar unas cadenas (el entorno machista, opresor y desconfiado que interroga y detiene a cada minuto el camino de Otilia) y reforzar otras (los sistemas ilegales, la picaresca y las maldades que encierra cualquier dictadura).



Mungiu nunca cae en el dramatismo teatral ni en la frialdad técnica de, por ejemplo, los Hermanos Dardenne. Lo más correcto sería decir que 4 meses, 3 semanas y 2 días es una historia sin género, aunque con mucho contenido. Desprovista de etiquetas, la película juega con los esquemas del cine europeo más reciente y construye una historia poliédrica que, aunque en orden cronológico, no tiene ni principio ni final. Mungiu empieza con la luz del día y acaba en la oscuridad de la madrugada: perfecta metáfora de un cuento que se va alambicando y recrudeciendo a cada minuto. Puestos a elegir una definición, 4 meses, 3 semanas y 2 días es una cinta de terror sin asesino pero con muchas víctimas. Hitchcock creaba tensión informando a los espectadores pero no a sus personajes; Mungiu utiliza la estrategia contraria: nos introduce en un relato que no entendemos y que luego sufriremos en primera persona. La presencia de la noche y la estructuración de algunas escenas (véase todos los mommentos del hotel, diálogos largos y tensos). El estilo refleja el estado interior de los personajes: de aquí que la cámara tiemble y persiga a Otilia cuando corre, y reste quieta cuando el personaje se sienta, cuando se limita a observar, cuando, magullada, cede el protagonismo a otro personaje. Y dentro de este estilo brilla el escenario de la acción, todo un ejercicio minimalista para reflejar sin subrayados las miserias de la época retratada. El miedo de 4 meses, 3 semanas y 2 días está en los propios personajes y los actores logran, cual mensajeros, transmitir una constante e incesante sensación de desasosiego. También asustan todos los cabos que la película deja abiertos: la navaja de Bebe, el posible embarazo de Otilia, el dinero que deben entregar, el examen que nunca se hará o el novio que difícilmente volverá. Otilia, acabada la película, termina sola con la simple compañía de Gabita y sus fantasmas. Ellas están en una sala sin gente mientras oyen el griterío de una boda: irónica imagen porque ambas deben decidir si acatan las normas de su entorno o si proclaman su independencia. La maestría de Mungiu cierra magistralmente el relato porque nada, incluso los detalles más nimios, es gratuito.



EL DEBATE Y LA OBJETIVIDAD

Es tanta la angustia que transmite el film que este no puede entenderse como un ejercicio de nostalgia (ni el pasado fue mejor ni el futuro es más alentador). Pese a esto, no puede tratarse 4 meses, 3 semanas y 2 días como una película pesimista y desesperanzadora porque lo que mueve a sus personajes nace de un sentimiento complejo, humano, puro (incluso Bebe vela por el bienestar de su madre). Mungiu nos dice que la gente puede llegar a ser más buena cuando menos ostenta; el ambiente del film es irrespirable pero sus personajes son seres de carne y hueso, vulnerables, generosos pese a todo.

Mucho se ha escrito sobre si 4 meses, 3 semanas y 2 días es un film en contra o a favor del aborto. Lo más correcto sería decir que cada espectador interpretará la historia según sus opiniones e ideologías aunque Mungiu, más que defender el aborto, defiende la libertad de la mujer, algo más profundo. Dado lo espinoso del tema, se agradece que Mungiu no caiga en tremendismos y ruede todas las escenas con sumo cuidado, defendiendo el precepto de que menos siempre es más. El aborto no es un tema importante en el film, sino más bien la escusa que da pie a toda la acción, a todo el via crucis de Otilia. Con su magno gesto, Otilia se convierte en una heroína atípica que ha aceptado una gesta que no le atañe. Otilia sabe dar aunque Gabita, víctima de la situación, no pueda darle nada a cambio. He aquí la luz que ilumina la oscuridad. Estos metafóricos 4 meses, 3 semanas y 2 días corresponden al tiempo que han perdido las protagonistas; la película, por el contrario, nos muestra un único día, tiempo suficiente para que el error encuentre arreglo. Las protagonistas respiran aliviadas, aunque la tormenta volverá a acechar. Los espectadores tampoco pueden estar tranquilos: la historia, simbólica y terrorífica, continúa indeleble.



La escena más conocida: Otilia cena en casa de su novio. La chica está en medio de la multitud pero nadie la escucha. Ella, preocupada, está de cuerpo presente pero su cabeza está ausente. El imagen de La última cena aparece recurrente.

La escena más impactante: Otilia se arrodilla ante la puerta del baño. La cámara gira bruscamente y vemos el feto de Gabita enrollado en una toalla.

La frase:
Gabita: -¿Lo has enterrado?
Otilia: -¿Sabes lo que haremos? No volveremos a hablar de eso, ¿vale?

domingo, 19 de abril de 2009

SERIES 14: CALIFORNICATION



David Duchovny necesitaba desencasillarse de su Fox Mulder, el elegante e incansable creyente de Expediente X. El guión de Californication era la ocasión perfecta para desmelenarse y destruir su imagen recatada. Más allá de su renacida condición de maduro sex symbol, Duchovny logró un cambio más profundo, relacionado con el gamberrismo de un personaje icónico, un papel complejo, repleto de posibilidades, registros y matices. Su personaje rompía orgulloso los esquemas de la televisión norteamericana (la mayoría de ellos relacionados con la falsa independencia de las féminas de Sexo en Nueva York) y construía una serie novedosa desde una perspectiva masculina. Hank Moody, un artista decaído adicto a la bebida y al sexo, es menos histriónico y radical que Gregory House, y más complejo que la mayoría de los personajes que pululan por la pequeña pantalla. La complejidad del personaje va muy ligada a la estructura narrativa, sabiamente fragmentada en capítulos de viente minutos, de ritmo vivo y tramas consistentes. Si unimos su primera temporada, el resultado es una película de cuatro horas, sin ningún altibajo o trampa. Esta estrategia da a Californication la frescura que precisa y facilita la tarea del guionista y del propio espectador. La forma de novela corta es la mejor manera para evitar subrayados y atraer nueva audiencia en pocas semanas. La fórmula, seguida por Weeds y series de animación, pasa por ser el futuro de la televisión moderna: una narrativa rápida, un estilo visual bien definido e identificable y unas tramas que aten el espectador sin hastiarlo. Tal estructura, muy relacionada con la inmediatez de la publicidad, puede ser un peligro o bién un vehículo para construir venideras obras maestras de la televisión. De aquí que Californication, serie madura y convincente, sea el paradigma a seguir, el camino a explotar. Desengañémonos: ya no se pueden construir historias tan largas y complejas como Expediente X o Perdidos... prueba de ello es que ninguna serie reciente (sobretodo aquellas cuyos capítulos duran cuarenta minutos) ha aguantado tres temporadas seguidas con éxito y nivel.

Californication confirma un cambio de hábitos en la producción y visionado de series. Existe un público adulto entre veinte y cincuenta años que ha substituído los libros por las series, que compra y sigue determinada nómina de títulos, ya sea por afición o esnobismo. Este hecho ha salvado la industria del dvd y ha potenciado la creación de ficciones más arriesgadas: Californication es una de ellas. La serie reinventa la figura del vividor, parodia el concepto de familia (tan abierto a cambios y variedades en estos últimos años) y no tiene ningún reparo en defender unos seres desestructurados, en perpetua búsqueda de la felicidad. La insatisfacción de un colectivo que no quiere seguir los cánones que se le imponen queda representada en la serie, muestra innegable del pesimismo social, de una crisis económica y emocional (en concreto, Moody tiene una crisis de inspiración). Pero siempre volvemos al final feliz porque, tras la oscuridad, defender la familia tradicional puede llegar a ser rompedor. Este es el motivo que se me ocurre para justificar la unión de los protagonistas en los últimos minutos de la primera temporada. Pese a todo, no hay marcha atrás: el espectador sabe que la felicidad complejta no existe y que la televisión debe cambiar para perpetuar la supremacía de la pequeña pantalla. Californication, en definitiva, es una serie actual que habla del 'ahora'. Su calidad, pero, forma parte del 'siempre'.

sábado, 18 de abril de 2009

¿POR QUÉ LOS ABRAZOS ROTOS, DIGAN LO QUE DIGAN, ES UNA OBRA MAESTRA?

- Porque Almodóvar homenajea al cine en general y el suyo en especial. El manchego es consciente de que su cine se ha refinado y que tiende al drama. Pese a esto, demuestra que lo suyo es la comedia y que Almodóvar, siempre igual y diferente, es el mejor director español de la historia.

- Porque nada falta ni nada sobra: todos los diálogos y momentos tienen un significado escondido, una sutileza inaudita. Los abrazos rotos es fondo y forma.

- Porque sabe aunar el drama con pequeños gags cómicos, siempre coherentes, efectivos y para nada gratuitos. Almodóvar domina el arte de escribir y sus guiones tienen una fuerza increíble.



- Porque la cinta nos regala tres escenas de sexo sublimes. Almodóvar dice mucho con muy pocos elementos (ese pie, esa sábana a modo de prisión, esa pasión desbocada...). Tras el barroquismo del estilo, se esconde un juego de pequeñas grandes ideas.

- Porque Ángela Molina, síntesis e imagen de la madre Almodovariana, se merece un camión de goyas con su pequeña pero vital interpretación. Una actriz grande, muy grande.

- Porque la fotografía, la dirección artística y la música son sublimes analizándolas en conjunto y por separado. Almodóvar juega con muchas piezas y al final gana la partida. Alberto Iglesias va camino de su enésimo goya.




- Porque los personajes están vivos, son coherentes y nos invitan a un contínuo debate, a una reflexión que no termina. Excelente Blanca Portillo (el momento monólogo, aunque forzado, es fascinante) y guapísima Penélope Cruz.

- Porque los últimos diez minutos son tronchantes. Ese teléfono, esa cama, esa maleta, esa Carmen Machi y su magdalena... de visionado obligatorio.

- Porque Almodóvar nos regala algunas de las escenas más bellas de toda su carrera (la confesión de Lena a cámara, el abrazo en la playa de arena negra, las manos que tocan el último beso, etc.).



- Porque Almodóvar se declara director de historias, creador imparable, escritor de imaginación eterna. Almodóvar propone varias películas en Los abrazos rotos (mención especial para Dona Sangre... mucho mejor que Déjame Entrar, jj.) y nos demuestra que tiene cuerda para rato.

- Por el alter ego del director, ese Mateo-Harry Caine que viaja en el tiempo y en el espacio. Gran personaje, de lo mejor que haya ideado nuestro manchego.

- Porque la película está recibiendo y recibirá palos por todos los sitios. Su condición de obra menospreciada elevará su leyenda.

- Por ese cartel estilo Andy Warhol. ¡Me pido una para mi habitación!



- Porque el personaje de Ray X, variante negativa del cine, víctima y verdugo del relato, es excelente. Rubén Ochandiano eleva este esquizofrénico personaje al olimpo almodovariano.

- Porque mejora al verla por segunda vez, algo imposible en el 99% de títulos actuales.

- Por tener un plantel de secundarios excelentes (Rossy de Palma y su momento escalera, Chus Lampreave y su reivindación del sexo, Machi y su singular concejala, Kiti Manver y su madame de cuento... incluso Agustín Almodóvar, omnipresente jardinero). ¿Quién da más?

viernes, 17 de abril de 2009

LA PELÍCULA DE LA DÉCADA V

AUDITION, de Takashi Miike
El nombre de Miike, hasta ese momento solo conocido por los entendidos, calentó las tardes de cine de un verano generoso en propuestas de terror. No podría reproducir su argumento, pero sí las sensaciones que despierta. Una de las mejores películas de terror de la década, injustamente ensombrecida por La maldición. No apta para estómagos sensibles. Hay amores que matan... a base de alfileres, jeringuillas y martillos. Masoquismo placentero.






BATTLE ROYALE, de Kinji Fukasaku
Trama apocalíptica, estética oscura, ritmo casi de videojuego y una brutal historia sobre la supervivencia y los bajos instintos de unos alumnos que substituyen el boli por las pistolas. Uno no puede evitar sentir atracción y asco hacia un film heredero de Humor Amarillo y el Manga. Si aún piensas qué es esto, bienvenido al club. Sea como sea, única en su especie.








DONNIE DARKO, de Richard Kelly
Mi profesora de Lingüística y un compañero de instituto la defienden como una de las mejores películas que han visto. Uno, perplejo, la ha revisado tantas veces que ha sucumbido. De qué habla Donnie Darko es un misterio que cada uno debe responder por su cuenta. El inicio indie de Jake Gyllenhaal, el oscuro Donnie; el paradigma de lo raró; un tótem de la cultura alternativa. Pasó sin pena ni gloria por los cines, pero el dvd le ha regalado la segunda vida que precisaba.





EL OTRO LADO DE LA CAMA, de Emilio Martínez Lázaro
Un taquillazo que se hizo pasito a pasito, con el boca a oreja de rigor y una historia veraniega, mezcla de comedia de enredos y musical improvisado. Vega, Alterio, San Juan, Esteve y compañía nos regalaban este helado simpático que no ha encontrado par (ni siquiera su segunda parte). Ganadora del Festival de Málaga.







INFIEL, de Adrian Lyne
Lyne siempre ha jugado en segunda división, pero Infiel, sin reinventar un género célebre en los noventa tras Atracción Fatal e Instinto Básico, era un interesante relato sobre el matrimonio y la crisis de la madurez. El plano final sirve a modo de puntos suspensivos y confirma que, tras la apariencia de superficial taquillazo, había mucho, mucho más. Gran Diane Lane.







IRIS, de Richard Eyre
Antes de rodar Diario de un escándalo, Eyre dirigía con diligencia un biopic academicista, enésima intento de Oscar para Dench y Blanchett (Jim Broadbent se llevó el gato al agua). Relato a dos tiempos sobre la vida de la escritora Iris Murdock, un genio desmemoriado. La memoria cinéfila solventa el problema.








LA CAJA 507, de Enrique Urbizu
El cine español no suele decantarse por los thrillers negros, un género típicamente americano. He aquí la importancia de La caja 507, un singular ejercicio, una mezcla acertada de misterio, gangsters ibéricos y complots urbanísticos. El papel más serio de Antonio Resines. Lástima que Urbizu, miembro de nuestra querida academia (¿captan la ironía?), se prodigue poco. Imprescindible, al igual que La vida mancha.






METRÓPOLIS, de Rintaro
A la altura de Akira, tan mítica como el mejor Miyasaki, Metrópolis es la descripción de un mundo futuro en el que los robots conviven con los humanos. Un relato de apariencia ingenua que toca temas como el absolutismo político y los retrocesos que implican los avances tecnológicos (bonita paradoja). Joya visual poco conocida. De visionado obligatorio.








RENCOR, de Miguel Albadalejo
Albadalejo, aunque veterano, no goza del beneplácito crítico y mediático de otros autores, quizá porque su filmografía es tan irregular como interesante. Aunque servidor prefiere El cielo abierto, Rencor es la tragedia shakespeariana que le dio a Lolita el Goya. Mar Regueras, Elena Anaya y Jorge Perrugorría están estupendos. Muy recomendable.








SMOKING ROOM, de Julio D. Wallowitz y Roger Gual
Minimalista, teatral, histriónico, único e inmediato título de culto. Un excelente plantel de actores se reunían para radiografiar la feria de las vanidades que envuelve toda empresa. Y todo por el tabaco... El partido de fútbol final y el "hoy puede ser un gran día..." sentencian un film que, aunque discutible, perdurará durante mucho tiempo. Mención especial para Dechent, Morón y Fernández.


En este período estival no podemos contar ninguna ausencia importante (quizás Un niño grande, pero tampoco creo que merezca estar en la lista). Respecto a vuestros votos, creo muy significativo que la mayoría de los films hayan sobrepasado los 10 votos, algo inusual que subraya la calidad de las seleccionadas. Mulholland drive gana con una diferencia bastante respetable y se erige como la película a batir de este 2002. Monstruos S.A. ha recibido más puntos de lo esperado, quizás porque la comunidad blogera siempre tiende a lo comercial. En la habitación, Hable con ella y Monster's ball han estado empatadas durante toda la competición, tres dramas que perfectamente hubieran pasado a la semifinal y que han perdido (por la mínima) frente a Gosford Park. Tampoco deslucen los votos indies de Ghost World, que adelanta a Ocean's 11 y gana a El hombre que nunca estuvo allí y Vidocq. Ya tenemos 3 seleccionadas (ver margen derecho del blog) y necesitamos 3 más. Aviso (y quien avisa no es traidor): habrá sonadas ausencias entre las seleccionadas del 2003. La verdad es que quien esto escribe considera el 2003 como el mejor año de la década y muchos títulos pugnan por entrar en la lista. Hay que escoger... y algún mito saldrá malherido. De momento, centrémonos en las diez seleccionadas, muestra del cine español y asiático más importante de los últimos años. ¿Alguna favorita?